Début, Max Beckmann:
analyse du triptyque Automatique traduire

Le commencement (triptyque) de Max Beckmann.
Un de grands tableaux modernes du milieu du 20ème siècle..

La description

Nom : Le commencement (1949)
Artiste : Max Beckmann (1884-1950)
Moyen : huile sur toile
Genre : Triptyque
Mouvement / Style : Expressionnisme allemand (allégorique)
Lieu : Metropolitan Museum of Art

Pour une interprétation d’autres images des 19e et 20e siècles, voir: Analyse des peintures modernes (1800-2000).

Bien aimé pour son audacieusement peint autoportraits et triptyques puissants, Max Beckmann a rapidement obtenu un succès financier avec son Art biblique et a été élu au conseil d’administration du prestigieux Sécession de Berlin alors qu’il n’avait que 26 ans. Cependant, son expérience de volontaire médical pendant la Première Guerre mondiale a changé son style de vie. La peinture complètement. Au cours des années 1920, il a été associé au Neue Sachlichkeit (Nouvelle objectivité) et a commencé à produire portraits expressionnistes et autoportraits, qu’il a largement exposés. Dans cet après-guerre portrait d’art et peinture de la figure, il a décrit la vie comme un carnaval de folie humaine, utilisant un pinceau expressionniste et des couleurs plus intenses aux contours audacieux. En outre, à partir du début des années 1930, en raison de son vif intérêt pour peinture médiévale, il a également produit une série de dix peintures de triptyques allégoriques (1932-1950) – dont Le commencement était le numéro huit. En 1933, il fut démis de ses fonctions d’enseignant à l’Académie des beaux-arts de Francfort par les autorités nazies. En 1937, dix de ses peintures ont été incluses dans l’exposition nazie de " art dégénéré ", et il lui fut interdit d’exercer la profession d’artiste. En réponse, Beckmann s’enfuit à Amsterdam. En 1947, il émigra aux États-Unis, où il mourut trois ans plus tard.

The Beginning s’inspirait d’un rêve que Beckmann avait écrit dans son journal en avril 1946: "Je viens d’avoir un rêve absurde et déplaisant dans lequel un Chat botté a joué un rôle qui m’a rendu ridiculement puissant". En octobre 1946, il commença à travailler sur la peinture à Amsterdam en notant: "Déjà aujourd’hui, un brouillon de" Puss-in-Boots "est devenu très intéressant". En janvier 1947, il enregistre ses débuts sur les panneaux latéraux de l’ouvrage, qu’il appelle désormais "L’Enfance", puis "Jeunesse".

Beckmann a cessé de travailler sur le tableau peu de temps après, peut-être préoccupé par son déménagement imminent aux États-Unis. Après seulement un an en Amérique, il mentionne à nouveau le triptyque dans son journal où, en décembre 1948, il annonce: "Intéressant, ce vieux nouveau petit triptyque L’Enfance". En avril 1949, il écrit avoir "coupé le début avec un succès apparemment merveilleux". Ce dernier titre a ensuite été conservé et l’ouvrage a été déclaré complet le 16 mai 1949.

Pour les autres artistes modernes peindre dans le même style que Beckmann, voir: George Grosz (1893-1959).

The Beginning est peut-être le plus autobiographique des œuvres majeures de Beckmann art moderne, et peuvent être lus, comme le suggèrent les titres précédents, comme une allégorie de l’enfance. Les scènes représentées dans chacun des trois panneaux tournent autour d’un garçon qui, dans le panneau de droite, se trouve au dernier rang d’une classe d’écoliers assis devant un maître d’école strict. Le garçon a fait un dessin Beckmann se souvient de ses propres années d’école: "Je me suis distingué à l’école en créant une petite fabrique d’images pendant les cours. Les produits se sont égarés. main et hypnotisé loin de nombreux destin de pauvre compagnon esclave pendant quelques minutes. "

Les activités artistiques du garçon semblent sur le point d’être coupées, cependant, le regard noir du professeur étant fixé sur lui. Le sort de l’étudiant devant la salle, qui se tient face au mur, les mains au-dessus de la tête, indique que cette punition sévère peut suivre. L’utilisation de bruns et de noirs sombres, le claustrophobe raccourcir et la calandre fortement barrée sur la gauche du panneau ajoutent à l’oppression: c’est un lieu de contrainte physique et psychologique. Seule la présence d’un globe terrestre et d’une peinture aux couleurs vives représentant un paysage de montagne implique qu’il existe une alternative à ce monde. La tête sculptée derrière l’enseignant, la harpe au premier plan et les activités artistiques du garçon suggèrent un moyen de s’échapper.

Contrairement aux couleurs terreuses du panneau de droite, le bleu et le violet du panneau de gauche appartiennent à un plan mystique, duquel les spectateurs sont exclus par la grille d’un cadre de fenêtre. Le garçon, maintenant couronné, regarde dans cet espace. Sa compagne à guirlande, cependant, fascinée par son propre reflet dans un miroir, personnifie la vanité terrestre et l’illusion. À proximité, une bougie allumée symbolise le caractère éphémère de l’existence humaine, à la manière de Vanitas peinture de l’école néerlandaise du 17ème siècle. Au-delà de la fenêtre, une vision fantastique apparaît devant le jeune roi – une foule d’êtres angéliques entoure un orgue aveugle. Dans les œuvres précédentes de Beckmann, l’orgue-broyeur symbolise le destin, jouant sans cesse le chant de la vie. Le vieux musicien barbu peut être vu comme un visionnaire solitaire, la fin inévitable des rêves de gloire du jeune artiste.

Les implications des panneaux latéraux, des mondes de la réalité et de l’imagination, sont rassemblées dans le panneau central. Beckmann représente ici une pépinière dans laquelle le garçon, monté sur un cheval à bascule blanc et brandissant héroïquement une épée de jouet, domine la composition. Puss-in-Boots, figure audacieuse de conte de fées, réputée pour son succès sur des monstres adultes, est suspendue de façon inquiétante au toit. Peut-être que le garçon va bientôt le sauver, mais étant donné le rêve de Beckmann, il est plus probable que le jeune homme ait vaincu le chat, dont les pattes oscillantes sont parallèles aux bras tendus du garçon puni dans le panneau adjacent. La prochaine conquête de l’enfant, le clown menaçant, se cache dans le placard. Un autre spectre d’insécurité infantile.

Une femme rousse voluptueuse s’incline au premier plan, soufflant distraitement des bulles dans un tuyau d’argile. La beauté est vue comme une image fragile. Beckmann a identifié cette figure comme une gouvernante, un rôle bien adapté à la muse et à la femme fatale. À côté d’elle, une vieille femme lit un journal, indifférente à son environnement, offrant une connaissance du monde par l’expérience et l’apprentissage. Les parents du garçon, qui apparaissent sur une échelle derrière lui, saluent avec désapprobation, mais sont impuissants pour empêcher le passage de leur fils à l’âge adulte.

Depuis les années 1990, Beckmann’s peintures expressionnistes ont attiré un public international croissant, avec des rétrospectives et des expositions au musée d’art moderne (1995) et le Musée Samuel R. Guggenheim (1996) à New York, ainsi que dans les principaux musées de Rome (1996), Madrid (1997), Zurich (1998), Munich (2000), Paris (2002), Londres (2003), Francfort (2006) et Amsterdam. (2007).