Lucas Cranach l’Ancien:
portraitiste, graveur allemand de la Renaissance allemande

Le peintre, graveur et illustrateur allemand Lucas Cranach est l’un des principaux maîtres anciens de la Renaissance nordique. Influencé par les œuvres de son contemporain de Nuremberg Albrecht Dürer (1471-1528), le gothique allemand et les innovations de la Renaissance italienne, il a développé un style individuel de peinture à l’huile combinant paysages et scènes narratives dans un ensemble romantique. Il devient ainsi une figure de proue de l’art de la Renaissance allemande et l’un des fondateurs de l’école du Danube dans le sud de l’Allemagne.

Lucas Cranach est également connu pour ses nus féminins, ses portraits de cour et son art religieux en particulier ses œuvres protestantes tardives. Ses tableaux les plus connus sont Adam et Ève (1528, Offices, Florence), Portrait du Dr Johann Schoner (1529, Musée royal des Beaux-Arts, Bruxelles), Portrait de Martin Luther (1543, Offices, Florence) et Fontaine de Jouvence (1546, Gemäldegalerie, SMPK, Berlin). Son portrait, empreint d’éléments décoratifs, contraste avec les talents de modéliste plus réalistes du grand Hans Holbein le Jeune (1497-1543), son contemporain allemand.

Peintures de Lucas Cranach

Début de la vie

Né à Cronach, en Bavière, son père Hans Cranach était également peintre et souhaitait manifestement que son fils suive ses traces puisqu’il lui donna le nom de saint Luc, le patron des peintres. Lucas Cranach apprend les bases du dessin et de la peinture dans l’atelier de son père, puis il est peut-être mis en apprentissage auprès de maîtres allemands à Bamberg, capitale d’une province voisine.

Les premières années de Cranach coïncident avec les meilleures œuvres de l’école de Cologne en Allemagne du Nord, qui atteint son apogée sous Stephan Lochner (c. 1410-51) au milieu du siècle.

Vienne

Entre 1500 et 1504, Cranach vécut à Vienne, où les premières de ses œuvres conservées furent peintes juste après 1500. Il s’agit notamment, à partir de 1501 environ, de Crucifixion (Kunsthistorisches Museum, Vienne) et de deux panneaux de retable représentant Saint Valentin et Stigmatisation de Saint François (Akademie der Kunst, Vienne), ainsi que, en 1502, d’un panneau Saint Jérôme pénitent et de trois gravures sur bois ; deux Crucifixions et Saint Étienne, datés.

Toutes ces œuvres de jeunesse de Cranach, qui rappellent l’Apocalypse de Dürer (1498), se caractérisent par des figures décharnées et grimaçantes et par un sens prononcé de la nature, qui se manifeste par la prédominance du paysage ou, dans le cas de Saint Étienne, par les deux arbres remplis de dragons et d’anges qui servent de cadre. Le dynamisme de ces premières peintures se retrouve dans la gravure sur bois «Agonie dans le jardin» (1503, Metropolitan Museum of Art, New York) et dans «Crucifixion» (1503, Alte Pinakothek, Munich). Dans ce dernier tableau, les croix, par leur positionnement, sont beaucoup plus intégrées dans le paysage que si elles étaient représentées de face, et cette disposition souligne la signification humaine plutôt que rédemptrice de l’événement.

Conformément à la hiérarchie des genres établie, la plupart des artistes de l’époque se concentraient sur la production de peintures historiques bibliques, mais Cranach, au début de sa carrière, outre les portraits et les œuvres bibliques, appréciait la peinture de paysage pour elle-même et a réalisé de nombreuses peintures pittoresques de cerfs et de sangliers, en utilisant des couleurs vives et des dessins audacieux. D’autres artistes de la région du Danube, comme Albrecht Altdorfer (1480-1538), Jörg Breu, Ruland Frueauf et Wolf Huber, se sont également inspirés de la nature et ont été connus sous le nom d’École du Danube.

Pendant son séjour à Vienne, Cranach a également peint un certain nombre de portraits d’érudits et de leurs épouses, comme le double panneau de l’humaniste viennois Johannes Cuspinianus et de son épouse (1502, Collection Oskar Reinhart) et du recteur de l’Université de Vienne, Johann Stephan Reuss et sa femme (1503, Musée de Nuremberg et Berlin-Dahlem), qui témoignent de ses contacts étroits avec les cercles humanistes viennois.

Peintre de la cour du prince-électeur de Saxe

En 1504, Cranach se voit offrir (et accepte) le poste de peintre de la cour du prince-électeur de Saxe, Frédéric le Sage, à Wittenberg. Il passa le reste de sa vie à Wittenberg en tant que peintre officiel de trois électeurs consécutifs. Il est élu bourgmestre en 1537 et 1540 et est l’ami des grands théologiens protestants Martin Luther (1483-1546) et Philippe Melanchthon (1497-1560). En 1553, il a peint un portrait de Luther, ainsi que des portraits de sa femme, de sa mère et de son père. Cependant, bien que Cranach se sente engagé dans la cause protestante, cela ne l’empêche pas de répondre aux commandes du cardinal Albrecht von Brandenburg - l’un des grands mécènes catholiques de son temps - et d’autres clients du même genre.

En comparant l’œuvre la plus ancienne de Wittenberg - «Martyre de sainte Catherine» (1506, Galerie des maîtres anciens, Dresde) - avec un autre panneau sur le même sujet (1503, Collection privée, Budapest) datant de la fin de son séjour en Autriche, il est possible d’évaluer l’évolution de l’artiste. Les figures dynamiques et agressives du panneau de Budapest sont devenues, dans le tableau de Wittenberg, prudentes et sans emphase ; l’esprit caractéristique de l’œuvre précédente a disparu. Dans le domaine des gravures par exemple dans «Saint Antoine» de 1506 - le style dynamique de la première période a persisté pendant assez longtemps, mais les traits apparus pour la première fois dans «Le martyre de sainte Catherine» deviennent peu à peu plus évidents.

La réputation internationale

En 1509, Cranach se rend aux Pays-Bas pour peindre l’empereur Maximilien et son fils Charles Quint. C’est un grand honneur et cela montre qu’il est déjà l’un des peintres de la Renaissance nordique les plus respectés de l’époque. Jusqu’à présent, lorsque Cranach achevait une œuvre, il la signait de ses initiales.

En 1509, le prince-électeur lui accorde un serpent ailé comme devise personnelle, et ce motif apparaît dans tous ses tableaux à partir de cette date. Bien que le voyage aux Pays-Bas ait considérablement élargi le vocabulaire de l’artiste - il a été particulièrement inspiré par la peinture flamande et la peinture italienne de la Renaissance il a eu peu d’effet sur son style - un style auquel il a adhéré jusqu’à la fin de sa vie et qui, non sans raison, a été considéré comme un déclin de son art.

Abandonnant son souci antérieur d’unir les figures en un seul ensemble, il visait quelque chose de tout à fait différent. Dans le retable de la Sainte Famille (1511, Académie des Arts, Vienne), les personnages, qui se détachent sur le fond sobre des bâtiments, sont représentés isolément. Cette tendance à l’isolement est encore plus marquée dans le retable du cardinal Albrecht von Brandenberg en saint Jérôme dans son cabinet de travail (1526, Ringling Museum, Sarasota).

Si la gravure d’Albrecht Dürer (1471-1528) doit sa force à son atmosphère globale, cette caractéristique est totalement absente du tableau de Cranach. Chaque figure et chaque objet sont clairement délimités, et une perspective plus large est introduite pour créer plus d’espace autour des objets.

Le paysage lui-même, auparavant considéré comme un espace de vie pour la figure humaine, est désormais utilisé comme décor - une caractéristique qui deviendra encore plus évidente dans des tableaux ultérieurs tels que «Chasse au cerf» (1529, Musée d’histoire de l’art, Vienne), où l’horizon est surélevé. La tendance à isoler les figures est également évidente dans de nombreuses peintures de Vénus et Lucrèce . Sur un fond sombre, elles rappellent la Naissance de Vénus «de Botticelli» par leur mode de présentation.

Femmes nues et peintures mythologiques

À partir du règne de l’électeur Johannes (1526-32), Cranach réalise de nombreux nus féminins et des exemples de peinture mythologique, tirés de la mythologie grecque. Parmi les exemples célèbres, citons Adam et Ève (1528, Offices), Vénus (1529, Louvre), Cupidon se plaignant à Vénus (1530, National Gallery, Londres) et Fontaine de Jouvence (1546, Vieille Galerie, Berlin).

Parallèlement, il poursuit l’art religieux - voir : «Vierge à l’enfant sous un pommier» (1530, musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg), ainsi que les portraits, qui restent une part importante de son œuvre tout au long de sa carrière. Cranach nous a laissé en héritage des représentations non seulement des Électeurs de Saxe - voir par exemple Frédéric le Sage (1519-20, Kunstmuseum, Zurich) - mais aussi de Martin Luther, qu’il a peint à plusieurs reprises - voir par exemple Portrait de Martin Luther (1543, Uffizi, Florence).

Parmi les autres portraits célèbres, citons le Portrait du Dr Johann Schoner (1529, Musées royaux des Beaux-Arts, Bruxelles). Les visages énergiquement dessinés se détachent de manière décorative sur un fond globalement homogène et uniformément éclairé. Cranach a également exécuté de nombreuses gravures de portraits sur bois et sur cuivre.

L’art protestant

Travailleur acharné et homme d’affaires avisé, Cranach acquiert la réputation d’être le peintre le plus rapide de la région. Dans son atelier très actif, lui et ses assistants produisaient des aquarelles, des peintures à l’huile et des gravures par tapis roulant. D’après des documents de l’époque, il reçut et exécuta, rien qu’en 1533, une commande de soixante paires de portraits du prince-électeur et de son frère.

En outre, en raison de ses relations étroites avec Martin Luther, Cranach a été encouragé à incarner en images les thèmes les plus importants de la nouvelle doctrine religieuse protestante. Bien que ces œuvres ne soient pas toujours très remarquables en tant qu’œuvres d’art, elles restent importantes en tant qu’illustrations didactiques des nouveaux thèmes théologiques. Le péché originel et L’expiation peuvent être considérés comme les premières codifications de l’iconographie protestante, qui s’est très largement répandue.

Cranach continue à travailler jusqu’à l’âge de 70 ans - voir par exemple son Autoportrait (1550, Uffizi), qui témoigne de la longévité de son pouvoir créatif. Enfin, en 1553, il cède son atelier à son fils, Lucas le Jeune (1515-1586), qui poursuit son style : il est d’ailleurs encore aujourd’hui difficile de distinguer précisément l’œuvre des deux Cranach.

Cranach l’Ancien meurt à Weimar en 1553, laissant derrière lui trois fils et une fille. Il reste l’une des figures les plus remarquables de l’histoire de l’art de la Renaissance du Nord, et l’Église luthérienne continue de célébrer sa vie d’artiste, chaque année le 6 avril.

Sélection de peintures

Les peintures et les gravures de Lucas Cranach se trouvent dans de nombreux musées d’art parmi les plus prestigieux du monde . Ses œuvres les plus célèbres sont les suivantes :

Crucifixion (1502) Musée d’histoire de l’art, Vienne .
Dr Johann Cuspinian (1502) Collection Oskar Reinhart, Winterthur.
Repos pendant la fuite en Egypte (1504) Musée d’Etat de Berlin (Staatliche Museen zu Berlin).
Vénus et Cupidon (1509) Musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg.
Portrait d’Henri le Pieux (1514) Galerie des vieux maîtres, Dresde .
Prince de Saxe (1517) National Gallery of Art, Washington.
Nymphe d’eau (1518) Musée des Beaux-Arts, Leipzig.
Portrait de Frédéric le Sage (1519-20) Musée des Beaux-Arts, Zurich.
Portrait de femme (1522) National Gallery of Art, Washington, DC.
Katharina von Bora, épouse de Martin Luther (1526) Pinakothek, Munich .
Adam et Eve (1528) Uffizi, Florence.
Jugement de Paris (1528) Metropolitan Museum of Art, New York.
Vénus (1529) Louvre, Paris.
Portrait du Dr Johann Schoner (1529) Musées royaux, Bruxelles.
Vierge à l’enfant sous un pommier (1530) Musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg.
Cupidon se plaignant à Vénus (1530) National Gallery, Londres.
Nymphe couchée (1537) Musée des Beaux-Arts de Besançon.
Portrait de Martin Luther (1543) Uffizi, Florence .
Fontaine de Jouvence (1546) Vieille Galerie, Berlin .
Mélancolie (1553) Musée Unterlinden, Colmar.

Voir aussi : Art médiéval allemand (800-1250).