Art abstrait: définition, histoire, types, caractéristiques Automatique traduire

Définition et signification

Le terme "art abstrait" – aussi appelé " art non objectif ", " non figuratif ", " non représentatif ", " abstraction géométrique "ou" art concret "- est un terme générique pour désigner une peinture ou une sculpture ne décrivant pas d’objets ou de scènes reconnaissables. Cependant, comme nous le verrons, il n’y a pas de consensus clair sur la définition, les types ou la signification esthétique de l’art abstrait. Picasso a pensé qu’il Ce n’était pas cela, alors que certains critiques d’art considèrent que tout art est abstrait – parce que, par exemple, aucune peinture ne peut espérer être plus qu’un résumé brutal (une abstraction) de ce que voit le peintre. une toile devrait être étiquetée "expressionniste" ou "abstrait" – prenons, par exemple, l’aquarelle Ship on Fire (1830, Tate) et le tableau à l’huile Snow Storm – Bateau à vapeur au large d’une embouchure d’un port (1842, Tate), tous deux de JMW Turner (1775-1851) Un exemple similaire est celui de Water-Lilies (1916-1925, National Gallery, Londres) de Claude Monet (1840-1926), ainsi qu’une échelle progressive d’abstraction: du semi-abstrait au totalement abstrait. Donc, même si la théorie est relativement claire – abst L’art du réel est détaché de la réalité – la tâche pratique de séparer l’abstrait du non-abstrait peut être beaucoup plus problématique.

Quelle est l’idée derrière l’art abstrait?

La prémisse de base de l’abstraction – soit dit en passant, une question clé de esthétique – est-ce que les qualités formelles d’une peinture (ou d’une sculpture) sont tout aussi importantes (sinon plus) que ses qualités de représentation.

Commençons par une illustration très simple. Une image peut contenir un très mauvais dessin d’un homme, mais si ses couleurs sont très belles, elle peut néanmoins nous paraître très belle. Cela montre comment une qualité formelle (couleur) peut remplacer une qualité représentative (dessin).

D’autre part, une peinture photoréaliste d’une maison mitoyenne peut démontrer un représentationnalisme exquis, mais le sujet, la palette de couleurs et la composition générale peuvent être totalement ennuyeux.

La justification philosophique pour apprécier la valeur des qualités formelles d’une œuvre d’art découle de l’affirmation de Platon selon laquelle:

"Les lignes droites et les cercles sont… non seulement beaux… mais éternellement et absolument beaux."

Platon signifie essentiellement que les images non naturalistes (cercles, carrés, triangles, etc.) possèdent une beauté absolue et immuable. Ainsi, une peinture peut être appréciée uniquement pour ses lignes et ses couleurs – elle n’a pas besoin de représenter un objet naturel ou une scène. Le peintre, lithographe et théoricien de l’art français Maurice Denis (1870-1943) s’entendait de la même manière quand il écrivait: "Rappelez-vous qu’une image – avant d’être un cheval de guerre ou une femme nue… est essentiellement une surface plane recouverte de couleurs assemblées dans un certain ordre ".

Certains artistes abstraits s’expliquent en disant qu’ils veulent créer l’équivalent visuel d’un morceau de musique, ce qui peut être apprécié uniquement pour lui-même, sans avoir à se poser la question "à quoi sert ce tableau?" Whistler, par exemple, donnait à certains de ses tableaux des titres musicaux comme Nocturne: Blue and Silver – Chelsea (1871, Tate Collection). (Voir également: Évaluation de l’art: comment apprécier l’art .)

Types d’art abstrait

Pour garder les choses simples, nous pouvons diviser l’art abstrait en six types de base:

Certains de ces types sont moins abstraits que d’autres, mais tous se préoccupent de séparer l’art de la réalité.

Art abstrait curviligne

Ce type d’abstraction curviligne est fortement associé à Art Celtique , qui utilise une gamme de motifs abstraits comprenant des nœuds (huit types de base), des motifs entrelacés et des spirales (y compris le triskele ou le triskelion). Ces motifs n’étaient pas originaux pour les Celtes – de nombreuses autres cultures anciennes utilisaient ces motifs celtiques depuis des siècles. Voir, par exemple, les gravures en spirale de la tombe du passage néolithique à Newgrange dans le Co Meath, créées environ 2000 ans avant l’apparition des Celtes. Cependant, il est juste de dire que les concepteurs celtiques ont insufflé une nouvelle vie à ces motifs, les rendant beaucoup plus complexes et sophistiqués. Ces motifs ont par la suite réapparu en tant qu’éléments décoratifs dans les premiers manuscrits enluminés (env. 600-1000 de notre ère). Plus tard, ils revinrent pendant le mouvement néo-celtique du XIXe siècle et l’important mouvement Art nouveau du XXe siècle, notamment dans les couvertures de livres, les textiles, les papiers peints et les motifs en chintz de William Morris (1834-1896) et d’Arthur Mackmurdo (1851-1942).). L’abstraction curviligne est également illustrée par le "motif infini", caractéristique répandue de Art islamique .

Art abstrait lié à la couleur ou à la lumière

Ce type est illustré dans les œuvres de Turner et Monet, qui utilisent la couleur (ou la lumière) de manière à détacher l’œuvre d’art de la réalité, lorsque l’objet se dissout dans un tourbillon de pigment. Deux exemples d’abstraction expressive de Turner ont déjà été mentionnés, auxquels on peut ajouter l’ Intérieur de Petworth (1837, Tate Collection). D’autres exemples incluent la séquence finale des peintures de nénuphars de Claude Monet (1840-1926), The Talisman (1888, Musée d’Orsay, Paris) de Paul Serusier (1864-1927), dirigeant des Nabis , et plusieurs œuvres fauvistes de Henri Matisse (1869-1954). Plusieurs des tableaux expressionnistes de Kandinsky peints à l’époque de Der Blaue Reiter sont très proches de l’abstraction, tout comme Deer in the Wood II (1913-1914, Staatliche Kunsthalle, Karsruhe) de son collègue Franz Marc (1880-1916). Le peintre tchèque Frank Kupka (1871-1957) produit certaines des premières peintures abstraites très colorées, qui ont influencé Robert Delaunay (1885-1941) qui s’est également appuyé sur la couleur dans son style d’orphisme d’inspiration cubiste. L’abstraction liée à la couleur est réapparue à la fin des années 1940 et dans les années 50 sous la forme de Colour Field Painting, développé par Mark Rothko (1903-70) et Barnett Newman (1905-70). Dans les années 1950 en France, un type parallèle de peinture abstraite liée à la couleur a vu le jour, connu sous le nom d’ abstraction lyrique .

Abstraction Géométrique

Ce type d’art abstrait intellectuel a émergé à partir de 1908 environ. Une forme rudimentaire précoce était Cubisme , spécifiquement le cubisme analytique – qui a rejeté la perspective linéaire et l’illusion de profondeur spatiale dans un tableau afin de se concentrer sur ses aspects 2D. L’abstraction géométrique est également connue sous le nom d’art concret et d’art non objectif. Comme on pouvait s’y attendre, il se caractérise par une imagerie non naturaliste, des formes géométriques typiques telles que des cercles, des carrés, des triangles, des rectangles, etc. En un sens, en ne faisant absolument référence ni au monde naturel, il s’agit de la forme la plus pure d’abstraction. On pourrait dire que l’art concret est l’abstraction, le véganisme le végétarisme. L’abstraction géométrique est illustrée par Black Circle (1913, State Russian Museum, St Petersburg) peint par Kasimir Malevich (1878-1935) (fondateur du suprématisme); Broadway Boogie-Woogie (1942, MoMA, New York) de Piet Mondrian (1872-1944) (fondateur du néo-plasticisme); et Composition VIII (La vache) (1918, MoMA, New York) de Theo Van Doesburg (1883-1931) (fondateur de De Stijl et de l’élémentarisme). D’autres exemples incluent les images de Hommage au carré de Josef Albers (1888-1976), et Op-Art a été créé par Victor Vasarely (1906-1997).

Art abstrait émotionnel ou intuitif

Ce type d’art intuitif englobe un mélange de styles dont le thème commun est une tendance naturaliste. Ce naturalisme est visible dans le type de formes et de couleurs utilisées. Contrairement à l’abstraction géométrique, qui est presque anti-nature, l’abstraction intuitionnelle évoque souvent la nature, mais de manière moins représentative. Les deux sources importantes de ce type d’art abstrait sont: l’abstraction organique (également appelée abstraction biomorphique) et Surréalisme . On peut dire que le peintre le plus célèbre spécialisé dans ce type d’art est le Russe Mark Rothko – voir: Les peintures de Mark Rothko (1938-1970). D’autres exemples incluent des toiles de Kandinsky telles que Composition n ° 4 (1911, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen) et Composition VII (1913, Galerie Tretyakov); le conteur typique , Gabel und Nabel (1923, Collection privée) de Jean Arp (1887-1966), Femme (1934, Collection privée) de Joan Miro (1893-1983), Inscape: Morphologie psychologique no 104 (1939, Collection privée) par Matta (1911-2002); et Infinite Divisibility (1942, Galerie d’art Allbright-Knox, Buffalo) par Yves Tanguy (1900-1955). En sculpture, ce type d’abstraction est illustré par The Kiss (1907, Kunsthalle, Hambourg) de Constantin Brancusi (1876-1957); Mother and Child (1934, Tate) de Barbara Hepworth (1903-1975); Pip géant (1937, Musée national d’art moderne, Centre Georges Pompidou) de Jean Arp; Trois personnages debout (1953, Musée Guggenheim, Venise) de Henry Moore (1898-1986).

Art abstrait gestuel

Il s’agit d’une forme d’expressionnisme abstrait dans laquelle le processus de fabrication de la peinture devient plus important que d’habitude. La peinture peut être appliquée de manière inhabituelle, le travail au pinceau est souvent très lâche et rapide. Célèbres représentants américains de peinture gestuelle comprendre Jackson Pollock (1912-1956), l’inventeur d’Action-Painting et son épouse Lee Krasner (1908-84) qui l’inspirèrent avec sa propre forme de peinture au goutte à goutte; Willem de Kooning (1904-97), célèbre pour sa série d’œuvres Femme ; et Robert Motherwell (1912-1956), connu pour sa série « Élégie à la République espagnole ». En Europe, cette forme est illustrée par Tachisme , ainsi que par le groupe Cobra, notamment Karel Appel (1921-2006).

Art abstrait minimaliste

Ce type d’abstraction était une sorte de retour aux sources. art d’avant-garde , dépouillé de toutes références et associations externes. C’est ce que vous voyez – rien d’autre. Il prend souvent une forme géométrique et est dominé par les sculpteurs, bien qu’il inclue également quelques grands peintres. Pour plus d’informations sur l’art minimaliste, voir ci-dessous ("Abstraction postmoderniste").

Origines et Histoire

Peintures abstraites de l’âge de pierre

Autant que nous puissions en juger, l’art abstrait a commencé il y a environ 70 000 ans avec gravures préhistoriques : à savoir deux morceaux de roche gravés de motifs géométriques abstraits, trouvés dans la grotte de Blombos en Afrique du Sud. Cela a été suivi par les points abstraits d’ocre rouge et pochoirs à main découvert parmi les Peintures de la grotte El Castillo , datée de 39 000 ans avant notre ère, la gravure de Néandertal au Gorham’s Cave, Gibraltar et l’image claviforme en forme de massue parmi les Peintures rupestres d’Altamira (environ 34.000 ans). Par la suite, les symboles abstraits sont devenus la forme prédominante du Paléolithique art rupestre , surpassant en nombre les images figuratives par 2: 1. Voir: Signes abstraits préhistoriques .

Du réalisme académique à l’abstraction

Jusqu’à la fin du 19e siècle, la plupart des peintures et des sculptures suivaient les principes traditionnels du réalisme classique, tels qu’ils étaient enseignés dans les grandes académies d’Europe. Ces principes stipulaient que le premier devoir de l’art était de fournir une scène ou un objet reconnaissable. Quoique affectée par les exigences de style ou de médium, une œuvre d’art doit imiter ou représenter la réalité extérieure. Cependant, au cours du dernier quart du 19e siècle, les choses ont commencé à changer. L’art impressionniste a démontré que le style académique strict de la peinture naturaliste n’était plus la seule façon authentique de faire les choses. Puis, au cours de la période 1900-1930, l’évolution de la situation dans d’autres art moderne fourni des techniques supplémentaires (impliquant la couleur, le rejet de la perspective 3D et de nouvelles formes), qui seraient utilisées pour poursuivre la recherche de l’abstraction.

Les artistes commencent à s’éloigner de la réalité

Le premier des grands mouvements d’art moderne L’impressionnisme (1870-1880), dont la palette était souvent résolument non naturaliste, était subverti par le style académique du réalisme classique, même si son art restait fermement et clairement inspiré du monde réel, même si le dernier travail de Claude Monet sur ses Nymphéas genre semblait plus proche de l’abstraction. L’émergence de l’art abstrait a également été influencée par la Mouvement Art Nouveau (c.1890-1914).

Kandinsky, l’expressionnisme et le fauvisme démontrent le pouvoir de la couleur

L’utilisation de la couleur et de la forme pour déplacer le spectateur était primordiale dans le développement de l’art abstrait. L’impressionnisme, y compris les variantes du pointillisme néo-impressionniste et du post-impressionnisme, avait déjà attiré l’attention sur le pouvoir de la couleur, mais l’expressionnisme allemand en faisait la pierre angulaire de la peinture. Un de ses dirigeants, Wassily Kandinsky (1866-1944) a publié un livre intitulé ’On The Spirtual In Art’ (1911), qui est devenu le texte fondateur de la peinture abstraite.

Kandinsky était convaincu par les propriétés émotionnelles de la forme, du trait et surtout de la couleur en peinture. (Il avait une sensibilité anormale à la couleur, une maladie appelée synesthésie qu’il pouvait à la fois entendre et voir.) Il pensait qu’une peinture ne devrait pas être analysée intellectuellement, mais devait atteindre les parties du cerveau qui sont en contact avec la musique.

Même dans ce cas, il a averti que l’art sérieux ne doit pas être mené par le désir de l’abstraction de devenir une simple décoration. La plupart des expressionnistes allemands (par exemple, Ernst Kirchner, Karl Schmidt-Rottluff, Max Ernst, Alexei Jawlensky, Oskar Kokoschka, Franz Marc, August Macke et Max Beckmann) n’étaient pas des peintres abstraits, mais leur palette éclatante – ainsi que les écrits théoriques de Kandinsky – ont alerté d’autres artistes plus abstraits au pouvoir de la couleur comme moyen d’atteindre leurs objectifs.

Le style parallèle avant-gardiste parisien du fauvisme (1905-08) ne faisait que souligner l’effet de la couleur avec des œuvres comme Red Studio (1911, MoMA, NY) de Henri Matisse.

Le cubisme rejette la perspective et la profondeur picturale

Le cubisme (1908-1914) était une réaction contre la beauté décorative de l’impressionnisme. Picasso (1881-1973) et Georges Braque (1882-1963) développèrent ce nouveau style par étapes: cubisme proto-type (voir semi-abstrait de Picasso Les Demoiselles d’Avignon , 1907, MoMA, NY); ensuite Cubisme Analytique (voir Nu descendant un escalier n ° 2 , 1912, musée d’art de Philadelphie) de Marcel Duchamp (1887-1968); ensuite Cubisme synthétique , qui était plus orienté collage. Leur concept de base était de s’éloigner de l’art, impressionnant mais trivial, de l’impressionnisme, au profit d’une forme d’art plus intellectuelle, qui explorait de nouvelles méthodes de représentation de la réalité.

En particulier, ils ont rejeté la méthode théorique de représentation de la réalité en utilisant une perspective linéaire (profondeur) pour créer l’effet tridimensionnel habituel d’une peinture. Au lieu de cela, ils ont tout gardé sur un plan plat en deux dimensions, sur lequel ils ont présenté différentes "vues" du même objet: un processus similaire à la prise de photos d’un objet sous différents angles, puis les découper et les coller sur un support. surface plane. Cette méthode consistant à utiliser une surface plane pour représenter la réalité en trois dimensions a fait basculer l’art à ses fondements. Bien que la plupart des œuvres cubistes soient encore dérivées d’objets ou de scènes du monde réel et ne puissent donc pas être considérées comme totalement abstraites, le rejet par le mouvement de la perspective traditionnelle a complètement sapé le réalisme naturel de l’art et a ainsi ouvert la porte à la pure abstraction.

Parmi les sculpteurs abstraits d’inspiration cubiste, on peut citer Constantin Brancusi (1876-1957), également influencé par l’art africain et oriental.
Raymond Duchamp-Villon (1876-1918), qui utilisaient des dispositifs cubistes pour représenter le mouvement, et Jacques Lipchitz (1891-1973).

Pour un style de peinture abstrait du début du XXe siècle qui a tenté d’associer la composition cubiste à la couleur et à la musique, voir: Orphisme . Un mouvement artistique britannique d’avant-guerre, fortement influencé par l’idiome cubiste, Vorticisme (1913-14), fondée par Percy Wyndham Lewis (1882-1957).

L’Italien Futurisme mouvement (1909-1913), fondé par Marinetti (1876-1944) et illustré par Gino Severini (1883-1966) et Giacomo Balla (1871-1958), est également influencé par le cubisme et inspire à son tour de nombreux peintres mouvement et technologie. En sculpture, le plus grand effet du futurisme est sur le développement de l’art cinétique, influençant des sculpteurs abstraits comme Naum Gabo (1890-1977) et Alexander Calder (1898-1976) (réputé pour ses mobiles).

NOTE: "Tubism", inventé par Fernand Leger (1881-1955), était une forme de cubisme qui utilisait des pièces cylindriques et sphériques – plutôt que des pièces superposées plates du cubisme – et incluait de nombreux motifs ressemblant à des machines, reflétant la foi futuriste de Léger en la technologie. Voir, par exemple, fonctionne comme: Soldats jouant aux cartes (1917, Musée national Kroller-Muller, Otterlo); La mécanique (1920, Musée des beaux-arts du Canada); Trois femmes (Le Grand Dejeuner) (1921, Musée d’art moderne, New York).

Suprematism et De Stijl introduisent de nouvelles formes géométriques

La peinture et la sculpture traditionnelles des beaux-arts reposent sur des formes empruntées au monde réel, dont il existe des exemples illimités. En revanche, les artistes abstraits sont obligés de recourir à des formes artificielles et non naturelles. Ainsi, l’art abstrait traite généralement de la production de diverses formes géométriques. Et la taille et le caractère de ces formes, leurs relations mutuelles ainsi que les couleurs utilisées tout au long de l’œuvre deviennent les motifs déterminants de l’abstraction.

Le suprématisme russe

Le mouvement d’art abstrait russe connu sous le nom Suprématisme , qui a été nommé par son chef Kasimir Malevich (1878-1935) pour son affirmation de la suprématie de la sensation dans l’art, est apparu en 1915. Sans doute influencé par Kandinsky qui avait déjà commencé à produire une série d’œuvres concrétistes, Malevich a produit une série de peintures abstraites avant-gardistes exceptionnelles – des blocs rectangulaires de couleur unie flottant sur un fond blanc – qui étaient des décennies en avance sur son temps. Il les a vus comme des successeurs de la représentation iconique traditionnelle de l’église orthodoxe russe dans le style plat et byzantin de l’Antiquité. En 1927, sa théorie suprématiste est publiée dans un livre intitulé Die Gegenstandlose Welt (Le monde non objectif). Lyubov Popova (1889-1924), avec Alexander Rodchenko (1891-1956) considéré comme l’un des cofondateurs du style russe Constructivisme (une école préoccupée par l’espace, les nouveaux matériaux, la forme tridimensionnelle, la science et la réforme sociale) était un autre membre important du mouvement suprématiste. Un autre mouvement artistique russe intéressant qui introduisait de nouvelles images était Rayonisme (ou luchisme) (1912-1914), fondée par Mikhail Larionov (1881-1964) et Natalya Goncharova (1881-1962). Sophie Taeuber-Arp (1889-1943) et Naum Gabo (1890-1977) sont parmi les sculpteurs abstraits influencés par les idées suprématistes / constructivistes.

De Stijl

De Stijl était le nom d’une revue néerlandaise de design et d’esthétique et d’un mouvement artistique avant-gardiste consacré à l’abstraction géométrique (art non objectif), fondée et dirigée par Theo Van Doesburg (1883-1931). Son personnage principal était Piet Mondrian (1872-1944), célèbre pour sa série de simples grilles rectangulaires, utilisant uniquement le noir, le blanc et les couleurs primaires – un style qu’il a appelé Néo-plasticisme ( Nieuwe Beelding ). L’un des pionniers les plus influents de l’art concret durant la période 1920-1944, il développa son style géométrique précis pour contrer le chaos émotionnel et l’incertitude de la première moitié du vingtième siècle. Impliqué dans le groupe abstrait Cercle et Carre (1929-1931), ainsi que dans le groupe Abstraction-Création (1930-1966), il s’installe à New York en 1938 et aurait été le premier peintre à travailler sur la musique gramaphone.

Van Doesburg était moins dogmatique, introduisant une forme plus détendue de néo-plasticisme, appelée Élémentarisme . Il est également responsable, en 1930, du terme "Art concret". Malheureusement, il mourut en 1931, mais ses idées furent reprises non seulement par les étudiants du École de design Bauhaus (où il avait enseigné), mais aussi par le groupe Abstraction-Création – dirigé par l’artiste belge Georges Vantongerloo (1886-1965) et les peintres français Jean Helion (1904-1987) et Auguste Herbin (1882-1960). Parmi les autres membres du groupe figuraient la crème des abstraits européens, tels que Jean Arp (1886-1966), Naum Gabo (1890-1977), El Lissitzky (1890-1941), Antoine Pevsner (1886-1962), Barbara Hepworth (1903-1975) et Ben Nicholson (1894-1982). L’ancien architecte, sculpteur et designer suisse Bauhaus, Max Bill (1908-94), a également contribué à promouvoir le genre en Suisse, en Italie, en Argentine et au Brésil.

Abstraction surréaliste et organique

Parallèlement au développement du concrétisme de style géométrique, dans les années 1920 et 1930, les représentants du surréalisme ont commencé à produire une gamme d’images quasi naturalistes et fantasmagoriques. Les principaux exemples de ce style de Abstraction Biomorphique / Organique étaient Jean Arp et Joan Miro , comme le confirment leurs nombreux croquis préparatoires, ni l’un ni l’autre ne s’est appuyé sur la technique de l’automatisme. Leur compagnon surréaliste Salvador Dali (1904-1989) a également produit des peintures extraordinaires comme The Persistence of Memory (1931, MoMA, NY) et Soft Construction with Boiled Beans (1936, Philadelphia Museum of Art). Jean Arp était aussi un sculpteur actif spécialisé dans l’abstraction organique, à l’instar des sculpteurs anglais Henry Moore (1898-1986) et Barbara Hepworth (1903-1975). (Voir: Sculpture britannique moderne 1930-70.) Un certain nombre d’artistes abstraits européens se sont par la suite réfugiés en Amérique, où ils ont rencontré et influencé une nouvelle génération de peintres abstraits indigènes. Parmi ces émigrants influents figuraient des peintres comme Hans Hofmann (1880-1966), Max Ernst (1891-1976), André Masson (1896-1987), Arshile Gorky (1904-48), Yves Tangy (1900-55) et autres. Comme il est arrivé, malgré la controverse autour de New York Spectacle d’arsenal en 1913, la ville développa un vif intérêt pour l’abstraction. Le Museum of Modern Art a été fondé en 1929 et le Museum of Non-Objective Painting (rebaptisé plus tard Samuel Samuel Guggenheim Museum) en 1939.

Remarque: pour deux collectionneurs de peintures et de sculptures abstraites de la première moitié du XXe siècle, voir: Solomon Guggenheim (1861-1949) et Peggy Guggenheim (1898-1979).

Remarque: pour les abstractions d’avant-garde en Grande-Bretagne (c.1939-75), veuillez consulter: Ecole St Ives .

Expressionnisme abstrait – Plus de couleur, plus de géométrie

Bien que les artistes européens de l’après-guerre aient maintenu leur intérêt pour l’art abstrait par le biais du Salon des réalités nouvelles de Paris, le centre de l’art moderne s’est déplacé en 1945 à New York, où l’avant-garde était représentée par École new yorkaise de Expressionisme abstrait . Issue de la Grande Dépression et de la Seconde Guerre mondiale, ce mouvement, jamais associé à un programme cohérent en tant que tel, était dirigé par Jackson Pollock (1912-1956), Mark Rothko (1903-1970), Willem De Kooning (1904-1997)., Clyfford Still (1904-1980), Barnett Newman (1905-1970) et Adolph Gottlieb (1903-1974). La prochaine génération comprenait des peintres tels que Robert Motherwell. Le nom du mouvement a été inventé par Robert Coates, critique d’art du New Yorker. Les rejetons incluent Pollock ’ Peinture d’action et de Rothko Peinture de champ de couleur ’et le curieux’ impressionnisme abstrait ’de Philip Guston (1913-1980).

Peinture expressionniste abstraite reste un terme vague – souvent appliqué avec confusion à des artistes qui ne sont ni vraiment abstraits, ni expressionnistes – qui décrit une forme de peinture abstraite (non figurative, non naturaliste) dans laquelle la couleur prime sur la forme; ce dernier n’est plus géométrique. Les premières œuvres de ce style remplissaient généralement des toiles à grande échelle, conçues pour submerger les spectateurs et les attirer dans un autre monde. La préoccupation des expressionnistes abstraits vis-à-vis des effets visuels, en particulier de la couleur, reflétait leur objectif principal: impliquer et explorer les émotions humaines fondamentales. Ainsi, une peinture expressionniste abstraite est mieux perçue de manière intuitive plutôt que comprise: la question posée est généralement de savoir ce que cela vous fait ressentir. – plutôt que ’que dit-il?’

Il convient de souligner qu’il s’agissait d’un vaste mouvement englobant différents styles, y compris (comme mentionné) des œuvres semi-abstraites ou non abstraites, ainsi que des œuvres caractérisées par l’application de la peinture, telles que Peintures de Jackson Pollock (ruisselant et versé) et les œuvres de Willem de Kooning (pinceau gestuel). Pour deux premières œuvres intéressantes illustrant les styles différents de ces deux artistes, voir: Femme assise (1944, Metropolitan Museum of Art) de Willem de Kooning et Pasiphae (1943, Metropolitan) de Jackson Pollock. Le fait qu’il s’agisse du premier grand mouvement artistique né aux États-Unis lui a conféré un poids et une signification supplémentaires, du moins dans l’esprit des critiques.

Plus tard, l’expressionnisme abstrait a engendré un certain nombre de styles individuels sous l’égide de Abstraction post-picturale , une tendance anti-gesturaliste. Ces styles individuels inclus: Peinture de bord dur , Peinture sur les taches de couleur, Mouvement des couleurs de Washington, Abstraction lyrique américaine et Toile en forme. L’expressionisme abstrait a également suscité des réactions avant-gardistes de plusieurs autres artistes, dont Cy Twombly (1928-2011), dont le gribouillage calligraphique est à moitié dessiné, à moitié graffiti; et le sculpteur abstrait californien Mark Di Suvero (né en 1933), connu pour ses sculptures en fer / acier à grande échelle.

Europe: Art Informel, Tachisme & Groupe Cobra Gesturalisme

En Europe, un nouveau mouvement artistique connu sous le nom de Art Informel est apparu à la fin des années 1940. Considéré comme la version européenne de l’expressionnisme abstrait, il s’agissait en réalité d’un mouvement parapluie comportant un certain nombre de sous-variantes. Ces mini-mouvements inclus: (1) Tachisme , un style de peinture abstraite marqué par des taches et des touches de couleur, a été présenté comme la réponse française à l’expressionnisme abstrait américain. L’artiste américaine d’avant-garde a eu une influence déterminante Mark Tobey (1890-1976), dont le style de peinture calligraphique globale anticipait celui de Pollock. Les membres importants comprenaient Jean Fautrier (1898-1964), Georges Mathieu (1921-2012), Pierre soulages (b.1919), et l’artiste portugais Maria Helena Vieira da Silva (1908-92) ainsi que l’expressionniste abstrait américain Sam Francis (1923-94). (2) L’avant-garde Groupe Cobra , qui pratiquait le style gestuel ou "d’action painting" de l’expressionnisme abstrait américain. Il a été fondé par des peintres, sculpteurs et graphistes du groupe danois Host , du groupe néerlandais Reflex et du groupe surréaliste révolutionnaire belge , parmi lesquels: Asger Jorn (1914-1973), l’écrivain belge Christian Dotremont (1922-1979), Pierre Alechinsky (né en 1927), Karel Appel (1921-2006) et Constant (CA Nieuwenhuys) (1920-2005). Pol Bury (1922-2005) en était également membre, mais en 1953, il arrêta de peindre pour explorer la sculpture cinétique. (3) Abstraction Lyrique , un style plus silencieux et harmonieux d’ Art Informel . Les membres principaux inclus: Wols (Alfred Otto Wolfgang Schulze) (1913-1951), Hans Hartung (1904-1989), Jean-Michel Atlan (1913-1960), Pierre Soulages (né en 1919), Georges Mathieu (1921-2012), et Jean-Paul Riopelle (1923-2002). Les autres sous-groupes comprennent Forces Nouvelles et Art Non Figuratif .

Op-Art: La nouvelle abstraction géométrique

L’un des styles les plus distincts de peinture abstraite géométrique issus de l’ère moderniste était le Mouvement Op-Art (abréviation de ’art optique’) dont la caractéristique principale était l’engagement de l’œil au moyen de motifs géométriques complexes, souvent monochromatiques, afin de lui faire voir des couleurs et des formes qui n’existaient pas réellement. Parmi les principaux membres figuraient le peintre et graphiste hongrois Victor Vasarely (1908-97) et le peintre anglais Bridget Riley (b.1931). Le mouvement a disparu au début des années 1970.

Abstraction postmoderniste

Depuis le début de postmodernisme (depuis le milieu des années 60) art contemporain a eu tendance à se fragmenter en écoles plus petites et plus locales. En effet, la philosophie qui prévaut parmi les mouvements artistiques contemporains a été de se méfier des grands styles du début du 20ème siècle. Une exception est le Minimalisme école, un style abstrait de l’abstraction géométrique, illustré par artistes postmodernistes comme des sculpteurs Donald Judd (1928-94) Sol LeWitt (1928-2007), Robert Morris (b.1931), Walter de Maria (b.1935), et Carl Andre (b.1935). Un autre sculpteur minimaliste important est Richard Serra (né en 1939), dont les œuvres abstraites incluent Tilted Arc (1981, Federal Plaza, New York) et The Matter of Time (2004, Guggenheim Bilbao). Parmi les peintres abstraits connus associés au minimalisme, citons: Ad Reinhardt (1913-1967), Frank Stella (B.1936), dont les peintures à grande échelle impliquent des groupes imbriqués de formes et de couleurs; Sean Scully (b.1945) le peintre américano-irlandais dont les formes de couleur rectangulaires semblent imiter les formes monumentales des structures préhistoriques; ainsi que Jo Baer (né en 1929), Ellsworth Kelly (b.1923), Robert Mangold (b.1937), Brice Marden (b.1938), Agnes Martin (1912-2004) et Robert Ryman (né en 1930).

Partiellement contre l’austérité du minimalisme, le néo-expressionisme est avant tout un mouvement figuratif né au début des années 1980. Cependant, il a également inclus un certain nombre de peintres abstraits exceptionnels tels que l’Anglais Winner Howard Hodgkin (né en 1932), ainsi que les artistes allemands Georg Baselitz (b.1938), Anselm Kiefer (b.1945), et autres. Parmi les autres artistes abstraits de renommée internationale qui ont été reconnus dans les années 1980 et 1990, se trouve le sculpteur britannique Anish Kapoor (né en 1954), connu pour ses œuvres à grande échelle en pierre taillée, en fonte et en acier inoxydable. Hodgkin et Kapoor sont tous deux lauréats du Turner Prize.

Collections d’art abstrait

L’art non représentatif peut être vu dans la plupart des meilleurs musées d’art à travers le monde. Des collections remarquables sont détenues par les institutions suivantes