Art féministe: caractéristiques, histoire Automatique traduire
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Qu’est-ce que l’art féministe? Définition et caractéristiques
Une forme de art postmoderniste apparu dans le cadre du mouvement de libération des femmes en Amérique et en Grande-Bretagne à la fin des années 1960, l’art féministe visait à donner aux femmes une place juste et légitime dans le monde. De manière générale, il visait à changer les attitudes culturelles et à transformer les stéréotypes. Par exemple, elle visait à défier le spectateur de remettre en question le statu quo dominé par les hommes, dans l’espoir d’encourager une plus grande égalité. Plus spécifiquement, les artistes féministes ont cherché à élargir les possibilités et les rôles qui leur sont offerts au sein du système artistique américain et à réinterpréter le histoire des arts dans une perspective plus favorable aux femmes. De manière générale, les femmes artistes ont délibérément évité les types d’art traditionnels dominés par les hommes, comme La peinture et sculpture, bien que plusieurs d’entre eux (Nancy Spero, Miriam Schapiro et plus tard Kiki Smith et Jenny Saville) aient obtenu des résultats remarquables dans ces domaines. Au lieu de cela, ils ont exploré les formes les plus jeunes de art contemporain, comprenant art conceptuel et vidéo (Doris Totten Chase, Dara Birnbaum, Martha Rosler, Maureen Connor), ainsi que Body painting et d’autres types de art corporel (Carolee Schneemann, Marina Abramovic) et sa discipline soeur art de la performance (Rachel Rosenthal, «artiste de la maintenance», Mierle Laderman Ukeles, Yoko Ono, Ana Mendieta). Les autres disciplines artistiques explorées par les féministes incluent la photographie (Cindy Sherman, Laurie Simmons, Nan Goldin), Photomontage (Anita Steckel), installation d’art (Judy Chicago), ainsi que conception – notamment art graphique (Sheila Levrant de Bretteville, Barbara Kruger), et l’art des mots (Jenny Holzer). Né comme un mouvement de protestation revendiquant l’égalité des sexes dans les arts, l’art féministe a réussi à créer de meilleures opportunités pour les femmes et les artistes appartenant à des minorités. Le mouvement créa de nombreuses salles de spectacles alternatifs et persuada plusieurs grandes institutions artistiques et musées de faire mieux connaître les femmes artistes. Ce faisant, il a ouvert la voie aux générations futures de femmes artistes contemporains autour du monde. En conséquence, depuis les années 1990, les femmes artistes de premier plan ont minimisé l’agenda féministe au profit d’une plus grande attention portée à leur art. Comme le remarquait une fois l’artiste italienne Leonor Fini (1908-96): "Je suis un peintre, pas une femme peintre".
Histoire
La première vague de féminisme a commencé au tournant du siècle avec le mouvement Suffragette . Depuis lors, de nombreuses femmes artistes ont activement abordé des questions liées au genre, sans nécessairement être "féministes". Ces pionniers comprenaient les impressionnistes Mary Cassatt, qui a peint une fresque sur le thème de la femme moderne (1893) pour l’exposition universelle colombienne à Chicago; l’artiste photomontage Hannah Hoch, la Mexicaine Frida Kahlo et la sculpteur Kathe Kollwitz, qui ont toutes soulevé des questions concernant le pouvoir et la représentation en matière de genre; le peintre d’origine allemande Eva Hesse, l’artiste de l’assemblage né en Russie Louise Nevelson et le sculpteur français Louise Bourgeois, qui ont tous produit des images traitant du thème de la domesticité et du corps féminin.
L’art féministe dans les années 1960 et 1970
L’art féministe proprement dit a vu le jour aux États-Unis et en Grande-Bretagne à la fin des années 1960, au cours de la soi-disant "deuxième vague" du féminisme. Les femmes activistes de cette période se délectaient de "l’expérience féminine", se posaient nues en tant que figures de la déesse et utilisaient pleinement l’imagerie vaginale et le sang menstruel. Ils ont exploré les médias comme la broderie et autres artisanat ainsi que la notion que l’art est essentiellement un effort collaboratif plutôt que solo.
Sur le plan pratique, le mouvement avait trois objectifs: (1) aider les femmes artistes à exposer plus facilement leurs œuvres; (2) organiser des cours sur l’art des femmes; et (3) créer un certain nombre d’organismes d’art et de magazines pour femmes. À cette fin, divers groupes de femmes ont été formés, dont Women Artists in Revolution (WAR) et AIR Gallery , afin de répondre aux préoccupations des artistes féministes dans le monde de l’art. Ces groupes ont exercé des pressions sur les principaux musées de New York – y compris le musée d’art moderne et le Whitney Museum of American Art – augmenter la proportion d’expositions d’artistes femmes. Dans le même temps, le mouvement créa plusieurs salles consacrées exclusivement à l’art féminin, telles que le Women’s Interart Center à New York (1970) et le Woman’s Building à Los Angeles, qui comprenait le Feminist Studio Workshop (FSW) fondé par Judy. Chicago, Sheila Levrant de Bretteville et la spécialiste en arts Arlene Raven.
En outre, en 1970, au Fresno State College, Judy Chicago a enseigné le premier cours d’art féminin organisé en Amérique. Ses élèves comprenaient Dori Atlantis, Gail Escola, Suzanne Lacy, Cay Lang, Karen LeCocq, Jan Lester, Chris Rush, Judy Schaefer, Henrietta Sparkman, Faith Wilding, Nancy Youdelman, Cheryl Zurilgen et d’autres. Puis, en 1971, Chicago et Miriam Schapiro ont réussi à mettre en place le Feminist Art Program au California Institute of Arts.
Des périodiques féministes ont également été lancés, notamment le Feminist Art Journal (New York, 1972), le Women’s Art Journal (Knoxville, 1980) et le Women’s Art Magazine (Londres, 1986). Des conférences ont également été organisées pour réfléchir et diffuser le programme féministe, deux événements importants étant la Conférence des artistes féminins de la côte ouest à l’Institut des arts de Californie (janvier 1972) et la Conférence sur les femmes dans les arts visuels à la Corcoran School of Art. Washington DC (avril 1972).
Les événements activistes associés à la performance étaient également une caractéristique habituelle du féminisme américain. En mai 1977, par exemple, les artistes féministes Suzanne Lacy et Leslie Labowitz ont donné une série de représentations sur les marches de l’hôtel de ville de Los Angeles, mettant en lumière la violence sexuelle à l’égard des femmes. La représentation comprenait une carte des viols commis à travers la ville, ainsi que des conseils en matière de légitime défense.
Dans le même temps, un certain nombre de femmes critiques d’art a aidé le mouvement à aborder des problèmes plus vastes, tels que le stéréotype trompeur de "l’artiste masculin" et l’incapacité apparente des femmes à créer une part égale d’art de qualité supérieure. L’objectif était de réécrire les principes de esthétique et évaluation de l’art – jusqu’ici formulée par des artistes masculins – les rendant neutres. Linda Nochlin, qui a écrit un essai influent intitulé " Pourquoi n’y a-t-il pas eu de grandes artistes femmes?", A grandement contribué à cette tâche. (Art News, 1971) et Germaine Greer, auteur de " The Obstacle Race " (1979). En Angleterre, où Margaret Harrison avait déjà créé le London Women’s Liberation Art Group en 1970, une campagne similaire avait été organisée par les chroniqueurs d’art Griselda Pollock et Rozsika Parker, qui avaient créé en 1973 le Women’s Art History Collective afin d’expliquer, qualifier et réparer l’absence des femmes du record historique. Ils ont examiné le langage utilisé par les critiques d’art tout au long de l’histoire, avec ses termes chargés de l’égalité des sexes, tels que "chef-d’œuvre" et "vieux maître". Dans le même temps, ils ont examiné la position accordée au nu féminin dans le canon occidental et ont tenté d’établir pourquoi les hommes et les femmes étaient (et sont) représentés de manière aussi différente.
NOTE: En plus des États-Unis et de la Grande-Bretagne, des mouvements d’art féministes sont apparus au Canada, en Europe (Danemark, Norvège, Russie, Espagne, Suède), en Australie, au Japon et en Amérique latine.
L’art féministe dans les années 1980
Le nouveau conservatisme des années 1980, incarné par Reagan et Thatcher, a mis un terme à l’idéalisme radical des années 70. L’art féministe a continué de progresser, mais pas dans le cadre d’un mouvement plus large. Au lieu de cela, les femmes artistes ont essayé de ré-expliquer des notions telles que la féminité et la féminité, en les interprétant comme un ensemble de comportements adoptés par les femmes pour se conformer aux attentes sociales de la féminité.
Trois choses distinctes des années 1980 méritent d’être enregistrées. Tout d’abord, l’apparition d’un groupe de protestation militant connu sous le nom de " The Guerrilla Girls ", qui a défilé au nom d’artistes féministes à divers endroits tout en se déguisant sous des masques de gorille, avant de mener une série de campagnes d’affichage. Deuxièmement, l’utilisation d’images et de slogans publicitaires pour promouvoir les préceptes sociaux axés sur les femmes, par des artistes féministes telles que Barbara Kruger et Jenny Holzer. Troisièmement, l’énorme succès des femmes artistes dans le Jeunes artistes britanniques mouvement, à la fin des années 1980 et au début des années 90. Trois de ces artistes – Rachel Whiteread, Gillian Wearing et Tomma Abts – sont devenus Lauréats Turner, tandis que plusieurs autres – l’artiste monteuse Sara Lucas, le photographe Sam Taylor Wood, les peintres Fiona Rae et Jenny Saville, et les installationnistes Tracey Emin, Anya Gallaccio et Georgina Starr – se sont fait connaître dans diverses disciplines.
L’art féministe dans les années 1990
Parmi les artistes féministes de la fin des années 1980 et des années 1990, plus enclins à la théorie, figuraient: l’artiste conceptuelle Mary Kelly, désormais professeure d’art à l’Université de Californie à Los Angeles, dont le travail emprunte à la fois au marxisme et à la psychanalyse; la photographe allemande contemporaine Katharina Sieverding, qui utilise le maquillage et peinture de visage explorer les frontières de genre; l’artiste multimédia allemande Iza Genzken, réputée pour ses assemblages d’objets ménagers; la postmoderniste américaine Lynda Benglis, plus connue pour ses peintures à la cire et ses sculptures en latex coulées; et la conceptuelle anglaise Helen Chadwick (1953-96), réputée pour ses performances et ses installations féministes, mais peut-être mieux connue pour avoir photocopié son corps à côté d’animaux morts.
L’art féministe au 21e siècle
La croissance de l’individualisme dans l’art continue de brouiller le message féministe au XXIe siècle. Malgré cela, des progrès ont été accomplis vers une plus grande égalité des femmes en Amérique du Nord et au niveau mondial. Cela a été facilité par plusieurs expositions importantes d’œuvres d’artistes féminines, notamment " WACK! Art and the Feminist Revolution " en 2007, qui a présenté plus de 120 artistes d’Amérique et d’ailleurs. Peu de temps auparavant, en 2006, The Feminist Art Project - un site Web et une source d’informations pour les artistes et les universitaires – a été créé à l’Université Rutgers, dans le New Jersey. En 2009, le programme artistique féministe original a été commémoré dans une rétrospective intitulée " Un studio à part: l’héritage de l’expérience féministe de Fresno ", qui s’est tenue à la Phebe Conley Art Gallery sur le campus de Fresno en Californie. En juin 2011, le documentaire intitulé " ! Women Art Revolution ", réalisé par Lynn Hershman Leeson, est sorti aux États-Unis. Basé sur des conversations enregistrées et des séquences de films d’archives impliquant des artistes féminines, des historiennes, des conservateurs et des critiques, le film explore tous les développements majeurs de l’art féministe dans les années 1970 et présente de nombreux artistes pionniers – Marina Abramovic, Judy Chicago, Miranda July, Barbara Kruger. Yoko Ono, Yvonne Rainer, B. Ruby Rich, Miriam Schapiro, Carolee Schneemann, Cindy Sherman, Ingrid Sischy, Marcia Tucker et The Guerilla Girls – qui ont rendu le mouvement possible.
Œuvres célèbres de l’art féministe
Parmi les œuvres bien connues d’artistes féministes, citons:
Rhythm 0 (1974) de Marina Abramovic (b.1946)
Art de la performance
L’une des performances les plus connues de l’artiste serbe basée à New York, cet événement de six heures implique qu’elle soit allongée dans une position couchée, entourée de 72 objets que les spectateurs (un signe expliqué) pourraient utiliser de n’importe quelle manière ils ont choisi. Certains objets pourraient faire plaisir; d’autres, la douleur. Ils comprenaient une rose, du miel, de l’huile d’olive, une plume, un fouet, des ciseaux, un scalpel, un fusil et une balle. Sans doute l’expression ultime de la passivité féminine – un anathème pour les féministes -, la performance testait la réaction du public aux opportunités présentées et affirmait l’identité de l’artiste à travers les actions des autres. À la fin, le corps d’Abramovic a été dévêtu, attaqué, poignardé et menacé de fusillade.
Semiotics of the Kitchen (1975) de Martha Rosler (née en 1943)
Vidéo noir et blanc avec son
[Note: "sémiotique" signifie l’étude des symboles et leur utilisation.]
Considéré comme la pièce emblématique de la féministe art vidéo, cette parodie féministe de 6 minutes d’une émission de cuisine télévisée cherche à changer les idées préconçues sur le rôle de la femme à la maison et sur la manière dont il est représenté dans les médias. Rosler, l’animateur de l’émission, examine une gamme d’ustensiles de cuisine, démontrant des utilisations improductives, parfois violentes, pour chacun. La vidéo montre comment le langage de la domestication aide à transformer les femmes en partenaires et en personnes inégaux, et illustre son intérêt pour l’expérience vécue par les femmes dans la vie quotidienne.
L’un des exemples les plus connus de l’art féministe, cette installation est une exposition permanente au Center for Feminist Art du Brooklyn Museum. Il comprend une grande table avec des couverts pour 39 femmes célèbres de l’histoire et de légende. Chaque monture comprend un calice en céramique dorée, des couverts et une assiette en porcelaine décorée de motifs inspirés du papillon et de la vulve. En outre, les noms de 999 autres femmes éminentes sont peints sur les carreaux sous la table. Bien que son message féministe historique soit important, dans sa présentation de textiles, ferronnerie, broderie, travaux d’aiguille et art céramique, le travail célèbre également la valeur de l’artisanat et art décoratif, par opposition aux hommes beaux arts. The Dinner Party, qui regroupe les contributions de plus de 100 artistes et artisans, illustre la tendance des féministes à rejeter l’idée d’un artiste en tant que génie créateur individuel, préférant considérer l’art comme une expérience collaborative.
Cet autoportrait photographique surréaliste d’elle-même, une femme au foyer en train de regarder par-dessus son épaule, debout devant le poêle, fait partie d’une série de autoportraits intitulé "Untitled Film Stills" (1977-1980). Ce n’est pas «réel», pourtant il nous montre ce qui existe et ce qui nous contrôle: sexualité, beauté et pouvoir. Le Museum of Modern Art de New York a acheté les 69 photographies en noir et blanc de la série pour un million de dollars.
Photo en gros plan de travestis assis à l’arrière d’une voiture, ce travail illustre son intérêt pour la vie et les amours des communautés marginales de la ville de New York. Le travail de Goldin explore les stéréotypes entourant les comportements sociaux et sexuels: ses prises de vue font partie de la tendance générale à capter la déviance par rapport aux normes culturelles, qui a débuté dans les années 1980.
Ce slogan de consommation photolithographique illustre l’art graphique de Kruger qui remet en question les stéréotypes sociaux, en particulier ceux impliquant les femmes. Un autre exemple est le double slogan "77% des leaders anti-avortement sont des hommes; 100% d’entre eux ne tomberont jamais enceintes".
Créée en 1998, cette installation a été sélectionnée pour la Prix Turner pour l’art contemporain, qu’il n’a pas réussi à gagner. Composé du lit de Tracey Emin, laissé tel quel depuis son lever le matin, sa notoriété découle de la nature graphique des objets qui l’accompagnent. Ceux-ci incluent des draps souillés de sécrétions corporelles, ainsi que des préservatifs, des sous-vêtements avec des taches de sang menstruel et d’autres objets de la vie quotidienne. L’esthétique postmoderne de l’œuvre découle de sa narration personnelle et de l’utilisation de matériaux non traditionnels.
Expositions d’art féministe
Expositions importantes de femmes artistes postmodernistes Au XXIe siècle, on citera notamment: "WACK! Art et la révolution féministe", organisé par Connie Butler (2007, Musée d’art moderne de San Francisco); "Féminismes mondiaux", organisé par Linda Nochlin et Maura Reilly (2007, Brooklyn Museum, New York); "Rebelle" organisé par Mirjam Westen (2009, musée d’art moderne d’Arnhem); "Kiss Kiss Bang Bang! 45 ans d’art et de féminisme" organisé par Xavier Arakistan (2007, Musée des Beaux-Arts de Bilbao); "Elles" (2009-2011, Centre Pompidou, Paris) qui s’est également rendu au Seattle Art Museum; et "Doin ’It in Public, le féminisme et l’art au bâtiment de la femme" (2012, Galerie Ben Maltz, Collège d’art et de design Otis, Los Angeles).
Autres artistes féminins importants
Pour les biographies d’autres femmes artistes importantes au XXe siècle, non citées ci-dessus, veuillez consulter les documents suivants:
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