Dessin: Types, Histoire de l’Art Graphique Automatique traduire

Dans les arts visuels, le terme « dessin» peut être défini comme la réalisation linéaire d’objets visuels, de concepts, d’émotions et de fantasmes, y compris de symboles et même de formes abstraites. Le dessin &ndash ; est un art graphique, dans lequel l’accent est mis sur la forme plutôt que sur la couleur, comme dans la peinture . Le dessin est très différent des processus de création d’impressions graphiques car, bien qu’un dessin puisse servir de base à la copie, il est par sa nature même unique .

La plupart des autres formes d’art dépendent du dessin. Ainsi, bien que toute peinture, mosaïque, tapisserie ou autre œuvre d’art n’ait pas été précédée d’un dessin sous forme d’esquisse, le dessin est à la base de tous les arts visuels .

Par exemple, un dessin d’architecte est à la base de tous les projets de construction ; un marquage effectué sur un bloc de pierre brut est à la base d’une sculpture naissante ; au départ, la plupart des peintures naissent d’esquisses préliminaires - ce n’est qu’au fur et à mesure de l’avancement de l’œuvre qu’elles sont solidifiées en couleur. En outre, de plus en plus de recherches montrent que les dessins constituent la base matérielle des fresques, des panneaux, des illustrations de livres, des statues, des eaux-fortes, des gravures, des mosaïques, des vitraux et de nombreuses autres formes d’art décoratif. Ces esquisses préparatoires peuvent se limiter à de grandes lignes directrices ou régir l’ensemble de l’œuvre dans ses moindres détails.

Le dessin est aussi un art à part entière
De plus, en tant qu’art distinct , le dessin offre les plus larges possibilités d’expression créative. Le corps, l’espace, la profondeur, la tridimensionnalité et même le mouvement peuvent être représentés par le dessin. En outre, le dessin exprime spontanément la personnalité du dessinateur dans le flux des lignes, ce qui en fait l’une des déclarations artistiques les plus personnelles.

Outils de dessin
Les dessins peuvent être réalisés à l’aide d’une large gamme d’outils de dessin, y compris la plume et l’encre, le fusain, les crayons de couleur, les pastels, les points métalliques et argentés, le graphite, les crayons de couleur, et un graveur, du borax ou une aiguille à graver pour les types de dessins incisés. Les crayons de cire ou de conte, les marqueurs, les bâtons de graphite et les différentes sortes de stylos à encre constituent d’autres solutions. Le support le plus courant (le matériau sur lequel l’image est dessinée) est évidemment le papier, mais il existe d’autres options telles que les boiseries, le carton, le papyrus, la toile, le cuir, le parchemin (peau de veau), les textiles et même le plastique ou le métal. Les dessins mixtes sont des dessins réalisés à partir d’une combinaison de ces matériaux.

Dessin et peinture
La frontière entre le dessin et la peinture a toujours été assez floue. Par exemple, l’art chinois réalisé au pinceau sur de la soie ou du papier est aussi proche du dessin que de la peinture (par exemple Calligraphie). Dans certains manuscrits enluminés du Moyen Âge, comme le Psautier d’Utrecht, on trouve des dessins à la plume et à l’encre d’une telle liberté de trait qu’ils ressemblent à des caricatures modernes et remplissent en fait la même fonction que la peinture. Toutefois, le dessin en tant que forme artistique autonome n’apparaît qu’avec l’art de la Renaissance Quatrocento (XVe siècle). Avant cette époque, le dessin ) disegno) était considéré comme inférieur à la peinture ) colourito). Voir aussi : Appréciation de l’art : Comment apprécier l’art .

Les experts en dessin
Le mot dessinateur (ou dessinateur) est un terme courant pour désigner un artiste qui dessine. Les œuvres des maîtres anciens, tels que Léonard de Vinci, Michel-Ange, Albrecht Dürer, Pierre Paul Rubens, Rembrandt, Jacques Louis David, et d’autres artistes célèbres, sont des exemples de la plus grande habileté en matière de dessin, en particulier de dessin figuratif : Honoré Dumier, Edgar Degas, Egon Schiele, Max Beckmann, David Hockney, Lucien Freud, etc.

Catégories de dessins
D’une manière générale, le dessin comprend 3 catégories principales : Le dessin occasionnel, (gribouillis, esquisses) : il s’agit de compositions inachevées et le plus souvent non raffinées. Ces dessins n’ont pas de fonction permanente. Dessin préparatoire : désigne la création d’une image particulière ou d’une série d’images constituant tout ou partie d’une composition que l’artiste a l’intention de compléter par l’ajout d’une couleur pigmentaire (peinture, encre de couleur, etc.). Dessin achevé : désigne une œuvre indépendante achevée telle qu’une illustration, une caricature, un dessin humoristique, une caricature ou un dessin graphique.

Sujet
Les dessinateurs incluent tous les types d’images dans leurs compositions, y compris les représentations de personnes et d’animaux dans tous les genres tels que les images historiques narratives, les portraits, les caricatures et les scènes de genre, ainsi que les paysages ou les compositions de natures mortes. Certains dessinateurs se spécialisent dans la reproduction fidèle de bâtiments existants ou en projet (dessin architectural), de navires (dessin nautique), de fleurs (illustration botanique), de chevaux (dessin équestre) ou d’animaux, ainsi que dans des compositions abstraites allant du cubisme à des compositions typographiques ou calligraphiques.

Méthodes de dessin

Une grande variété d’outils et d’instruments peuvent être utilisés pour dessiner : crayons de plomb, stylets métalliques, fusains et crayons de couleur, mais aussi stylos, crayons et pinceaux traditionnels, stylos-plumes, stylos-billes et stylos-feutres ; même les ciseaux et les diamants sont utilisés pour dessiner. Voir aussi L’automatisme dans l’art sur son dessin automatique.

Fusain

Les morceaux de bois partiellement usés sont utilisés depuis l’époque de l’art préhistorique, lorsque les artistes du Paléolithique ont créé l’étonnant art rupestre que l’on trouve à Chauvet, Lascaux et Altamira. La tradition a été perpétuée par les maîtres anciens, dont les dessins préparatoires au fusain pour les fresques, les panneaux et même la peinture miniature peuvent encore parfois être vus sous pigment. Le dessin au fusain donne généralement un trait poreux et peu collant. Un crayon de fusain bien taillé peut tracer des lignes exceptionnellement fines ; en utilisant un bourrelet sur la surface, il crée des plans de tonalité uniforme. En frottant et en agrandissant la ligne de fusain, on obtient des tons intermédiaires subtils et des transitions douces. Le fusain, en raison de sa faible adhérence, est idéal pour les esquisses correctives, mais il doit être protégé par un fixateur pour préserver le motif.

En tant que support pour des croquis rapides d’après nature, le fusain était largement utilisé dans les académies d’art et les ateliers. Les poses complexes que Tintoret exigeait de ses modèles pouvaient être saisies rapidement et facilement à l’aide d’un crayon de fusain adaptable. (Pour en savoir plus sur les dessins du Tintoret, voir : Dessin vénitien 1500-1600) Le fusain était également largement utilisé pour les esquisses préparatoires des portraits. Dans son dessin au fusain Portrait d’une dame, l’artiste français Édouard Manet (1832-1883) a réussi à capturer la texture du bois de la chaise, la garniture de fourrure de la robe, la compacité de la coiffure et la douceur du corps. Le peintre hollandais du XVIIe siècle Paulus Potter (1625-1654) est un autre représentant exceptionnel, tout comme les grands dessinateurs des XIXe et XXe siècles, tels que Toulouse-Lautrec (1864-1901), Edgar Degas (1834-1917), Cate Kollwitz (1867-1945) et Ernst Barlach (1870-1938).

Avec le fusain huilé, c’est-à-dire des crayons de fusain imbibés d’huile de lin, les artistes obtenaient une meilleure adhérence et un noir plus profond. Utilisée au XVIe siècle par le Tintoret, cette technique était particulièrement appréciée des peintres réalistes hollandais du XVIIe siècle pour accentuer les noirs profonds. Cependant, en échange d’une meilleure adhérence des creux sur le papier, la correction devient plus difficile. En outre, les crayons de fusain qui ont été profondément imbibés d’huile laissent des traces brunâtres le long des lignes.

Crayons de couleur

La craie &ndash ; un médium de dessin tout aussi important. Si le fusain &ndash ; est avant tout un moyen de corriger rapidement les esquisses, le dessin à la craie permet de réaliser bien d’autres choses. Dès le début du XVIe siècle , la craie de pierre, que l’on trouve dans la nature, est devenue de plus en plus populaire dans le domaine du dessin artistique. En tant que matériau naturel, la craie d’alumine présente différents degrés de dureté, de sorte que le trait peut être légèrement granuleux ou uniformément dense et lisse. La recherche d’une qualité uniforme a conduit à la production de craies spéciales pour le dessin - des craies qui, après avoir été broyées, lavées et moulées en bâtons pratiques, donnent un trait plus doux et plus régulier et sont dépourvues de particules sableuses. L’ajout de pigments permet de créer une variété de nuances allant du noir profond au gris brunâtre. Par rapport à la craie noire couramment utilisée, la craie brune n’est pas très répandue. La craie blanche, que l’on trouve également dans la nature, n’est presque jamais utilisée seule pour dessiner, bien qu’elle soit souvent utilisée en combinaison avec d’autres médiums pour obtenir des accents individuels de lumière réfléchie.

À partir du XVe siècle, la craie est de plus en plus utilisée pour le dessin et l’esquisse. Son aptitude à tracer des lignes précises d’une largeur donnée et à créer des ombres subtiles la rend particulièrement adaptée au modelage des esquisses. En raison de ces propriétés, la craie est un support particulièrement adapté aux dessins isolés, et il n’est guère de dessinateur qui n’ait travaillé avec la craie, souvent en combinaison avec d’autres supports. Outre les portraits, les paysages ont été un sujet majeur des dessins à la craie, en particulier chez les Néerlandais. Depuis l’invention de la craie artificielle, fabriquée à partir d’une fine suie noire et terne appelée noir de fumée une invention attribuée à Léonard de Vinci (1452-1519) - les qualités picturales de la craie ont été pleinement explorées. La gamme des craies s’étend des craies sèches carbonées aux craies grasses utilisées par les lithographes.

La sanguine, un crayon de dessin fabriqué à partir de craie et d’oxyde de fer, était un support de dessin populaire au XVe siècle en raison de ses riches possibilités de coloration. Michel-Ange, Raphaël et Andrea del Sarto (1486-1531) l’appréciaient, et Léonard de Vinci l’a utilisée dans ses esquisses pour La Cène : voir aussi «Profil avec coiffe orientale» Michel-Ange (1522, Ashmolean Museum, Oxford). Les portraitistes Jean Clouet et Hans Holbein, les membres de l’école flamande de Pierre Paul Rubens et surtout les artistes français du XVIIIe siècle comme Watteau, Nicolas Lancret, Jean-Étienne Lyotard, Jacques-André Ponay et François Boucher ont également utilisé la sanguine. Le portraitiste écossais du XVIIIe siècle Allan Ramsay utilisait volontiers des dessins préparatoires à la craie pour ses portraits. La sanguine permettait une différenciation encore plus grande des couleurs lorsqu’elle était utilisée en combinaison avec des crayons noirs et blancs sur du papier de couleur.

Les dessins à la craie sont également associés à des dessinateurs contemporains tels qu’Edgar Degas, Odilon Redon, Gustave Moreau, Jean-Edouard Vuillard et Pierre Bonnard, ainsi qu’à des peintres expressionnistes comme Edvard Munch et Ernst Ludwig Kirchner.

Pastels

Il est possible de rehausser encore plus les couleurs avec les crayons pastel, composés de pigments en poudre mélangés à une quantité minimale de liant non gras. Lorsqu’elles sont appliquées sur le papier, les couleurs sont toujours fraîches et lumineuses, mais il faut les protéger contre les éclaboussures en les conservant sous verre. Les couleurs pastel peuvent être appliquées par la technique du trait, directement avec les crayons ou les doigts sur une section de papier. Le pastel est né en Italie du Nord au XVIe siècle et a été utilisé par Jacopo Bassano (1515-1592) et Federico Barocci (1526-1612). Le dessin au pastel est connu de l’Accademia degli Incamminati au plus tard au XVIIe siècle, bien qu’il n’atteigne son apogée en tant qu’art qu’au XVIIIe siècle, surtout en France (avec Jean Marc Nattier, Maurice Canten de Latour, Jean-Baptiste Perronneau et Jean Chardin) et à Venise (avec Rosalba Carriera). Les crayons de pastel sont particulièrement prisés par les portraitistes.

Les points métalliques

La technique de la pointe métallique est utilisée pour l’écriture et le tracé depuis l’antiquité, il a donc fallu un peu d’imagination pour l’utiliser également en dessin. Les artistes utilisent un outil fin (tige ou stylet) en métal pur et tendre comme le plomb, l’argent, l’étain, le cuivre et divers alliages de plomb et d’étain. Le matériau le plus couramment utilisé était le plomb tendre qui, lorsqu’il est utilisé sur une surface lisse, donne un trait gris pâle ; il n’est pas très riche en couleurs et s’efface facilement ; il est donc idéal pour les esquisses préparatoires.

La préparation du papier était essentielle à la visibilité du trait. A l’époque de la Renaissance, une feuille blanche était généralement recouverte de couches d’un mélange liquide de craie finement broyée, de gesso d’os ou de blanc de plomb, coloré avec des pigments et lié avec de la colle de peau et de la gélatine. Toutes les pointes métalliques, à l’exception de la pointe de plomb, nécessitent une surface de travail rugueuse. L’une des meilleures sources anciennes sur l’art de la pointe de métal est un livre d’esquisses du peintre vénitien du quinzième siècle Jacopo Bellini (1400-1470), qui contient un certain nombre de dessins réalisés avec des pointes de plomb sur du papier teinté. Le peintre florentin Botticelli esquisse à la pointe de plomb les contours de ses célèbres illustrations de «La Divine Comédie de Dante», puis les répète à la plume.

C’est avec une pointe d’argent que l’on obtient le mieux un dessin permanent, car une fois appliquée, elle ne peut être effacée. Les dessins au crayon d’argent exigent donc une idée plus claire de la forme et une main ferme, car toutes les corrections restent visibles. La tridimensionnalité et la représentation de la lumière doivent être représentées soit par des ombres ou des espaces denses, soit complétées par d’autres moyens. Malgré ces difficultés, la pointe d’argent a connu une grande popularité aux 15e et 16e siècles. Albrecht Dürer a utilisé la pointe d’argent pour esquisser des paysages, des portraits et divers sujets qui ont retenu son attention lors d’un voyage en Hollande. La pointe d’argent était également populaire chez les portraitistes du 15e au 17e siècle. Elle a ensuite été remise au goût du jour à l’époque du romantisme, et est encore parfois utilisée par des artistes contemporains. Les points métalliques ont continué à être utilisés au XVIIIe siècle, en particulier dans les dessins d’architecture.

Pointe de graphite

À la fin du XVIe siècle, un nouveau support de dessin est apparu, qui a rapidement remplacé la plume métallique pour l’esquisse et le dessin préliminaire. Ce support, appelé pointe de graphite ou «ardoise espagnole» d’après son lieu d’origine - s’est largement répandu, bien qu’en raison de sa consistance molle, il ait été utilisé principalement pour des esquisses préparatoires plutôt que pour des dessins à part entière. La pointe de graphite a donné naissance au crayon de graphite suite à la découverte par Nicolas-Jacques en 1790 d’un procédé de fabrication similaire à celui utilisé pour la production de craie artificielle. Le graphite purifié et lavé pouvait désormais être produit à presque tous les degrés de dureté. Les pointes dures des crayons, avec leurs traits forts, clairs et fins, étaient particulièrement adaptées aux besoins des artistes néoclassiques. Le peintre académique Jean Dominique Engr, qui utilisait systématiquement des dessins au crayon comme base pour ses peintures à l’huile, fut l’un des plus grands adeptes du dessin au crayon.

Au fil du temps, diverses techniques de dessin au crayon sont apparues. Les artistes de la fin du XIXe siècle, comme Eugène Delacroix (1798-1863), privilégient les crayons plus doux pour renforcer la profondeur et l’effet tridimensionnel de certaines parties d’un dessin. Georges Seurat (1859-1891) utilise le graphite dans ses dessins (par exemple «Lors d’un concert européen», Museum of Modern Art, New York), dans lesquels il traduit sa technique pointilliste en dessin monochrome. Une autre technique innovante est le frottage au crayon (frottage sur du papier qui est ensuite appliqué sur une surface rugueuse), explorée pour la première fois par l’artiste surréaliste Max Ernst (1891-1976).

Dessiner à la plume

Parmi les nombreuses façons de transférer des colorants liquides sur une surface plane, deux sont particulièrement importantes pour le dessin artistique : le pinceau et la plume. Si le pinceau est une méthode plus ancienne, remontant à l’art paléolithique, la plume est un outil privilégié pour l’écriture et le dessin depuis l’Antiquité classique.

La fonctionnalité du stylo est restée pratiquement inchangée depuis plusieurs millénaires. L’effet capillaire de la plume bifurquée dépose le liquide sur la surface du support (à l’origine parchemin ou papyrus, et à partir de la fin du Moyen Âge presque exclusivement papier) en quantité variable selon la saturation de la plume et la pression exercée par la main qui dessine. Le type de plume le plus ancien est la plume de roseau . Taillé dans le papyrus, le bambou ou le carex, il utilise son intérieur creux comme réservoir de fluide. Son trait est généralement puissant, dur et parfois fourchu en raison de la forte pression exercée sur la pointe bifurquée. Rembrandt était un maître exceptionnel des accents forts et plastiques de la plume de roseau, qu’il complétait généralement par d’autres plumes ou pinceaux. Au cours du XIXe siècle, à partir du peintre néerlandais Vincent van Gogh, plusieurs artistes ont réalisé des dessins à la plume de roseau dans le style expressionniste, dont l’expressionniste allemand Georg Grosz (1893-1959), qui était à la fois dadaïste et satirique. Voir aussi : Art illustratif .

La plume offre un large éventail de possibilités artistiques. Depuis la fin du Moyen Âge, la plume est l’outil le plus courant pour appliquer des colorants liquides sur la surface d’un dessin. La pointe élastique de la plume, pressée avec une force variable, permet une gamme relativement large de traits individuels - des lignes douces et fines, telles que celles utilisées dans les esquisses préparatoires pour les illustrations des livres enluminés, aux lignes vigoureuses et larges. Au XXe siècle, les stylos ont été remplacés par des stylos en métal, qui sont aujourd’hui en acier inoxydable et plus ou moins résistants.

Encre L’encre est la forme la plus courante de colorant liquide utilisé en dessin. L’encre de chaux était populaire dans les scriptoria monastiques à l’époque médiévale des manuscrits enluminés . Une autre encre qui s’est répandue est le bistre, un pigment transparent facilement soluble, de couleur brun clair à brun foncé, dérivé de la suie utilisée pour enduire les tuyaux de chauffage au bois. La nuance de sa couleur dépend de la concentration et du type de bois dont il est issu. Les bois durs (comme le chêne) donnent une teinte plus foncée que les conifères comme le pin. A l’époque baroque, où l’art était orienté vers la peinture, la tonalité chaude, qui pouvait être affinée à volonté, a fait du bistre un support apprécié pour le dessin à la plume.

Aussi L’encre de Chine, est obtenue à partir de la suie de bois exceptionnellement durs, comme l’olivier ou la vigne, ou de la noirceur grasse d’une flamme d’huile, à laquelle on ajoute de la gomme arabique en guise de liant. Ce liquide noir et épais conserve longtemps sa couleur foncée et peut être dilué avec de l’eau pour obtenir une couleur gris clair. Pressée en bâtons ou en barres, elle était vendue sous le nom «d’encre de Chine» ou «d’encre de Chine». Cette encre de dessin était particulièrement appréciée des dessinateurs allemands et hollandais en raison de la richesse de sa couleur, qui la rendait particulièrement adaptée à l’utilisation sur papier teinté. A partir du 19ème siècle, l’encre de Chine est devenue le type d’encre le plus populaire pour le dessin à la plume, supplantant toutes les autres alternatives dans le domaine du croquis technique.

Parmi les autres liquides de dessin, on peut citer la sépia à base de pigments de seiche, l’écume (mine rouge) - utilisée notamment pour décorer les lettres initiales ainsi que pour l’illustration à la plume.

Les dessins à la plume comptent, avec les textes manuscrits, parmi les documents artistiques les plus anciens. Les textes classiques étaient illustrés avec des contours forts et peu de détails ; les dessins marginaux médiévaux et les illustrations de livres étaient généralement esquissés, voire finis, à la plume.

Dans la peinture de livres, des styles sont apparus dans lesquels le travail au pinceau était également utilisé à la manière du dessin à la plume : l’école de Reims de l’art carolingien, par exemple, marquée par la création du Psautier d’Utrecht du IXe siècle, et en Allemagne du Sud, où un genre illustratif distinct utilisant des dessins au trait était étroitement associé à la Biblia Pauperum, des bibles bon marché avec des livres d’images utilisées pour instruire un grand nombre de personnes dans la foi chrétienne. Les premiers dessins autonomes du début de la Renaissance se caractérisent également par une esquisse fine des contours

Le dessin à la plume atteint son apogée au 16e siècle. Léonard se distingue par le trait particulièrement précis de ses dessins scientifiques ; Raphaël réalise des esquisses plus régulières et gracieuses, tandis que Michel-Ange dessine avec des traits courts rappelant le travail du ciseau ; Titien utilise des ombres complexes pour indiquer le clair et l’obscur, et parmi les artistes de la Renaissance du Nord, Dürer maîtrise toutes les possibilités du dessin à la plume, depuis une approche purement graphique et esquissée jusqu’à des techniques de modelage spatial et plastique.

Au XVIIe siècle, le dessin à la plume devient moins populaire que d’autres techniques combinées comme le lavis (coups de pinceau ou éclaboussures de couleur). Un style de dessin ouvert, qui ne laisse entrevoir que les contours, combiné à des traits fins et forts contrastés, confère à la ligne elle-même des qualités expressives. Dans ses dessins en particulier, Rembrandt a atteint une maîtrise complète du dessin à l’encre et au lavis, démontrant des effets tridimensionnels subtils grâce à l’utilisation de différentes couches de traits provenant de la combinaison de différentes plumes et brosses.

La méthode de dessin à la ligne fine du début de la Renaissance a regagné en popularité au cours de l’art néoclassique et du romantisme de la fin du 18e siècle et du début du 19e siècle. Tant les Nazaréens que les Romantiques, par exemple, ont obtenu des effets plastiques tridimensionnels exceptionnels par des moyens purement graphiques.

Une autre phase, plus picturale, a suivi, culminant dans l’œuvre d’artistes de la fin du XIXe siècle comme Aubrey Beardsley (1872-1898), qui a appliqué un contraste direct de plans en noir et blanc, tandis qu’au XXe siècle, les maîtres français Henri Matisse (1869-1954) et Picasso ont réduit le sujet à une simple ligne sans profondeur ni autre illusion spatiale. De nombreux illustrateurs et dessinateurs de bandes dessinées ont privilégié le trait vif de la plume. Parmi les autres innovateurs du dessin à la plume au 20e siècle, citons l’artiste orientaliste américain Mark Tobey (1890-1976), connu pour son style calligraphique «de lettres blanches» ; l’artiste allemand Wols (Alfred Otto Wolfgang Schulze) (1913-1951), connu pour ses délicats sismogrammes graphiques ; et Agnes Martin (1912-2004), connue pour ses délicates grilles minimalistes dessinées à la main.

Dessiner avec un pinceau

Le pinceau est idéal pour appliquer des pigments sur des surfaces planes, mais depuis la préhistoire, il est également utilisé pour dessiner. Outre les encres à dessin susmentionnées utilisées avec le pinceau et la plume, les dessins au pinceau ont également été réalisés à l’aide de combinaisons de liquides. L’une des techniques artistiques les plus utilisées depuis l’art grec classique jusqu’au baroque est la Sinopia, une esquisse préliminaire courante pour la peinture monumentale. Exécutée au pinceau, elle présente toutes les caractéristiques d’un dessin préparatoire.

En général, cependant, peu de dessins ont été exécutés exclusivement au pinceau, bien qu’il ait joué un rôle important dans les paysages, où, grâce à des tons d’intensité variable, il a donné toute la gamme de la profondeur spatiale et de la force de l’illumination. Les Vénitiens Vittore Carpaccio (vers 1465-1525/6) et Palma il Giovane (1544-1628), ainsi que Parmigianino (1503-1540), le grand pionnier du maniérisme, sont des adeptes reconnus de cette technique. Certains peintres de genre néerlandais, comme Adrian Brouwer (1605-1638), Adrian van Ostade (1610-1684) et Jan Sten (1625-1679), ont utilisé le pinceau pour réaliser un certain nombre de dessins de type aquarelle. Au XVIIIe siècle, les dessins au pinceau de Fragonard (1732-1806) et de l’Espagnol Francisco Goya (1746-1728) ont permis à cet art d’atteindre de nouveaux sommets. En Angleterre, des artistes comme Alexander Cozens (1717-1786), John Constable (1776-1837) et William Turner (1775-1851) ont utilisé le pinceau pour créer des paysages.

La combinaison de la plume et du pinceau

Une combinaison populaire est celle de la plume et du pinceau, où la plume trace les contours du sujet et le pinceau donne les valeurs spatiales et de couleur. L’application combinée la plus simple de cette méthode était l’enluminure de manuscrits, où les figures étaient dessinées à la plume et dûment remplies de couleurs à l’aide du pinceau. D’autres exemples de la combinaison du pinceau et de la plume sont l’application de pigments blancs sur des dessins réalisés sur du papier teinté, l’amélioration de l’éclairage (images de la façon dont la lumière tombe sur les objets) et, bien sûr, le flushing . La méthode du dessin combiné à la plume et au pinceau était particulièrement appréciée des dessinateurs allemands et néerlandais, notamment de Dürer et de l’école du Danube d’Allemagne du Sud.

Aides au dessin

Les aides mécaniques sont généralement beaucoup moins importantes pour le dessin artistique que pour les autres arts. La règle, le triangle et le compas sont notamment utilisés dans les œuvres constructivistes et perspectivistes du début et de la Haute Renaissance. Le cadre en treillis était utilisé pour aider à créer une perspective correcte, et les miroirs avec des surfaces convexes réductrices ou des lentilles concaves étaient également utilisés (surtout aux XVIIe et XVIIIe siècles) comme aides au dessin, tout comme la camera obscura . (Voir Glossaire de la photographie d’art)) Le zoom avant ou arrière peut être effectué à l’aide d’un outil de traçage appelé pantographe . Des tâches plus spécialisées peuvent être accomplies avec des compas elliptiques, des règles courbes et des pochoirs .

Types de dessins

Dans le monde occidental, la figure humaine constitue de loin le plus grand nombre de dessins artistiques.

Les portraits
Les dessins de portraits comprennent généralement un profil pur et un profil de trois quarts. Les portraits du quinzième siècle de Pisanello ou de Jan van Eyck, ainsi que le dessin de l’empereur Maximilien par Dürer, en sont des exemples. Les œuvres de Jean et François Clouet en France et de Hans Holbein le Jeune en Suisse, et plus tard en Angleterre, ont donné au dessin de portrait une indépendance distinctive, surtout lorsqu’il est exécuté à la craie de différentes couleurs. Au XVIIIe siècle, Quentin de LaTour, François Boucher et Jean-Baptiste Chardin ont été d’éminents représentants du portrait à la craie. Les portraitistes de la fin du 19e et du 20e siècle, plus attirés par les aspects psychologiques du portrait, préféraient des craies plus douces qui reflétaient plus facilement leurs impulsions artistiques. Léon Bakst, le célèbre décorateur et costumier de Diaghilev et des Ballets russes, était lui aussi un excellent dessinateur.

Paysages
Au XVe siècle, le paysage était également devenu un sujet acceptable pour un dessin séparé, comme en témoignent les carnets de croquis de Jacopo Bellini datant du XVe siècle. Il faut cependant attendre l’apparition de Dürer à la fin du siècle pour que le paysage soit pleinement honoré en tant que sujet à part entière, sans référence à d’autres œuvres. Ses dessins de deux voyages en Italie, de la région de Nuremberg et d’un voyage aux Pays-Bas représentent les premiers dessins purement paysagers. Des siècles ont dû s’écouler avant que de tels «dessins purement paysagers» ne réapparaissent.

Des éléments de paysage apparaissent également dans les dessins et illustrations allemands et hollandais du XVIe siècle, en particulier dans les œuvres des représentants de l’ École du Danube, tels que Albrecht Altdorfer et Wolf Huber. Le peintre néerlandais de la Renaissance Pieter Bruegel l’Ancien a également peint des vues topographiques ainsi que des compositions paysagères libres, dans les deux cas en tant qu’œuvres indépendantes.

Au XVIIe siècle, les dessins de paysages de l’Accademia degli Incamminati (par exemple les dessins de Domenichino) mêlent des thèmes classiques et mythologiques à des paysages héroïques. En outre, les classicistes français Claude Lorrain et Nicolas Poussin, qui ont vécu à Rome, ont également produit des dessins de paysages arcadiens idéalisés. Dans l’Italie du XVIIIe siècle, le dessin de paysage topographiquement précis a atteint son apogée avec l’émergence des Veduttisti, «peintres visionnaires», tels que les Vénitiens Canaletto (1697-1768) et Bernardo Bellotto (1720-1780), et le Romain Giambattista Piranesi (1720-1778). Les dessins de paysages ont connu un second essor en Angleterre au début du XIXe siècle grâce aux œuvres de William Turner et d’Alexander Cozens, tandis qu’en France, la tradition a été illustrée par Camille Corot et, plus tard, Van Gogh.

Les œuvres de genre figuratif
Ayant beaucoup moins d’importance pour le dessin autonome que le portrait et le paysage, les dessins de figures sont généralement étroitement liés à ce qui se passe dans l’ensemble de la peinture. Ainsi, par exemple, les dessins de scènes de genre sont relativement fréquents dans l’école réaliste hollandaise du XVIIe siècle, en France et en Angleterre au XVIIIe siècle, et en France au XIXe siècle (Honoré Dumier).

Natures mortes
Les natures mortes, en particulier les représentations de fleurs, comme celles du peintre amstellodamois Jan van Huysum (1682-1749), sont populaires depuis le XVIIe siècle. Dans certaines de ces œuvres, la ressemblance avec la peinture est très étroite ; citons, par exemple, les pastels du peintre français du dix-neuvième siècle Odilon Redon (1840-1916) ou les œuvres de l’expressionniste allemand du vingtième siècle Emil Nolde (1867-1956), qui franchissent la frontière entre le dessin et la peinture.

Dessins fantastiques
Les dessins représentant des thèmes imaginaires, surréalistes ou visionnaires, comme les compositions fantastiques de Jérôme Bosch, ont longtemps été populaires. On peut rappeler les grotesques de Raphaël au XVIe siècle, les scènes paysannes allégoriques de Pieter Bruegel et les gravures de carnaval de l’artiste français du XVIIe siècle Jacques Callot. Parmi les autres artistes dont les dessins n’ont pas trait au paysage ou au portrait, on peut citer le graveur italien du XVIIIe siècle Giambattista Piranesi, le peintre anglo-suisse Henry Fuseli (1841-1925), l’illustrateur anglais du XIXe siècle Walter Crane (1845-1915), l’influent peintre symboliste français Gustave Moreau (1826-1898), et les surréalistes du XXe siècle.

Illustrations
Un dessin d’illustration peut ne pas aller au-delà d’une simple explication picturale d’un texte, mais il peut néanmoins répondre aux exigences artistiques les plus élevées. De grands artistes ont illustré à maintes reprises des textes bibliques, ainsi que des œuvres littéraires de toutes sortes. Des exemples célèbres sont les dessins illustratifs de Botticelli pour «La Divine Comédie de Dante» et les illustrations marginales de Dürer pour le livre de prières de l’empereur Maximilien. Certains artistes ont eu plus de succès en tant qu’illustrateurs qu’en tant que dessinateurs indépendants. C’est le cas du graveur allemand du XVIIIe siècle Daniel Nicolas Chodowiecki (1726-1801), du caricaturiste du XIXe siècle Honoré Daumier (1808-1879), du graphiste du XIXe siècle Wilhelm Busch (1832-1908), surtout connu pour ses contes de fées rimés («Max et Moritz»), et de l’artiste et illustrateur autrichien Alfred Kubin (1877-1959) .

La caricature et le grotesque
L’art de la caricature, qui, en exagérant les caractéristiques visuelles d’une personne ou d’une situation, crée une image suggestive puissante, est lié au dessin d’illustration . Parmi les exemples de ce type de dessin figuratif, on peut citer Annibale Carracci (1560-1609), qui a été le premier à introduire le mot «caricature», Léonard de Vinci, Dürer et le peintre baroque Bernini, ainsi que des commentateurs sociaux tels que le peintre italien du XVIIIe siècle Pier Leone Gezzi (1674-1755), le peintre anglais du dix-huitième siècle William Hogarth (1697-1764), le caricaturiste anglais Thomas Rowlandson (1756-1827), qui travaillait principalement à l’encre et à l’aquarelle, le Français du dix-neuvième siècle Jean-Ignace-Isidore Gérard, dit Granville (1803-1847), et peut-être le plus grand caricaturiste de tous, Honoré Daumier .

Les types de sol

On peut dessiner sur presque tout ce qui a une surface plane - plate ou non - y compris le papyrus et le parchemin, le tissu, la peau d’animal, le bois, les métaux et le verre. Cependant, à partir du milieu du XVe siècle , le papier est devenu le support le plus courant et le plus populaire.

La méthode de fabrication du papier a peu changé au cours des 2000 dernières années. Les restes fibreux de l’écorce de mûrier, du liber, du chanvre et des chiffons de lin sont pressés et séchés dans des moules plats. L’introduction de la pâte de bois au milieu du 19e siècle n’était pas destinée à la production de papier d’art, car le papier à forte teneur en bois jaunit rapidement et ne convient donc pas au dessin.

A l’origine, pour donner au papier une surface suffisamment lisse et régulière pour écrire ou dessiner, on le frottait avec de la farine d’os ou de la craie de gypse dans une solution très fine de colle et d’arabica. Mais à partir de la fin du XVe siècle, on obtient le même effet en immergeant le papier dans un bain de colle ou d’alun.

Des pigments et des colorants étaient également ajoutés à la pâte, et le papier vénitien bleu «était particulièrement populaire». Au XVIIe siècle, on préférait les demi-teintes de bleu - ou des variétés de gris, de brun et de vert - ; au XVIIIe siècle, on préférait les couleurs chaudes comme le beige ou l’ivoire au bleu. Depuis le XVIIIe siècle, le papier à dessin est produit dans presque toutes les couleurs et nuances possibles et imaginables, et sa qualité s’est considérablement améliorée.

Les techniques de dessin granuleuses et plus souples, telles que la craie, le fusain et le graphite, ne sont pas aussi dépendantes d’un type de papier particulier (comme l’aquarelle, le pastel ou la plume et l’encre) ; mais en raison de leur faible adhésivité, elles nécessitent souvent une liaison plus forte avec le support, ainsi qu’un certain degré de protection de la surface.

Une brève histoire du dessin

Le dessin est né dans les grottes et les abris sous roche à l’âge de pierre, lorsque des pierres pointues étaient utilisées pour créer des gravures préhistoriques et que le charbon de bois était utilisé pour créer des œuvres telles que le dessin au charbon de bois de Navarla Gabarnmanga (26.000 av. J.-C.). Dans l’art occidental, l’histoire du dessin en tant que document artistique à part entière, et non comme simple esquisse préliminaire à une autre œuvre, commence à la fin du XIVe siècle. Il n’est pas surprenant que les plus grands dessinateurs aient été aussi de remarquables peintres, illustrateurs, graphistes ou graveurs, de sorte que les centres du dessin et les périodes de plus grande activité ont généralement coïncidé avec les centres et les époques d’autres types de beaux-arts.

Dans les dessins réalisés au nord des Alpes, les premiers dessinateurs les plus importants sont le maître du livre de maison allemand de la fin du XVe siècle , par ailleurs inconnu (appelé ainsi en raison d’un certain nombre de dessins contenus dans un livre de maison découvert au château de Wolfegg), et son contemporain Martin Schongauer (1430-1491). Dürer incarne la précision créative et le dessin méthodique caractéristiques de la Renaissance allemande . Dessinateur infatigable, il maîtrisait toutes les techniques et a laissé un impact indélébile et de grande envergure. Les dessins de paysages de Dürer, ainsi que ceux d’Altdorfer et de Huber, témoignent d’un remarquable sens de la nature que l’on pourrait qualifier de romantique. Les dessins de portraits humanistes de Hans Holbein le Jeune ont également eu une influence significative sur ses contemporains, tout comme la linéarité plus stricte des portraits des Français père et fils, Jean (1485-1540) et François (1510-1572) Clouet.

Pendant ce temps, au sud des Alpes, le dessin connaît une phase encore plus révolutionnaire au sein de la Renaissance italienne.

L’influence de la Renaissance italienne sur le dessin

Jusqu’au quatorzième siècle, le dessin était rarement apprécié comme une forme d’art indépendante à part entière . Au contraire, il n’était considéré que comme un avant-projet de peinture ou de sculpture. Le peintre italien Cennini (vers 1369-1440) lui accordait un certain respect, le qualifiant de porte d’entrée vers une peinture réussie, mais il fallut attendre la Renaissance italienne et l’émergence d’artistes tels que Léonard de Vinci et Michel-Ange un siècle plus tard (ainsi que la plus grande disponibilité du papier) pour qu’il devienne une forme d’art à part entière. Pour plus de détails, voir : Les meilleurs dessins de la Renaissance .

Le début de la Renaissance italienne est marqué par un développement important de la maîtrise de la perspective, tant en dessin qu’en peinture.

Tout art naturaliste avec un objet en arrière-plan, quel qu’il soit, a besoin de profondeur. C’est-à-dire que l’arrière-plan doit paraître éloigné par rapport au premier plan. Le terme perspective linéaire fait référence à la création de la profondeur de manière à ce que les arrière-plans d’un dessin plat paraissent plus éloignés. Le contrôle «du point de fuite», la convergence des lignes du point de vue de l’artiste, est crucial. Parmi les peintres de la Renaissance italienne qui ont introduit les premières règles de la perspective linéaire, on peut citer Andrea Mantegna (1431-1506), Piero della Francesca (1420-1492), dans son tableau «Le Desserrement du Christ» (vers 1470), Raphaël (1483-1520) dans son œuvre «L’École d’Athènes» (vers 1509).

Les artistes de la première Renaissance (c. 1400-90)

La Renaissance italienne du XVe siècle a été le témoin d’un grand nombre d’expérimentations avec différents supports et médiums. Voici une brève liste de dessinateurs italiens et de leurs dessins.

Fra Angelico a utilisé la plume et l’encre pour estomper «le prophète David jouant le Psautier» (1430) qui se trouve aujourd’hui au British Museum, Londres ; Antonio Pisanello a utilisé la plume et l’encre pour son aquarelle «Sanglier» (1434, Louvre) ; Jacopo Bellini utilise la mine de plomb pour «Vision de saint Eustache» (1445, British Museum, Londres) ; Fra Filippo Lippi utilise la pointe de métal et le lavis brun sur la craie noire rehaussée de blanc sur papier préparé de couleur saumon pour «Sainte femme debout» (c.1445, British Museum, Londres) ; Fra Filippo Lippi utilise la pointe de métal et le lavis brun sur la craie noire rehaussée de blanc sur papier préparé de couleur saumon pour «Sainte femme debout» (c. 1440, British Museum) ; Benozzo Gozzoli a utilisé le surlignage blanc et la gouache brune sur pointe métallique sur papier ocre pour sa «Tête de moine» (1447, Musée de Condé, Chantilly) ; Andrea Mantegna a utilisé la plume et l’encre sur des traces de craie noire pour créer «Homme couché sur une dalle de pierre» (années 1470, British Museum) ; Andrea del Verrocchio a utilisé la plume et l’encre pour créer «Cinq images d’enfants» (années 1470, Louvre) ; Sandro Botticelli a utilisé la plume et l’encre et un léger lavis brun sur de la craie noire sur un papier teinté de rose, rehaussé de blanc, pour créer «Abondance» ou «Automne» (années 1480, British Museum). Voir aussi Renaissance à Florence .

Artistes de la Haute Renaissance (c. 1490-1530)

Luca Signorelli utilise des crayons noirs, rouges et blancs, des morceaux de craie noire et de l’encre brune pour son Étude sur «L’Usurier dans l’Antéchrist d’Orvieto» (1500, Louvre) ; Léonard de Vinci a utilisé un pinceau avec de la tempera grise et des rehauts de blanc, des traces de pinceau et de l’encre noire sur du lin pour créer Etude à Etude de draperie pour un personnage assis (1470s, Louvre) ; il a utilisé la plume et l’encre sur des marques de crayon et de la mine de plomb pour créer «L’Adoration des Mages» (1481), et des crayons noirs, rouges et ocre avec des rehauts de blanc pour «Portrait d’Isabelle d’Este» (1499) ; Michel-Ange utilise la craie rouge pour ses dessins «Étude du torse d’Haman» (1511, British Museum), «Étude d’Adam» (c. 1511, British Museum) ; et de la craie noire avec des traces de blanc sur le crayon pour ses dessins «Ignudo» (c. 1511.) et sur la plume et l’encre pour sa création «du prophète David jouant les Psaumes» (1430, British Museum) ; Raphaël a utilisé la craie rouge pour les «Études pour la Madone d’Albe» (1509), la craie noire pour les «Études pour le Retable de Nicolas de Tolentino» (1500) et la pointe de métal pour la «Tête de la Vierge à l’Enfant» (1504). Voir aussi : Renaissance à Rome

XVIe siècle

Le dessin de la Renaissance tardive de la période maniériste (vers 1520-1600) est illustré par les œuvres de Jacopo Pontormo (1494-1556) à Florence, Parmigianino (1503-1540) dans le nord de l’Italie et Tintoret (1518-1594) à Venise, qui utilisent tous la pointe de métal et la plume comme principal moyen d’expression. Leurs dessins étaient étroitement liés à leur peinture, tant par le contenu que par la méthode graphique des contours sensibles et des angles audacieux.

16ème/17ème siècle

Un centre important de l’art de la fin du XVIe siècle était Bologne, où Annibale Carracci, avec son frère Agostino Carracci et son cousin Ludovico Carracci, fondent l’«Accademia degli Desiderosi» (rebaptisée ensuite «Accademia degli Incamminati»), qui devient le noyau de l’ école de peinture bolonaise (c. 1590-1630). 1590-1630). L’Académie des Carrache prônait un style d’art classique dans lequel une grande importance était accordée à un dessin soigné et solide. Voir : Classicisme et naturalisme dans la peinture italienne.

XVIIe siècle

Au début du XVIIe siècle, Jacques Callot (1592-1635) s’impose dans l’art français, notamment par ses illustrations graphiques de la guerre de Trente Ans. À Anvers , Pierre Paul Rubens (1577-1640) réalise de nombreuses études et esquisses qui font partie intégrante de son œuvre. Pour diffuser ses thèmes picturaux, il entretient sa propre école de dessinateurs et de graveurs, qui compte parmi ses élèves Jacob Jordaens et Antonis Van Dyck. Le peintre néerlandais Hercules Segers (1590-1633) se distingue par sa grande ingéniosité dans l’interprétation des motifs de l’Ancien Testament et par sa grande maîtrise de toutes les techniques de dessin.

La plupart des peintres de l’âge d’or hollandais du XVIIe siècle, parmi lesquels Brouwer, Van Ostade, Pieter Saenredam (1597-1665), Paulus Potter (1625-54) et l’incomparable Rembrandt (1606-1669), étaient également de fervents dessinateurs, consignant leurs idées thématiques dans des dessins en grande partie achevés. Dans l’Italie du XVIIe siècle, le dessin est pleinement intégré aux programmes des académies des beaux-arts, en particulier à Bologne, Florence et Rome. Le développement du dessin de paysage initié par les frères Carrache, Domenichino et Salvator Rosa (1615-1673) est également significatif. Le peintre français de Rome, Claude Lorrain, est allé plus loin et a pratiquement créé son propre genre de paysage italien en plein air. Le classique français Nicolas Poussin, les artistes néerlandais Jan Asselin (1610-1652), Claes Berchem (1620-1683), Karel Dujardin (1622-1678) et d’autres ont également pratiqué la peinture en plein air.

18e siècle

En France Jean-Antoine Watteau, comme beaucoup d’autres, faisait des dessins pour «garder la main sur le pouls» de sa peinture : la plupart des figures de ses tableaux étaient basées sur des dessins antérieurs. Les peintres du XVIIIe siècle François Boucher, Jean-Honoré Fragonard, Hubert Robert et Gabriel de Saint-Aubin, dont les dessins couvrent les paysages, les études figuratives et les œuvres de genre, sont plus vigoureux.

Dans la Venise du XVIIIe siècle, aux exceptionnels dessins d’architecture de Canaletto succède une série de dessins colorés à la plume et au pinceau de Giambattista Tiepolo (1692-1770) et de sa famille. L’architecte Giambattista Piranesi réalise ensuite de puissants dessins d’intérieurs d’immeubles et de voûtes inquiétantes («Carceri»). À la fin du XVIIIe siècle, le peintre espagnol Goya produit ses dessins novateurs au pinceau et à la sanguine, combinant les effets de lumière des dessins de Tiepolo avec le drame du clair-obscur du style de Rembrandt .

19e siècle

Le début du 19e siècle voit l’émergence d’un style de dessin qui remet l’accent sur l’élément linéaire. L’un de ses grands maîtres est le peintre académique Jean-Dominique Engr (1780-1867). Les nazaréens allemands, ainsi que les romantiques tels que Philipp Otto Runge (1777-1810) et Caspar David Friedrich (1774-1840), n’étaient que légèrement moins rigoureux dans leur utilisation du point dur. Parmi les autres dessinateurs au trait, citons le préraphaélite anglais John Millais (1829-1896), le réaliste américain Thomas Eakins (1844-1916) et des maîtres parisiens tels que Picasso, Matisse et Modigliani. Pendant ce temps, les dessins de Daumier utilisaient des effets de clair-obscur picturaux pour faire des déclarations fortes de critique sociale.

En fait, la France en général et Paris en particulier ont continué à être le principal centre de l’art du dessin, comme en témoignent les œuvres remarquablement inventives de Degas (1834-1917), Toulouse-Lautrec (1864-1901), Van Gogh (1853-1890) et Cézanne (1839-1906). L’idiome de l’Art nouveau avec ses lignes sinueuses et ses courbes non géométriques est illustré dans les dessins d’Aubrey Beardsley.

20e siècle

Les artistes expressionnistes allemands ont développé des styles de dessin particulièrement emphatiques avec une forte délimitation et des formes exagérées. Les œuvres d’Ernst Barlach (1870-1938), Kate Kohlwitz (1867-1945), Alfred Kubin, Ernest Ludwig Kirchner (1880-1938), Karl Schmidt-Rottluff (1884-1976), Max Beckmann (1884-1950), Oskar Kokoschka (1886-1980) et Georg Grosz en sont des exemples notables. Les compositions abstraites de Wassily Kandinsky (1866-1944) sont également remarquables, les sublimes dessins à la plume et à l’encre de Paul Klee (1879-1940) et les œuvres figuratives audacieuses du virtuose autrichien Egon Schiele (1890-1918), ainsi que de son collègue contemporain Lucien Freud (né en 1922). 1922).

Le dessin est particulièrement important dans l’œuvre des artistes de l’École de Paris, tels que Pierre Soulages (né en 1919) et Hans Hartung (1904-1989). Bien entendu, le dessinateur le plus prolifique de l’École de Paris est Pablo Picasso, un artiste qui savait exactement comment utiliser ses diverses possibilités techniques. Il est sans doute le plus grand dessinateur du XXe siècle et l’un des plus grands de l’histoire de l’art .