Henri Russo (1844-1910) Automatique traduire

Comme beaucoup de génies en avance sur leur époque, Henri Rousseau n’a pas connu de son vivant, ni gloire, ni richesse. Un artiste talentueux, qui a travaillé jusqu’à 41 ans comme employé ordinaire à la douane de Paris, a eu la volonté de renoncer à son mode de vie habituel et de se consacrer entièrement à la peinture. La seule chose qui soutenait Rousseau dans son passe-temps était une foi inébranlable en son propre talent, qui lui permettait de devenir l’un des plus grands maîtres de son époque. De manière surprenante, le désir d’imiter les techniques du passé a transféré l’artiste directement dans le futur - sa manière créative deviendra très caractéristique de nombreux maîtres du XXe siècle. L’art «naïf» de Russo, en phase avec l’impressionnisme, se sépare bientôt en une école complètement différente. Le style original du peintre, rempli d’éléments de fantasmagorie, a été admiré par Pablo Picasso et Robert Delaunay, ne donnant à Rousseau que des moyens de subsistance minimes au cours de sa vie.

Jeunesse orageuse

Débutant sa carrière d’artiste à l’âge de quarante et un ans, Henri Russo était un autodidacte. Arrivé des provinces parisiennes et installé comme petit fonctionnaire, Rousseau peignit partout: au travail, profitant des faveurs de ses supérieurs et la nuit à la maison. Pauvre, mais patient, modeste, mais confiant dans son génie, il devint l’un des maîtres les plus reconnus et les plus reconnus de l’avant-garde artistique, admirée par les contemporains progressistes et les générations de descendants.

Une fois que Rousseau lui-même écrivit une note autobiographique pour le livre «Portraits du prochain siècle» - «Né à Laval en 1844 dans une famille aux revenus modestes et désespérés, il fut forcé de se livrer au mauvais métier, ce qui l’attira à son amour du art. ”Certes, le livre n’est jamais sorti.

Le père d’un artiste autodidacte était Julien Russo - un ferblantier héréditaire d’une ville de l’ouest de la France - Laval. Et sa mère est la fille d’un officier de la Grande Armée de Napoléon. Le père d’Henri souhaitait désespérément devenir riche. Après avoir acheté une maison à la périphérie de la ville, il quitta son métier de ferblantier et tenta de se lancer dans la revente de divers biens. Mais, hélas, son travail est épuisé et depuis lors, une pauvreté désespérée s’est installée dans la maison de Russo.

Heureusement, malgré le besoin extrême, la famille de la future artiste a pu envoyer son fils unique étudier à l’école, puis au lycée. Henri était un étudiant moyen, bien qu’il ait réussi à obtenir plusieurs prix d’école, se distinguant par le chant et l’arithmétique. Ces réalisations apparemment insignifiantes sont partout notées dans sa biographie, non pas parce que Rousseau est devenu un artiste de renommée mondiale, mais parce qu’il a également écrit une valse étonnante baptisée du nom de sa première femme - «Clémence».

Après sa formation, Henry travaille au cabinet d’avocat, où il commet une grave erreur. À l’âge de dix-neuf ans, à l’initiative de ses amis, Rousseau dérobe une infime somme au département de la comptabilité, mais cela suffit pour mettre fin à la carrière de son avocat et se faire enquêter. Au tribunal, Henry doit accepter un accord - pas moins de sept ans de service militaire, pour seulement un an de prison.

Le régiment russe, en poste en France, ne participera jamais aux hostilités à l’étranger. Même lorsque Napoléon III envoie les corps militaires français au Mexique pour soutenir son protégé Maximilian dans la lutte pour le trône impérial, les futures avant-gardes ne participent pas à l’expédition. Bien que, beaucoup plus tard, le poète Guillaume Apollinaire (1880 - 1918) ait écrit un poème sur le séjour de Rousseau dans le pays aztèque coloré, l’artiste n’essaie jamais de le réfuter, ainsi que de nombreux autres mythes sur sa vie.

En 1868, le père de Rousseau meurt et Henry, seul soutien de la famille, est licencié de l’armée. Après avoir quitté son régiment, qui se trouvait alors à Paris, il plonge de front dans la vie trépidante de la grande ville. Tout d’abord, le jeune homme trouve du travail et se retire du monde, situé non loin de Le Bon Marché, le premier centre commercial à plusieurs étages de la capitale française.

Le jeune homme tombe immédiatement amoureux de la fille de la maîtresse de maison, Mme Buatar. En 1869, il prend Clémence Buatar comme épouse. Malgré la faiblesse constante (Clémence était atteinte de tuberculose), le conjoint aide Henri à gagner de l’argent à vie, en cousant sans relâche pour la commande. Le week-end, les amoureux se promènent souvent dans de beaux parcs parisiens. Certes, le bonheur d’Henri et de Clémence est éclipsé par le fait que leurs enfants meurent les uns après les autres, dès leur plus tendre enfance.

Des deux enfants des époux bien-aimés, seuls deux ont survécu: la fille de Julie-Clémence et le fils de Henri-Anatole. La femme de Russo, constamment tourmentée par la tuberculose, était trop faible pour s’occuper elle-même des enfants. Ils ont donc été élevés dès la naissance par une nourrice qui vivait dans la banlieue parisienne. En 1888, Clémence meurt. Henri Russo n’oubliera jamais sa femme bien-aimée. Même de son vivant, il lui consacrerait une valse de sa propre composition et, après sa mort, il créera encore et encore ses portraits.

Art de vivre petit officiel

En 1871, le jeune Russo obtint un emploi permanent aux douanes du Département des accises. Au 19ème siècle, il percevait des taxes sur les biens importés à Paris. L’inspection des marchandises aux portes de la ville est une occupation ennuyeuse et monotone, mais elle ne limite pas la liberté intérieure de la personne qui l’exécute.

Au cours de l’un des quarts de travail suivants, un petit employé met en place un chevalet dans la cour du bâtiment du département et commence à dessiner. Malheureusement, les peintures peintes par Russo jusqu’en 1877 n’ont pas survécu. L’exception est une seule, décrivant une scène de bataille dans le contexte du paysage local.

Bientôt, Félix Clément (1826 - 1888), alors célèbre artiste, qui conseilla le jeune Russo, présenta le peintre en herbe à l’un des représentants de l’art français officiel de cette époque, le baron Léon Jerome. Après cela, Rousseau loue son premier atelier et en 1885, soutenu par le baron, expose pour la première fois deux de ses œuvres au Salon des Misérables.

Un an plus tard, en 1886, l’artiste Paul Signac (1863 - 1935), intéressé par le travail d’Henri Russo, l’invite à participer à une nouvelle exposition. Signac a estimé que le salon des artistes indépendants, créé par des représentants de l’art avant-gardiste, était l’endroit idéal pour les œuvres d’un tel peintre original. Le fait est que toutes les premières tentatives de création de salons indépendants se sont soldées par un échec - comme par magie, elles ont commencé à ressembler au salon officiel, ce qui ne convenait pas aux peintres progressistes qui avaient de plus en plus besoin d’exposer séparément.

Pour Rousseau, il était évident que les milieux artistiques officiels représentés par le Salon, avec sa vieille tradition académique, auraient toujours rejeté l’autodidacte, du moins à partir du principe. Henri Russo restera fidèle au nouveau "salon sans jury" à partir de ce moment-là.

Déjà en 1886, après avoir exposé quatre de ses œuvres dans un salon indépendant, l’artiste en herbe sera très apprécié des peintres de renom tels que Paul Gauguin (1848 - 1903) et Puvi de Chavannes (1824 - 1898), ravis de de Rousseau pour transmettre des moments dramatiques à l’aide de nombreuses nuances de noir. Mais, en général, ses œuvres restent incompréhensibles pour le public, et plus encore - elles sont ridiculisées - les universitaires ont affirmé que même un enfant est capable de dessiner de la sorte.

Heureusement, Rousseau était très résistant au sarcasme et à la critique du public. Il conclut même un accord avec Argus, selon lequel tous les articles de journaux et toutes les coupures de journaux qui lui ont été envoyées contenaient des critiques et des commentaires sur ses travaux. En prévision de la reconnaissance universelle de son talent indiscutable, l’artiste les a collées de manière pédante dans un cahier, qui est finalement devenu plus épais. C’est dans les journaux que Russo a appris que la mairie de Paris lui avait décerné une médaille. Heureux, il ordonne immédiatement de mentionner le prix sur sa carte de visite, mais il s’avère plus tard qu’il était pressé: il s’agissait d’un autre artiste du même nom.

Inquiet après le décès de sa femme trouvant des fonds pour l’entretien normal des enfants et l’achat de peintures, Rousseau, dans l’espoir de gagner de l’argent et d’être impressionné par l’Exposition universelle de Paris de 1889, à l’occasion de laquelle la France a présenté sa célèbre Tour Eiffel, l’artiste se tourne de nouveau vers la musique et écrit le livret de vaudeville. Malheureusement, cela n’a pas rapporté un sou.

Après sa retraite du service en 1893, après des années de service, Rousseau reçoit une maigre pension et ne peut que rêver du temps où son passe-temps favori, la peinture, va enfin commencer à lui rapporter un revenu décent. En attendant, Russo est obligé de donner des leçons de violon et de dessiner des peintures sur commande, en les vendant à des prix dérisoires. À peine un an plus tard, son travail «The War», exposé au Salon des indépendants, suscite de nombreuses réactions, en particulier l’écrivain Alfred Jary (1873 - 1907) l’admire, à la lumière de laquelle l’artiste Henri Russo reçoit Le surnom "douanier" (Le Douanier), lui a été attribué à vie.

Bientôt, toute la famille Russo déménage, qui est où. En 1895, la fille de l’artiste part avec son mari à Angers, dans l’ouest de la France, et le peintre déménage avec son fils Henri-Anatole pour s’installer à Montparnasse - le célèbre quartier de la rive gauche de la Seine, devenu ensuite lieu de rencontre privilégié de l’avant-garde artistique et intellectuelle. Là-bas, à Montparnasse, Rousseau rencontre Joséphine Le Tensorer, une femme du quartier qui a conquis le cœur de l’artiste. Pendant longtemps, Joséphine a négligé les aveux de l’amour du peintre et n’a accepté de devenir sa femme qu’après la mort prématurée de Henri Anatole.

Franc-maçon épris de liberté, Henri Russo se maria toujours dans l’église avec son nouvel amour en 1898. La situation financière de la famille était plutôt déplorable. Par conséquent, pour aider son mari, Joséphine tenta de vendre son travail dans son magasin de fournitures de bureau, et l’artiste, à son tour, a continué à donner des leçons payées. Néanmoins, le dimanche, Rousseau, malgré son besoin, dans le cadre de la Société philotechnique, dont le principal objectif était d’éduquer les masses, a enseigné à tous ceux qui souhaitaient peindre à l’aquarelle, au pastel et également, avec fierté et plaisir, le partage. son expérience dans la peinture de porcelaine et de céramique.

Mendiant génie

Cinq ans plus tard, en 1903, le peintre devient veuf pour la deuxième fois et, essayant de faire face au chagrin, il se consacre complètement au travail. Je dois dire que sa carrière d’artiste a finalement commencé à prendre de l’ampleur. En 1903, il participa de nouveau à deux salons d’art - Independent Artists (en mars) et au premier salon d’automne, qui s’ouvrit en octobre. Mais le peintre est toujours dans le besoin. Heureusement, la famille papoue, modeste mais généreuse, qui habitait dans le quartier, l’invitait souvent à dîner et son amie Marie Bisch, engagée dans le commerce à petite échelle, a aidé plus d’une fois Russo dans des situations financières critiques.

Le tournant ne se produit qu’en 1906, lorsque l’artiste rencontre Robert Delaunay (1885 - 1941) et le poète Guillaume Apollinaire. De nouveaux amis admirent ouvertement le talent du peintre et Pablo Picasso (1881-1973), après avoir acquis accidentellement le Portrait d’une femme de Bris Henri Russo en 1908, organise un magnifique banquet en l’honneur de l’auteur.

Une amie de Picasso, Fernanda Olivier, décrit Rousseau: «Cet homme respectable, légèrement courbé, a plus de chances de faire du jogging que de marcher, ses cheveux sont gris mais épais, malgré son âge, a les habitudes d’un petit rentier, et son visage est légèrement effrayé, mais gentil. Il rougit facilement lorsqu’il était gêné ou que quelqu’un s’y opposait. Il consentit à tout ce qui lui était dit, mais on sentit qu’il se tenait à l’écart et n’osait tout simplement pas exprimer ses pensées. ”

Parmi les amis de Rousseau se trouvait Alfred Jary (1873 - 1907), l’artiste le rencontra au moment où la dernière œuvre - «King Ubu» (1896), qui en faisait le célèbre fondateur du théâtre de l’absurde, n’était pas encore écrite. Peut-être est-ce précisément la passion pour le choc et la provocation qui unit Rousseau et Jary. Selon le jeune écrivain, l’art naïf du douanier, franc et sans compromis, choque l’homme moyen. Une fois, Zhari a commandé son portrait au peintre. La photo, malheureusement, n’a pas atteint nos jours, mais on sait que Russo a représenté son ami avec un caméléon et un hibou. Fry était ravi! Il paye à Rousseau l’argent de l’héritage parental et vante partout son talent. L’artiste a chéri cette amitié. C’est lui qui a tendu la main et a abrité le jeune excentrique quand la chance l’a changé en 1897, et Zhary, sans le sou dans sa poche, s’est retrouvé dans la rue.

Henri Rousseau avait une voix claire et enfantine, tout le monde le considérait naïf et simple, mais l’était-il vraiment? Une confiance inébranlable dans son propre génie a permis au peintre de devenir une personne déterminée avec une endurance extraordinaire et une naïveté presque enfantine - un artiste très original.

En décembre 1907, Rousseau, à cause de son insouciance et de sa crédulité, se rendit de nouveau en prison pour fraude, bien qu’il fût en fait sa victime. Pour obtenir la liberté, ne serait-ce que pour donner des leçons de charité le dimanche, l’artiste écrit une pétition à la Cour: «En ce qui concerne votre gentillesse, je demande au moins une libération conditionnelle pour pouvoir continuer à travailler. Je vous prie de ne pas détruire ma carrière pour laquelle j’ai tant travaillé. Heureusement, la demande de Rousseau a été acceptée après les vacances de Noël.

Astuces amicales

Selon les contemporains, Rousseau travaillait généralement avec une simple chemise blanche en lin, mais enfilait toujours un costume lorsqu’il organisait des réceptions dans son atelier. Le collectionneur allemand Wilhelm Ugde, le premier à dédier un livre entier à l’artiste en 1911, était l’un des habitués des fêtes des officiers des douanes. Voici comment il décrivit la rue où se trouvait la maison de Rousseau: «Elle n’a que quelques marches et s’appuie ensuite sur un mur de pierre. Il semble que nous soyons quelque part dans la province et pas à Paris. Dans les pièces du rez-de-chaussée, le propriétaire habite avec sa famille. Au-dessus se trouvent les appartements des invités. Sur l’une des portes, il y a un panneau - «Leçons de la rhétorique, de la musique, du dessin, du solfège». Nous appelons et entrons: Russo nous rencontre. ”

Presque tous les samedis soir, parmi ses peintures et ses amis, le douanier joue du violon pour des artistes, des collectionneurs et des amateurs d’art. Il est amoureux à nouveau, mais Leonia, une veuve de 59 ans, refuse de devenir sa femme. Lors de ces soirées, on pouvait souvent rencontrer le propriétaire de la maison où habitait Rousseau - M. Keval, un homme respectable et tranquille qui était un collègue de Russo et qui travaillait pour le service des douanes de Paris. Parmi les invités, il était souvent possible de voir Ambroise Vollard, qui achetait des peintures de l’artiste et l’invitait plus d’une fois à des soirées artistiques. Henri Rousseau était en pleine émotion: il était enfin temps de goûter aux fruits de nombreuses années de dur labeur: une situation financière stable, une reconnaissance universelle. Ce n’est que santé… Le peintre est depuis longtemps troublé par des blessures non cicatrisées aux jambes, qui ont fini par provoquer la gangrène.

Artiste brillant, Henri Russo est décédé le 2 septembre 1910 à l’hôpital municipal Necker à Paris. Il a été enterré dans une fosse commune. Robert Delaunay, Ambroise Vollard et Paul Signac sont venus voir l’artiste lors de leur dernier voyage.

Un an plus tard, Delaunay organise à ses frais une réinhumation des restes de l’artiste. Et Guillaume Apollinaire écrira sur sa pierre tombale une épitaphe composée par lui: «Adieu, notre bon ami Russo! Écoutez-nous - Delaunay avec sa femme, Keval et moi. Nous vous apporterons des pinceaux, des peintures et des toiles en cadeau, afin que vous puissiez peindre des portraits d’étoiles à votre guise. ”

Travail précoce

En regardant dans les premiers tableaux d’Henri Russo, l’un des critiques s’exclamera: "Il est sincère et naïf, rappelle un peu les primitifs." Le second critique est d’accord: "Ce tableau est plutôt sec et dur, mais très intéressant, car sa naïveté conduit à l’idée des primitivistes italiens." Même les moqueurs et les ardents adversaires de l’œuvre originale de Rousseau reconnaissaient le maître comme un primitiviste remarquable.

Bien que les toiles soient "Se promener dans la forêt" et "Se réunir dans la forêt", le peintre est toujours plus proche de la peinture nationale du rococo du XVIIIe siècle que des primitifs italiens. Cela est dû en grande partie au motif traditionnel clairement visible de scènes galantes (fêtes galantes), caractéristique de l’artiste français Antoine Watteau (1684 - 1721), dont les peintures ont été exposées au Louvre. À propos, ce sont leurs reproductions qui ornaient les murs de l’atelier Russo.

Les œuvres de la première période chez Rousseau le distinguent beaucoup de ses contemporains, les impressionnistes. Cela se voit clairement dans la palette de couleurs sophistiquée des peintures «Meeting in the Forest» et «Walk in the Forest», dans lesquelles le peintre représente des arbres réels et imaginaires utilisant un grand nombre de nuances de marron et de vert.

Dans la première image, la forêt est dense et infranchissable, dans la deuxième lumière et transparente. Tous les plans à long terme sont élaborés par petits traits vagues qui facilitent la perception visuelle et neutralisent une forêt sombre trop saturée.Le ciel occupe un tiers du tableau, des arbres délibérément réduits au loin - tout cela parle de la tentative de l’artiste - Autodidacte, il a voulu déterminer les limites de l’espace, lui donner de la profondeur, c’est-à-dire montrer la perspective que, pour Rousseau, privé de connaissances et de compétences académiques, il constituait un véritable obstacle. C’est peut-être pour cette raison qu’il a ensuite délibérément abandonné toute perspective dans ses toiles.

Le tableau «Rencontre dans la forêt» représente des amoureux à cheval se regardant l’un l’autre. Ils sont vêtus de costumes typiques du 18ème siècle. Les longs cheveux de la femme sont lâches sur ses épaules - un motif que l’on retrouve souvent dans les images féminines du pinceau de Rousseau. La force des sentiments, les étreintes mutuelles, la tendresse dans le regard de l’homme créent un effet évident de la présence de ce couple sur la toile, malgré le fait que leurs corps sont pratiquement invisibles derrière la végétation luxuriante. N’aimant que dans leur propre monde, ils sont apparus peu de temps derrière la forêt, et il semblait qu’ils étaient sur le point de disparaître à jamais.

Sur la toile «Marchant dans la forêt», nous voyons une femme qui ressemble beaucoup à Clémence, elle semblait geler - elle était peut-être effrayée par les échos pressants de la cavalcade, le bruissement alarmant des feuilles ou le craquement soudain d’une branche.

Images féminines

Les images féminines, ainsi que les images d’animaux, occupent une place prépondérante dans le travail de l’artiste. Deux grands portraits de femmes, peints par Rousseau avec un petit espace, sont des compositions très similaires. Les deux représentent des femmes en noir debout de toute la longueur. Le format des œuvres et les poses des personnages permettent d’attribuer les peintures au genre des portraits de défilé. Peut-être que les deux ont été fabriqués sur commande, bien que l’identité des modèles reste inconnue.

La première toile - «Portrait de femme» (nom alternatif «Portrait de Mme M.») a été créée vers 1895. C’est ce tableau qui a été acquis à un prix très modeste en 1908 par un autre artiste brillant, Pablo Picasso (1881 -1973), qui était très enthousiaste à ce sujet. Ce travail est également connu sous le nom de Jadwiga, bien qu’il n’y ait aucune preuve que le nom du modèle corresponde.

Il existe une légende selon laquelle la fille sur la toile était une belle femme polonaise qui charmait le peintre. Et bien que cette version n’ait aucune preuve, le fait demeure: Rousseau a aimé ce nom. Il les appelle lui-même le personnage principal de la pièce de sa propre composition: «La revanche de l’orphelin de Russie». C’est peut-être elle qui a incarné pour l’artiste une certaine image de la femme idéale. Par le même nom, le maître appellera l’héroïne de son autre toile - "Dream" (1910).

La composition du premier portrait ressemble à une photographie mise en scène dans une boutique à cette époque. Une silhouette féminine se dresse sur un balcon rempli de vases à fleurs contre un immense rideau, entouré d’un paysage fantastique. Jadwiga est une branche d’arbre. Ce détail est d’un intérêt particulier en ce qu’il est un symbole traditionnel de la mort. Cela s’explique si vous croyez les partisans de la théorie de l’existence réelle de cette femme, qui prétend qu’au moment de la rédaction de la toile, Jadwiga était déjà mort. Cette hypothèse est indirectement confirmée par le fait que l’artiste a choisi la couleur noire pour la robe de la femme, qui souligne toujours le caractère dramatique particulier de la scène représentée.

La femme du deuxième portrait est représentée dans une variété de verdure fascinante. Sa main repose sur sa cuisse et ses jambes sous sa robe touchent à peine le sol, ce qui crée l’illusion d’un mouvement. Au bas de la toile, on voit un chaton jouer avec une pelote de fil, apportant vivacité et spontanéité au ton officiel du portrait.

Russo termine son célèbre ouvrage «The Sleeping Gypsy», également consacré à l’image de la femme, un mois seulement après le décès de son fils unique, Henri Anatole.

En 1897, il expose l’œuvre au Salon des indépendants en l’accompagnant d’une légende écrite sur le cadre: "Un prédateur submergé par une soif de sang se fige sur place, n’osant pas attaquer une victime profondément endormie." La figure de la bohémienne avec son foulard et ses vêtements colorés, contrastant avec le teint foncé, rappelle un peu les femmes orientales des peintures d’artistes académiques. C’est ce travail que Russo proposait activement d’acquérir, en mémoire de lui, les mesures de sa ville natale de Laval.

L’artiste a même écrit au maire de la ville: "Ici, tout est baigné de lumière." Bien sûr, la mairie a rejeté son offre. L’œuvre disparaît et n’est redécouverte qu’en 1923 et, comme toutes les peintures de Rousseau n’étaient pas largement connues, suscitent beaucoup de controverses et de rumeurs. Beaucoup considèrent que c’est un faux, une blague, qui a été attribué à un autre artiste - Derain. Ceux qui ne doutaient pas de la véritable paternité du tableau le considéraient comme une étape très décisive du peintre du réalisme au surréalisme.

Bientôt, Rousseau quitta les impressionnistes, bien qu’il partageait encore leur aversion pour les canons traditionnels des beaux-arts. L’impressionnisme impliquait la liberté de création si nécessaire à Rousseau. Son art, basé sur une interprétation totalement plate de toutes les formes, non seulement ne prend pas en compte les règles standard de représentation des perspectives adoptées à la Renaissance, mais les néglige consciemment. L’artiste simplifie la forme en créant son propre style de peinture. Les vraies proportions sont déformées ici, l’élaboration de la couleur du volume est absente et l’ombre n’existe pas du tout. Rousseau ne voulait pas dépeindre la réalité ennuyeuse et mondaine, en passant à travers sa riche imagination toutes les images et les formes.

L’art de l’artiste ressemble fortement à des tableaux peints décoratifs avec des personnages multicolores à la texture lisse et à la forme sans prétention. Sa peinture "L’enfant à la marionnette" fait une impression étrange qui fait frémir. Le maître commence par tracer les contours de la figure d’un enfant ressemblant à une poupée en porcelaine, la laissant elle-même non écrite, puis travaille sur le fond de l’image et revient à la figure. Rousseau, comme Emil Bernard (1868 - 1941) et Paul Gauguin, ignore totalement les principes de la perspective classique. En outre, le peintre accorde une nette préférence aux conventions de fond plutôt qu’aux détails ennuyeux.

Portraits d’enfants

Pinceaux Russo possède de nombreux portraits d’enfants. On ignore pourquoi le thème des enfants était si important pour l’artiste, s’il s’agissait d’œuvres personnalisées, si l’artiste ressentait la perte de ses six enfants. La réponse exacte à cette question est inconnue, nous ne pouvons que supposer que, représentant des enfants, le peintre a essayé, à l’aide de peintures, de pinceaux et de son imagination, de faire revivre les images de ses proches. Plusieurs portraits d’enfants de Rousseau sont en grand format.

Par exemple, un enfant vêtu d’une robe rouge a l’air si grand qu’il a l’impression que sa silhouette ne tient pas sur la toile. Apparemment, l’enfant est assis: les jambes pliées aux genoux et presque cachées dans l’herbe en parlent. La figure elle-même semblait osciller entre ciel et terre, ce qui atténue imperceptiblement le sentiment de massivité excessive. Comme «L’enfant à la marionnette», l’enfant sur cette photo tient aussi une étrange poupée à la main, qui ressemble à un adulte avec des traits faciaux.

Dans une autre image de la même période - «Mariage paysan», nous voyons une épouse qui nous regarde avec une humble révérence. Les personnages qui l’entourent sont si plats qu’ils semblent être séparément découpés dans du papier coloré et collés au fond du paysage. Même en dépit des arbres soigneusement arrangés par la lettre «V» et de quelque chien gênant situé au premier plan, qui aurait théoriquement dû être une désignation compositionnelle de la perspective, ils ne pouvaient pas effacer l’empreinte de collage faite par ce tableau.

La silhouette de la mariée est la dominante incontestée de la photo, c’est elle qui, avec sa ceinture blanche comme neige, semble relier les personnages restants à un seul groupe. Sur la toile, l’artiste indique symboliquement la continuité des générations, à l’aide d’un long voile de la mariée, recouvrant légèrement la femme âgée assise à proximité, qui est évidemment la grand-mère de la mariée ou du marié. La figure d’un vieil homme assis à l’écart du groupe de personnages principaux, dont les jambes sont cachées dans l’herbe, évoque le lien entre la modernité et l’éternité, la vie et la mort, la terre et le ciel. La solennité avec laquelle tout le groupe se trouve sous les arbres rappelle encore une boutique du XIXe siècle. C’était dans des postures si statiques que les gens se figeaient devant un objectif photo sur le fond d’un décor plat et peint: «On ne bouge pas! Ne pas respirer! ". Il est possible que, tout en travaillant sur le" Mariage ", le peintre s’inspire d’une photographie, mais on ignore tout des raisons de son attrait pour ce sujet, ainsi que des personnalités des prototypes des personnages. L’homme qui se tient à la droite de la mariée ressemble à distance à l’artiste lui-même.

Œuvres symboliques

En 1906, Henri Rousseau présente au public sa nouvelle œuvre intitulée «Freedom, appelant les peintres à participer à la 22e exposition d’artistes indépendants», qui, même dans l’exposition du Salon des indépendants, ne fait que rire. Seul un cercle d’amis proches admire le nouveau travail de l’artiste, tandis que le reste ne peut comprendre ni le design ni les modalités de son exécution.

Ami du peintre - Le braqueur Delaunay s’exclame: «À une autre époque, il aurait peint les murs des palais par ordre de clients. Chez nous, il est forcé d’être un bouffon pour les habitants, il est si sérieux, si calme. Quelle ironie insensée du destin! ”Russo célèbre le Salon avec son nouveau travail, ce qui en a fait un artiste à part entière, dans tous les sens du terme. Le centre de composition du travail est la figure allégorique de la liberté, représentée d’une manière qui rappelle celle de l’académique. Elle joue de la trompette, symbole traditionnel du culte.

Un an plus tard, Rousseau amuse de nouveau le public au Salon des indépendants avec son travail «Les représentants étrangers sont arrivés sous le signe de la paix pour saluer la République». Sur la toile, on reconnaît les six présidents de la République française (vêtus de noir) qui se tiennent sur le podium, l’empereur de Russie (vêtu d’un uniforme jaune et bleu), le roi d’Angleterre (à gauche) et le à droite: François Joseph d’Autriche, Pierre Ier de Serbie, Guillaume II d’Allemagne, Léopold II de Belgique, George I de Grèce, le Shah perse et roi d’Éthiopie. La république, vêtue de robes rouges et d’un bonnet phrygien (la coiffe de l’époque de la Révolution française de 1789) se dresse triomphalement, tenant un rameau d’olivier à la main tendue. Cette extravagance multicolore, colorée par des drapeaux étrangers, passe sous le slogan écrit sur trois socles noirs au premier plan de la toile: «Travail, liberté, égalité. «Et à l’arrière-plan, nous voyons des gens se rassembler en cercle pour commencer leur danse des fêtes.

L’artiste aimait beaucoup les allégories, si populaires parmi les représentants des milieux politiques. À plusieurs reprises, Rousseau a participé à divers concours organisés de temps à autre par les autorités parisiennes afin de décorer les locaux de divers départements. Le peintre a toujours voulu recevoir un ordre officiel, bien payé et prestigieux, car d’une part, il ressentait constamment le besoin d’argent et, d’autre part, il rêvait toujours d’une reconnaissance universelle.

Cependant, l’agent des douanes n’a pas réussi à vaincre l’un ou l’autre. En outre, il y avait toujours des gens qui utilisaient la faiblesse et la naïveté inhérente de cet artiste pour jouer à plusieurs reprises le pauvre Rousseau. Le peintre a même failli se rendre sur les Champs-Élysées pour remercier personnellement le président de la République française de lui avoir décerné son principal prix d’État, l’Ordre de la Légion d’honneur, dont le prix avait été annoncé à l’artiste. par des jokers maléfiques.

Inde exotique

Une fois, la mère de l’artiste Robert Delaunay, succombant aux instances de son fils, décida de commander un tableau de Russo. Ses récits sur un voyage exotique en Inde ont incité l’agent des douanes à créer une toile conçue dans des tons de vert riche typiques de la jungle tropicale. Au centre de l’image, nous voyons la figure d’une femme aux cheveux noirs - un charmeur de serpents, qui rappelle beaucoup une ancienne divinité mystique. Les serpents noirs, comme hypnotisés par les sons magiques de ses pipes, sortent de partout, et si à première vue, ils sont à peine distinguables, alors quand le look s’habitue à une variété panachée et commence à distinguer les détails, vous les voyez plus et plus. Étonnamment, leur mouvement sur la toile est presque physiquement ressenti. Les yeux de la figure féminine, qui sont le seul point brillant de la photo, ajoutent une nuance mystique à la toile. Leur formidable pouvoir d’attraction est saisissant.

Une rivière illuminée par la pleine lune, un voile épais et mystérieux de plantes miroitantes dans toutes les nuances de vert, un oiseau rose exotique, des fleurs jaunes brillantes - toute la scène respire un paradis et une tranquillité incroyables. Les lignes verticales de la figure et les plantes qui l’entourent sont adoucies par les rayons horizontaux provenant du mois.Cela distingue fondamentalement la composition de «l’Enchanteresse» de Rousseau de sa «Guerre», où la construction horizontale de la toile entière crée un effet de pourriture et symbolise la destruction et la destruction.

La surprise désagréable est un peu proche de Snake Charmer. Sur cette image, nous voyons une femme effrayée par un ours. La figure de la femme ressemble encore à la déesse mythique, ou Ève de l’Ancien Testament, perdue dans le jardin d’Éden. Ses hanches arrondies sont légèrement recouvertes par des cheveux qui lui tombent aux genoux. Comme dans The Caster, la femme est entourée des mêmes arbres bizarres au feuillage éclatant, et à l’arrière-plan - sur les rives d’un lac magique, représentant des forêts denses d’arbres étranges. Et dans les profondeurs, la figure d’un chasseur qui se cache est à peine perceptible. Lorsque vous la voyez, l’âme se calme - il va certainement tirer et sauver la femme du prédateur.

Les contemporains écriront une déclaration d’un critique italien dédié à Rousseau: «Il vit dans un monde étrange, fantastique et réel à la fois, proche et lointain, parfois drôle, parfois tragique. Il aime les couleurs, les fruits et les fleurs, les animaux sauvages et les oiseaux fabuleux. Il vit, travaille inconscient, concentré et patient, fait face à des ridicules et des cris inamicaux chaque fois qu’il décide de briser sa solitude afin de présenter sa création au monde. ”

Portrait de copain

Le héros de la photo “Chaise du père Juniet” (1908) est un vrai personnage - un vendeur de légumes, un ancien ami de Rousseau (bien que son vrai nom soit Claude Junier). Son magasin de Montparnasse était situé à quelques mètres de l’atelier du peintre. Junier a toujours aidé un artiste qui manque souvent d’argent pour ses produits. Parfois, Junier et ses amis emmenaient Rousseau sur sa chaise longue qui lui servait de transport de marchandises. Juniera’s animal de compagnie - une jument Rosa a tiré une chaise. Le vendeur de légumes avait une grande faiblesse pour les chevaux et les chiens, l’une d’elles est montrée sur la photo à côté de la chaise.

Lors de la création de la toile, l’artiste a utilisé une photographie prise à Klamar en 1908. Rousseau a transféré la composition de la photographie sur la toile en y ajoutant un chien sur la route et plusieurs personnages. Pendant que le peintre travaillait sur la peinture, l’artiste américain Max Weber (1881-1961) s’est rendu dans son atelier. En examinant l’œuvre, Weber a attiré l’attention de l’auteur sur le déséquilibre de taille entre les chiens et les autres objets et personnages. Rousseau a répondu: "Tout doit rester tel quel."

Peut-être l’artiste a-t-il raison, s’appuyant uniquement sur sa propre vision, car, lorsque l’on regarde ce travail pendant une longue période, on a l’impression que c’est ce chien absolument démesuré, et donc un chien mystérieux qui donne à l’image une touche fabuleuse. Ce sont les proportions modifiées et la perspective perturbée, abondamment complétées par des éléments de fantasmagorie, qui confèrent à la scène quotidienne de Rousseau cet élément d’attractivité et de mystère.

Cinq personnes et un chien sont assis dans une chaise longue. Tous sont représentés face au spectateur, comme alignés dans une ligne, comme un groupe de la toile "Mariage paysan", mais dans un angle bien défini par rapport aux sièges de la chaise et à la direction de la route. La toile a une taille impressionnante, très caractéristique des œuvres d’art décoratif, ce qui, d’après les critiques, la rapproche des "tapisseries aux mille fleurs" - de magnifiques tapis populaires au XVe siècle sur lesquels des ornements colorés ont été tissés les plantes.

Pour la première fois, l’artiste utilise une toile parfaitement lisse dans la peinture, grâce à laquelle les traits sont presque invisibles. La couleur entière de la photo est clairement divisée en deux échelles: noir, blanc et rouge au premier plan et ocre, vert et bleu - sur le "fond".

Paysages de la ville

Les paysages urbains sont une partie moins connue mais non moins importante du patrimoine créatif de Rousseau. De nombreux types de Paris et de sa banlieue étaient très demandés sur le marché. C’est pourquoi l’artiste, constamment contraint par les moyens, a dû l’écrire sans relâche. À cette époque lointaine, les faubourgs de Paris étaient encore peu construits et littéralement enfouis dans la verdure immaculée des forêts. L’artiste a fait des croquis pour de futures peintures immédiatement avec de la peinture à l’huile, sans utiliser de gouache ni de charbon de bois. Il écrit avec assurance de la vie, directement sur la toile, ne dessinant que de temps en temps.

En prescrivant des fragments individuels à l’air libre avec des mouvements de pinceau rapides et précis, Rousseau complète le tableau déjà présent dans l’atelier en finalisant avec soin les détails de chaque composant. Deux des exemples les plus célèbres de paysage urbain dans l’œuvre de Rousseau sont les toiles «Fabrique de meubles à Alfortville» et «Vue du pont de Sevri». Sur eux, le peintre dépeint une interprétation libre de l’usine de production de fauteuils et de chaises à Alfortville et dans l’un des quartiers de Sevri, dans la banlieue sud-ouest de la capitale française.

L’usine de meubles d’Alfortwigle a été écrite dix ans plus tôt que The View from Sevri Bridge. Lorsque vous regardez la photo, le ciel attire immédiatement votre attention, avec des nuages ​​bizarres dessus. À gauche se trouve une rivière et à l’arrière-plan un pont. Mais ces deux éléments ont plutôt une importance secondaire. Toute la composition de la peinture provient du trottoir ondulé, ce qui crée de manière inattendue l’impression de la perspective correcte, rare pour les peintures de Russo. L’usine elle-même ressemble fortement à une maison en carton d’un décor théâtral, et les personnages autour ne semblent pas naturels. Tout cela rend la scène très conditionnelle, presque surréaliste.

Un élément frappant de l’image est la figure d’un pêcheur au premier plan. Au départ, son image n’était qu’une nécessité compositionnelle. Cependant, une fois le personnage terminé, l’artiste a découvert que ce pêcheur, dans l’attente de la morsure, symbolisait une certaine existence en dehors du temps et de l’espace, incarnant ainsi l’éternité dans l’image. C’est cette approche distinctive de la représentation du temps qui distingue nettement Rousseau des impressionnistes, qui se caractérisaient par l’admiration d’un moment pris séparément de la vie.

Le pont de la Seine, qui relie ses rives boisées, constitue le centre de la composition de la deuxième image. Le bateau noir et blanc, situé au premier plan, est très expressif, sa coque ressemble étrangement au visage d’un homme. De petites figures de piétons se confondent avec des maisons ombragées par un feuillage rouge. Les toits rouges et gris-verts correspondent parfaitement à la gamme des paysages d’automne. Un ballon, un deltaplane et un avion symbolisent les trois époques de conquête du ciel, souvent mentionnées dans la presse de l’époque et que Rousseau admirait lui-même.

Rêves

En 1910, Henri Russo crée son plus grand chef-d’œuvre - la toile "Dream", qu’il expose la même année au 26e Salon des indépendants. Tous ses amis et collègues affirment à l’unanimité que le travail est digne des meilleures critiques. Le poète Guillaume Apollinaire écrit à son sujet dans l’un de ses articles: «Je pense que cette année, personne n’ose rire. Vous pouvez demander aux artistes - tout le monde est unanime, tout le monde les admire, même ce canapé de style Louis-Philippe, perdu dans une forêt vierge. Et ils ont raison. ”

Russo fournit le travail avec les commentaires suivants: «Jadwig a un rêve magique. Elle s’endormit doucement devant la flûte d’un séducteur inconnu. Quand un mois éclaire les fleurs et les arbres verts, les animaux et même les prédateurs gèlent en écoutant les merveilleux sons de la musique. André Breton (1896-1966) notera quelques années plus tard: «Je suis sur le point de dire: cette grande toile a absorbé toute la poésie et tous les secrets de notre temps. Il se caractérise par la fraîcheur inépuisable des découvertes… "

La peinture "Dream", qui est devenue l’une des dernières œuvres de Russo, est considérée comme la volonté de l’artiste. Enchevêtrées, les plantes créent une illusion d’espace sur la toile, ce qui est répercuté dans l’ensemble des couleurs du tableau. La sensation de profondeur est accentuée par des nuances de vert irisées. Les singes s’ébattent dans des branches étranges, où l’on voit partout des oiseaux exotiques et brillants, et en dessous, sous eux, des prédateurs errent dans l’herbe. Seul un musicien noir se tient dans l’herbe épaisse et joue de la flûte, comme s’il ne remarquait rien. Les personnages et les plantes sont déchirés de l’espace réel, de leur forme caractéristique et de leur véritable condition, mais ils sont tous écrits avec une telle minutie qu’ils ont l’air incroyablement plausibles. Comme pour anticiper sa disparition, Henri Russo nous laisse l’héritage d’un véritable paradis.Avec son «rêve»,L’artiste a illuminé la prochaine génération avec le chemin de l’art surréaliste, en avance sur son temps.

Dans le même 1910, Rousseau a peint un autre tableau - "L’attaque du jaguar sur le cheval", acheté plus tard par le mécène Ambroise Vollard. L’artiste lui-même était fier du travail. «Vingt-deux nuances de vert!» - a dit fièrement le peintre au célèbre critique italien Argendo Soffichchi, qui est venu le voir pour une nouvelle œuvre. Sofficchi fut choqué par la manière pittoresque de Rousseau. Après avoir tracé au crayon tous les contours de plantes exotiques, l’artiste a appliqué différentes nuances de vert, en prescrivant chaque fragment à plusieurs reprises, et en nettoyant soigneusement la palette à chaque changement de couleur.

Parmi les étrangers

Bien que les sympathies personnelles de Rousseau fussent toujours du côté de la peinture académique, il ne fut reconnu que par les contemporains les plus progressistes - les artistes d’avant-garde furent ses meilleurs amis toute sa vie. La manière créative de l’artiste lui-même est attribuée au primitivisme, grâce à son style original et à son amour pour les artistes primitifs italiens, tels que Fra Angelico (v. 1400 - 1455) et Giotto (1267 - 1337), qui a Aux XIVe et XVe siècles, quand on n’avait pas encore découvert les lois de la perspective classique, leur absence deviendrait une véritable marque de fabrique de tout le travail de Rousseau. «Ce n’est qu’en 1885, après de nombreuses déceptions, que j’ai pu me consacrer à l’art, étudier, apprendre la nature et suivre les conseils de Jérôme et de Clément», dit Henri Russo à propos de lui-même.

À la recherche de son propre style, Russo a beaucoup travaillé au Louvre, créant des copies des chefs-d’œuvre des grands maîtres du passé. Le peintre a reçu l’autorisation de travailler dans le célèbre musée grâce à son ami Félix Clément (1826 - 1888) qui, comme Rousseau lui-même, était un artiste autodidacte. Mais contrairement à l’agent des douanes, Clément était reconnu et aimablement reconnu par les autorités. Lui, l’heureux gagnant du Grand Prix de Rome de la République française, a été payé pour son hébergement et son entraînement en Italie. L’intelligent Clément, ami dévoué et conseiller délicat, ne s’est jamais laissé ridiculiser ni se moquer de Rousseau et de ses peintures. Au contraire, il a toujours insisté pour que l’artiste reste fidèle à son style et ne ferme pas la route. Clement présente l’officier des douanes à Leon Jerome (1824 - 1904),qui travaillait à l’époque sur l’incarnation artistique des scènes élevées de la mythologie antique et des intrigues antiques orientales. Jérôme - la star de l’art officiel - appartenait à un groupe d’artistes - pompiers, nommés pour leur luxe somptueux inhérent à leurs toiles et à leur splendeur prétentieuse, ainsi que pour les coiffes caractéristiques de leurs anciens héros, rappelant les casques de pompiers (pompiers).

À de rares exceptions près, comme Clément et Jérôme, les amis de Russo appartenaient principalement au cercle des artistes indépendants. Ce sont les représentants du néo-impressionnisme, en particulier Georges Cera (1859 - 1891) et Paul Signac (1863 - 1935), qui sont les premiers à reconnaître un maître brillant et original à Rousseau en 1886. Signac a hautement apprécié son talent de coloriste, et Camille Pissarro (1831-1903) fut admirée par les œuvres de l’artiste, reconnaissant qu’il s’agissait précisément de «sentiments au départ». Robert Delaunay, le premier, avec son épouse Sonia (1885-1979), l’un des fondateurs de l’art abstrait, ont exprimé leur admiration pour l’artiste.

Delaunay et Russo deviennent amis, malgré le fait que l’agent des douanes ne pénètre pas toujours l’essence de la recherche créative de son ami. «Pourquoi Robert a-t-il cassé la Tour Eiffel?» - La question sincère de Rousseau concernant le tableau de Delaunay a conduit à l’apparition de la légende du douanier comme un génie naïf qui n’a jamais vraiment compris les techniques figuratives de l’art avant-gardiste.

L’auteur, comme beaucoup d’autres légendes sur la vie de l’artiste, était le poète moderniste Guillaume Apollinaire. Il a créé des mythes sur Rousseau, en passant à travers son imagination poétique l’histoire de sa vie, et l’artiste a immortalisé à son tour son image sur toile. Apollinaire a décrit le processus d’écriture de son propre portrait: «Il a tout d’abord mesuré mon nez, ma bouche, mes oreilles, mon front, mes bras, tout mon corps et a très précisément transféré toutes ces mesures sur sa toile, en le réduisant la taille du cadre. (…) Je ne bougeais pas, observant avec admiration son inquiétude pour le travail de son imagination, ne permettant à personne d’interférer dans le processus de création, afin de ne pas perturber l’harmonie de l’image. Et avec quelle précision mathématique il a représenté la figure d’un homme!Si mon portrait n’avait rien de commun avec mon apparence, cela ne serait pas arrivé par la faute de Rousseau, mais à cause d’une erreur de calcul agaçante. Cependant, même ceux qui ne me connaissent pas me reconnaissent sur la photo. ”Dans le rôle de la muse du poète, la toile représente l’artiste et amie proche d’Apollinaire, Marie Lorensen (1883 - 1956).

Une soirée dans l’histoire de l’art

Voici un exemple d’une des histoires liées à la vie de Russo et ses amis. Un soir de janvier 1908, Rousseau et Apollinaire se produisent à Bago Lavoir, où Pablo Picasso (1881 - 1973), artiste catalan, installe son atelier dans une petite maison en bois. Le douanier, coiffé d’un doux feutre, prend une place de choix à la table, laissant des vêtements de dessus et une canne à la porte. Au mur est accrochée l’œuvre de l’artiste autodidacte "Portrait de Mme M." (ce même mystérieux "Jadwiga"). Le mur lui-même est décoré de drapeaux, de lanternes et d’une grande affiche portant l’inscription "En l’honneur de Rousseau". Les invités présents sont tous de bonne humeur, certains ont déjà visité la taverne voisine.

Apollinaire récite solennellement l’ode qu’il a écrite pour cette soirée: «Nous sommes réunis pour vous honorer avec du vin, ce qui déverse Picasso. Il y a des raisons de boire, et nous allons boire et nous réjouir: «Longue vie à Rousseau!» Autour de la table: artistes Georges Braque (1882 - 1963), Marie Lorensen et André Derain (1880 - 1954), écrivain André Salomon, poète Max Jacob (1876 - 1944) et deux Américaines - la célèbre écrivaine Gertrude Stein (1874 - 1946) et Alicia Toklas. Le vin coule à flots, Rousseau prend le violon et joue la valse qu’il a écrite pour Clémence. Puis il vient à Picasso et dit doucement à son oreille: "Nous sommes les deux plus grands artistes de l’époque." Puis Apollinaire se lève de nouveau et lit un poème racontant le voyage de Rousseau au Mexique inventé par lui: «Tu te souviens, Rousseau,le paysage aztèque? Forêts où se développaient les ananas et les mangues, Joyeux singes, pulpe de melon d’eau, Race réchauffa l’empereur Maximilien? "Vos peintures viennent du Mexique, où le soleil brûlant et les émeutes de la nature." Un artiste qui n’est jamais allé dans ce pays n’essaye même pas de s’opposer, car c’est aujourd’hui le jour tant attendu de son triomphe.

Plus tard, une amie de Picasso, Fernanda Olivier, fera valoir que la réception de fête à Bateau Lavoir était une blague, un canular. Cependant, André Salomon écrit dans ses mémoires: "À Bato Lavoir, nous n’avions qu’une tâche à accomplir: nous voulions offrir à Rousseau les vacances qu’il méritait". Cette technique à Bato Lavoir a été l’un des moments clés de l’histoire du développement de la peinture moderne: c’est là que deux générations d’artistes se sont rencontrées, grâce à qui est né le nouvel art.