Harmenszoon Van Rijn Rembrandt (1606-1669) Automatique traduire

Le futur grand artiste Rembrandt est né le 15 juillet 1606, à l’ère fertile de la prospérité de tous les domaines de la culture spirituelle en Hollande. C’est le moment où la littérature, l’architecture, la peinture et le théâtre nationaux se sont développés particulièrement rapidement. Mais aucun des domaines de l’art, en cet "âge d’or", n’a créé autant de valeurs culturelles reconnues au niveau mondial que la peinture.

L’art visuel néerlandais a mûri au cours des années de révolution, de lutte de libération et de recrudescence post-révolutionnaire. De toute évidence, c’est la raison pour laquelle la peinture nationale a un caractère démocratique aussi prononcé. Les artistes hollandais, déjà au 17ème siècle, ont eu l’occasion rare d’exprimer ouvertement leurs idées et leur attitude face à la réalité environnante. Leurs œuvres se distinguent par un réalisme audacieux par rapport à l’image de l’homme et de sa vie.

Tout le travail de Rembrandt est saturé de la plus haute incarnation du réalisme hollandais, exceptionnellement proche de l’âme de l’artiste lui-même. Ses œuvres sont frappantes par l’ampleur de la couverture thématique, ce qui est très rare dans l’histoire de l’art mondial.

Premières années

Auparavant, Rembrandt avait passé son enfance dans la ville de Leiden (Pays-Bas), où son père tenait un moulin sur les rives d’un des affluents du Rhin. Le préfixe «Van Rhine» est le surnom générique du peintre, signifiant littéralement «qui vient du Rhin».

Après avoir obtenu son diplôme du gymnase latin en 1620, le garçon passa environ un an à l’université de Leiden. C’est là que ses compétences en dessin sont apparues pour la première fois. Le jeune artiste a commencé à étudier avec le peintre local Jacob van Swannenbürch. Mais il s’installe rapidement à Amsterdam, où il trouve un professeur plus éminent, Peter Lastman (1583-1633). Le nouveau mentor de Rembrandt était un représentant d’un groupe d’artistes néerlandais exclusivement consacrés à la représentation de sujets antiques et bibliques.

Les peintures historiques de Lastman ont captivé le public avec des détails colorés de mises en scènes de la vie des peuples anciens. Son style individuel était l’image d’émotions fortes sur les visages des personnages. Pour cette raison, malgré l’habileté incontestable de l’exécution et la capacité de créer des détails réalistes, toutes ses peintures se distinguent par des événements farfelus et théâtraux, voire réels. Néanmoins, de nombreux traits caractéristiques de la peinture de Lastman ont considérablement influencé le développement du style de Rembrandt, alors qu’il ne passait que six mois environ dans son atelier.

À l’âge de dix-neuf ans, Rembrandt est retourné à son pays natal, Leiden. Ici, il commence à pratiquer l’art de peindre lui-même. Toutes les peintures de la période «Leiden» sont soignées, avec des transitions nettes de couleurs et de lumière et un style d’écriture légèrement strict et sec, ce qui donne un artiste débutant inexpérimenté.

Dès le début, Rembrandt a été attiré par le genre du portrait. Comme il y avait peu de commandes, l’artiste s’exerçait inlassablement sur lui-même, ses parents et ses proches. À cette époque, il écrit de nombreux autoportraits, se présentant avec diverses expressions faciales: embarrassé, souriant, riant, agacé. Alors Rembrandt a commencé à améliorer sa capacité à transférer de manière réaliste les états psychologiques de ses héros. Presque tous les premiers autoportraits sont superficiels, voire impolis, en raison de la jeunesse et de l’inexpérience de l’artiste.

Mais les premières expériences du peintre dans le domaine du graphisme imprimé, également liées à la période de Leiden, sont beaucoup plus intéressantes. Les données sur qui Rembrandt a étudié l’art de la gravure, ne sont pas conservées. Cependant, ses premières gravures se distinguent déjà par une grande maîtrise de l’exécution et une profonde compréhension du dessin.

À en juger par les gravures de Rembrandt, il a préféré choisir des personnages pour ses œuvres parmi les plus bas de la société néerlandaise. Ses eaux-fortes consacrées aux pauvres, aux estropiés et aux vagabonds étaient si habiles qu’elles ont attiré l’attention du public sur son travail. Rembrandt avait plus d’ordres, les étudiants ont commencé à venir à lui, l’artiste a commencé à prédire un grand avenir.

Au début, le peintre signait son travail avec un monogramme de son propre ouvrage «RHL» - Rembrand Harmen (nom du père), Leiden (ville natale). Cependant, après s’être installé à Amsterdam en 1631, il commença à signer du même nom, à l’instar des grands maîtres Raphael et Titsiau.

Après son déménagement à Amsterdam, le peintre entame une des périodes les plus réussies de son travail et de sa vie. Presque immédiatement, il a reçu une commande très rentable de la guilde des chirurgiens. En janvier 1632, Rembrandt assista à une conférence de l’excellent médecin Nicholas Peters, au cours de laquelle l’audience assista à l’autopsie du voleur. Les médecins ont le droit d’ouvrir les cadavres de ces criminels condamnés à mort. Cela s’est produit extrêmement rarement, donc c’était toujours un événement réel. Ce moment a été capturé par l’artiste dans son célèbre tableau «La leçon d’anatomie du docteur Nicholas Tulp» (1632, Mauritshuis, La Haye).

Dans le processus de création de cette œuvre, l’auteur agit en tant que psychologue en profondeur qui a réussi à remarquer et à transmettre subtilement une image complexe de relations personnelles. Un groupe d’étudiants - de jeunes chirurgiens, sur la toile est vêtu de costumes de vacances. Pour Holland, une variante du portrait représentant un homme occupant son poste préféré était très courante. Une telle image nécessitait une utilisation généralisée des objets ménagers - l’inclusion dans l’intrigue des éléments environnants qui caractérisent la vie du portrait. La tâche la plus difficile pour l’artiste a été de maintenir la prédominance de l’image portrait sur celle de tous les jours. Rembrandt s’est brillamment acquitté de cette tâche.

Dans les vues des personnages de l’image - admiration pour la conférence, qui a démontré une connaissance étonnamment profonde du conférencier. Les chirurgiens qui sont venus étaient tendus, comparant l’anatomie d’une main ouverte à ce qui est décrit dans un grand livre étendu à ses pieds. Dans ce contexte, le médecin lui-même semble très réservé. Comme il sied à un vrai professionnel, le médecin n’éprouve ni peur, ni timidité, ni embarras. Dr. Tulp est confiant, calme et n’a pas peur de la réalité. Même la servante du médecin, prenant la cape d’un chirurgien en visite à l’arrière-plan de la photo, n’a pas du tout peur de la vue.

La peinture a permis à Rembrandt d’être reconnu par le public d’Amsterdam. Il a commencé à recevoir de nombreuses commandes de portraits de nobles messieurs, qu’il avait créés plus de cinquante au cours des deux premières années. La popularité de l’artiste a grandi avec son bien-être.

Rembrandt était un collectionneur passionné. Il a dépensé la majeure partie de l’argent gagné pour l’achat d’œuvres d’art, de costumes antiques et d’antiquités. Au cours de l’inventaire de sa propriété, parmi les œuvres de sa vaste collection se trouvaient des peintures de Rubens, Raphaël, Albrecht Dürer, Van Dyck, Peter Brueghel et d’autres maîtres.

Succès et bonheur personnel

En seulement deux ans de sa vie à Amsterdam, Rembrandt se marie. La femme du peintre était la fille de la riche patricienne Saskia van Eilenborch. L’artiste aimait beaucoup sa femme et créait souvent ses portraits de différentes manières: dans le costume habituel d’un bourgeois hollandais ou dans des vêtements qui la transformaient en héroïne de la mythologie biblique ou ancienne.

En 1634, Rembrandt peint son tableau Flora (musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg) dans lequel Saskia apparaît comme la déesse de toute la flore de Flora. La femme est enceinte, sa tête est décorée d’une couronne dans laquelle les tulipes sont clairement visibles, indiquant son origine hollandaise. Saskia, avec une brindille dans ses mains, ressemble à une princesse de conte de fées qui se promène dans la forêt. Il est étonnant de constater avec quelle habileté le tissu de ses vêtements a été peint, ce qui donne envie de toucher la toile pour sentir la tendresse du satin. La photo, malgré la palette froide, donne une impression étonnamment chaude. L’image de la jeune Saskia est très émouvante et très différente de la femme royale qu’elle comparaît devant nous sur un tableau peint un an plus tard.

L’œuvre "Sofonisba prend la coupe de poison" (1634, musée du Prado, Madrid) est l’une des premières peintures sur un thème historique. La femme sur la photo ressemble beaucoup à Saskia. L’intrigue de la photo raconte l’histoire de Sofonisbe, fille du commandant carthaginois, qui vécut pendant la guerre acharnée entre Rome et Carthage. Son père la fait passer pour le roi Sifax, tué lors de la bataille avec Masiniss, qui, à son tour, voulait prendre la reine pour épouse. Mais, les Romains interdisent ce mariage, puis Masinis envoie un bol de poison Sofonisbe, bue par la reine sans hésiter.

La toile "Autoportrait avec Saskia sur ses genoux" (1635-1636, Picture Gallery, Dresden) nous montre l’artiste et sa femme brillants de bonheur. Rembrandt, à l’image du marié, vêtu d’un costume élégant, tient Saskia sur ses genoux, également vêtue d’une vieille robe achetée par l’artiste à un antiquaire. L’artiste dégage un plaisir transmis au spectateur. D’une main, il tient doucement le compagnon par la taille, de l’autre main, il lève un verre luxueux, comme s’il offrait au spectateur un verre pour le bonheur de sa famille, partageant les vacances de son âme. Dans tout le travail, on peut ressentir la tendresse et l’amour du peintre pour sa femme.

Religion et mythologie

Au tournant des 16 et 17e siècles, Rembrandt était fasciné par la peinture historique qui, selon les traditions de cette époque, comprenait les récits mythologiques de l’Antiquité, ainsi que des sujets bibliques. Malgré l’influence évidente de Lastman sur son professeur Lastman, ses toiles se distinguent nettement du contexte général de la peinture hollandaise florissante.

Le fait est que Rembrandt a superbement géré une interprétation profondément individuelle de chaque image. Malgré la similitude des couleurs, des techniques de composition et des costumes de ses héros avec les peintures de Lastman, l’artiste a réussi à développer son propre style, basé sur le désir de transmettre les vrais sentiments de la personne tels qu’ils pourraient être en réalité. Restant dans le cadre de sujets mythologiques et bibliques traditionnels, les peintures de Rembandt sont dépourvues de ridicule et de théâtralité.

Dans les toiles de la série historique, le talent du narrateur Rembrandt, son désir de montrer l’incohérence et la dualité de la nature humaine, dans lesquelles, selon le maître, sont les motifs de tout acte, sont révélés de manière inhabituelle.

La philosophie de Pascal a exercé une grande influence sur le travail du peintre: "une personne - quelque chose de beau qui préserve la vérité sur lui-même, d’une part, est un vase d’incertitude et d’erreurs cela se contredit. "

La peinture «La descente de la croix» (1634, musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg) fait partie d’une série de peintures sur le thème des passages du Christ commandées par le prince Frederick Hendrick d’Orange de Rembrandt. Sur la toile, nous voyons comment, la nuit, des proches retirent le corps de Jésus crucifié de la croix. Un jeu puissant de clair-obscur crée un effet dramatique très fort. Les visages des personnages sont excités et pâles. La seule source de lumière déchire au crépuscule la figure du Christ tourmenté. L’origine de la lumière n’est pas claire - soit elle vient d’en haut, soit du Seigneur lui-même. La Vierge Marie est dépeinte comme une femme simple. Le visage de la Mère de Dieu est également illuminé. Sa silhouette est située à droite, de part et d’autre d’elle sont des personnes qui aident Mary à rester debout, son état de santé témoigne d’un chagrin profond. Un tissu luxueux est étendu sur la terre, sur lequel le corps de Christ est maintenant posé.

Rembrandt a intentionnellement dépeint tous les participants à cette action comme de simples gens, pour souligner que la mort du Fils de Dieu est une douleur universelle. Ce tableau, l’un des cinq commandés par le prince, a ensuite été répété par l’artiste, mais à une plus grande échelle.

Le thème de l’assassinat et de la résurrection du Christ se poursuit dans la toile "L’incrédulité de saint Thomas" (1634, Musée des Beaux-Arts A. Pouchkine, Moscou). Voici un épisode où Jésus ressuscité apparaît aux apôtres et montre des blessures. Les disciples du Christ racontent le miracle de Thomas qui, incrédule, déclare: "Si je ne vois pas les plaies des ongles sur les mains et que je mets mon doigt dans les plaies des ongles, et que je ne les pose pas les mains dans ses côtes, je ne le croirai pas. " Quelques jours plus tard, Jésus apparaît à nouveau aux apôtres, avec qui Thomas était. Le Christ l’a approché et a offert d’accomplir ce que Thomas demandait comme preuve: se mettre les doigts dans les plaies. Thomas effrayé répond à la demande et reconnaît le Seigneur avec honte.

Le tableau est peint en couleurs sombres et seule la partie centrale de la composition est illuminée par la lumière brillante émise par la figure de Jésus. Le jeu inhabituel d’ombres et de lumières inhérent aux toiles du maître traduit la dynamique interne de l’épisode, son caractère excitant.

L’œuvre suivante, consacrée à l’intrigue biblique, était le tableau «La jetée de Belshazzar» (1635, National Gallery, London). La photo montre une histoire classique liée à la règle et à la mort de Belshazzar - le dernier roi de Babylone, coupable de la chute de Babylone (selon le livre du prophète Daniel).

Lorsque Babylone a été assiégée, elle a gardé une quantité suffisante de stocks de nourriture, avec lesquels les résidents ne pouvaient plus se soucier de la nourriture pendant longtemps. Mais le roi de Babylone, Belschazar, décide de manière inattendue d’organiser un festin de luxe en une occasion totalement insignifiante, l’invitant chez près d’un millier de nobles et de courtisans. L’image est l’aboutissement de l’histoire, quand au milieu d’un festin derrière le dos du roi apparaît une main qui écrit certains mots. Le roi, dont la figure est située au centre de la composition et occupe presque tout son espace, se retourne pour comprendre ce qui se passe. À sa droite, alors que le vin d’un vase précieux bascule sur lui-même, une des dames en train de se régaler s’accroupit de peur.

Selon l’évangile, les sages de la cour du roi Belschazar ne pourraient pas lire l’inscription magique. Puis le souverain babylonien invite le prophète Daniel, qui a déchiffré les lettres. Le texte sur le mur du palais se lisait comme suit: «Dieu a calculé votre royaume et y a mis fin. Vous êtes pesé et votre poids n’est pas grand. Votre royaume est divisé et donné aux Perses et aux Mèdes. «Selon le récit biblique, le roi du chaldéen Belschazar fut tué cette nuit-là.

Le tableau «Le sacrifice d’Abraham» (1635, musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg), reprend une série de complots tirés du livre sacré. La toile est enveloppée dans le crépuscule, seuls trois fragments sont tirés par la lumière: le corps du jeune Isaac, les mains liées dans le dos, attendant de se pencher, un coup fatal; le visage d’Abraham, pâle de chagrin et d’horreur, réalisant qu’il était sur le point, sur l’ordre de Dieu, de tuer son propre fils; et la figure d’un ange, comme si éclatant dans une composition de nuages, pour sauver les héros de l’horreur qui se passe.

Tout au long de son travail, à l’image d’une personne, Rembrandt a été attiré par des expressions spectaculaires de peur, de douleur, de joie, de chagrin, de ressentiment, de surprise - tout ce qui est visible à l’œil nu et non des expériences internes cachées profondément.

Cela est particulièrement visible dans les grandes œuvres à multiples figures, telles que, par exemple, la peinture «Blinding Samson» (1636, Shtedelevsky Art Institute, Frankfurt). La toile est basée sur l’un des épisodes dramatiques des légendes bibliques.

Le puissant Samson tombe entre les mains de ses ennemis à cause de la trahison de sa bien-aimée, la belle et perfide Dalila, qui a trahi Samson pour obtenir une récompense. Les assaillants l’aveuglent, lui enfonçant des poignards. Le corps héroïque de Samson, éclairé par une lumière brillante, était courbé de douleur. La composition dynamique de l’œuvre est saturée de contrastes de couleurs d’obscurité et de lumière vive émise par la figure d’un homme fort, créant un sentiment d’angoisse et d’horreur. Autour de tout, mêlée dans une lutte acharnée, et à l’arrière-plan, on voit Delilah s’enfuir rapidement.

Selon des études récentes, un autre tableau du maître Danae est étroitement lié au tableau "Blind Samson". L’analyse des toiles a montré une structure absolument identique, peut-être les deux ont-elles été coupées en une seule pièce. Les œuvres sont liées non seulement à la base et à la taille, mais également à la composition, ce qui confère à ces œuvres une monumentalité du fait que leurs personnages sont représentés en pleine croissance. Il existe également une version dans laquelle l’artiste a offert ces deux œuvres à Konstantin Heitens - secrétaire du prince Frederick Hendrick, grâce à qui Rembrandt a reçu de nombreuses commandes.

Cette hypothèse est également confirmée par les lettres de l’artiste dans lesquelles il informe Hatens qu’il a achevé deux peintures que, en signe de gratitude, j’aimerais lui présenter. Leur intrigue n’est pas indiquée, mais très probablement, l’auteur avait en tête ces œuvres.

De telles études approfondies de la toile “Danae” (1636, musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg) ne sont pas accidentelles. Ce tableau est devenu l’une des meilleures créations du maître et, en outre, un hymne à son amour pour Saskia. Rembrandt a daté la toile en 1636, mais les experts dans son travail attribuent le travail à une période ultérieure. Cela est dû au fait qu’au début du travail du maître, la force et la profondeur avec lesquelles ce travail a été écrit n’étaient pas encore caractéristiques. Des études approfondies aux rayons X ont été effectuées dans les laboratoires du musée de l’Ermitage, ce qui a permis de dissiper tous les doutes: la toile a bien été écrite dans les années 1630 mais, au cours des décennies suivantes, elle a fait l’objet d’une création importante.

La composition de la toile est basée sur l’intrigue d’un ancien mythe grec. Le roi d’Argos, père de Danai, a emprisonné sa fille dans une tour. Mais le dieu suprême Zeus, amoureux de Danaé, la pénétra néanmoins, prenant l’apparence d’une pluie dorée. Avec un mélange de timidité et de joie (la dualité de la nature humaine), Danaé cherche à rencontrer le rayonnement doré. Rembrandt n’a pas dépeint le corps féminin parfait dans l’image, comme cela était habituel chez d’autres artistes. Son Danae est loin des idéaux de beauté parfaite, mais faites attention à son visage, combien d’espoir, d’inspiration, il est plein d’amour et de foi. Sa pose est exceptionnellement féminine et ses gestes sont émerveillés.

Poursuivant sur le sujet des discussions actives sur la photo, il convient de noter que Danai a peu de similitudes avec l’apparition bien connue de Saskia. La radioscopie par conduction a résolu cette énigme. Le fait est que la toile n’était pas destinée à la vente, elle a longtemps été entreposée dans l’atelier personnel de l’artiste, jusqu’à sa faillite complète, après quoi toutes ses affaires ont été saisies et vendues.

Rembrandt revenait constamment dans son œuvre bien-aimée, la réécrivant conformément à un nouveau niveau de vision picturale professionnelle ou en fonction de l’état d’esprit et d’humeur. En réécrivant les traits du visage de Danai, il lui donna les traits caractéristiques de Gertieu Dirks, la servante qui vivait dans sa maison après le décès de sa femme, ou donna la ressemblance à Hendrikyo Stoffels. En conséquence, le visage de l’héroïne est une combinaison de traits proches des artistes femmes. Mais la ressemblance avec Saskia, son premier amour, est néanmoins beaucoup plus claire.

Le destin de l’image n’était pas simple, et après la mort de Rembrandt. Après la vente de la propriété de l’artiste, elle changea de nombreux propriétaires privés jusqu’en 1772, date à laquelle elle fut achetée par Catherine II. Par la suite, elle a été placée dans le hall de l’Ermitage, où elle a été attaquée par un maniaque en 1985, qui a infligé deux coups de couteau à la toile et l’a aspergée d’acide. Heureusement, les restaurateurs ont quand même sauvé le chef-d’œuvre et l’ont gardé pour le public.

Au début de son travail, Rembrandt ne prêta pratiquement aucune attention au paysage. Après des années, sous la lourde oppression des circonstances de la vie, l’artiste a tourné ses yeux vers la nature et le réconfort qu’elle peut procurer à l’homme. Cependant, en 1638, le peintre crée un magnifique tableau «Paysage avec un pont de pierre» (Ricksmuseum, Amsterdam). La toile est remplie de la lutte de la lumière et de l’ombre, de l’émotivité de la composition et de la décision coloriste, et de la dynamique globale.

Comme si on se faufilait entre des nuages ​​épais, un jet de lumière du soleil ruisselle sur deux arbres représentés dans la partie centrale de la photo. Tout le reste - les gens dans le bateau, se dépêchant de rentrer chez eux, effrayés par le début d’un orage, le pont sur la rivière est submergé par le crépuscule. Dans l’unique fragment de la parcelle illuminé par le soleil, on peut voir les contours d’une vieille clôture branlante, des feuilles et une personne qui passe.

Maître non reconnu

Malheureusement, la période de gloire et de prospérité matérielle de Rembrandt ne dura pas longtemps. Le travail du grand maître était très différent de celui des artistes néerlandais à la mode. Et comme vous le savez, c’est la mode qui dicte ses goûts à la bourgeoisie qui, à cette époque, était la classe la plus nombreuse et la plus prospère de Hollande. Rembrandt ne voulait se livrer à aucune tendance à la mode; il a clairement vu son chemin dans l’art, rempli de traits profondément individuels. Le thème principal de la créativité de l’artiste a toujours été l’homme, sa vie extérieure et ses désirs cachés, une vie sans fantasmes et tirée par les cheveux, telle qu’elle est.

Le style réaliste du travail de l’artiste a confondu les contemporains avec sa vérité nue. Cela a conduit à un conflit inévitable entre le maître et la société bourgeoise. Le premier affrontement majeur entre Rembrandt et l’opinion publique s’est déroulé à la suite d’une commande importante pour un portrait de groupe d’une compagnie de tir à la carabine à Amsterdam, sous la direction du lieutenant Willem van Reitenberg et du capitaine Frans Bunning Kok, sur laquelle l’artiste a travaillé environ deux ans.

L’œuvre de grande envergure «La performance des tireurs de la société Captain Frans Bunning Cock» (ou «The Night Watch», Ricksmuseum d’Amsterdam), achevée par le maître en 1642, dépeint un événement historique mémorable, vraisemblablement, la participation de Tireurs d’Amsterdam à la réunion de cérémonie de la reine française Maria de Medici en 1639.

La peinture représente la compagnie du capitaine Kok, qui émerge d’un espace sombre vers un premier plan rempli de lumière vive. Chaque personnage est occupé avec son grand-père, cela donne l’impression que l’épisode a été volé par hasard. Les flèches sur la photo nettoient et démantèlent leurs pics, quelqu’un donne des ordres, fait des gestes actifs, le porte-étendard déploie un drap coloré. Sur le côté droit de la photo, un homme âgé assomme un rouleau de tambour, un chien aboie près de ses pieds. Ces diverses actions, créant un léger sentiment de chaos, empli de bruit et de dynamique, laissent une impression très vive.

La palette de couleurs générale de la toile est plutôt sombre, diluée avec seulement deux taches jaune vif: au centre à droite - la silhouette d’un homme petit - le lieutenant Willem van Reitenberg, et à droite - une petite fille vêtue d’une robe jaune. Les flèches sont entrecoupées de passants, ce qui donne l’impression d’une certaine confusion. Seul le capitaine Kok, appuyé sur sa canne, parle absolument calmement à quelqu’un.

L’idée de Rembrandt de représenter un groupe de personnes unies par une seule impulsion de sentiments civiques, hélas, est restée incompréhensible et n’a pas été acceptée par la société d’Amsterdam. Les tireurs qui ont payé pour que l’ordre soit placé sur la toile, étaient mécontents du fait qu’il y ait des inconnus dans la photo. Et plus encore, ils étaient scandalisés que les visages de certains clients soient masqués par d’autres personnalités.

Cette image a été un tournant dans la vie de l’artiste. Alors que Rembrandt écrivait le tableau, son épouse bien-aimée Saskia, âgée de trente ans à peine, est décédée de la tuberculose. Peut-être cet événement a-t-il également influencé l’artiste en représentant sur la toile une petite fille dont le visage rappelle quelque peu la jeune femme du peintre.

Un tollé général controversé concernant Night Watch a sapé la popularité de Rembrandt, qui n’a que commencé à décliner. Le nombre de commandes a diminué, les étudiants sont partis. Dans la vie du maître est venue une période très difficile.

Perplexe et frustré, Rembrandt a commencé à rechercher la solitude et le confort dans la nature. En conséquence, le maître était très intéressé par le paysage, auquel il n’avait jamais attaché d’importance. L’état d’esprit du peintre peut être évalué en fonction des types qu’il a choisis pour ses peintures - il ne s’agissait pas de vues spectaculaires, mais de coins calmes, modestes et isolés.

En plus de la peinture, les gravures et les dessins d’un maître non moins talentueux que ses peintures peuvent occuper une place importante dans le vaste patrimoine de Rembrandt. L’artiste a créé des eaux-fortes dans la technique de l’eau-forte. L’essence de la technique consiste à gratter un dessin avec une aiguille sur une plaque de métal recouverte de vernis, qui est finalement traitée avec des acides. Ensuite, le vernis de la planche est enlevé et les lignes brûlées sur le métal avec de l’acide sont remplies de peinture. Après cela, les empreintes digitales sont faites à partir du tableau sur du papier humide sous la presse. La méthode de gravure et l’impression résultante sont appelées gravure. Au total, le maître a créé environ trois cents gravures à l’eau-forte, appartenant aux plus grandes réalisations mondiales dans le domaine du graphisme. En outre, environ un millier et demi de dessins de l’artiste ont survécu jusqu’à nos jours.

Un exemple du magnifique graphisme de Rembrandt est sa gravure symbolique vive «Trois arbres» (1643, collection de J. de Bruyne). Sur le côté gauche de la gravure, de nombreuses lignes verticales sont tracées, créant l’impression de pluie qui tombe par jets rapides. La partie droite et centrale de la gravure n’est pas tachetée de traits, à partir desquels le ciel et tout l’espace de la composition semblent radieux, spacieux, ouverts. L’artiste a donc dépeint la lutte symbolique et l’inévitable victoire de la lumière sur les ténèbres. La nature purifiée et ressuscitée crée une attitude optimiste et affirmative. Trois arbres, qui dominent le côté droit de la composition, semblent être l’axe de ce monde, le principe qui donne la vie - si pleinement et clairement incarnés dans tout ce qui est autour: dans les gros troncs - le pouvoir de la terre patiente ; dans le battement des feuilles sur les branches - la libre poursuite de l’air.

Malgré sa fascination pour la gravure, Rembrandt n’a jamais cessé de perfectionner son style de peinture. Dans les années 40, ses techniques visuelles se diversifient de plus en plus, la structure de composition est plus audacieuse, la couleur plus riche et plus tempérée, des nuances vives de rouge, de brun et de doré l’emportent. Les thèmes dominants restent les récits bibliques et évangéliques, révélant de simples qualités humaines: amour maternel et conjugal, souffrance, miséricorde, bonté. Le tableau «La Sainte Famille et les anges» (1645, musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg) en est un exemple. Il est saturé d’une tendresse si étonnante, d’un amour dans lequel le divin et le terrestre s’entremêlent.

La vierge Marie qui lisait le livre est interrompue afin de redresser la couverture du Bébé, de le fermer d’une lumière extrêmement brillante. Le geste de la Mère de Dieu est rempli d’amour et de soins sans fin. Jésus dort doucement, son visage, comme toujours, illuminé par le rayonnement divin. Le mari de Mary est à l’arrière-plan. Cet épisode de la vie d’une jeune famille pourrait sembler banal, sinon pour les anges qui planent dans le ciel.

En 1647, Rembandt créa une image dramatique avec un érotisme prononcé «Susanna and the Elders» (Musée d’État, Berlin). Susanna se dirige vers la piscine située dans son jardin. Soudain, deux vieillards sortent de l’abri, qui commencent à persuader la fille de partager un lit avec eux. Ils menacent Susanna qui autrement serait un faux témoignage que Susanna a commis l’adultère avec un autre homme. La fille refuse catégoriquement. Effrayée, elle tente de couvrir sa nudité avec un voile, mais un des méchants le brise, continuant de la persuader avec persistance. Les souliers rouges laissés par Susanna près de la piscine sont évidemment un symbole de l’érotisme de l’art hollandais du 17ème siècle.

Un autre élément de l’histoire biblique est le tableau «Dîner à Emmaüs» (musée du Louvre, Paris), écrit par le maître en 1648. L’intrigue du tableau est choisie classique - la rencontre du Christ ressuscité avec les disciples. Mais dans la version de Rembrandt, la toile porte une signification psychologique profonde. Jésus est assis au centre de la table dans une taverne baignée de lumière chaude. Son regard est calme et concentré. Nous ne voyons pratiquement pas les visages des apôtres qui accompagnent le Christ - l’un d’eux me tournera le dos, le second ne se distinguera pratiquement pas. Mais l’artiste peint en détail le visage du serveur - un jeune homme servant un repas aux invités. Le garçon est doux, dans toute sa pose et son respect pour le cher invité. Ainsi, l’artiste souligne que pour un homme occasionnel, rencontrer le Christ est beaucoup plus important que pour ceux qui l’ont connu tout au long de sa vie, car le Seigneur choisit parmi ses disciples.

L’amour inconditionnel de l’humanité est également saturé par l’œuvre «Le Christ guérissant les riches» (1649, recueil de J. de Bruyne), qui porte un deuxième titre - «Une feuille de cent florins». Nous voyons ici le Christ debout dans une pièce abandonnée se noyant au crépuscule. Il est entouré de nombreux étrangers - personnes âgées, enfants, mendiants, estropiés. Les visages légèrement ombrés des héros reflètent la douleur, le doute, le besoin, la foi. Le maître a parfaitement transmis le jeu de lumière et d’ombre. La gravure à l’eau-forte était populaire, l’information était préservée que ses tirages étaient vendus à un très bon prix.

En 1653, Rembrandt, exécutant l’ordre du riche collectionneur A. Ruffo, créa le tableau "Aristote devant le buste d’Homère" (Metropolitan Museum of Art, New York). La peinture se démarquait nettement du contexte général de l’art pictural en Hollande. Les artistes de cette époque, conformément à la mode, ont écrit en couleurs claires, des traits légers, lisses, lisses, presque transparents. Par conséquent, le travail du maître, qui aimait les couleurs riches, la texture riche, les contrastes de couleurs, était mal perçu par le public. Ne voulant pas changer son style personnel et ayant perdu le soutien et la demande, le peintre vivait au bord de la ruine.

En plus du manque créatif de demande, Rembrandt a eu beaucoup de problèmes dans sa vie personnelle. Après la mort de sa femme, l’artiste s’est intéressé à la nounou de son jeune fils Titus - Gertieu Dirks, cette relation s’est terminée par un grand scandale, à la suite duquel Gertieu a quitté la maison du peintre pour toujours.

Après un moment, Rembrandt fut à nouveau au centre de l’indignation publique. En 1649, l’artiste s’intéresse à Hendrikie Stoffels, un domestique âgé de 25 ans, qui habite chez lui. Le peintre n’était pas pressé de légitimer leur relation afin de ne pas perdre le droit de disposer de l’héritage de l’épouse décédée, qu’il voulait sauver pour le fils de Titus.En réponse, le conseil de l’église d’Amsterdam a excommunié Hendrickier de la communion du soir, exigeant qu’il soit mis fin à la honteuse affaire extraconjugale. Mais la femme n’abandonna pas Rembrandt et lui enfanta même une fille, Cornelia.

L’artiste a dédié plusieurs de ses toiles à son nouvel amant, notamment: «Portrait de Hendrikyo Stoffels» et «Jeune femme se baignant dans un ruisseau».

Dans le tableau "Une jeune femme se baignant dans un ruisseau" (1654, National Gallery, Londres), l’héroïne est représentée dans une robe légère, tombant librement de ses épaules. Elle entre prudemment dans la rivière, soulevant le bas de sa robe au-dessus de ses genoux. Les parties exposées de son corps ont été peintes avec une grande habileté. Un sourire tranquille plein de tendresse joue sur le visage de la jeune femme. Hendrikyo a l’air de ne pas soupçonner qu’il est un modèle pour son propre conjoint pour le moment. Elle n’est pas tendue, mais elle n’est pas prise au dépourvu. Les traits du visage sont calmes et détendus.

Dans le même 1654, Rembrandt a peint le tableau "Bathsheba avec une lettre du roi David" (musée du Louvre, Paris), considéré comme l’un des plus beaux tableaux de l’artiste. Le travail est basé sur un complot de l’Ancien Testament, qui raconte comment, autrefois, le dirigeant d’Israël, David vit une fille qui se baignait sur le toit de son palais: «Et il vit une femme nue du toit; et cette femme était exceptionnellement belle. Et David a envoyé pour savoir qui est cette femme? Et ils lui répondirent: Voici Bath-Shéba, fille d’Eliam, épouse d’Urni Hepyanin. Et David envoya des serviteurs la prendre…»(Deuxième livre des royaumes). Le complot choisi par Rembrandt nous raconte l’histoire d’un crime de sang, d’un adultère et d’une colère divine. Bethsabée a reçu une lettre de David, elle la tient entre ses mains, anticipant la culpabilité future (la nature contradictoire de l’homme).Le beau corps de l’héroïne est littéralement saturé, inondé de lumière, dans la composition et la décision coloriste de la toile, l’inévitabilité du destin se fait sentir.

N’ayant plus de flux d’ordres et ayant perdu presque tous les étudiants, l’artiste, comme dans sa jeunesse, a commencé à écrire beaucoup de ses parents, voisins, connaissances. Au cours de cette période, de nombreuses toiles ont été créées dédiées aux personnes âgées, qui disposaient de suffisamment de temps libre pour des heures de pose.

Le Portrait d’un vieil homme en rouge (1652, musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg). Dans l’interprétation de Rembrandt, la vieillesse n’est en aucun cas un dépérissement de la vie, mais une bonne conclusion. L’apparence du héros, le visage recouvert de nombreuses rides, témoigne de sa sagesse et de sa riche expérience. Tous les événements de la vie laissent leur marque: certains sont des plaies au cœur, d’autres des rides au visage. Les yeux calmes du vieil homme reflètent le souvenir éternel de tout ce qu’il a vu dans sa vie, ce qu’il a vécu, de quoi il était affligé et de quoi il était heureux. Et de grandes mains calleuses témoignent de tout ce qu’il a fait avant de partir.

Le tableau «Portrait d’une femme âgée» (Musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg), peint la même année, nous montre une héroïne qui a humblement plié ses mains sur ses genoux. Son regard montre la fatigue des soucis quotidiens.

Rembrandt aimait travailler pensivement, patiemment et scrupuleusement, passant parfois deux à trois mois à son travail, en le remodelant à l’infini et en appliquant encore et encore des peintures denses et riches en pigments. Rembrandt a appliqué la peinture sur le sol, créant ainsi un effet d’espace profond, sculptant en relief les visages et les mains des héros à partir d’une masse colorée assez épaisse. Comme l’écrivait Arnold Houbraken, l’un des biographes de l’artiste: «Certains de ses personnages pourraient littéralement être«pris par le nez»- les couleurs étaient si épaisses appliquées».

En 1656, Rembrandt fut déclaré en faillite et, deux ans plus tard, sa maison, comme tous ses biens, ne fut vendue à rien. En 1660, le peintre doit s’installer dans un quartier d’artistes pauvres à la périphérie éloignée d’Amsterdam. Seul le fils Titus, qui a mûri, a ouvert sa propre entreprise de vente d’art, sauvé de la mort de la famine. Rembrandt et sa nouvelle épouse l’ont aidé du mieux qu’ils pouvaient.

Les rares natures mortes de Rembrandt appartenaient évidemment à des périodes de méditation lugubres, puisqu’elles traitent toutes presque toutes du thème du triste destin du monde végétal et animal, dans lequel l’artiste associe des associations avec la vie humaine.

La toile "Carcasse en carcasse de carcasse" (1655, musée du Louvre, Paris) est un excellent exemple d’une nature morte aussi triste. La photo est remplie d’un silence de mort; il n’y a même pas un soupçon de vie ou de dynamique. Dans une pièce vide, une carcasse de taureau coupée est suspendue au plafond. Peut-être même hier encore, cet animal, qui ne se méfiait de rien, paissait dans une prairie verte et qui, aujourd’hui, est toujours privé de vie. Toute vie sur terre a son propre terme, qui viendra tôt ou tard.

À la même période, le tableau «Le cavalier polonais» est créé (1655, collection de Frick, New York). La figure du cavalier, tout comme la photo elle-même, a suscité beaucoup de controverses concernant notamment la paternité de l’œuvre. Les vêtements du jeune homme, un chapeau garni de fourrure et un caftan lui confèrent une certaine théâtralité qui n’est pas caractéristique de la manière pittoresque de Rembrandt. Le costume ressemble plus à un oriental et n’a rien à voir avec le polonais. Alors d’où vient ce nom? Apparemment, le travail a ensuite été acquis par les Polonais. Mais il y a un «mais»: en 1654, à Amsterdam, le pamphlet «Le cavalier polonais» fut publié, défendant une secte à laquelle, selon de nombreux témoignages, l’artiste était contigu. Le cheval est représenté très maladroitement,ce qui ne convient en rien pour que Rembrandt puisse lui-même écrire l’animal ainsi.

Dans la composition stricte «La bénédiction de Jacob» (nom complet - «Jacob bénit les fils de Joseph Manassé et d’Éphraïm», 1656, galerie d’art, Kassel), un événement solennel est présenté - béni par le vieil homme Jacob de fourches. La toile est peinte dans le style caractéristique de Rembrandt: larges coups de pinceau audacieux, couleurs vives et riches. L’image de Jacob est pleine de grandeur et de dignité. S’élevant légèrement sur le lit, d’un geste léger, il touche la tête de sa petite-fille. Les deux enfants tremblant de joie s’abaissèrent près du lit. À côté du patriarche, sa femme observe la scène avec effroi. Le couvre-lit en velours rouge au premier plan anime inhabituellement la toile et apporte une touche de solennité et de signification à l’instant.

Période de créativité tardive

Ayant perdu sa maison, ses biens, sa riche collection de peintures de peintures du monde, Rembrandt a écrit des personnes qui lui tiennent à cœur - son fils et Hendrikyo, pour l’aider et le soutenir dans des moments difficiles.

L’une des meilleures œuvres est le touchant «Portrait de la lecture de Titus» (vers 1656, Kunsthistorisches Museum, Vienne). Nous avons devant nous une incarnation vivante de la jeunesse, de la fraîcheur et de l’enthousiasme. Le garçon vit dans son monde de livres, de fantasmes et de rêves incroyables. Des rayons de soleil scintillants courent sur le visage de Titus en train de lire avec enthousiasme, un sourire aux lèvres. Les traits du visage et les boucles rouges du garçon ressemblent à sa mère Saskia.

Avec un grand sens de chaleur et de tendresse, l’artiste écrit «Portrait of Hendrikyo Stoffels» (vers 1656, musée national, Berlin). Après la ruine, le peintre pourrait enfin combiner un mariage légal avec sa bien-aimée. Ils se sont mariés quelque part dans les années 1660, car dans de nombreux documents relatifs à cette période, Hendrikyo est déjà considérée comme l’épouse de Rembrandt.

Dans le portrait, une jolie jeune femme porte des vêtements près de l’ouverture de la fenêtre. Son regard est dirigé vers l’avant, elle attend peut-être un être cher qui est sur le point de venir. La toile reflète parfaitement l’éternelle part féminine: attentes, voir sortir, rencontrer des parents et en prendre soin.

La toile "L’évangéliste Matthieu et l’ange" (1661, musée du Louvre, Paris) nous montre Matthieu, dans l’interprétation de Rembrandt. Il nous apparaît ici comme un homme fort et courageux, doté d’une grande expérience de la vie. Maintenant qu’il a vieilli, il s’assied à une table et écrit l’évangile d’après les paroles d’un ange. Le message philosophique de l’auteur se reflète clairement dans l’œuvre: une personne qui naît, traverse des tourments, travaille, se réjouit, souffre, son visage se plisse, son corps s’estompe, puis la mort survient.

La manière dont l’Ange a doucement et délicatement posé sa main sur l’épaule de l’aîné reflète la pensée de l’artiste. Il est important pour nous tous, à un âge avancé, de se sentir près de nous, une personne proche qui prendra soin de nous.

En 1660, Rembrandt finit par recevoir une nouvelle commande importante de la fabrique de tissus d’Amsterdam. L’artiste écrit un magnifique portrait de groupe des anciens de l’atelier du drap, appelé "Sindiki" (Amsterdam, Ricksmuseum). Caractérisant ses héros, le peintre se concentre sur leur modestie professionnelle et leur honnêteté. Cinq syndics et un serviteur (dont le rôle subordonné ne se sent pas du tout dans la toile) regardent le spectateur avec un regard attentif. Les visages des héros expriment l’honnêteté, la décence, l’esprit.

Le peintre français, historien de l’art et écrivain Eugène Fromapagen, a parfaitement décrit la capacité de Rembrandt à créer des compositions de paysages inhabituelles: «Ils sont occupés, même s’ils ne bougent pas, ils parlent, mais ne bougent pas les lèvres. Personne ne pose, tout le monde vit. ”

Les robes noires et blanches strictes des héros sont diluées avec des panneaux dorés et une nappe rouge. Sur la table devant eux se trouve un livre ouvert - la boutique Charter, qui contient des normes de qualité pour le travail des drapiers d’Amsterdam. Le livre est clairement inclus dans le portrait à la demande des clients du canevas. Cependant, l’auteur a réussi à éviter un sens de l’intrigue farfelue, de la profondeur et du contenu.

Selon les éléments de preuve restants, cette image, en tant que sensationnelle Night Watch, a suscité beaucoup de discussions et de débats. Un examen aux rayons X a montré que la toile avait subi deux raffinements majeurs - en 1661 et 1662. Les raisons exactes pour lesquelles l’œuvre a été refaite ne nous sont pas parvenues.

Le destin du grand artiste, au fil des ans, est devenu plus triste. Le rejet démonstratif de la créativité, la détérioration constante de la situation financière et la mort de deux des personnes les plus proches (Hendrikyo décède en 1663 et l’artiste perd son fils unique Titus en 1668), affectent grandement son état mental. Cependant, Rembrandt n’a jamais douté de la loyauté de son propre chemin.

Malgré les procès, la perte de parents, la faillite, la diminution du nombre d’étudiants et du nombre de commandes, une situation financière extrêmement difficile, il continua de créer, créant de nouveaux chefs-d’œuvre d’un art réellement réaliste.

Les œuvres postérieures de Rembrandt sont dépourvues de mouvement, de bruit et d’effets. Les intrigues sont calmes, comme si, à ce moment précis, l’artiste était arraché à la vie des héros, le monde qui les entourait se figeait, tout se figeait dans l’attente du moment fatidique. Parmi ces tableaux, on peut citer le tableau «David et Uriah» (vers 1665, musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg), qui représente un homme quittant la tente avec une lettre dans sa poitrine. Dans la lettre - la condamnation à mort de David qui, sachant cela à l’avance, le regarde dans les yeux avec humilité et silence.

Les plus grands chefs-d’œuvre créés avant la mort

La peinture "La mariée juive" (vers 1666, de Ricksmuseum, Amsterdam) fait partie des plus grands chefs-d’œuvre du maître. La toile a causé beaucoup de controverse. Certains croyaient que la photo représente l’un des couples mariés bibliques: Rebecca et Isaac, Rachel et Jacob, ou Ruth et Boaz; d’autres ont vu ici le fils de l’artiste, Titus, et son épouse Magdalena Val Leu, tandis que d’autres ont pensé qu’il s’agissait d’un portrait des contemporains du peintre peintre Miguel de Barrios et de sa femme.

Il est universellement reconnu que, quels que soient les personnages qui posent pour Rembrandt, cette œuvre est l’une des images les plus émouvantes et les plus inhabituelles d’un couple marié. Un autre grand artiste, Vincent Van Gogh, la décrit ainsi: «Cette tendresse derrière laquelle se cache la douleur est infinie, à demi ouverte, surhumaine et en même temps si naturelle.

Les héros du tableau sont vêtus de couleurs rouge orangé et jaune doré, baignés d’une lumière intense et constante, symbolisant la flamme vive de leur amour. Toute la posture d’un homme, soigneusement penché vers sa femme, lui tenant doucement l’épaule, lui touchant la poitrine de l’autre main, témoigne d’un soin et d’une tendresse sans fin pour sa femme, d’amour et d’admiration pour elle. À son tour, la fille touche anxieusement sa main du bout des doigts, elle est calme pour son destin, confié à son nouveau mari.

Le deuxième plus grand chef-d’œuvre du maître, écrit à la fin de sa vie, est le tableau «Le retour du fils prodigue» (1668, musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg). Ce fut une brillante conclusion du chemin créatif de Rembrandt.

Si la «Mariée juive» était un hymne à l’amour terrestre et charnel, alors cette image parle d’un amour d’un ordre supérieur, plein de repentance, d’acceptation, de pardon, cet amour dévorant qui n’est possible qu’entre un parent et son enfant. La couleur de la photo a été choisie très discrète, avec une prédominance de couleurs sombres. Seuls les manteaux du père, étreignant son fils et se tenant à la droite de l’homme, brûlent au feu. Dans le rôle du fils prodigue, Rembrandt se vit toute sa vie. Même l’œuvre "Autoportrait avec Saskia sur ses genoux" s’appelait à l’origine "Fête du fils prodigue". Cet artiste bien-aimé de la parabole évangélique est à la base de plusieurs dessins.

La composition de l’image est simple. Au premier plan, un fils agenouillé, dans l’espoir de son pardon, incline la tête vers les pieds de son père. Deux ne se regardent pas, ne parlent pas, ne voient pas leurs yeux, mais dans leur pose même, il y a une proximité et un amour énormes qui ne peuvent exister qu’entre deux autochtones qui sont infiniment chers. L’artiste écrit les semelles effacées des vieilles chaussures de son fils afin que nous puissions comprendre combien de temps il a parcouru avant de comparaître devant son père épuisé, qui le serre dans ses bras. Les visages des personnages principaux qui entourent les personnages sont également expressifs, très expressifs et pleins de respect.

Harmenszoon Van Rijn Rembrandt, le plus grand artiste, a laissé au monde un riche héritage culturel constitué de plus de six cent peintures, d’un millier et demi de dessins et de trois cents gravures, décédé le 4 octobre 1669 dans l’oubli et la pauvreté. Il est enterré au cimetière Westerkerke à Amsterdam, à côté de ceux qu’il a le plus aimés de son vivant: Saskia, Hendrikyo et Titus.

Toutes les vicissitudes de la vie créatrice et personnelle du grand artiste ne pourraient briser son esprit et nuire à sa performance. Comme le génie de la Renaissance, Titien, Rembrandt a créé presque jusqu’aux derniers jours de sa vie, créant sans relâche des chefs-d’œuvre, essayant de pénétrer l’essence de la vie humaine et l’âme de l’homme lui-même, qui a été le personnage principal de ses peintures étonnantes. toute sa vie. La contribution inestimable de Rembrandt à l’art néerlandais, qui n’a jamais changé le chemin de création choisi, a véritablement révolutionné l’art national et mondial et l’a mise sur la voie d’une évolution constante.

Zhuravleva Tatyana