Baigneurs à Asnières, Georges Seurat:
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Baigneurs à Asnières (1883-4). Par Georges Seurat.
Un de plus grandes peintures modernes du 19ème siècle.

La description

Nom: Baigneurs à Asnières (1883-4)
Artiste: Georges Seurat (1859-91)
Moyen: Peinture à l’huile sur toile
Genre: 19ème siècle peinture de genre
Style: Néo-impressionnisme
Emplacement: National Gallery, Londres

Pour une interprétation d’autres images des 19e et 20e siècles, voir: Analyse des peintures modernes (1800-2000).

Contexte

C’était probablement sa formation classique à la Ecole des Beaux-Arts, où il a appris le traditionnel dessin de la figure sous Henri Lehmann, élève de JADIngres, qui a imprégné Georges Seurat de son sens de classicisme – une caractéristique de sa conception formelle ainsi que ses figures statuesques. En tout état de cause, son appréciation des traditions La peinture l’éloigna des valeurs transitoires des deux Monet Impressionnisme et de Courbet Peinture réaliste et vers un style intellectuel plus durable art moderne. Choisir de s’immerger dans théorie des couleurs, il a développé une nouvelle méthode de peinture – surnommé ’ Pointillisme ’(dottisme) du critique influent Felix Feneon (1861-1944) – fondé sur les théories scientifiques de Divisionnisme, proposé par Michel Eugene Chevreul et Ogden Rood. Au lieu de mélanger la peinture sur sa palette, comme d’habitude, et de l’appliquer ensuite sur la toile, Seurat a commencé à appliquer de petits points de couleur pure directement sur la toile, sachant que l’œil humain mélange les couleurs pour lui lorsqu’il voit l’image d’un certain distance. (Même technique qui sous-tend la méthode moderne d’impression d’images couleur.) Bien que Seurat ait délibérément adopté la fraîcheur aérienne de la couleur impressionniste, appliquée par petits coups de pinceau légers, son utilisation de pigments de couleur qui étaient ensuite mélangés optiquement, donnaient à ses peintures une merveilleuse qualité lumineuse. En outre, Seurat n’avait que peu d’intérêt pour le type de peinture en plein air utilisé par Peintres impressionnistes capturer des impressions fugaces de lumière et de couleur. Au lieu de cela, il a préféré planifier et préparer ses compositions en studio, en les travaillant lentement à partir de dessins et d’autres études préparatoires.

Cependant, Seurat n’avait pas finalisé le pointillisme lorsqu’il peignit Bathers à Asnieres. Les points de couleur pure de style pointilliste n’apparaîtront pas en grand nombre jusqu’à ce qu’il peint Un dimanche après-midi sur l’île de La Grande Jatte (1884-6, Art Institute of Chicago). Néanmoins, Bathers illustre bien le style plus large du néo-impressionnisme de Seurat, un style issu de l’impressionnisme mais qui a également réagi contre lui. Comme Monet et les autres, Seurat était également fasciné par la lumière et la couleur; mais alors qu’ils étaient uniquement intéressés à capturer des «moments» fugaces, il était intéressé à transformer de tels «moments» en une grandeur intemporelle. Notez que certains historiens de l’art détectent de fortes similitudes de géométrie et d’immobilité entre Bathers et le travail du peintre toscan du début de la Renaissance. Piero della Francesca (c.1412-92).

Quoi qu’il en soit, les historiens considèrent maintenant La Jatte et les Baigneurs comme des œuvres pionnières des deux pays. Post-impressionnisme, et le Renaissance classique (fl.1900-30). Bien qu’aucun de ces exceptionnels peintures de genre lors du Salon officiel de Paris, ils ont transformé Seurat en une figure emblématique de l’avant-garde et l’un des représentants les plus influents de Peinture post-impressionniste En France. On ne peut que se demander ce qu’il aurait pu accomplir s’il n’était pas décédé aussi tragiquement à l’âge de 31 ans.

Les baigneurs d’Asnières ont été la première toile majeure de Seurat. Il mesure 2 mètres de haut sur 3 mètres de large et représente un groupe d’hommes au travail pendant leur jour de congé. Quand il l’a soumis à la Salon de 1884, il est peu probable que son rejet l’ait pris par surprise. Les seuls sujets jugés appropriés pour une si grande peinture à l’époque étaient des sujets religieux, historiques ou classiques. Certainement pas des membres des couches inférieures se prélassant sur les rives de la Seine. Seurat faisait donc un argument politique délibéré. Les impressionnistes croyaient qu’il n’était pas essentiel qu’une image raconte une histoire. Monet, Renoir, Pissarro, Sisley voulaient tous capturer ce "moment" fugace avant que la lumière ne change. C’est pourquoi ils ont commencé à peindre en plein air, ce qui était ridicule à l’époque. Mais en capturant "le moment" à une si grande échelle et en représentant des travailleurs, Seurat contestait le droit de l’établissement de dicter ce qui était ou non un sujet approprié pour l’art. Il est également possible que le tableau contienne une déclaration politique subversive.

À l’arrière-plan, le pont de Clichy, une banlieue de Paris, et les usines qui s’y trouvent. Au-dessus des bâtiments se trouvent six hautes cheminées. Celui du centre crache de la fumée qui devient bleu foncé au fur et à mesure qu’elle s’éloigne vers la droite. Sur ce côté du pont se trouvent des arbres avec un mur de pierre qui tombe directement dans la rivière.

Sur la gauche du pont se trouvent des arbres plus hauts et, à moitié cachés parmi eux, quelques maisons aux murs blancs et au toit rouge. Puis, occupant la moitié du tableau, la rive s’incline presque à droite de la toile. Juste au-dessous du pont, à gauche de la rivière, se trouvent deux bateaux à voile, à droite un troisième bateau à voile près du rivage et, à peine la moitié de son skiff, un bateau à voile isolé.

Plus important encore, il y a un ferry avec un drapeau tricolore suspendu mollement à sa hampe de drapeau, mais avec le rouge, le blanc et le bleu clairement visibles, de sorte que nous ne pouvons pas nous tromper. Dans le ferry, un batelier à la chemise blanche et à la haine de paille pousse sa pagaie pour emmener ses passagers sur la côte lointaine. C’est une dame, elle nous tourne le dos, ainsi qu’aux hommes sur la rive, la plupart du temps cachée par un parasol blanc et un homme à la couleur sombre coiffé d’un haut-de-forme. L’ombrelle et le haut-de-forme nous disent, je pense, qu’ils sont une dame et un gentleman. Est-ce que le drapeau, un ridicule de taille pour un si petit bateau, suggère ironiquement que ses passagers sont des représentants de la France plus précieux que les travailleurs au ralenti qu’ils laissent derrière eux?

En aval du traversier et plus près de la côte, une bande de mauvaises herbes de la longueur du bateau et de la même couleur verte que l’herbe flotte sur l’eau. Sur la rive principale, qui descend au bord de l’eau, il y a un certain nombre d’hommes qui travaillent le jour de leur congé – ou c’est du moins une supposition raisonnable, sinon comment pourraient-ils être là? Il y a quatre hommes plus âgés sur la rive, trois plus jeunes dans ou près de l’eau. Comme on peut le voir d’après l’ombre des hommes assis sur l’herbe, le soleil vient de la droite de l’image.

Le plus éloigné de nous, un homme vêtu d’une chemise marron rose, d’un pantalon sombre et d’un chapeau de paille est étendu sur le ventre. À côté de lui, un homme tout en blanc et coiffé d’un chapeau melon est assis et regarde le ferry. Ensuite, il y a une coupure à la banque – peut-être faite pour permettre aux bateaux d’atterrir. La terre doit être calcaire ici car le sol exposé par les fouilles est de couleur crème. De notre côté de la coupe, un homme est assis sur un coussin marron, pieds nus, un pantalon retroussé jusqu’aux genoux, un gilet sans manches et un chapeau de paille, dont la bande est assortie à son coussin. Lui aussi regarde l’eau.

Presque submergé dans la rivière, un adolescent blond se détourne de nous. Comme tous les hommes, il a la peau pâle – ce sont des ouvriers d’usine, rarement exposés au soleil. Le personnage le plus important sur la photo – bien que pas le plus important – est un adolescent assis au bord de la rive, les pieds dans l’eau. Il porte des caleçons de bain rouges et ses vêtements – un chapeau de paille avec une bande assortie aux coffres, des bottes foncées et un pantalon avec une grande serviette blanche jetée par dessus qui aide à attirer l’attention – sont à ses côtés. Il a très mal l’air auburn et son visage et son cou sont d’une couleur plus sombre que la peau pâle de son corps. Il est assis, affaissé et aux épaules rondes, une silhouette peu attrayante avec un gros nez et un menton en retrait. Vous sentez qu’il est seul, son esprit vacant. Ou peut-être que la fille qu’il aime n’aura rien à voir avec lui et qu’il endure la misère du jeune amour.

Derrière lui se cache un homme aux cheveux noirs qui nous tourne le dos, le visage appuyé contre la main. Il porte un chapeau melon et sa chemise a été retirée de son pantalon sombre, ce qui lui confère une longue longueur de blanc reflétant la crème de la coupe qui le dépasse. Derrière lui, regardant la rivière, se trouve un épagneul orange. Seurat est toujours bon chez les animaux.

Plus haut sur la rive, derrière lui, nous voyons une pile de vêtements – appartenant peut-être à la silhouette finale, un garçon debout dans la rivière. Il est la figure la plus proche de nous et, en raison de son habileté compositionnelle, bien que situé à l’extrême droite de la toile, le tableau est au centre de ses préoccupations. Il porte un caleçon rouge et un bonnet rouge, un éclat de couleur sur le blanc de sa peau, ce qui contribue à nous diriger vers lui. Les doigts entrelacés, il porte ses mains en coupe à ses lèvres et sa tête est légèrement relevée. Il fait une sorte de sifflement – appelle-t-il les gens de l’autre rive?

L’impression générale est de vert (l’herbe), bleu (le ciel, l’eau), crème et blanc (le pont et les bâtiments à l’arrière-plan, les voiles des bateaux, la craie de la coupe, le blanc des chemises d’hommes). La sensation est statique, unanime, car les seules activités sont le passeur qui joue au loin et le garçon qui siffle au premier plan. Ce sont des hommes qui travaillent – peut-être des travailleurs dans les usines à l’arrière-plan, il n’y a qu’un seul fumeur de cheminée – et c’est leur jour de repos.

Mais où sont les femmes? Sur une autre photo de personnes en congé, le dimanche après-midi sur l’île de La Grande Jatte comprenait de nombreuses femmes et couvrait un large spectre social. Ce ne sont que sept hommes sur les rives de la Seine avec des membres de la bourgeoisie qui leur sont enlevés. On doit supposer que c’est un choix délibéré, car bien sûr, les femmes ne s’occupent pas de la maison comme le font les filles de la classe moyenne plus aisées. Comme leurs hommes, ils doivent travailler, ce qui doit être où ils sont aujourd’hui.

La composition du tableau, la façon dont Seurat nous guide où regarder, est passionnante. Il y a une série de diagonales, inclinées de gauche à droite sur la photo, et l’utilisation du brun au rouge par Seurat nous dirige inévitablement vers le centre – le garçon au chapeau rouge se tenant dans l’eau. En parallèle et derrière lui se trouvent les malles rouges de l’adolescent et derrière se trouve le coussin marron, le même auburn que les cheveux du jeune homme. L’interruption dans le vert de l’herbe fournie par la bouture détourne également les yeux, loin du ciel bleu pâle, du pont blanc et crème et des usines. En dessous de la coupure, les deux piles de vêtements et la longue chemise blanche de l’homme au chapeau melon et de l’épagneul nous déplacent également en diagonale et à droite. Et, bien sûr, les trois jeunes hommes à l’intérieur et à proximité de l’eau ont tous une peau pâle.

Comme mentionné ci-dessus, Seurat n’avait pas perfectionné sa technique du pointillisme lorsqu’il avait peint ce tableau en 1883-84. Mais la grande aventure est en marche: il utilise un certain nombre de couleurs pour produire une teinte globale. Le vert de l’herbe est composé de vert, jaune, gris; Le maillot de bain de l’adolescent contient des teintes orange, rose, bleue, une bande de noir – mais la peinture est tamponnée. Les points minuscules, pour lesquels il a dû utiliser un pinceau fin, ne font leur apparition pointilliste que deux ans plus tard et il l’utilisera pendant le reste de sa vie.

C’est une photo très sympathique. C’est aussi une très belle photo. Rien n’est glamourisé, la nature n’est pas idéalisée. Les personnages sont des hommes ordinaires, pas particulièrement beaux, juste des hommes. Mais il y a une qualité lumineuse et une tension entre le milieu industriel et ces hommes immobiles assis au bord de la rivière. C’est la vie, non idéalisée, non romantique. C’est aussi un chef-d’œuvre et l’une des œuvres les plus imposantes du monde moderne. Peinture française à la National Gallery, Londres.

La signification de Bathers at Asnieres devient plus claire si on la regarde aux côtés de « La Jatte». Ce n’est certainement pas un hasard si le premier représente la classe ouvrière au soleil sur la rive gauche de la Seine, tandis que le second se concentre sur les classes moyennes les plus aisées profitant d’une journée sur l’autre rive du fleuve. En d’autres termes, il s’agit d’un conte de deux classes, toutes deux figées dans le temps et toutes deux empreintes d’une monumentalité intemporelle. Sauf que Seurat dépeint la foule de « La Jatte» comme matérialiste et immorale, tandis que les ouvriers de gauche (pour ainsi dire) semblent conserver un sens supérieur de simplicité. En effet, le garçon de la classe ouvrière au chapeau rouge semble appeler les gens de la rive opposée, comme pour dire: "Venez nous rejoindre! Nous sommes l’avenir!"

L’influence de Seurat, une fois qu’il s’est lancé dans le pointillisme, était énorme. Beaucoup artistes modernes en dehors du groupe Pointillist a adopté le style, y compris Van Gogh ) Autoportrait, 1887, Art Institute of Chicago); Henri Matisse ) Luxe, Calme et Volupte, 1904, Musée d’Orsay); André Derain ) Bateaux à Collioure, 1905, Kunstmuseum, Düsseldorf); et Jean Metzinger ) Femme au chapeau, 1906, Korban Art Foundation). Pendant ce temps, Pissarro Seurat a peint plusieurs de ses meilleurs tableaux et écrit à son fils: "Je pense que Seurat a quelque chose de nouveau à apporter. Je suis personnellement convaincu du caractère progressif de son art et je suis convaincu qu’il ne va pas tarder à produire des résultats extraordinaires."

Tristiquement, en 1891, un an après que Seurat eut achevé Young Woman, se poudrant elle – même, portrait de Madeleine Knobloch, de sa maîtresse et de la mère de son fils d’un an, le garçon contracta un angor infectieux. Seurat l’a attrapé et son enfant et lui sont morts. Ainsi, tragiquement et prématurément, finit la vie de l’un des peintres les plus novateurs et les plus influents du XIXe siècle. Trois mois plus tard, un inventaire de sa succession a été réalisé par d’autres artistes, dont Paul Signac (1863-1935) qui – avec Henri-Edmond Cross (1856-1910) – devait porter les innovations de Seurat plus loin. Madeleine Knobloch a reçu un certain nombre de peintures, puis, éventuellement pour éviter ou même pour échapper à la famille de Seurat avec laquelle elle s’était disputée, elle a disparu et n’a plus jamais été entendue. Mais tout cela était caché dans le futur quand Seurat a peint ce tableau heureux et affectueux.

Explication d’autres peintures françaises modernes

SOURCES:
Nous remercions avec gratitude l’utilisation de certains documents de la publication très originale intitulée Regarder la peinture: un point de vue privé (2009) de Richard Cottrell: une œuvre essentielle pour tous les étudiants intéressés à explorer le sens de la peinture à travers l’histoire.