Art abstrait: définition, histoire, types, caractéristiques Automatique traduire

Définition et signification

Le terme «art abstrait», également appelé «art non objectif», «non figuratif», «non représentatif», «abstraction géométrique» est un terme générique assez vague pour toute peinture ou sculpture qui ne représente pas d’objets ou de scènes reconnaissables .

Cependant, comme nous le verrons, il n’existe pas de consensus clair sur la définition, les types ou la signification esthétique de l’art abstrait. Picasso pensait qu’il n’existait pas, et certains historiens de l’art estiment que tout art est abstrait parce que, par exemple, aucune peinture ne peut espérer être autre chose qu’une généralisation grossière (abstraction) de ce que l’artiste voit. Même d’éminents commentateurs sont parfois en désaccord sur la question de savoir si une toile doit être qualifiée d’expressionniste «» ou d’abstraite «» - par exemple, l’aquarelle Ship on Fire (1830, Tate) et la peinture à l’huile Snowstorm - Steamship at the Harbour Mouth (1842, Tate), toutes deux réalisées par William Turner (1775-1851). Un exemple similaire est Lys (1916-20, National Gallery, Londres) de Claude Monet (1840-1926). En outre, il existe une échelle d’abstraction qui va de la semi-abstraction à l’abstraction totale. Ainsi, si la théorie est relativement claire - l’art abstrait est détaché de la réalité - la tâche pratique consistant à séparer l’abstrait du non-abstrait peut s’avérer beaucoup plus problématique.

Quelle est l’idée derrière l’art abstrait?

Le principe de base de l’abstraction - qui est d’ailleurs une question clé de l’esthétique - est que les qualités formelles d’une peinture (ou d’une sculpture) sont aussi importantes (si ce n’est plus) que ses qualités figuratives.

Commençons par une illustration très simple. Un tableau peut contenir un très mauvais dessin d’homme, mais si ses couleurs sont très belles, il peut néanmoins nous apparaître comme un beau tableau. Cela montre comment une qualité formelle (la couleur) peut l’emporter sur une qualité représentative (le dessin).

En revanche, une image photoréaliste d’une maison en terrasse peut présenter une représentation élégante, mais le sujet, les couleurs et la composition générale peuvent être tout à fait ennuyeux.

La justification philosophique de l’évaluation de la valeur des qualités formelles d’une œuvre d’art découle de l’affirmation de Platon selon laquelle : «les lignes droites et les cercles… ne sont pas seulement beaux…. mais sont éternellement et absolument beaux».

En substance, Platon indique que les images non naturalistes (cercles, carrés, triangles, etc.) ont une beauté absolue et immuable. Ainsi, un tableau ne peut être apprécié que pour ses lignes et ses couleurs - il n’est pas nécessaire qu’il représente un objet ou une scène naturelle. Le peintre, lithographe et théoricien de l’art français Maurice Denis (1870-1943) avait la même idée en tête lorsqu’il écrivait : "N’oubliez pas qu’un tableau, avant d’être un cheval de bataille ou une femme nue, est essentiellement une surface plane recouverte de couleurs rassemblées dans un certain ordre."

Certains artistes abstractionnistes décrivent leur travail en disant qu’ils veulent créer l’équivalent visuel d’un morceau de musique qui peut être apprécié uniquement pour lui-même sans se poser la question : «Qu’est-ce que cette peinture?» Whistler, par exemple, a donné à certaines de ses peintures des titres musicaux, tels que Nocturne : Blue and Silver - Chelsea (1871, Tate Collection). (Voir aussi : Évaluer l’art : comment évaluer l’art .)

Types d’art abstrait

Pour simplifier, on peut classer l’art abstrait en six grands types. Certains de ces types sont moins abstraits que d’autres, mais tous impliquent la séparation de l’art et de la réalité.

L’art abstrait curviligne

Ce type d’abstraction curviligne est étroitement lié à l’art celtique, qui utilisait un certain nombre de motifs abstraits, notamment des nœuds (huit types principaux), des motifs d’alternance et des spirales (y compris le triskèle ou le triskélion). Ces motifs n’étaient pas originaux pour les Celtes - de nombreuses autres cultures anciennes utilisaient ces motifs celtiques depuis des siècles : par exemple, les gravures en spirale sur une tombe néolithique à Newgrange dans le comté de Meath, créées 2 000 ans avant les Celtes. Néanmoins, on peut dire que les Celtes ont insufflé une nouvelle vie à ces motifs, les rendant beaucoup plus complexes et compliqués. Ces motifs sont ensuite réapparus en tant qu’éléments décoratifs dans les premiers manuscrits (vers 600-1000 après J.-C.). Ils sont ensuite réapparus lors du mouvement du renouveau celtique au 19e siècle et de l’influent mouvement de l’Art nouveau au 20e siècle, notamment dans les couvertures de livres, les textiles, les papiers peints et les chintz, dans les œuvres d’auteurs tels que William Morris (1834-1896) et Arthur McMurdo (1851-1942). L’abstraction curviligne est également illustrée par «la structure infinie», une caractéristique très répandue de l’art islamique .

L’art abstrait en couleur ou en lumière

Ce type est illustré dans les œuvres de Turner et de Monet, qui utilisent la couleur (ou la lumière) de manière à séparer l’œuvre d’art de la réalité lorsque l’objet se dissout dans un tourbillon de pigments. Deux exemples d’abstraction expressive dans le style de Turner ont déjà été mentionnés, auxquels on peut ajouter son Intérieur à Petworth (1837, Tate Collection). Parmi les autres exemples, citons la dernière série de tableaux de Monet «Nénuphar» (1840-1926), «Talisman» (1888, musée d’Orsay, Paris) de Paul Sérusier (1864-1927), chef de file de Les Nabis, et plusieurs œuvres fauves d’Henri Matisse (1869-1954). Plusieurs tableaux expressionnistes de Kandinsky, réalisés lors de sa collaboration avec Deur Blue Reiter, sont très proches de l’abstraction, tout comme «Cerf dans la forêt II» (1913-14, Staatliche Kunsthalle, Karsruhe) de son confrère Franz Marc (1880-1916). L’artiste tchèque Frank Kupka (1871-1957) a réalisé quelques-unes des premières peintures abstraites vibrantes qui ont influencé Robert Delaunay (1885-1941), qui s’est également appuyé sur la couleur dans son style d’inspiration cubiste. L’abstraction colorée réapparaît à la fin des années 1940 et dans les années 1950 sous la forme du colour field painting développé par Mark Rothko (1903-1970) et Barnett Newman (1905-1970). Dans la France des années 1950, un type parallèle de peinture abstraite liée à la couleur est apparu, connu sous le nom d’«Abstraction lyrique».

Abstraction géométrique

Ce type d’art abstrait intellectuel est apparu vers 1908. Une première forme rudimentaire était le cubisme, plus précisément le cubisme analytique, qui rejetait la perspective linéaire et l’illusion de profondeur spatiale dans une peinture pour se concentrer sur ses aspects bidimensionnels. L’abstraction géométrique est également connue sous le nom d’art concret et d’art non objectif. Comme on peut s’y attendre, elle se caractérise non pas par des images naturalistes, mais généralement par des formes géométriques telles que des cercles, des carrés, des triangles, des rectangles, etc. D’une certaine manière, parce qu’il ne contient absolument aucune référence ou lien avec le monde naturel, c’est la forme la plus pure de l’abstraction. On pourrait dire que l’art concret est l’abstraction et que le végétalisme est le végétarisme. L’abstraction géométrique est représentée par «Cercle noir» (1913, Musée national russe, Saint-Pétersbourg), peint par Kazimir Malevitch (1878-1935) (fondateur du suprématisme) ; «Broadway Boogie Woogie» (1942, MoMA, New York), de Piet Mondrian (1872-1944) (fondateur du néoplasticisme) ; et «Composition VIII (Vache)» (1918, MoMA, New York) de Theo Van Doesburg (1883-1931) (fondateur de De Stijl et de l’élémentalisme). D’autres exemples incluent les peintures «Dédicace à la place» de Joseph Albers (1888-1976) et l’op art de Victor Vasarely (1906-1997).

Art abstrait émotionnel ou intuitif

Ce type d’art intuitif comprend une combinaison de styles dont le thème commun est une tendance naturaliste. Ce naturalisme se manifeste dans le type de formes et de couleurs utilisées. Contrairement à l’abstraction géométrique, qui est presque anti-naturelle, l’abstraction intuitive décrit souvent la nature, mais d’une manière moins représentative. Deux sources importantes de ce type d’art abstrait sont l’abstraction organique (également appelée abstraction biomorphique) et le surréalisme . On pourrait dire que l’artiste le plus célèbre spécialisé dans ce type d’art est le Russe Mark Rothko - voir : Peintures de Mark Rothko (1938-1970). D’autres exemples incluent des peintures de Kandinsky telles que «Composition n° 4» (1911, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen) et «Composition VII» (1913, Galerie Tretiakov) ; «Narrateur typique, Gabel et Nabel» (1923, collection particulière) de Jean Arp (1887-1966), «Femme» (1934, collection particulière) de Juan Miró (1893-1983), «Inscape : Psychological Morphology #104» (1939, collection particulière) de Matta (1911-2002) ; et «Infinite Divisibility» (1942, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo) d’Yves Tanguy (1900-1955). En sculpture, ce type d’abstraction est illustré : «Baiser» (1907, Kunsthalle, Hambourg) de Constantin Brancusi (1876-1957) ; «Mère et enfant» (1934, Tate) de Barbara Hepworth (1903-1975) ; Pipes géantes (1937, Musée national d’art moderne, Centre Georges Pompidou) de Jean Arp ; «Trois figures permanentes» (1953, Musée Guggenheim, Venise) de Henry Moore (1898-1986).

Art abstrait gestuel

Il s’agit d’une forme d’expressionnisme abstrait dans laquelle le processus de création d’une peinture devient plus important que d’habitude. La peinture peut être appliquée de manière inhabituelle, les coups de pinceau sont souvent très lâches et rapides. Les représentants américains célèbres de la peinture gestuelle sont Jackson Pollock (1912-1956), l’inventeur de l’Action-Painting, sa femme Lee Krasner (1908-1984), qui l’a inspiré avec sa propre forme de peinture au goutte-à-goutte ; Willem de Kooning (1904-1997), connu pour sa série d’œuvres «Woman» ; et Robert Motherwell (1912-1956), connu pour sa série «Elegy to the Spanish Republic». En Europe, il s’agit du Tachisme, ainsi que du groupe Cobra, et en particulier du Karel Appel (1921-2006).

Abstractionnisme minimaliste

Ce type d’abstraction était une sorte d’art d’avant-garde, dépourvu de toutes références et associations extérieures. Elle est ce que l’on voit - et rien d’autre. Il prend souvent une forme géométrique dominée par les sculptures, bien que ce type d’art ait également été utilisé par de grands artistes. Pour plus d’informations sur l’art minimaliste, voir ci-dessous «Abstraction postmoderne».

Origines et histoire

Peintures abstraites de l’âge de pierre

Pour autant que l’on puisse en juger, l’histoire de l’art abstrait a commencé il y a environ 70 000 ans avec des gravures préhistoriques, à savoir deux morceaux de pierre portant des motifs géométriques abstraits gravés, découverts dans la grotte de Blombos en Afrique du Sud. Viennent ensuite des points abstraits rouge-ocre et des pochoirs, trouvés parmi les peintures rupestres d’El Castillo, datées de 39 000 av, une gravure néandertalienne dans la grotte de Gorham, Gibraltar et une image en forme de clavicule parmi les dessins rupestres d’Altamira (ca. 34 000 av. J.-C.) Les symboles abstraits sont ensuite devenus la forme prédominante de l’art rupestre paléolithique, deux fois plus nombreux que les représentations figuratives. Voir Signes abstraits préhistoriques.

Du réalisme académique à l’abstraction

Jusqu’à la fin du 19e siècle, la plupart des peintures et des sculptures suivaient les principes traditionnels du réalisme classique enseignés dans les grandes académies européennes. Ces principes reposent sur le fait que le premier devoir de l’art est de créer une scène ou un objet reconnaissable. Quelle que soit l’influence des exigences du style ou de l’environnement, l’œuvre d’art doit imiter ou représenter la réalité extérieure. Cependant, au cours du dernier quart du 19e siècle, les choses ont commencé à changer. L’art impressionniste a montré que le style académique strict de la peinture naturaliste n’était plus la seule manière authentique de faire les choses. Ensuite, entre 1900 et 1930, les développements dans d’autres domaines de l’art moderne ont fourni des techniques supplémentaires (y compris la couleur, l’abandon de la perspective tridimensionnelle et de nouvelles formes) à utiliser dans la poursuite de l’abstraction.

Les artistes commencent à s’éloigner de la réalité

Le premier des grands mouvements artistiques modernes qui ébranle le style académique du réalisme classique est l’impressionnisme (1870-1880), dont la palette est souvent résolument non naturaliste, mais dont l’art reste fermement et clairement issu du monde réel, même si la dernière œuvre de Claude Monet «Les Nymphéas» semble plus proche de l’abstraction. L’émergence de l’art abstrait a également influencé le mouvement de l’Art nouveau (1890-1914).

Kandinsky, l’expressionnisme et le fauvisme démontrent le pouvoir de la couleur

L’utilisation de la couleur et de la forme pour émouvoir le spectateur a été primordiale dans le développement de l’art abstrait. L’impressionnisme, y compris les variantes du pointillisme néo-impressionniste et du post-impressionnisme, avait déjà attiré l’attention sur le pouvoir de la couleur, mais l’expressionnisme allemand en a fait la pierre angulaire de la peinture. L’un des fondateurs du mouvement, Wassily Kandinsky (1866-1944), a publié le livre «Du spirituel dans l’art» (1911), qui est devenu la base de la peinture abstraite.

Kandinsky est persuadé des propriétés émotionnelles de la forme, de la ligne et surtout de la couleur dans la peinture. (Il avait une sensibilité anormale à la couleur, appelée synesthésie). Il pensait que la peinture ne devait pas être analysée intellectuellement, mais qu’il fallait lui permettre d’atteindre la partie du cerveau associée à la musique.

Néanmoins, il a averti que l’art sérieux ne devait pas être guidé par le désir de voir l’abstraction devenir une simple décoration. La plupart des expressionnistes allemands (Ernst Kirchner, Karl Schmidt-Rottlaff, Max Ernst, Alexei Jawlensky, Oskar Kokoschka, Franz Marc, August Macke et Max Beckmann) n’étaient pas des artistes abstraits, mais leurs palettes vives - ainsi que les écrits théoriques de Kandinsky - ont attiré l’attention d’autres artistes plus enclins à l’abstraction sur le pouvoir de la couleur comme moyen d’atteindre leurs objectifs.

Le style parallèle de l’avant-garde parisienne, le fauvisme (1905-08), n’a fait que souligner l’effet de la couleur dans les œuvres d’Henri Matisse, telles que Studio rouge (1911, MoMA, NY).

Le cubisme rejette la perspective et la profondeur picturale

Le cubisme (1908-14) est une réaction contre l’attrait décoratif de l’impressionnisme. Picasso (1881-1973) et Georges Braque (1882-1963) développèrent ce nouveau style par étapes : d’abord, le cubisme prototypique (voir Les Demoiselles d’Avignon , 1907, MoMA, NY) ; puis le cubisme analytique (voir « (voir ) de Picasso). «Escalier de nu n°2», 1912, Philadelphia Museum of Art) de Marcel Duchamp (1887-1968) ; puis le cubisme synthétique, plus orienté vers le collage. Leur concept de base était de s’éloigner de l’art beau mais trivial de l’impressionnisme, pour aller vers une forme d’art plus intellectuelle qui explorait de nouvelles méthodes de représentation de la réalité.

En particulier, ils ont rejeté la méthode académique de représentation de la réalité en utilisant la perspective linéaire (profondeur) pour créer l’effet tridimensionnel habituel en peinture. Au lieu de cela, ils ont tout gardé sur un plan plat bidimensionnel sur lequel ils ont disposé différentes «vues» d’un même objet : un processus similaire à la photographie d’un objet sous différents angles, puis au découpage des photographies et à leur collage sur une surface plane. Cette méthode consistant à utiliser une surface plane pour représenter une réalité tridimensionnelle a bouleversé l’art dans son essence. Bien que la plupart des œuvres cubistes soient encore dérivées d’objets ou de scènes du monde réel et ne puissent donc pas être considérées comme totalement abstraites, le rejet par le mouvement du point de vue traditionnel a complètement ébranlé le réalisme naturel dans l’art et a donc ouvert la porte à l’abstraction pure.

Inspirés par le cubisme, les sculpteurs abstraits comprennent Constantin Brancusi (1876-1957), également influencé par l’art africain et oriental ; Raymond Duchamp-Villon (1876-1918), utilise les procédés cubistes pour représenter le mouvement ; Jacques Lipchitz (1891-1973).

Pour un style de peinture abstraite du début du 20e siècle qui tentait de mélanger la composition cubiste avec la couleur et la musique, voir : Orphisme . Un mouvement artistique britannique d’avant-guerre fortement influencé par l’idiome cubiste est le Vorticisme (1913-14), fondé par Percy Wyndham Lewis (1882-1957).

Le mouvement italien Futurisme (1909-13), fondé par Marinetti (1876-1944) et dont font partie Gino Severini (1883-1966) et Giacomo Balla (1871-1958), a également été influencé par le cubisme et a inspiré à son tour de nombreux artistes. En sculpture, le futurisme a eu la plus grande influence sur le développement de l’art cinétique, influençant des sculpteurs abstraits tels que Naum Gabo (1890-1977) et Alexander Calder (1898-1976) (célèbre pour ses téléphones portables).

«Le toubisme», inventé par Fernand Léger (1881-1955), était une forme de cubisme qui utilisait des figures cylindriques et sphériques plutôt que les figures plates et superposées du cubisme, et incluait de nombreux motifs ressemblant à des machines, reflétant la croyance futuriste de Léger dans la technologie. Voir, par exemple, des œuvres telles que «Soldats jouant aux cartes» (1917, Kroller-Muller State Museum, Otturlo) ; Le Mécanicien (1920, National Gallery of Canada) ; Trois femmes (Le Grand Déjeuner) (1921, Museum of Modern Art, New York).

Le suprématisme et De Stijl introduisent de nouvelles figures géométriques

La peinture et la sculpture traditionnelles des beaux-arts s’appuient sur des formes tirées du monde réel, et il en existe de nombreux exemples. En revanche, les artistes abstraits doivent recourir à des formes artificielles, non naturelles. Ainsi, l’art abstrait s’intéresse généralement à la production de diverses formes géométriques. La taille et la nature de ces formes, leur relation les unes avec les autres et les couleurs utilisées dans l’œuvre deviennent les motifs qui définissent l’abstraction.

Le suprématisme russe

Le mouvement d’art abstrait russe connu sous le nom de Suprématisme, nommé par son chef de file Kazimir Malevitch (1878-1935) pour avoir affirmé la suprématie du sentiment dans l’art, apparaît en 1915. Sans doute influencé par Kandinsky, Malevitch réalise une série de remarquables peintures abstraites d’avant-garde - des blocs rectangulaires de couleur simple flottant sur un fond blanc - qui sont en avance de plusieurs décennies sur leur temps. Il les considère comme les successeurs de l’iconographie traditionnelle de l’Église orthodoxe russe, dans le style plat byzantin de l’Antiquité. En 1927, sa théorie suprématiste est publiée dans un livre intitulé Die Gegenstandlose Welt (Le monde non objectif). Lyubov Popova (1889-1924) est considérée, avec Alexander Rodchenko (1891-1956), comme l’un des créateurs du style russe . Le constructivisme (une école qui s’intéresse à l’espace, aux nouveaux matériaux, aux formes tridimensionnelles ainsi qu’à la science et à la réforme sociale) est un autre lien important avec le mouvement suprématiste. Un autre mouvement artistique russe intéressant qui présentait de nouvelles images était le luchisme (1912-14), fondé par Mikhail Larionov (1881-1964) et Natalia Goncharova (1881-1962). Parmi les sculpteurs abstraits influencés par les idées suprématistes et constructivistes, on peut citer Sophie Tauber-Arp (1889-1943) et Naum Gabo (1890-1977).

De stijl

De Stijl est le nom d’une revue néerlandaise de design et d’esthétique et d’un mouvement artistique d’avant-garde consacré à l’abstraction géométrique (art non-objectif), fondé et dirigé par Theo Van Doesburg (1883-1931). Sa figure de proue est Piet Mondrian (1872-1944), connu pour ses séries de grilles rectangulaires simples n’utilisant que le noir, le blanc et les couleurs primaires - un style qu’il a appelé Néoplasticisme ) Nieuwe Beelding). L’un des pionniers les plus influents de l’art concret entre 1920 et 1944, il a développé son style géométrique précis comme un contre-argument au chaos émotionnel et à l’incertitude de la première moitié du vingtième siècle. Impliqué dans le Cercle et Carré Abstract Group (1929-31), et dans le Abstraction-Creation Group (1930-6), il s’est installé à New York en 1938 et aurait été le premier artiste à travailler sur la musique du gramophone.

Van Doesburg était moins dogmatique, représentant une forme plus détendue du néoplasticisme appelée Élémentalisme . En 1930, il est également à l’origine du terme «Art concret». Malheureusement, il meurt en 1931, mais ses idées ont été reprises non seulement par les étudiants de l’école de design du Bauhaus (où il donnait des cours), mais aussi par le groupe Créativité abstraite - dirigé par l’artiste belge Georges Vantongerloo (1886-1965) et les artistes français Jean Helion (1904-1987) et Auguste Herbin (1882-1960). Parmi les autres membres du groupe figurait la crème des abstractionnistes européens tels que Jean Arp (1886-1966), Naum Gabo (1890-1977), El Lissitzky (1890-1941), Antoine Pevsner (1886-1962), Barbara Hepworth (1903-1975) et Ben Nicholson (1894-1982). L’architecte, sculpteur et designer suisse Max Bill (1908-1994), ancien du Bauhaus, est un autre adepte qui a contribué à promouvoir le genre en Suisse, en Italie, en Argentine et au Brésil.

Surréalisme et abstraction organique

Parallèlement au développement du bétonisme dans le style géométrique, les membres du surréalisme ont commencé à créer, au cours des années 1920 et 1930, une gamme d’images fantastiques et quasi-naturalistes. Les principaux représentants de ce style d’abstraction biomorphique / organique sont Jean Arp et Juan Miró, qui n’utilisent pas la technique de l’automatisme, comme l’attestent leurs nombreuses esquisses préparatoires. Leur collègue surréaliste Salvador Dalí (1904-1989) a également réalisé plusieurs peintures inhabituelles, telles que «Constance de la mémoire» (1931, MoMA, New York) et «Construction molle avec haricots bouillis» (1936, Philadelphia Museum of Art).

Jean Arp était également un sculpteur actif qui s’est spécialisé dans l’abstraction organique, tout comme les sculpteurs anglais Henry Moore (1898-1986) et Barbara Hepworth (1903-1975). (Voir : Sculpture britannique moderne 1930-70) Plusieurs artistes abstractionnistes européens se sont ensuite réfugiés en Amérique, où ils ont influencé une nouvelle génération d’abstractionnistes aborigènes». Parmi ces émigrants influents, on trouve des artistes tels que Hans Hofmann (1880-1966), Max Ernst (1891-1976), André Masson (1896-1987), Arshile Gorky (1904-1948), Yves Tanguy (1900-1955) et d’autres. À cette époque, malgré la controverse entourant Armory Shaw à New York en 1913, l’abstraction suscite un vif intérêt dans la ville. Le Musée d’art moderne a été fondé en 1929, et le Musée de la peinture non objective (rebaptisé plus tard Musée Samuel R. Guggenheim) en 1939.

Note : pour deux collectionneurs de peinture et de sculpture abstraites de la première moitié du 20e siècle, voir : Solomon Guggenheim (1861-1949) et Peggy Guggenheim (1898-1979).

Note : pour l’abstraction d’avant-garde en Grande-Bretagne (c.1939-75) voir St Ives School.

L’expressionnisme abstrait - plus de couleurs, plus de géométrie

Bien que les artistes européens de l’après-guerre aient maintenu leur intérêt pour l’art abstrait au Salon des réalités nouvelles de Paris, en 1945, le centre de l’art moderne s’était déplacé à New York, où l’avant-garde était représentée par l’école de New York de l’expressionnisme abstrait . Issu de la Grande Dépression et de la Seconde Guerre mondiale, ce mouvement, qui n’a jamais été associé à un programme cohérent en tant que tel, a été mené par Jackson Pollock (1912-1956), Mark Rothko (1903-1970), Willem de Kooning (1904-1997), Clifford Still (1904-1980), Barnett Newman (1905-1970) et Adolph Gottlieb (1903-1974). La génération suivante comprend des artistes tels que Robert Motherwell. Le nom du mouvement a été inventé par Robert Coates, un historien de l’art new-yorkais. Les styles proches sont l’Action Painting» de Pollock «et le Colour Field Painting» de Rothko «, ainsi que le curieux Impressionnisme abstrait» de Philip Guston (1913-1980).

La peinture expressionniste abstraite reste un terme vague - souvent appliqué de manière confuse à des artistes qui ne sont ni vraiment abstraits ni expressionnistes - qui décrit une forme de peinture abstraite (non figurative, non naturaliste) dans laquelle la couleur prend le pas sur la forme ; et la forme n’est plus géométrique. Les premières œuvres de ce style avaient tendance à remplir de grandes toiles dont la taille était choisie pour étourdir le spectateur et l’entraîner dans un autre monde. La préoccupation des expressionnistes abstraits pour les effets visuels, en particulier l’influence de la couleur, reflétait leur objectif principal, qui était de susciter et d’explorer les émotions humaines fondamentales. Ainsi, la peinture expressionniste abstraite se comprend mieux de manière intuitive, généralement en posant la question suivante : «Qu’est-ce que cela vous fait ressentir?» - plutôt que «Que dit-elle?»

Il convient de souligner qu’il s’agissait d’un vaste mouvement, englobant une variété de styles, y compris (comme nous l’avons déjà mentionné) des œuvres semi-abstraites ou non abstraites, ainsi que des œuvres caractérisées par la manière d’appliquer la peinture, telles que les peintures de Jackson Pollock et le travail de Willem de Kooning (coups de pinceau gestuels). Pour deux œuvres de jeunesse intéressantes qui illustrent les différents styles de ces deux artistes, voir : Femme assise (1944, Metropolitan Museum of Art) de Willem de Kooning et Pasiphaé (1943, Met) de Jackson Pollock. Le fait qu’il s’agisse du premier grand mouvement artistique né aux États-Unis lui confère un poids et une importance accrus, du moins dans l’esprit des critiques.

Plus tard, l’expressionnisme abstrait a donné naissance à de nombreux styles individuels sous l’égide de l’abstraction post-peinture, une tendance anti-gestuelle. Ces styles individuels comprennent : la coloration rigide, la coloration, les tons de Washington, l’abstraction lyrique américaine et la toile façonnée. L’expressionnisme abstrait a également suscité des réactions avant-gardistes de la part de plusieurs autres artistes, notamment : Cy Twombly (1928-2011), dont les inscriptions calligraphiques relèvent à la fois du dessin et du graffiti, et le sculpteur abstrait californien Mark Di Suvero (né en 1933), connu pour ses grandes sculptures en fer et en acier.

Europe : Art Informel, Tachisme et Gesturalisme du Groupe Cobra

En Europe, un nouveau mouvement artistique connu sous le nom de Art Informel, est apparu à la fin des années 1940. Considéré comme une version européenne de l’expressionnisme abstrait, il s’agissait en fait d’un mouvement parapluie comportant de nombreuses sous-variantes. Ces mini-mouvements comprenaient :

(1) Le tachisme, un style de peinture abstraite marqué par des taches et des touches de couleur, est apparu comme une réponse française à l’expressionnisme abstrait américain. L’artiste américain d’avant-garde Mark Tobey (1890-1976), dont le style de peinture calligraphique était en avance sur celui de Pollock, a exercé une influence déterminante. Parmi les contributeurs importants, citons Jean Fauré (1898-1964), Georges Mathieu (1921-2012), Pierre Soulages (né en 1919) et l’artiste portugaise Maria Helena Vieira da Silva (1908-1992), ainsi que l’expressionniste abstrait américain Sam Francis (1923-1994).

(2) Groupe d’avant-garde «Cobra», qui pratiquait la peinture gestuelle ou «martiale» de l’expressionnisme abstrait américain. Il est fondé par des peintres, sculpteurs et graphistes du groupe danois Host, du groupe néerlandais Reflex et du groupe surréaliste révolutionnaire belge, parmi lesquels : Asger Jorn (1914-1973), l’écrivain belge Christian Dautremont (1922-1979), Pierre Aleczynski (b.1927), Karel Appel (1921-2006) et Constant (CA Nieuwenhuys) (1920-2005). Paul Bury (1922-2005) a également été membre, mais en 1953, il a abandonné la peinture pour se consacrer à la sculpture cinétique.

(3) Abstraction lyrique, un style plus calme et plus harmonieux Art Informel . Parmi les principaux contributeurs, citons Wols (Alfred Otto Wolfgang Schulze) (1913-1951), Hans Hartung (1904-1989), Jean-Michel Atlan (1913-1960), Pierre Soulages (né en 1919), Georges Mathieu (1921-2012) et Jean-Paul Riopelle (1923-2002).

Autres sous-groupes : «Forces nouvelles» et «Art non figuratif».

Op-Art : une nouvelle abstraction géométrique

Le mouvement «Op-Art» (abréviation de «optical art») est l’un des styles les plus distincts de peinture abstraite géométrique qui a vu le jour au cours de l’ère moderniste, et dont la marque de fabrique était d’attirer l’attention sur des motifs géométriques complexes, souvent monochromatiques, afin de faire voir des couleurs et des formes qui n’existaient pas en réalité. L’artiste et graphiste hongrois Victor Vasarely (1908-1997) et l’artiste anglaise Bridget Riley (née en 1931) comptent parmi les principaux participants à ce mouvement. Le mouvement a disparu au début des années 1970.

Abstraction postmoderne

Depuis le début du postmodernisme (à partir du milieu des années 60) l’art actuel a tendance à se diviser en écoles plus petites et plus locales. En effet, les mouvements d’art contemporain ont été dominés par une philosophie de méfiance à l’égard des grands styles du début du 20e siècle. Une exception est l’école du Minimalisme, un style d’abstraction géométrique basé sur les grands principes du Postmodernisme . Sculpteurs : Donald Judd (1928-1994), Sol LeWitt (1928-2007), Robert Morris (né en 1931), Walter de Maria. (né en 1935), et Carl Andre (né en 1935). Un autre sculpteur minimaliste important est Richard Serra (né en 1939), dont les œuvres abstraites comprennent «Inclined Arc» (1981, «Federal Plaza», New York) et «The Case of Time» (2004, Guggenheim, Bilbao). Parmi les artistes abstraits notables associés au minimalisme, citons Ad Reinhardt (1913-1967), Frank Stella (né en 1936), dont les peintures à grande échelle intègrent des groupes de formes et de couleurs imbriquées ; Sean Scully (né en 1945), artiste irlandais-américain dont les peintures rectangulaires ont été créées à l’aide d’une technique d’assemblage.), un artiste irlando-américain dont les formes rectangulaires de couleur semblent imiter les formes monumentales des structures préhistoriques ; et Joe Baer (né en 1929), Ellsworth Kelly (né en 1923), Robert Mangold (né en 1937), Bryce Marden (né en 1938), Agnes Martin (1912-2004) et Robert Ryman (né en 1930).

S’inspirant en partie du minimalisme strict, le néo-expressionnisme est un mouvement essentiellement figuratif qui a vu le jour au début des années 1980. Il compte néanmoins dans ses rangs d’éminents artistes abstractionnistes tels que l’Anglais Winner Howard Hodgkin (né en 1932), ainsi que les artistes allemands Georg Baselitz (né en 1938), Anselm Kiefer (né en 1945), et d’autres encore. Parmi les autres artistes abstractionnistes de renommée internationale qui se sont fait connaître dans les années 1980 et 1990, on peut citer le sculpteur britannique Anish Kapoor (né en 1954), connu pour ses œuvres à grande échelle en pierre grossièrement taillée, en métal coulé et en acier inoxydable. Hodgkin et Kapoor ont tous deux reçu le prix Turner.

Collections d’art abstrait

L’art non représentatif est présent dans la plupart des grands musées d’art du monde.