Bartolome Esteban Murillo - vie et peintures

On en sait peu sur la vie du principal artiste de «l’âge d’or» de la peinture espagnole, qui a apporté une contribution inestimable à l’histoire de l’art et est devenu le fondateur de l’école de peinture de Séville. Bartolomé Esteban Murillo est né, probablement en décembre 1617. Il est documenté le 1 er janvier 1618, jour de son baptême. Pour comprendre sous l’influence de laquelle a été formé le style créatif d’un artiste brillant, il faut comprendre quel Séville était où il est né à cette époque.

Séville

Séville était l’un des deux ports espagnols autorisés à commercer avec l’Amérique (conformément à l’arrêté royal du XVIe siècle). On y apportait des perles, de l’or, de l’argent, du cuir, du cacao, des oiseaux rares, du hin et d’autres produits sans précédent en Espagne. Les chantiers navals énormes sur les rives de la rivière navigable Guadalquivir étaient constamment occupés, ils construisaient des navires, fabriquaient des voiles, des cordes et tout le nécessaire pour la flotte. À partir des matières premières apportées, les artisans les plus qualifiés de Séville (plus précisément ses banlieues Triana et Makarene) ont créé de magnifiques vases, des brocarts de brocart en or et des étoffes, des vêtements pour le clergé, ainsi que des chandelles d’église massives et lourdes. Sur les porches de nombreuses églises se sont rassemblés, demandant l’aumône, les pauvres, les pauvres et les estropiés. Le nombre de pauvres, d’enfants de la rue et de vagabonds sans abri était énorme. Dans les documents du conseil municipal, il existe de nombreux documents selon lesquels les pauvres mouraient de faim.

Dans le même temps, Séville était également un centre majeur de l’Église catholique omnipotente et riche. Déjà au 15ème siècle, le clergé espagnol était fier des immenses cathédrales qui constituaient les plus grands édifices gothiques d’Europe. Les monastères étaient nombreux et très riches, ils possédaient de véritables trésors et distribuaient généreusement des ordres aux meilleurs artistes. Les magnifiques fêtes de l’église et les processions religieuses solennelles de Séville étaient célèbres dans tout le pays. Cela a été pris en charge non seulement par le clergé, mais également par le savoir: les ducs de Medina Sidonia, Zunig, Alcalá et beaucoup d’autres ont fait don de grosses sommes d’argent pour de tels événements, en essayant de mettre en valeur leur richesse et leur influence.

Séville était donc une ville de contrastes: luxe et pauvreté, richesse et sordage. Même dans la seconde moitié du XVIIe siècle, lorsque la crise économique a balayé toute l’Espagne en raison de la crise économique, les navires sont toujours arrivés à Séville par-delà l’océan, le pouls de la vie commerciale y demeurant cependant. de l’Andalousie appartenait à cinq familles nobles. Les nobles, qui étaient si fiers de la noblesse du sang et jugeaient honteux tout travail, à l’exception des affaires militaires, des services religieux ou judiciaires, se livraient de plus en plus à des activités commerciales. La grandeur de l’Espagne est une chose du passé, tout comme ses rêves de domination mondiale. Dans l’art espagnol, des images héroïques de guerriers victorieux sans peur et de martyrs résolus apparaissent de moins en moins. L’art réaliste perd progressivement sa virilité et son caractère expressif. Elles ont été remplacées par des images lyriques excessivement exaltées ou, au contraire, douces que l’on peut voir dans les œuvres de maîtres de l’école madrilène, comme Juan Kareño de Miranda, Claudio Coelho, Antonio Pereda et Seville - Herrera the Plus jeune, Pedro de Moya, Alonso Kano. La prétention de magnifiques ornements a grandi dans l’architecture et, souvent, dans les sculptures en bois, les statues ne sont pas simplement peintes, mais revêtues de véritables tenues de luxe.

Début du chemin créatif

Au cours de cette période, le futur grand artiste Bartolome Esteban Murillo était né. Ayant perdu ses parents tôt, le garçon a été élevé dans la famille de sa tante, l’épouse du chirurgien barbier de Séville, Juan Lagares. Ayant découvert très tôt le penchant de l’enfant pour la peinture, ses proches lui ont demandé d’étudier l’artiste Juan del Castilio, qui se distinguait par son amour pour les romanciers de Séville et les artistes italiens. Mais bientôt Murillo s’est avéré abandonné à lui-même, son professeur étant parti pour Cadix. Les premiers biographes affirment que le jeune artiste a peint son travail sur de petites pièces de toile puis les a vendues au chantier naval. Cela semble probable, car à Séville, de nombreux peintres ont travaillé pour le chantier naval.

Les faits fiables sur la vie de Murillo sont extrêmement rares. Il passa environ deux ans à Madrid (probablement de 1648 à 1650), où il put vraiment rencontrer Velazquez et étudier grâce à lui les peintures de grands maîtres des collections royales. En outre, Pedro de Moya, un ami de Murillo, qui admirait les œuvres d’Anthony van Dyck, a apporté à Séville des copies et des dessins de ce génie de la peinture, réalisé en Flandre et en Angleterre. Murillo exécuta principalement les ordres des monastères, créant de grands cycles d’histoires bibliques et évangéliques, des légendes sur la vie des saints. Dans les récits «Adoration des bergers», «Le miracle de satisfaire cinq mille personnes avec cinq pains», de nombreuses scènes de charité et de guérison des saints malades, il dépeint avec amour les pauvres Séville: paysans, mendiants, estropiés. Toute sa vie, il a écrit des peintures de genre, représentant des enfants aux pieds nus des pauvres espagnols, engagés dans des jeux dans les rues de la ville.

Dans les œuvres du début de l’œuvre de Murillo (années 1940 du XVIIe siècle), l’influence évidente de Velazquez, d’Herrera l’Ancien, de Zurbaran, de Roelas et d’autres maîtres de l’école de Séville est évidente. L’artiste travaille à la manière sombre des caravagistes, faisant revivre ses toiles avec seulement quelques taches de couleurs chaudes. Déjà au cours de ces années, le jeune artiste commence à s’intéresser au problème de la transmission de la lumière, tentant timidement de le résoudre dans ses œuvres.

Peut-être le jeune Murillo a-t-il peint le tableau «Adoration des bergers», qui se trouve maintenant à l’Ermitage. Devant la jeune et jolie Madone, regardant doucement l’enfant Jésus, couché dans une misérable crèche, il y a de simples paysans andalous qui ont apporté leurs maigres cadeaux. C’est un vieil homme agenouillé, levant timidement ses mains et n’osant pas toucher le bébé, une vieille femme souriante au nez pointu vêtue d’un châle pâle, un jeune homme à la cape rouge et un berger au personnel caractéristique. Leurs figures sont encore écrites de manière assez rigide, et leur placement n’est pas trop réussi: elles sont placées par une «échelle» - l’une sur l’autre. La couleur sombre de la toile de gauche est illuminée par la lumière émanant du bébé. La blancheur brillante du drap et le délicat corps rosâtre de l’enfant créent une illusion de lumière qui illumine le visage doux de Madonna, sa robe simple rougeâtre et les reflets dorés sur le bord des vêtements rugueux du vieil homme agenouillé.

Dans les années 40 et 50, Murillo créa plus d’une fois des peintures de genre, perpétuant ainsi la tradition démocratique établie de l’école de peinture de Séville au cours de la première moitié du siècle. Parmi ces œuvres figurent «Gypsy» (Madrid, Prado), «Fille aux fleurs et aux fruits» (Moscou, Musée Pouchkine), «Moche» (Paris, Louvre) et «Garçon avec un chien» (Saint-Pétersbourg, Ermitage).

La peinture "Garçon avec un chien" a été peinte au milieu des années 50. Nous voyons un garçon marcher dans la rue. Dans sa main est un panier. Le gamin, souriant affectueusement, fait un geste de la main pour montrer au chien que dans son panier, il n’ya rien de plus qu’une cruche d’argile vide. La figurine de l’enfant a été écrite de génération en génération, mais l’artiste a réussi à donner une idée du mouvement du garçon dans la rue, en comprenant clairement que le bébé discute avec un ami à quatre pattes. Le visage du garçon est peint avec un tel réalisme qu’il ne fait aucun doute que le tableau a été peint de la nature et que l’artiste connaissait bien cet enfant. La figure est entourée de lignes douces et lisses. Illuminant un visage élancé qui ne diffère pas en beauté, un sourire se dessine sous les longs cils de paupières légèrement abaissés, à travers lesquels l’éclat des yeux astucieux est clairement visible. L’artiste écrit les cheveux, le visage, les mains, les vêtements avec une très fine couche de peinture, en tenant de longs traits obliques avec un pinceau. La couleur de l’image est terne, strictement pensée et plutôt graphique. Les tons gris du ciel s’illuminent à l’horizon, à droite se dresse un mur jaunâtre avec un arbre vert pâle inexpressif. Sur ce fond décoloré, les manches sombres de la veste, le pelage clair du chien et le panier doré se détachent clairement. Ce même garçon a probablement servi de modèle au peintre pour l’œuvre «Boy in the Window» (Londres, National Gallery), dans laquelle il a également élaboré son goût distinctif, en continuant à expérimenter la lumière et la couleur.

Succès et reconnaissance

Avec l’amélioration de ses compétences, Murillo dans les années 50 du XVIIe siècle a de plus en plus affiné la gamme de tons dorés et argentés qui l’attiraient, essayant de transmettre une brume d’air transpercée par la lumière. La carrière du maître prend progressivement de l’ampleur. Déjà en 1656, il reçut le titre de premier peintre de sa ville natale, Séville, pour le grand tableau «Vision de saint Antoine de Padoue» exécuté pour l’autel de la cathédrale de Séville. Tout le monde a admiré l’admirable maîtrise du flux de lumière auquel le moine Antoine de Padoue tend les bras, qui a vu l’enfant Jésus descendre du ciel.

Les contemporains exaltaient Murillo: ils l’appelaient «Apelles de Séville», le comparant au grand peintre de la Grèce antique et le plaçaient même plus haut que Titien lui-même. Au tournant des années 50 et 60, l’œuvre «L’Annonciation» est créée (Saint-Pétersbourg, Hermitage). On y voit une élaboration de lumière et de couleur encore plus subtile que sur la photo «Garçon avec un chien». L’ange, qui venait de descendre chez Marie avec la bonne nouvelle qu’elle était destinée à devenir la mère du Fils de Dieu, s’est agenouillé devant elle.

Avec l’ange, le ciel sous la forme d’un léger nuage semblait être entré dans la modeste pièce, après avoir effacé les contours des murs et enveloppé la colonne de brume. Seules une table sur laquelle est posé un livre, un bouquet de lis dans un vase en verre fin et des dalles d’un sol simple sont clairement visibles. Une couverture légère sur la tête de Maria et ses épaules se confondent avec le nuage. La coloration générale de l’image est très finement résolue. La tache de couleur principale était une écharpe d’ange, rouge carmin, avec des teintes délicates de nuances, flottant facilement sur le fond de nuages gris et fumés. La couleur de l’écharpe va bien avec les vêtements gris-violet de l’ange et le panier jaune d’or sur le sol, et même avec le coussin bleu doux qui s’y trouve. La deuxième version de la peinture se trouve au musée du Prado à Madrid, mais une partie du pied de l’ange et une partie du vase sont coupées par les bords de la toile, ce qui déforme considérablement la composition de l’œuvre.

Le peintre, véritable fils de son pays, s’est à plusieurs reprises tourné vers l’image de la Madone et a chanté la beauté des femmes de Séville. Les Andalous appelaient leur pays "le pays de Marie Baptiste". C’était la Vierge Marie qui était la patronne de Séville, ainsi que toutes les villes et villages d’Andalousie. Les gens ordinaires l’honoraient en tant qu’intercesseur, composaient des chansons, des contes et des légendes à son sujet. Dans la poésie folklorique, Madonna a toujours été une beauté avec de grands yeux et des mains blanches délicates. Elle est admirée par les gens et par les arbres, par le soleil, par la mer et par les ruisseaux. Dans les œuvres de Murillo, Maria est aussi toujours une femme aux grands yeux, gracieuse, tendre et élancée, contrastant avec les œuvres de nombreux maîtres espagnols qui ont vu dans Madonna, principalement sa mère, les yeux modestement abattus et regardant son enfant.

Les plus célèbres Madrillas de Murillo: “Madonna and Child” (Florence, Uffizi), “Madonna and Rosary” (Madrid, Prado), “Madonna and Child”, qui porte le deuxième nom - “Madonna and Napkin” (Séville, Musée des Beaux-Arts) et “Madonna and Child”, également connu sous le nom de “Gypsy Madonna” (Rome, Galerie Corsini). Toutes ces charmantes femmes qui regardent le spectateur peuvent également être admirées, pas seulement priées. L’image charmante de l’artiste se retrouve dans différentes scènes: «Immaculée Conception», «Annonciation», «Adoration des bergers», «Repos sur la fuite en Égypte», «Fuite en Égypte», «Sainte Famille», «Prise de la Vierge to Heaven ”, et beaucoup d’autres, tous deux écrits sur ordre de l’église et créés pour d’autres clients.

Les compositions des œuvres de Murillo commandées par l’Église catholique se distinguent par une combinaison de solennité sereine de la toile religieuse et de motifs de genre qui apportent chaleur et émotion à la vie humaine simple. C’est l’œuvre "Reposez-vous sur la fuite en Égypte". Nous voyons ici le rêve serein d’un bébé, le geste bienveillant de la main d’une mère avec une paume ouverte protégeant un enfant, le visage calme et doux de Maria, le dais fiable d’un arbre sous lequel elle se reposait. Joseph se tient à proximité, tenant une mule. De jolis anges curieux, ayant peur de réveiller l’enfant, s’étreignent dans les bras.

Le travail est étonnamment harmonieux: la proportion de personnages et de paysages, la fluidité des lignes douces, les couleurs chaudes des robes rouges de Madonna combinées aux vêtements brun foncé de Joseph, des arbres, un veau rose de bébé et une brume argentée transparente de lointaines collines en pente. Une exécution magistrale et magistrale de choses ordinaires - des nœuds bien noués, jetés sur le chapeau de paille de Joseph, une bouteille dans une citrouille vide, nous prouve à quel point le maître Murillo était habile à la nature morte. Aucun des maîtres espagnols ne s’est si souvent tourné vers des sujets apocryphes comme Murillo. Ils ne s’intéressaient pas moins à lui que les sujets classiques de l’Ascension de la Vierge et de l’Immaculée Conception, dont de nombreux exemples peuvent être trouvés dans les musées du monde entier - au Prado, à l’Ermitage, au Louvre, aux musées de Séville et aux musées privés. collections. Les apocryphes sont une légende non autorisée par l’église officielle dans les textes des quatre évangiles canoniques existants: légendes sur les jeux du petit Christ avec ses frères (fils de Joseph); à propos du palmier dattier, qui a poussé sur la prière de la Vierge pendant son voyage en Égypte; une attaque contre une sainte famille d’animaux et de voleurs (dragon, loups, lions et léopards); sur l’éducation du garçon Jésus par Joseph; à propos de l’enfance de Mary et beaucoup d’autres.

Une des caractéristiques de l’école de peinture de Séville était l’image de la Vierge volant dans le ciel, accompagnée d’anges. Le jeune Velazquez a peint l’Immaculée Conception (Londres, Galerie Nationale) en lui montrant une jeune fille plutôt terrestre, au visage légèrement corsé, les yeux timidement embarrassés. Comme de nombreux historiens de l’art le pensent, cela a été écrit par Juana, fille du professeur de Velazquez - Francisco Pacheco, qui deviendra plus tard sa femme. Ci-dessous, vous pouvez voir les bâtiments et les rues de Séville. Murillo a créé une nouvelle image dans la peinture espagnole de Mary - un jeune Sevillian fragile, gracieux, s’élevant dans les nuages, se levant doucement et facilement. Telle est la «conception immaculée» stockée dans l’Ermitage. Un nuage gris dense sur lequel de petits anges s’ébattent gaiement emporte la Vierge se tenant dessus. La Vierge Marie se tient debout sur elle, pliant légèrement le genou avec grâce, du toucher de ses doigts, joint ses mains et tient délicatement le bord bouclé de la cape avec ses coudes.

Le tableau de l’Ascension (Saint-Pétersbourg, l’Ermitage) a été peint plusieurs années plus tard. Le visage de la jeune fille ressemble à celui de Maria de l’Immaculée Conception, créée par l’artiste pour le monastère des Capucins et conservée à Séville. Les deux tableaux ont probablement été peints par le maître à partir du même modèle. La Madone est vêtue d’une longue robe blanche, à la taille - une ceinture dorée, une écharpe drapée sur ses épaules, tourne facilement dans les airs. Fait inhabituel magistralement transmis un mouvement en douceur vers le haut. Il semble au spectateur qu’il se trouve en bas et que son regard suit progressivement la silhouette ascendante. Les anges jouent aux pieds de Mary et l’un d’entre eux, un petit garçon aux cheveux noirs et à la peau sombre, tente de soutenir le manteau flottant de la Vierge en volant jusqu’à elle. Le bras droit de Madonna est levé, sa tête est légèrement inclinée, ses yeux sont levés vers le ciel.

L’impression d’un mouvement ascendant ne s’obtient pas uniquement par la composition. Murillo montre cette aspiration avec des couleurs riches et de la lumière. Juste en dessous - l’obscurité totale - c’est un pays abandonné. En se levant, le fond devient plus clair, plus transparent, les couleurs sont plus claires, argentées, les silhouettes des anges volants se noyent dans leur brume. Sur le bord supérieur de la toile, des tons dorés plus chauds apparaissent, scintillants dans les tons jaune, fauve et rose. L’artiste écrit à nouveau avec de longs traits obliques, tout est lisse, doux, les ailes des anges ne sont que légèrement touchées par le blanc. Le clair-obscur est transparent, la transition des tons est invisible et les contours des personnages se dissolvent dans l’air.

Murillo a aussi une autre Madone - la maîtresse d’une maison pauvre, la femme ordinaire d’un artisan. Au 18ème siècle, l’Ermitage acquit le tableau "La Sainte Famille", dont le petit format correspond à l’interprétation intime de l’intrigue. Le charpentier Joseph a eu une heure de repos. Laissant le travail de côté, il prit l’enfant dans ses bras, le visage de son père calme et affectueux. L’enfant tire les stylos à la mère, qui a laissé coudre pour emmener son fils. L’action se déroule probablement dans un atelier dans lequel un rideau vert sépare l’espace de travail du logement. Une douce lumière dorée remplit tout l’espace. La gamme colorée de travaux était résolue subtilement: le manteau jaune de Joseph et la couleur grise de ses vêtements, la robe rose et le manteau bleu foncé de Maria, un châle jaune pâle, le linceul blanc et les tons roses d’un bébé étaient habilement coordonnés et profonds. pensé. De longs traits légers, presque transparents sont créés par l’artiste surplombant le bord du linceul blanc et les plis du rideau, tandis que le panier tressé, au contraire, est écrit à l’aide de petits coups de pinceau. La simple économie d’un simple menuisier - un établi avec un avion, une scie appuyée contre la table et un panier d’outils sont situés au premier plan, mais l’air doré de la pièce adoucit leurs contours, comme s’il se dissolvait dans une atmosphère céleste. brume.

En 1660, Murillo devient président de l’Académie des arts de Séville, fondée par lui-même, une association libre d’artistes créée par leurs propres dons. Il croyait que l’artiste devait d’abord étudier la nature et suivre les traditions de l’art accepté à la maison, et imiter l’antiquité. Ses œuvres se distinguent de celles de l’Académie de Bologne exclusivement par des motifs de genre, son intérêt pour les types folkloriques espagnols et le développement du clair-obscur et des problèmes de couleur.

Le protecteur de l’Académie de Séville était le marquis de Villamanrique, pour lequel l’artiste a réalisé, dans les années 1665-1670, une série de peintures sur des scènes de la vie de Jacob. Parmi eux se trouvent les œuvres «L’échelle de Jacob» et «La bénédiction de Jacob Isaac» (les deux à l’Ermitage de Saint-Pétersbourg). Ce sont d’énormes travaux décoratifs conçus pour décorer le palais. Dans les deux toiles, l’intrigue biblique est comme repoussée à l’arrière-plan. Dans le tableau «La bénédiction de Jacob Isaac», la scène avec la participation des personnages principaux occupe une place beaucoup plus petite que le reste du paysage avec des personnages. L’arche de la maison, au fond de laquelle nous voyons le lit d’un vieil aveugle assis Isaac, est montrée à droite. À côté de lui se trouve Rebecca, sa femme, et son Jacob agenouillé devant le lit de son père. Ceci est une histoire sur la façon dont Isaac mourant a voulu bénir Esau, son fils aîné, à qui il prévoyait de transférer le leadership dans la famille. Utilisant l’aveuglement de son mari, Rebecca lui amena son plus jeune fils, son préféré, Jacob. Tous les personnages sont très caractéristiques de Murillo. Isaac est un vieil homme calme et gracieux, Rebekah est une vieille femme maigre, aux joues creuses et au nez pointu. On retrouve souvent ce type de femmes dans les peintures de Murillo - Anna, la mère de Marie, et de vieux mendiants dans des scènes de charité, et des paysannes dans de nombreuses «adorations des bergers» et des mendiants dans des scènes de charité, et des paysannes dans de nombreuses «adorations des bergers» et des mendiants âgés dans des scènes de charité, et des paysannes dans de nombreuses «adorations des bergers».

Lumière et espace

La scène entière de la bénédiction du fils par le père est soulignée comme si elle brillait de l’intérieur par un rideau rouge vif derrière le lit d’Isaac. Une sensation inhabituelle d’espace dans la pièce est créée par une transition claire entre le bord sombre de la voûte et le ton clair de la chemise et des oreillers d’Isaac, jusqu’au bord lumineux et suspendu du rideau. Le vaste paysage, qui s’étend au-delà du mur de la maison, attire le regard avec des nuages pré-orageux flottant au-dessus du sol. Les doux débordements de tons célestes sont infiniment variés - toutes les nuances de gris, allant du noir fumé au transparent argenté, dans lesquelles les contours des oiseaux en vol sont perdues.

Toutes les nuances de couleurs du ciel se marient parfaitement aux tons brun-or de la route et aux ombres portées. Tout au long du travail, on ressent l’ordre strict d’une solution de composition unique, mettant l’accent sur la profondeur de l’espace. La route qui monte dans les montagnes, l’arbre penché dans la même direction, le mouvement d’une femme penchée sous le poids d’une lourde cruche, la silhouette lointaine d’un chasseur renforcent l’impression de profondeur. La photo est remplie d’éléments ménagers - navires au premier plan, pigeonnier, clôture de vieilles planches, pots de fleurs sur le toit. Nous voyons du plâtre tomber par endroits sur le mur de la maison. Tout cela est pris de la vie et nous montre la vie des andalous ordinaires.

L’œuvre «L’escalier de Jacob» est plus décorative. Ici, Murillo a magnifiquement transmis le fabuleux et la richesse du rêve. L’histoire biblique raconte comment Jacob, craignant la vengeance de son frère, se rendit dans le pays de Harran, mais s’endormit sur le chemin et vit dans un rêve un escalier vers le ciel par lequel descendaient des anges portant l’annonce que Dieu avait décidé tout le pays. sur la terre où il dort, donne-le-lui. L’action se déroule la nuit à la lumière de la lune, projetant ses faibles rayons sur la rivière, la cascade, les troncs torsadés et les branches d’arbres. La silhouette de Jacob en habits pâles est à peine perceptible. Et ici, le peintre est le plus attiré par le paysage et la création sur la toile de la réalité magique du clair de lune qui apparaît à travers des nuages sombres. Les anges fragiles et délicats sont vêtus de robes jaune pâle, roses et bleues. Sur le fond d’un paysage nocturne mystérieux, avec une gamme complexe de tons sombres et éclairants, leurs ailes et leurs vêtements scintillent de taches claires. Le ciel gris foncé est peint en larges traits caractéristiques. Les feuilles des branches des arbres centenaires sont légèrement touchées de rose, de rouge en boucle, ce qui crée une fausse impression de fleurs.

À l’apogée de sa maîtrise picturale, dans les années 1660-1670, Murillo chercha à poétiser les images de ses personnages, pour lesquelles il fut à plusieurs reprises accusé de la douceur et de la beauté délibérée des héros de ses peintures. Cependant, ces reproches ne sont pas tout à fait justes. En fait, les enfants que l’on voit sur les toiles «Jean-Baptiste avec l’Agneau» (Saint-Pétersbourg, l’Ermitage), «Le Bon Pasteur» (Madrid, Prado) et d’autres sont typiques de l’Andalousie, ils peuvent encore l’être vu à Séville et les villages environnants. L’orientation démocratique du travail de l’artiste s’exprimait par le fait qu’il assimilait la beauté de la Madone à la beauté des femmes simples d’Andalousie et à la beauté de son fils, le petit Jésus, à la beauté des haillons de rue.

Par exemple, sur le tableau «L’aumône de Foma Villanueva» (Séville, Musée des Beaux-Arts), nous voyons un jeune habitant de Séville tenant le bébé d’une main à la poitrine et l’autre conduisant l’ancien bébé à moitié nu la main. La femme et ses enfants ne sont pas différents de la Madone et de l’enfant Jésus des peintures religieuses de l’artiste.

Dans le tableau «Jean-Baptiste avec l’agneau», le petit John est un beau garçon aux grands yeux, muni de grandes mèches, appuyant un agneau moelleux sur sa poitrine. Les jambes et les bras ciselés de l’enfant et sa silhouette légèrement incurvée lui donnent grâce. Le garçon est placé au centre de la composition, dans laquelle le paysage joue un rôle important, rappelant le tableau «l’échelle de Jacob». Murillo a beaucoup d’images de ce type pour enfants.

Le tableau "Joseph conduisant le bébé du Christ" (Saint-Pétersbourg, Hermitage), peint en 1670, est interprété comme une scène de genre. Un jeune Joseph à la barbe noire conduit un garçon aux cheveux bouclés vêtu d’une longue chemise violette et discutant avec lui sur la route. Le paysage urbain que nous voyons derrière eux - Séville, ses bâtiments et ses rues sont plus d’une fois reconnus dans les œuvres du maître. Murillo a souvent fait référence à ce complot, qui n’était pas inclus dans les évangiles canoniques. Sur la toile "Joseph au bébé Christ" (Moscou, Musée Pouchkine), on voit comment Joseph qui serre le Christ dans ses bras l’amuse avec une branche en fleurs. Murillo a toujours peint volontiers des scènes avec Joseph.

Certes, l’artiste avait aussi d’autres images d’enfants - pas belles et heureuses, mais hagardes, pâles, malades et malheureuses. Ces enfants peuvent être vus dans des toiles sur le sujet de l’aumône. Mais Murillo a essayé d’éviter des scènes inutilement tragiques; ils n’ont pas très bien fonctionné pour lui. Dans l’œuvre «La crucifixion» (Saint-Pétersbourg, Ermitage), le corps de Jésus se détache sur un fond gris foncé de nuages, le Fils de Dieu est calme et beau. Marie, Jean et Marie Madeleine, debout au pied de la croix, sont jeunes et beaux.

La toile grand format “La mort de l’inquisiteur Pedro Arbues”, appartenant également à la collection de l’Hermitage, a été commandée par le tribunal de l’Inquisition de Séville. Pedro Arbués de Epila, qui vivait à la fin du XVe siècle, était l’inquisiteur d’Aragon sous les rois catholiques Ferdinand et Isabella, qui fonda l’Inquisition en Espagne. L’Aragon jouissait alors d’un certain nombre de privilèges et de libertés. Les dures lois de l’Inquisition, notamment la confiscation de tous les biens des condamnés, ont provoqué des troubles parmi les nobles aragonais, qui ont finalement décidé de tuer Arbues dans l’espoir que le roi aurait peur et ne l’enverrait pas remplacer.

Le noble espagnol, Juan de la Abadia, était à la tête du meurtre, tandis que les jeunes Vidal de Uranso et Juan de Esperaindeo, qui voulaient venger les proches exécutés par l’Inquisition, en étaient les interprètes. L’assassinat a eu lieu le 15 septembre 1485, dans la cathédrale de Saragosse. Une fin de soirée, quand Arbuez était agenouillé devant l’autel, de Esperaindeo le poignarda avec une épée au bras. un poignard dans son cou.

Tous les participants au complot ont été torturés. Arbuesu a été érigé une grande tombe, et plus tard, élevé au rang de saint. Murillo connaissait toutes les circonstances du meurtre et les reproduisait fidèlement sur le tableau. Malgré les jolies figures peintes, la belle transition du clair-obscur demi-teinte dans la cathédrale assombrie, les visages des participants sont trop secs et inexpressifs, et les postures trop théâtral.

Travailler pour l’hôpital Caridad

Une des séries les plus célèbres de peintures de Murillo est un cycle de onze œuvres (1671-1674), réalisées pour l’hôpital Caridad, situé à Séville. L’hôpital appartenait à une fraternité fondée en 1578, créée pour l’enterrement des personnes exécutées, inconnues et noyées. La Confrérie a fondé une grande chapelle dédiée à Saint-Georges, qui occupait une partie d’une grande salle située sur le territoire du chantier naval de Séville. Au même endroit, en 1664, un petit hôpital fut érigé, dont l’entrée était ornée d’une inscription se terminant par les mots: "… la maison des pauvres et l’escalier qui mène au ciel".

Don Miguel Manyara Vicentele de Leka, chevalier de l’ordre de Calatrava, a reconstruit l’ancien et a construit un nouvel hôpital dans lequel il soigne les malades, enterre les morts, nourrit les affamés avec de la soupe gratuite et fournir d’autres formes de miséricorde. Manyara lui-même était cependant une figure très intéressante, caractéristique de son époque. Un râteau, un brûleur de vie, un participant à des orgies et à des meurtres, il craignait autrefois les sermons du clergé, menaçant non seulement l’au-delà avec le jugement final, mais également le tribunal terrestre de l’Inquisition. Il existe une légende selon laquelle Manyara rêvait de ses funérailles, après quoi il se repentit de ses péchés et le légua même pour l’enterrer non pas dans l’église de Caridad, mais sous un réchaud à son entrée, afin que chacun piétine sa tombe avec sa pieds. Manyara a suggéré à Murillo d’écrire pour l’hôpital onze tableaux glorifiant la miséricorde. Tous les complots étaient tirés de la Bible, de l’Évangile et, plus tard, de la légende des saints. Les œuvres les plus célèbres de cette série sont «Moïse sculptant l’eau du rocher» (Séville, Caridad), «Le Christ guérit la paralysie» (Londres, Galerie nationale) et «Saint Elisabeth, la reine de Hongrie, soigne les malades»(Madrid, Prado).

Le tableau “La libération de l’apôtre Pierre de la prison” (Saint-Pétersbourg, Hermitage), peint pour Caridad, se distingue par une interprétation inhabituelle de la solution de coupure. L’artiste s’efforce de représenter de manière très fiable une source de lumière dans une pièce sombre. La tête d’un ange émet un rayonnement radieux qui illumine le mur, le rendant presque invisible, comme imprégné d’un jeu de tons gris-argentés, parsemés de nuances rosées. À gauche des figures des soldats en sommeil, une autre source de lumière est indiquée: une minuscule chandelle dorée qui éclaire avec parcimonie la silhouette noire d’une hallebarde, le manteau rouge de l’un des soldats et un anneau de fer vissé au mur. Et ici, Murillo est resté fidèle à lui-même: le prisonnier représenté est un beau vieillard au visage calme, ne exprimant pas ses émotions.

Au même moment, Caridad a écrit pour l’hôpital un autre artiste venu de Séville, Juan Valdes Leal, qui a exécuté l’ordre de Miguel Manyara. Le travail de Valdes Leal était diamétralement opposé à l’art de Murillo. Peintre de talent, maîtrisant parfaitement la couleur, Valdez Leal a préféré peindre des tableaux sombres, empreints de tragédie, de mysticisme et de dynamiques passionnées. Dans ses œuvres, on voit des personnages agités, une lueur agitée de lumière alternant avec des ombres, la combinaison de couleurs, bien qu’élégante, mais trop nette.

Un exemple en est deux de ses peintures les plus célèbres, écrites pour Caridid - "Hiéroglyphes de la mort" et "La fin de la gloire terrestre". Dans le premier, il a représenté un squelette avec une faux, marchant parmi la foule, des livres et des armes dont on n’avait plus besoin, éteignant le feu d’une bougie en combustion avec des doigts osseux, dans le second, il a montré une image terrible de la décomposition des cadavres of a knight and a bishop, with a mysterious hand holding scales over them.Typique de Valdes Leal et de l’oeuvre "Portrait de Manyara". Manyara est assis à la table et pointe le crucifix d’un geste légèrement théâtral. Un garçon avec un livre, vêtu de vêtements monastiques sombres, s’est assis sur un banc bas à gauche. L’enfant pâle posa un doigt sur ses lèvres, symbolisant ainsi un voeu d’éternel silence et d’humilité.

Mais les différences dans le travail des artistes étaient déterminées non seulement par leurs personnalités et leurs personnages, mais aussi par la complexité de l’art contradictoire de la fin de "l’âge d’or" de la culture espagnole. Valdez Leal a reflété dans son travail une réaction aristocratique au réalisme, qui incluait l’horreur mystique de l’au-delà. Esteban Murillo aimait aussi la vie dans ses manifestations les plus diverses. Son travail est lié aux meilleures traditions de l’art national espagnol de l’apogée. Il s’est efforcé de tout son pouvoir pour un transfert fidèle de l’environnement et a été profondément sincère dans cet effort. Peintre attentif, il ne pouvait s’empêcher de remarquer les contrastes de Séville - la richesse de l’église, la noblesse et la pauvreté du peuple. Tout cela se reflète dans ses créations. En même temps, il était le fils de son temps,En réalisant que les conditions avaient changé, la poésie des images et la décorativité de la composition ont donc souvent remplacé la profondeur du contenu et l’expressivité propres aux maîtres anciens.

L’artiste est décédé des suites d’un accident. En peignant le monastère des Capucins à Cadix, Murillo est tombé de hautes forêts. Dans un état grave, il fut transporté chez lui à Séville, où il mourut des suites de ses blessures en avril 1682.