Exposition de photographies de Zakhar Kolovsky "Temps d’empreintes dans le sable" Automatique traduire

Le 29 mars 2016, dans le hall de la Galerie d’art MVK RAX de Zurab Tsereteli sur Prechistenka 19, aura lieu l’inauguration de l’exposition de photographies de Zakhar Kolovsky «Le temps des empreintes dans le sable».

ZM Kolovsky est né en 1956 à Rybinsk, dans la région de Yaroslavl. En 1984, il est diplômé de l’Institut polytechnique de Leningrad, en 2000 - de l’Institut universitaire de peinture, de sculpture et d’architecture de Saint-Pétersbourg. IE Repina, Département de théorie et d’histoire de l’art. Depuis 2002, il dirige le musée et centre d’exposition ROSFOTO à Saint-Pétersbourg. En tant que conservateur et exposant, il a réalisé plus de 100 projets d’exposition. En continuant à travailler comme artiste, Z. Kolovsky a créé la série d’œuvres suivante: «Windows», «Electorat», «Lines», «Architecture de navire», «Emergency Surfacing», qu’il considère comme les plus significatives de sa biographie créative. Ses expositions personnelles se sont tenues à Moscou, Saint-Pétersbourg, Nijni Novgorod, Paris, Riga, Zagreb et dans d’autres villes russes et étrangères.

Pour le photographe Zakhar Kolovsky, la photographie apparaît avant tout comme un matériau pour toutes sortes d’expérimentations artistiques. Les techniques auxquelles il a eu recours dans son travail se combinent dans l’image, superposant différents plans et donnant une dynamique et une expressivité inhabituelles à la technique de multiplication du cadre, entraînant les œuvres au-delà du champ de l’art photographique et en les rapprochant du cinéma.

Les œuvres de Z. Kolovsky font partie des collections du musée national russe, du musée naval central, du centre national d’art contemporain, du musée national de la Lettonie et de collections privées.

“Tout d’abord, je voulais nommer l’article“ Photo non documentaire de Zakhar Kolovsky. ” Il y a toutes les raisons à cela: le travail de l’auteur montre un manque presque programmatique de tout ce qui est requis du documentaire. Rien de Magnum: ni les événements, ni la facture “à travers” par laquelle le phénomène est représenté… Le photo-visualisme chez Kolovsky veut légitimer son authenticité: rien d’introduit, de composé, d’abstrait…

Dans le contexte du travail de Kolovsky, c’est l’expérience de s’habituer au fil du temps, la documentation de ce mouvement. Par quels moyens? Tout d’abord, travaillez avec des traces (ou traces) de processualité. Tout ce que le temps a passé est derrière nous: ombres, sentiers de randonnées, largeur du bord de neige fondante…

Comment déterminer plus précisément la poétique des images photographiques de Kolovsky? Pour ma part, j’ai choisi le nom suivant: photographie documentaire méditative.

… Je pourrais comparer la position de l’auteur à celle de la chasse: incuber, suivre, attirer la "nature" pendant des heures. Mais dans le mot «chasse», il y a des connotations d’appropriation, d’obtention. La pratique artistique de l’artiste est libre de ces fardeaux. Le positionnement "selon Kolovsky" signifie une dissolution modeste dans les processus naturels.

Le mouvement de l’ombre, la taille du carré de lumière autour du robinet, le battement de rideaux - l’auteur cherche ses caractéristiques visuelles lors de cérémonies temporaires. Il travaille en série, mais souvent en un seul coup. Quoi qu’il en soit, la pensée est palimpsestic: une image distincte est prête à développer ses composants. Une série - pour former un seul. La technique de palimpseste préférée de Kolovsky a été élaborée sur le motif de la piste - dans la neige ou dans le sable. Pas à pas, itinéraire en itinéraire, chaîne de pistes en chaîne… Un autre moment est celui du travail paysager de Kolovsky. Il aime prendre des photos d’arbres et de plantes à la fois panoramiques et proches du spectateur. Il s’intéresse aux bosquets forestiers et aux champs de blé, aux herbages, au moment de la floraison, de l’épiaison, au balayage, en fait au même enlèvement du processus vivant. ”

Extrait d’un article de AD Borovsky

«Pendant longtemps, le mythe dominant de l’art en général, et de la photographie en particulier, a été affaibli sur la priorité des idées, les«idées»dans la pratique de l’art, et nous passons encore de«croyance»à«vision». ”. Il y a un retour à la signification de la perception visuelle et contemplative, lorsque la spatialité artistique conditionnelle s’opposera à la littérature et à l’objectivité naturelle.

Et un exemple de ceci est le travail présenté ici.

Première impression: l’esthétique traditionnelle et la culture visuelle existent librement dans le cadre de l’art contemporain contemporain; La stratégie artistique et la pratique photographique de l’auteur sont complètement subordonnées à une perception focalisée, attentive, sobre et neutre du monde extérieur.

Dans ces œuvres, il n’y a ni bizarreries visuelles "modernistes" et submergées de commentaires sociaux "significatifs", ni récit narratif, ni traces de phénomènes radicaux actuels de l’art contemporain. Ils ont un système clair pour la construction de structures spatiales de couleurs claires.

L’auteur, combinant plusieurs points de vue et perceptions, les subordonnant à une solution globale, révèle de nouvelles significations pour l’utilisation de techniques photographiques.

La multiplicité caractéristique, la sérialité, le panoramique apparent des œuvres présentées ne sont pas une fragmentation de ce qu’elles ont vu. C’est un processus de réflexion d’une vision du monde complexe et intégrale, de ses visages, c’est un monde sous différents points de vue. ”

Extrait d’un article de V. Orlov

«… Des avions s’étendant au loin ou transparents à la lumière. L’avion est l’espace de la baie, l’avion est l’espace de la pelouse ou des terres incultes, l’avion est l’espace de la place de la ville, de son intersection, de sa passerelle. L’avion est l’espace du ciel, cette tente bleue au-dessus, couvrant l’étendue d’eau, le paysage urbain, l’herbe des prés.

Rien ne semble se passer dans ces eaux de baies et de rivières, dans les parcs et les forêts, à la périphérie et dans les lits de villes. Comme si tous les événements étaient déjà passés. Les guerres ont balayé ces villes, l’automne et l’hiver déjà gelés et la végétation immobilisée, les passants comme si par inertie continuaient de se déplacer là où ils en avaient besoin… Enthousiasme et espoir, enthousiasme des masses, horreur et désespoir des mêmes masses la ville assiégée, de nouveaux espoirs et de nouvelles déceptions sont entrés dans l’histoire. Il y avait des herbes au bord, des branches d’arbres dans le ciel, une bouteille solitaire sur la jetée. Il en restait des traces - dans le sable, dans la neige, sur le trottoir.

Ne croyez pas que le maître Kolovski de Saint-Pétersbourg est une sorte de chanteur mélancolique de l’anémie. Ses photographies sont austères et froides, comme de l’acier. L’art sous cette forme, à ce stade, est un art d’un fort degré de durcissement. Comme dans l’hérésie, il tombe déjà dans une simplicité inouïe. ”

D’après l’article de A. Yakimovich «Un regard. Photos de Zakhar Kolovsky»

L’exposition se déroule jusqu’au 17 avril 2016.