Trois femmes (Le Grand Déjeuner), Fernand Leger:
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«Trois femmes» (ou « Le Grand Déjeuner») - l’un des tableaux les plus célèbres de Léger - représente un trio de femmes nues assises et allongées buvant du thé ou du café dans un appartement moderne.

Titre : Trois femmes (Le Grand Déjeuner) (1921)
Artiste : Fernand Léger (1881-1955)
Matière : Peinture à l’huile sur toile
Genre : Peinture de genre
Mouvement : Renouveau classique dans l’art contemporain
Lieu : MOMA, New York

Contexte

Au début des années 1920, après le succès d’œuvres telles que «Nu dans la forêt» (1909-10), «Contraste de formes» (1913), «Soldats jouant aux cartes» (1917) et «Le Mécanicien» (1920), Léger - avec Picasso (1881-1973), Braque (1882-1963) et d’autres - est devenu l’un des principaux artistes du XXe siècle à Paris et l’une des figures clés de l’art moderne en France. À partir de 1910 au moins, sa principale préoccupation est l’art abstrait - en particulier le style individuel du cubisme, surnommé «toubisme» pour son utilisation de formes cylindriques - mais son dernier chef-d’œuvre («mécanique») marque un retour aux formes classiques, une tendance qu’il poursuivra dans les années 1920. Mais, comme pour le cubisme, il a créé sa propre version du classicisme, combinant l’esthétique de la machine avec la solidité de la forme, ce qui reflétait sa forte croyance dans l’industrie moderne et sa vision selon laquelle l’art et l’ère de la machine pouvaient contribuer à tracer une nouvelle voie pour les travailleurs de France.

Les nus féminins étaient monnaie courante dans l’art de l’Antiquité classique, puis dans la peinture néoclassique et la sculpture néoclassique de la fin du XVIIIe siècle et du début du XIXe siècle, de sorte que le sujet choisi par Léger n’aurait pas pu être plus approprié pour une œuvre de la Renaissance classique. Sauf que les corps de ces femmes nues particulières sont présentés comme des formes arrondies et déplacées, avec une peau qui n’est pas douce mais dure, polie et lustrée. Leurs traits machinaux correspondent à la fois au désir de Léger d’éliminer toute émotion de l’œuvre (dans le style classique) et à sa croyance dans les idéaux utopiques et reconstructivistes des années 1920.

Ce grand chef-d’œuvre fut exposé pour la première fois au Salon d’automne de 1921. Il fut acheté par Léonce Rosenberg (1879-1947), mais celui-ci le trouva apparemment trop «sévère», et Léger le reprit. Insatisfait de l’œuvre, Léger la retravaille en 1922, peignant le personnage assis à droite en tons de chair foncée sur la grisaille originale, et apportant d’autres petites modifications à l’arrière-plan et au mobilier, principalement dans le sens d’une plus grande simplification. L’œuvre est restée invendue jusqu’en 1925 et a servi de source à plusieurs peintures ultérieures de Léger, dont «Nu sur fond rouge» (1923, Kunstmuseum, Bâle).

«Trois femmes» («Le grand déjeuner») - un analogue de «Sunday Afternoon on Grand Jatte Island» Sera (1884-6, Art Institute of Chicago), car il a été méticuleusement préparé sur une période de deux ans tout en travaillant simultanément sur d’autres compositions apparentées mais distinctes avec une ou deux figures nues.

Un dessin daté de 1920 (Kroller-Müller State Museum, Otturlo) montre l’ensemble de la composition plus ou moins telle qu’elle apparaîtra dans le tableau final, et il existe deux versions à l’huile beaucoup plus petites, toutes deux connues sous le nom de «Le Petit Déjeuner». Il existe également des dessins et des huiles séparées représentant un goûter à droite et deux femmes à gauche, tous datés de 1921. La minutie avec laquelle Léger a préparé ce grand tableau montre qu’il le «considérait comme un chef-d’œuvre» et qu’il le concevait comme une machine de salon «moderne». Conformément à cette intention, il décide de l’exposer pour la première fois au Salon et non dans la galerie d’un marchand.

Dans des lettres à Alfred Barr écrites en 1942 et 1943 - Barr venait d’acquérir le tableau pour le Museum of Modern Art - Léger qualifie «Trois femmes (Le Grand Déjeuner)» de «classique» et souligne à la fois l’universalité du sujet et l’absence d’émotion. Les sources de la peinture de Léger se trouvent en effet dans la tradition classique de la peinture française, et il indique lui-même où nous devrions chercher, dans une «Lettre», datée de 1922, qu’il a publiée dans le Bulletin de l’Effort Moderne en avril 1924. Il y cite comme sources artistiques «» Renoir (1841-1919), Georges Serre (1859-1891), Jean Auguste Dominique Engrah (1780-1867) et Jacques-Louis David (1748-1825), ainsi que «Le grand dîner» peuvent être comparés sans risque aux «Grandes baigneuses» de Renoir» (Musée d’Orsay, Paris), aux «Modèles» de Cera» (Barnes Foundation, Merion, Pennsylvanie), au «Bain turc» d’Engra» (Louvre) et au «Portrait de Madame Récamier» de David» (Louvre).

Il mentionne d’autres artistes dans le même texte : Eugène Delacroix (1798-1863), les frères Le Nain (17e siècle), Cézanne (1839-1906), Nicolas Poussin (1594-1665) et Jean Fouquet (1420-1481) - et là encore, des parallèles iconographiques, compositionnels ou stylistiques peuvent être établis avec des œuvres spécifiques, comme «Femmes algériennes» de Delacroix (Louvre), «Famille paysanne à l’intérieur» de Le Nain (Louvre), les compositions tardives de Cézanne «Bater», «Éléazar et Rébecca au puits» de Poussin (Louvre), «Madone à l’enfant et aux anges» de Fouquet (Musée des beaux-arts d’Anvers). Il ne mentionne pas Édouard Manet (1832-1883), mais «Olympia» et «Déjeuner sur l’herbe» (tous deux Musée d’Orsay) sont les précédents les plus évidents de ce tableau.

Au-delà d’une dette spécifique envers le passé, «Le Grand Dîner» est conçu comme une œuvre véritablement humaniste - une image idéale et symbolique de la paix, de l’harmonie et de la beauté universelles, exprimant les espoirs de Léger pour l’amélioration de l’humanité et sa croyance en la mission civilisatrice de l’art. À cet égard, elle doit être considérée dans le contexte des Paysages revitalisés «plus modestes» qu’il a peints à la même époque et qui véhiculent un message utopique similaire.

Pourtant, tout dans ce tableau est résolument moderne et en même temps classique et intemporel. Les odalisques boivent du thé et lisent des livres dans une pièce décorée dans le style hygiénique de l’après-guerre prôné par Le Corbusier (1887-1965) ; elles semblent avoir été assemblées à la machine à partir de pièces standards toutes faites. On sent une dette à l’égard des couleurs plates et de la géométrie du cubisme synthétique, et dans la palette de couleurs et les lignes on sent un lien avec les peintures abstraites de Piet Mondrian (1872-1944), l’inventeur du néo-plasticisme, qui vivait à l’époque à Paris.

Le tableau révèle également la sympathie de l’artiste pour les idéaux puristes d’Amedy Ozenfant (1886-1966) et d’autres, qui appelaient eux-mêmes à une renaissance de l’esthétique classique en tant que symbole d’une harmonie sociale renouvelée. Alors que Picasso s’est parfois fait passer pour un artiste ancien et a abandonné les oripeaux des styles modernistes, Léger ne le fait pas. Il refuse de mythifier et son œuvre est dépourvue de la nostalgie perçante et dérangeante de Picasso. C’est cette absence de doute moral qui a conduit des critiques tels que Waldemar Georges à parler de l’art de Léger comme «sain» et «purificateur» (Fernand Léger, Paris, 1929). Voir aussi l’œuvre classique ultérieure de Léger «Deux sœurs» (1935, Gemaldegalerie SMPK, Berlin).

Le renouveau classique de l’après-guerre

Le rappel à l’ordre classique «», qui se répandit rapidement en France et en Italie après l’armistice, reflétait un besoin profondément ressenti de renouer avec les idéaux éternels de l’Antiquité après les horreurs indicibles de la Première Guerre mondiale.

Considéré comme un contrepoids au nihilisme de Dada , cet appel a été entendu par un large éventail d’artistes au début des années 1920, lorsqu’ils se sont éloignés de leurs expériences les plus extrêmes d’avant-guerre en matière de forme, d’espace et de sujet et ont suivi la tendance classiciste. L’un de ces artistes est le cubiste Picasso, compagnon de Léger. Les peintures néoclassiques les plus connues de Picasso : Deux femmes nues (1906) ; Femme assise (Picasso) (1920) ; La grande baigneuse (1921) ; Femme en blanc (1923) ; et Deux femmes courant sur la plage (course) (1922).

Pour plus de contraste, voir les motifs classiques modernistes employés par l’artiste italien Giorgio de Chirico dans des œuvres telles que «Le mystère et la mélancolie d’une rue» (1914, Collection privée), L’incertitude du poète (1913, Tate Collection, Londres), et Chanson d’amour (1914, Musée d’art moderne, New York).

Pour une interprétation d’autres peintures des XIXe et XXe siècles, voir : Analyser la peinture moderne (1800-2000).

COMPRENDRE L’ART
Pour des analyses de tableaux d’artistes contemporains comme Fernand Léger, voir : Comment apprécier les tableaux.