Capucines et la danse, Henri Matisse:
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La description

Nom : Les capucines et la "danse" (1912)
Artiste : Henri Matisse (1869-1954)
Moyen : Peinture à l’huile
Genre : Intérieur semi-abstrait
Mouvement / Style : Expressionnisme
Lieu : Metropolitan Museum of Art

Pour une interprétation d’autres images des 19e et 20e siècles, voir: Analyse des peintures modernes (1800-2000).

EVALUATION DE L’ART
Pour l’analyse d’images
par les peintres coloristes
comme Matisse, voir:
Comment apprécier les peintures.

Henri Matisse, avec Picasso (1881-1973) et Marcel Duchamp (1887-1968), est classé parmi les plus influents Peintres du 20ème siècle En France. En plus de La peinture, il a également excellé à sculpture et produit des décors de théâtre pour le Ballets Russes (1920). Après avoir expérimenté avec Pointillisme, il s’est tourné vers des formes de couleur plus émotionnelles. Il est devenu le chef de Le fauvisme, la forme d’avant-garde de la Mouvement expressionniste qui a balayé Paris en 1905-1906, ainsi qu’une figure importante dans le Ecole de Paris, avant d’être attiré par la lumière méditerranéenne de Nice et de la Côte d’Azur, où il est resté actif jusqu’à sa mort, à l’âge de 84 ans.

Matisse a peint ce tableau durant l’été 1912 dans l’atelier de sa maison située à Issy-les-Moulineaux, alors une ville rurale à quelques kilomètres au sud-ouest de la banlieue parisienne. La maison avait un grand jardin, mais en ce qui concerne la peinture, Matisse préférait ses fleurs à l’intérieur, dans des vases dans l’atelier. La tâche qu’il s’était assignée n’était pas tant de peindre l’apparence de choses, même pittoresques, mais de faire en sorte que la peinture réponde aux sentiments générés par ces choses. Quelques brins de capucine pourraient suffire à déclencher ce monde intérieur. Quand on lui a demandé cet été de définir sa théorie de art Matisse a pointé une table sur laquelle se trouvait un pot de capucines et a répondu: "Prenez cette table, par exemple, je ne peins pas littéralement cette table, mais l’émotion qu’elle produit en moi".

Assis sur une table de trépied que Matisse utilisait habituellement pour modeler ou exposer des sculptures, un vase vert déborde de feuilles rondes et de vrilles fleuries de capucines. Les fleurs oranges, terminées de rouge, épousent la forme du vase comme si elles étaient son propre motif. Les vrilles jaillissent du vase et se courbent autour de ses contours. Trois danseurs nus, du grand tableau Danse 1909 de Matisse, adossé au mur de son atelier, prennent le rythme en tournant et en tournant autour d’un monticule vert vif. Comme s’ils avaient été réanimés par les capucines, les danseurs de cette peinture antérieure sont absorbés par la nouvelle composition – leur paysage est également subtilement fusionné avec l’intérieur du studio. La table tripode, par exemple, a deux pieds sur le sol de l’atelier et une jambe improbablement posée sur le monticule vert «à l’intérieur» du tableau précédent. Les danseurs et leur paysage ont été peints avec les mêmes grandes zones de brillantes Couleur comme le sol du studio et ses meubles.

La couleur n’observe habituellement les contours que dans le vase de fleurs et seul le vase de fleurs et la table sur laquelle il est assis sont complètement visibles. Il n’y a pas d’angle dans la pièce et la chaise et le tableau des danseurs sont fragmentés, découpés dans le cadre, leur identité distincte est délibérément rendue moins importante que leur rôle dans un arrangement décoratif qui porte la vigueur de ces capucines, à travers toute la peinture. Pour moi, une image doit toujours être décorative ", a déclaré Matisse cet été, " je ne cherche jamais à penser, seulement à ressentir ".

Nasturtiums and the ’Dance’ est la seconde de deux versions du même sujet qui ont été peintes au même moment. Dans la première version, maintenant dans le Musée des beaux-arts Pouchkine, Moscou, la ligne de plancher du studio recule en diagonale et la couleur est dense. Dans la version actuelle, l’intérieur est vu de face et la couleur est appliquée de manière plus fine et spontanée, ce qui permet à la toile claire et non peinte de délimiter les formes, au lieu des contours sombres utilisés dans la première version. Un espace atmosphérique, rempli de couleurs, remplace la récession conventionnelle. Quand on lui a demandé pourquoi il avait peint cette seconde version, Matisse a répondu: "Parce que c’est une chose tout à fait naturelle; la conception n’est pas la même, ici, j’ai été emportée par la couleur".

Nasturtiums and the ’Dance’ a été l’un des premiers tableaux de Matisse à être vu en Amérique. Il a été présenté avec douze autres œuvres de l’artiste à l’Exposition internationale d’art moderne, qui s’est ouverte dans le bâtiment du manège militaire du soixante-neuvième régiment à New York en 1913. Spectacle d’arsenal, comme il a été connu par la suite, a présenté l’Amérique à la meilleure artistes modernes d’Europe. Le tableau a été acheté en 1923 par l’un des plus éminents porte-parole du modernisme américain, Scofield Thayer. Co-propriétaire et rédacteur en chef du magazine The Dial de 1919 à 1925, Thayer compléta la littérature d’avant-garde qu’il publia avec des reproductions d’œuvres d’art modernes, dont beaucoup provenaient de sa collection personnelle, qu’il avait réunie à cette fin. Entre 1919 et 1925, il en achète au moins 450 peintures modernes, sculptures, dessins et gravures, dont certains figurent dans cette exposition. En 1982, Scofield Thayer mourut à l’âge de quatre-vingt-douze ans et le métropolitain se trouva l’héritier de l’un des plus importants legs de art moderne jamais fait à un musée, avec Nasturtiums et la «danse» est peut-être le joyau de la couronne.