De la couleur à la lumière. À l’occasion du 100e anniversaire de la naissance de Vladimir Weisberg Automatique traduire

Conservateurs : Anna Chudetskaya (1958-2023), candidate en histoire de l’art, conservatrice du Fonds Vladimir Weisberg au département des collections personnelles du Musée des Beaux-Arts Pouchkine. AS Pouchkine ; Elena Kamenskaya, candidate en histoire de l’art, conseillère à la direction du Musée des Beaux-Arts Pouchkine. AS Pouchkine

Participants : Musée Pouchkine im. AS Pouchkine, Galerie nationale Tretiakov, Musée-réserve d’État d’architecture et d’art de Rostov-Iaroslavl, collections privées.

Une exposition monographique de Vladimir Weisberg (1924-1984) s’ouvre l’année de son centenaire. Elle est doublement dédiée : à l’artiste lui-même et à sa chercheuse – Anna Chudetskaya (1958-2023), conservatrice du Fonds Vladimir Weisberg au département des collections personnelles du Musée national des beaux-arts Pouchkine. AS Pouchkine. Le concept est basé sur les matériaux d’Anna Chudetskaya et sa monographie fondamentale «De la couleur à la lumière».

L’exposition sera réalisée avec le soutien de la Fondation Vladimir Weisberg.

Vladimir Weisberg est un artiste et théoricien de l’art russe exceptionnel, appartenant à la génération d’auteurs d’après-guerre, dont la formation a eu lieu au milieu des années 1950 et au début des années 1960. L’œuvre du maître ne s’inscrivait ni dans le cadre de l’art officiel ni dans le cadre du non-conformisme ; c’est un artiste de tradition ; la compréhension des lois de l’art classique était le but de ses recherches théoriques et de sa pratique picturale.

Le lien de Vladimir Weisberg avec le musée Pouchkine. AS Pouchkine était une constante : depuis sa plus tendre enfance jusqu’aux dernières années de sa vie, il visitait le musée presque chaque semaine. Cette union a duré même après la mort de l’artiste : en 1997, sa veuve Galina Ermina a fait don d’une collection de peintures et de graphiques au Musée Pouchkine. Grâce à cela, le musée Pouchkine porte son nom. AS Pouchkine possède la plus grande collection muséale d’œuvres de Weisberg.

Exposition «De la couleur à la lumière. Au 100e anniversaire de la naissance de Vladimir Weisberg» - une histoire séquentielle sur l’œuvre du maître - est divisée en sept sections et est construite sur un principe chronologique.

Deux salles sont consacrées à la période dite des couleurs - œuvres de la seconde moitié des années 1950, lorsque la recherche créative du maître s’est déroulée dans le contexte de l’essor culturel de l’ère Dégel et de la renaissance de la vie artistique dans le pays. Durant ces années, le Musée Pouchkine devient une véritable école pour Vladimir Weisberg. Pour voir les chefs-d’œuvre de la collection de Dresde lors de la célèbre exposition de 1955, Weisberg a obtenu un emploi d’ouvrier au musée - cela lui a donné l’occasion de passer des heures à étudier les peintures qui le fascinaient, notamment les impressionnistes et Cézanne. Les impressions résultant du contact direct avec les œuvres ont eu un impact énorme sur la formation de la méthode créative de l’artiste.

La salle «Transformation de la réalité» est dédiée à la formation du concept pictural original de Weisberg. Les œuvres emblématiques de cette période sont présentées ici - «Hommage à Cézanne», «Composition avec gaze», «Architecture» et autres. En 1962, lors d’un colloque de philosophes et de linguistes de l’école sémiotique de Moscou-Tartu, l’artiste présente un rapport intitulé «Trois types de perception coloristique», qui marque un tournant dans son œuvre. Vladimir Weisberg considérait l’évolution de la perception des couleurs comme un développement progressif dans l’histoire de la peinture, qui, de la ressemblance directe avec la nature en passant par l’étape analytique, est devenue un outil d’étude de la conscience humaine.

Le salon ouvre au spectateur le «laboratoire Weisberg», qui a longtemps suivi un horaire strict : peindre le matin, dessiner le soir. Dans la pratique créative quotidienne, l’artiste a utilisé le dessin au stade de la perception directe, tandis qu’à l’aquarelle, en travaillant la couleur dans la représentation de nus, le processus de dématérialisation de la forme a commencé.

Les deux dernières salles sont consacrées à la «peinture invisible» de la maturité. «Architecture Valer» était le terme utilisé par Weisberg au milieu des années 1960 pour définir sa peinture. Il a construit des compositions sur l’interaction de nuances de couleurs similaires. L’œuvre «blanche» de l’artiste n’a jamais contenu de couleur pure : le blanc n’est utilisé qu’en mélange avec des couleurs chromatiques. Weisberg a appelé les nuances subtiles de couleur et de ton qui composent la palette de couleurs globale «valeurs». Au début de la période «blanche», il s’intéresse aux textures complexes, appliquant sur la toile des traits corporels de densités variables, mais il se concentre ensuite entièrement sur les problèmes d’espace.

«L’harmonie doit être créée sur toile», disait l’artiste à la fin des années 1970, renforçant dans la pratique la théorie de «l’intégrité harmonieuse» avec des séries de peintures. Puis, dans ses œuvres, une surface reconnaissable et idéalement lisse du plan de l’image est apparue, sur laquelle l’image était enveloppée dans un environnement de lumière de couleur unique. Le désir instinctif de Weisberg de s’éloigner de la perception sensorielle-émotionnelle de la couleur vers la perception intellectuelle-sensuelle, de «rompre avec l’objectif» et de le dissoudre, a conduit l’artiste à une brume picturale lumineuse presque monochrome, saturée de fluctuations tonales de «blanc sur blanc.»

Anna Chudetskaya, à la mémoire de laquelle l’exposition est dédiée, a fait de Vladimir Weisberg le héros de sa thèse de doctorat. Viennent ensuite des articles, des albums et la monographie «From Color to Light» (2018). Le travail constant d’Anna Yuryevna sur la recherche et la vulgarisation du patrimoine créatif et théorique de l’artiste ne s’est arrêté qu’aux derniers jours de sa vie. Le centenaire de Weisberg pourrait devenir un autre sommet sur la voie de la compréhension de l’œuvre de l’artiste.

Des programmes éducatifs et inclusifs, ainsi qu’une collection de souvenirs, ont été préparés pour l’exposition.

Le musée exprime sa gratitude à la fondation In artibus.