Programme pédagogique de l’exposition "Francis Bacon, Lucien Freud et la London School" Automatique traduire

Exposition "Francis Bacon, Lucien Freud et la London School" se tiendra au Musée Pouchkine. AS Pouchkine du 5 mars au 19 mai. Le projet présentera au public russe un chapitre unique et le plus significatif de l’histoire de l’art britannique contemporain, lié à l’utilisation par les artistes de la peinture figurative comme moyen d’exprimer une expérience de la vie profondément personnelle, sensuelle et intense.

Un programme éducatif a été développé spécifiquement pour l’exposition, dont le premier événement sera une conférence de la conservatrice Elena Krippa (Tate Gallery, Londres). Des conférences seront également données par Danila Bulatov - la conservatrice du projet du musée Pouchkine. MAIS.. Pouchkine, Catherine Lampert - conservatrice, directrice de la galerie Whitechapel (de 1988 à 2001), auteure de livres sur Frank Auerbach et Ewan Aglow, Alexandra Danilova - directrice du département des arts en Europe et en Amérique du 19e au 20e siècle des siècles.

Dans le cadre du festival “Fridays at Pushkinsky”, une série de discussions aura lieu à la London School of Painting: art et philosophie après la guerre mondiale, préparée conjointement avec l’agence de commissariat Science. moi. Des spécialistes de divers domaines de la connaissance - art, science, philosophie, culture - initient une conversation sur les aspects essentiels du travail des artistes à la London School. Les œuvres de ces artistes sont plus d’une fois devenues des objets d’analyse en profondeur, puisqu’elles sont des manifestations concentrées à la fois d’expériences tragiques personnelles et de bouleversements collectifs. Les discussions ont porté sur un large éventail de sujets allant des expériences de la tragédie de la guerre à la connexion du travail des artistes de la London School aux concepts philosophiques et scientifiques des contemporains. Les participants aux discussions tenteront de découvrir les profondes significations qui ont motivé la création de ces peintures à la fois intrigantes et terrifiantes.

L’entrée aux événements du programme éducatif est par billet au musée. Le programme et l’horaire sont disponibles sur le site Web du musée.

Programme de l’événement

Conférence de conservateur «Artistes et leurs sujets: proximité immédiate»
5 mars, 19h00, bâtiment principal, hall 29

La conférence est donnée par Helen Crippa, conservatrice de l’art britannique contemporain à la Tate Gallery. Grâce à Helena Crippa, d’importantes expositions internationales ont été organisées, telles que The London Calls au J. Paul Getty Museum de Los Angeles et Too Human: Bacon, Freud, et Age of Art Life à la Tate Gallery.

Dans sa conférence, Elena Crippa parlera des relations qui unissent les artistes représentés à l’exposition. Pourquoi l’exposition commence-t-elle avec les œuvres de William Coldstream, David Bomberg et Francis Bacon, et qui est représenté dans leurs œuvres? Lequel des artistes a été influencé par les maîtres du passé et dans les œuvres duquel chercher des références aux œuvres de Diego Velazquez, Edgar Degas, Paul Cézanne et Pablo Picasso? Et aussi, lequel des représentants de l’école londonienne admirait et collectionnait l’art de collègues et collectionnait les œuvres de David Hockney? Dans la dernière partie de la conférence, le conservateur abordera la figure de Lucien Freud, source d’inspiration de l’artiste, et expliquera comment son travail a évolué au cours des sept dernières décennies.

Conférence «L’école de Londres et la fin d’une époque bien ordonnée»
13 mars 19h00, bâtiment principal, hall 29

La conférence est donnée par Danila Bulatov, commissaire de l’exposition, chercheuse au département des arts d’Europe et d’Amérique des XIXe et XXe siècles.

Conférence “Artistes de la London School en dialogue avec l’art classique”
20 mars, 19h00, bâtiment principal, hall 29

La conférence est donnée par Danila Bulatov, commissaire de l’exposition, chercheuse au département des arts d’Europe et d’Amérique des XIXe et XXe siècles.

Discussion "L’école de Londres et les vieux maîtres"
22 mars, 18h00, bâtiment principal, hall 29

L’école de Londres est un phénomène ambigu dans le monde de l’art: d’une part, ses représentants sont des réformateurs à la recherche de nouveaux moyens d’expression, et, d’autre part, des artistes qui se sont tournés vers le réalisme. Contrairement à la domination des divers courants de l’abstraction après la Seconde Guerre mondiale, les Londoniens ont créé un monde absolument humain - corporel et sensuel. Ce programme les combine avec des maîtres anciens. Ils s’appelaient eux-mêmes étudiants d’artistes classiques: Lucien Freud considérait la Renaissance nordique comme la période la plus importante de l’histoire de l’art et s’appelait lui-même le successeur d’Albrecht Durer, le père du genre autoportrait; Frank Auerbach a parlé de l’influence de presque tous les anciens maîtres sur son travail. La discussion portera sur les tendances générales des traditions anciennes et nouvelles et sur les points de départ lorsque les artistes modernes ont commencé à s’éloigner des classiques.

Participants: Viktor Erofeyev (écrivain, critique littéraire, présentateur de radio et de télévision), Danila Bulatov (conservatrice, chercheuse au musée des Beaux-Arts Pouchkine, historienne de l’art), Nadezhda Prokazina (enseignante à la HSE School of Historical Sciences, critique d’art, Western érudit), Ekaterina Kochetkova (Ph.D., chargée de cours au département d’histoire de l’Université d’État de Moscou, du nom de MV Lomonosov).

Discussion "London School: l’art figuratif comme nouvelle abstraction"
29 mars, 18h00, bâtiment principal, exposition exposition

Dans la première moitié du 20e siècle, l’art abandonne sa représentativité. Le monde de l’art est rempli de "théorie", s’éloignant de la clarté spatiale et de l’historicité: l’art cherche à refléter l’idée d’art. Mais les crises auxquelles l’humanité est confrontée rendent urgent le retour à la réalité. Les artistes de la London School ont pris ce tournant, mais bien que leur art soit figuratif, il est loin d’être une tradition réaliste. Ils ont cherché à transmettre l’expérience la plus directe de la vie. Pour ce faire, on a souvent eu recours à la technique de l’impasto (application d’une épaisse couche de peinture sur la toile), censée contribuer à la connexion de l’espace du tableau avec le monde réel, renforçant ainsi les aspects matériels de la peinture. Dans le même temps, cette approche impliquait un niveau d’abstraction élevé, car l’artiste ne cherchait pas à imiter la réalité du monde visible sur la toile, mais cherchait à renforcer le «sens du réel».

Participants: Ilona Lebedeva (doctorat en art, chercheuse au département d’art occidental contemporain de l’Institut national d’études sur l’art, membre de l’Association des critiques d’art et de l’Association des responsables de la culture), Sergey Dzikevich (doctorant, professeur assistant d’esthétique à la Faculté de philosophie de l’Université d’État de Moscou, du nom de MV Lomonosov), Kirill Svetlyakov (Ph.D. en histoire de l’art, lauréat du prix Sergey Kuryokhin, figure sur la liste des personnalités les plus influentes de l’art russe selon les éditions d’Artchronika, Artguide, The Artnewspaper Russia ”), Victoria Vasilieva (Ph.D., professeure agrégée, Faculté des lettres et sciences humaines, École des études culturelles, École supérieure de recherche de l’Université nationale de recherche, Spécialiste des médias, de la culture de masse et Méthodes audiovisuelles en sciences de la culture).

Discussion "Ecole de Londres: La crise du mal"
5 avril, 18h00, bâtiment principal, exposition exposition

Traditionnellement, la compréhension du bien et du mal appartient au domaine de l’éthique; les idées sur ces catégories ont changé à différents moments. Les idées éthiques concernaient des concepts très abstraits, tels que devoir, principe, volonté, parfois l’univers était conceptualisé par des lois éthiques. L’éthique a toujours abordé l’homme comme une créature capable d’agir conformément aux principes idéalistes. Le vingtième siècle a mis les gens face au fait que toutes les idées religieuses et éthiques formées sur le bien et le mal ne fonctionnaient plus. C’est le résultat de la tragédie de la guerre, des crimes monstrueux du nazisme, de la souffrance physique des personnes - le corps humain s’est révélé être un champ politique, où la violence a atteint sa limite. L’enquête sur les expériences médicales nazies dans le cadre des procès de Nuremberg a donné lieu à une nouvelle idée d’éthique plus appliquée: l’éthique médicale et la bioéthique sont apparues. Dans le cadre de la discussion, nous tenterons de comprendre le travail des artistes de la London School à travers le prisme des problèmes éthiques du XXe siècle.

Participants: Boris Kashnikov (docteur en philosophie, professeur à la faculté des sciences humaines, université nationale de recherche), Danila Bulatov (conservatrice, chercheuse au musée des beaux-arts Pouchkine, historienne de l’art), Oleg Aronson (Ph.D.). chercheur principal à l’Institut de philosophie de l’Académie des sciences de Russie), chercheur principal à l’Institut d’école d’anthropologie de Russie, ainsi qu’à l’Institut russe d’études culturelles, critique d’art), Alexandra Moskovskaya (Ph.D., chercheuse à le secteur de l’esthétique à l’Institut de philosophie de l’Académie des sciences de Russie).

Conférence "Essence vivante"
10 avril, 19h00, bâtiment principal, hall 29

La conférence est donnée par Katherine Lampert, commissaire indépendante et critique d’art.

«L’existence précède l’essence», c’est ainsi que Jean-Paul Sartre a formulé une position existentialiste, inspirée des artistes dont le travail a été présenté à l’exposition «Francis Bacon, Lucien Freud et la London School».

Katherine Lampert s’appuiera sur sa propre expérience de la création d’expositions, de la rédaction d’articles et de rencontres avec des artistes londoniens tels que Francis Bacon, Leon Kossoff, Frank Auerbach, Lucien Freud, William Coldstream, Michael Andrews, Paula Reglu, Ewan Aglow et Paul également parler de plusieurs adeptes, y compris Georg Baselitz.

Katherine Lampert, conservatrice d’art indépendante, a travaillé à la Hayward Gallery de Londres de 1988 à 2001. Elle était directrice de la Whitechapel Gallery. L’auteur de livres et d’articles sur Ewan Aglow, Frank Auerbach, Peter Doig, George Shaw, Francis Alice et d’autres. Aujourd’hui, Catherine Lampert est membre du conseil scientifique du musée Rodin, travaille à l’exposition Paula Regu, qui ouvre ses portes en juin 2019, et compile un catalogue de peintures de Lucien Freud.

Discussion "Mort de Dieu" et images chrétiennes
12 avril, 18h00, bâtiment principal, salle 29

L’un des sujets religieux traditionnels abordés est la difficulté d’expliquer l’existence du mal dans un monde régi par un bon Dieu - le problème de la théodicée. Proclamée au XXe siècle dans l’idée de «la mort de Dieu» de Nietzsche, elle englobe l’idée que de vieux principes moraux, dont la source est un certain être supérieur, Dieu, meurent. Avec la mort de Dieu, l’homme affirme la réalité - dit «oui» à la vie. En même temps, l’être perd la fiabilité que lui donne la présence de Dieu. Les événements qui ont eu lieu pendant la vie des artistes de la London School - guerres, révolutions, découvertes scientifiques, crises économiques - démontrent la fragilité du bien-être et la rationalité de la vie. Dans l’art après la seconde guerre mondiale, il y a souvent des images empruntées à l’iconographie chrétienne, mais elles acquièrent inévitablement un caractère laïc, voire même nihiliste. La discussion révélera les possibilités de comprendre le travail des artistes de la London School dans le contexte de la «déshydratation» du monde et un nouveau regard sur les doctrines chrétiennes.

Participants: Lidia Chakovskaya (Ph.D., chercheuse principale à l’Institut d’État des études d’art et au département d’histoire et de théorie de la culture mondiale de la faculté de philosophie de l’Université d’État de Moscou, nommée d’après MV Lomonossov, critique d’art), Alexei Rastorguev (Ph. D..D. En histoire de l’art, professeur adjoint au département d’histoire générale des arts historiques de la faculté de Moscou nommée d’après MV Lomonossov, se spécialise dans l’art de l’Antiquité tardive, dans l’art du Moyen-Age en Europe occidentale, dans l’art byzantin Icône byzantine, histoire de l’iconographie chrétienne et de l’art de la Renaissance nordique, l’art du XXe siècle), Julia Sineokaya (docteur en philosophie, professeur à l’Académie des sciences de Russie, chef du département de philosophie occidentale à l’Institut de Philosophie de l’Académie des sciences de Russie, spécialiste de l’histoire de la philosophie européenne et russe de la seconde moitié du XIXe siècle - XXe siècles), Anna Pozhidaeva (candidate de istory, professeur associé à la faculté des sciences humaines, université nationale de la recherche, école supérieure d’économie, spécialiste de l’art médiéval d’Europe occidentale, iconographie chrétienne et réception de sujets mythologiques dans l’art mondial).

Discussion "Corps sans orgues: philosophie et art d’après-guerre"
19 avril, 18h00, bâtiment principal, salle 29

«Corps sans orgues» - un concept philosophique introduit par Antonin Artaud et élaboré en détail par Gilles Deleuze, devint la clé du développement des tendances suivantes en peinture, danse, théâtre et cinéma. Son essence réside dans le fait qu’un corps sans organes s’oppose à un corps organisé, c’est «chair et nerfs». En explorant le travail de Bacon, Deleuze écrit à propos de la description par l’artiste du "fait intense du corps". Ce principe s’avéra extrêmement important pour les artistes de l’école de Londres, confrontés à la réalité de l’Europe de l’après-guerre, où la réalité se ressentait dans toute la gamme des impressions physiques: une réalité qui n’était pas cachée derrière les vues de Des villes confortables, des tables remplies de nourriture dans des maisons et des vêtements coûteux - un être pur, directement révélé à l’artiste. Le «corps sans organes» en tant que principe de pensée et de vision est celui qui convient le mieux pour transmettre la tension de la vie. Les représentants de l’école de Londres tentent de forcer le spectateur à se faire un «corps sans organes», apprennent à percevoir les nerfs. des terminaisons au niveau du travail, pour que la vie soit libérée de «l’organisation» et vienne à l’affirmation de son authenticité.

Participants: Svetlana Polyakova (Ph.D., professeur associée au département d’ontologie, théorie du savoir, faculté de philosophie de l’Université d’État de Moscou, nommée d’après MV Lomonosov, ontologiste, spécialiste en art contemporain et en théosophie), Chaim Sokol (artiste, sculpteur), chroniqueur d’art, auteur d’installations, de performances, de textes), Anna Yampolskaya (docteur en philosophie, chercheuse principale au Centre de sociologie fondamentale, École supérieure supérieure d’économie de l’Université nationale de la recherche, spécialiste de la phénoménologie française et allemande).

Conférence "Peinture avec et sans commentaires: RB China et le pop art britannique"
15 mai, 19h00, bâtiment principal, hall 29

L’idée de créer un "nouvel art" a été reprise par de jeunes artistes britanniques, étudiants du Royal College of London: RB China, Peter Blake, Joe Tilson, Richard Smith, Derek Boschier, David Hockney, Allen Jones, Peter Philipps., qui a annoncé son exposition étudiante "Young Contemporaries" en février 1961. Ce sont ces artistes qui constituaient le noyau du pop art britannique, incarnant ses principes fondamentaux dans leur travail. Deux mondes - le "grand art" et la culture de masse - coexistent dans leur La publicité, les bandes dessinées, la culture américanisée de la classe moyenne pour la plupart des artistes pop anglais sont principalement une source d’images modernes: leurs œuvres sont remplies de citations et de parallèles artistiques.

La conférence est donnée par Alexandra Danilova, chef du département des arts des pays d’Europe et d’Amérique des XIXe et XXe siècles.

Discussion “London School and Poetry. Art après Auschwitz ”
18 mai, 20h00, bâtiment principal, 29e salle

La phrase du philosophe allemand Theodor Adorno, "Après Auschwitz, tout mot dans lequel de hautes notes sont entendues est privée du droit d’exister" est devenue une phrase pour tout art qui pourrait être créé après l’Holocauste. Toutes les paroles qui font appel au transcendantal sont compromises par le fait qu’elles ont déjà conduit à Auschwitz. Lorsqu’une telle pensée exaltée est associée à une expérience réelle, exterminer des nations entières au nom d’une «idée noble» ne coûte rien. La poésie et la peinture sont des genres qui, plus souvent que d’autres, appellent des significations supérieures à la réalité matérielle humaine. Mais comment sont-ils possibles à un moment où une telle vision du monde sent encore la charogne? L’école de Londres est le produit de cette attitude, qui devient une impulsion pour la création de nouvelles formes et de nouveaux moyens d’expression, à condition que le caractère destructeur de la vieille conception de l’art soit reconnu. Dans le cadre de la conversation sur la peinture et la poésie d’après-guerre, il sera possible de comprendre comment l’art a surmonté la crise de la représentation provoquée par les pages sanglantes de l’histoire humaine.

Participants: Yuri Saprykin (journaliste, culturologue, animateur de radio, chef de projet du projet «Shelf»), Ksenia Golubovich (candidate aux sciences philologiques, présidente du jury du prix littéraire A. Pyatigorsky, écrivain, traducteur, critique littéraire), Alexandra Volodina (enseignante du programme «Art contemporain»»à l’École supérieure d’économie, chargée de recherche au secteur de l’esthétique, Institut de philosophie de l’Académie des sciences de Russie, études culturelles

Discussion "London School: l’horreur existentielle et l’expérience de la guerre"
19 mai, 20h00, bâtiment principal, hall 29

L’expérience existentielle de l’horreur est l’une des sources du langage artistique des maîtres de la London School. La guerre est un événement qui peut être décrit comme une sensation de mort sans fin. Les personnes immergées dans un tel état sont capables de détecter les réfractions de la vie qui ne peuvent être vues en temps de paix - paradoxalement, à ce qu’elles sonnent, elles commencent à vivre réellement. Malgré le fait que la guerre démoralise une personne, il s’agit d’une «situation limite» (terme tiré de la philosophie de l’existentialisme, qui fait référence au moment où une personne réalise sa véritable existence - l’existence). Tous les noms de domaine Приемы, которые используют художники, позволяют делать ощутимым страх человека, вызванный чувством слитности с этим миром и одновременно ужасом пребывания в нем. В связи с этим большинство из этих мастеров обращается к изображению плоти - самой первичной зоны человеческого опыта, в которой человек утверждает себя. Жан-Поль Сартр писал: «Моё тело из плоти, плоть живет, плоть копошится, она тихо вращает соки, кремы, эта плоть вращает, вращает мягкую сладкую влагу моей плоти, кровь моей руки, сладкая боль в моей раненой плоти, которую вращают, À propos de nous Плоть становится точкой, где страх, ужас и война переплетатся

Участники: Глеб Напреенко (искусствовед, психоаналитик лакановской ориентации, теоретик искусства), Валентин Дьяконов (кандидат культурологии, искусствовед, арт-критик), Алина Стрельцова (кандидат искусствоведения, преподаватель факультета журналистики МГУ им М. В. Ломоносова, заместитель главного редактора журнала. «Искусство», журналист).