Dessin: Types, Histoire de l’Art Graphique Automatique traduire

Introduction et caractéristiques

Définition
En beaux-arts, le terme "dessin" peut être défini comme la réalisation linéaire d’objets visuels, de concepts, d’émotions et de fantasmes, y compris de symboles et même de formes abstraites. Le dessin est un art graphique qui se caractérise par un accent mis sur la forme ou la forme plutôt que sur la masse et la couleur comme dans La peinture . Le dessin est assez différent des processus d’impression graphique, car bien qu’un dessin puisse constituer la base d’une réplication, il est par sa nature même unique.

La base d’autres formes d’art
La plupart des dessins dépendent d’autres types d’art . Ainsi, bien que chaque peinture, mosaïque, tapisserie ou autre œuvre d’art n’ait pas été précédée d’un dessin sous la forme d’un croquis préliminaire , le dessin est en réalité la base de tous les arts visuels. Par exemple, un dessin d’architecture est la base de toute construction de bâtiment; les marques dessinées sur un bloc de pierre brute constituent la base de la sculpture qui émerge; Au début, la plupart des peintures sont issues de croquis préliminaires – elles sont consolidées au fur et à mesure que les œuvres progressent en surfaces colorées. En outre, un nombre croissant d’enquêtes montrent que les dessins constituent la base matérielle des peintures murales, des panneaux, des livres, des statues, des gravures, des gravures, des mosaïques, des vitraux et de nombreuses autres formes de gravures. art décoratif . Ces esquisses préparatoires peuvent se limiter à des directives générales ou peuvent régir l’ensemble du travail dans les moindres détails.

Le dessin est aussi une forme d’art indépendante
De plus, en tant qu’indépendant autonome art forme, le dessin offre le plus large champ d’expression créative possible. Corps, espace, profondeur, tridimensionnalité et même mouvement peuvent être rendus visibles par le dessin. De plus, le dessin exprime spontanément la personnalité du dessinateur dans le flux de la ligne, ce qui en fait l’une des plus personnelles de toutes les affirmations artistiques.

Support de dessin
Les dessins peuvent être réalisés à l’aide d’une grande variété d’ instruments , notamment à la plume, au fusain, à la craie, aux craies, aux pastels, à la pointe de métal, à la pointe de graphite, aux crayons de couleur, ainsi qu’à l’aiguille à graver, au burin ou à la gravure pour la gravure. D’autres alternatives sont la cire ou conte des crayons , marqueurs, bâtons de graphite et divers types de stylos encrés. Le support le plus courant (le matériau sur lequel l’image est dessinée) est évidemment le papier, mais d’autres options sont le carton, le carton, le papyrus, le carton, la toile, le cuir, le vélin, les textiles, même le plastique et le métal. Les dessins sur supports mixtes sont ceux qui utilisent une combinaison de ces matériaux.

Dessin versus peinture
La ligne entre le dessin et la peinture a toujours été légèrement floue. Par exemple, l’art chinois, exécuté au pinceau sur de la soie ou du papier, est aussi proche du dessin que de la peinture artistique (par exemple. Calligraphie ). Certains manuscrits enluminés du Moyen Âge, tels que le psautier d’Utrecht , ont été dessins à la plume d’une telle liberté de trait qu’ils ressemblent aux caricatures modernes et remplissent efficacement la même fonction que les peintures. Néanmoins, le dessin en tant qu’art indépendant n’a émergé que lorsque le Art de la Renaissance du quattrocento (15ème siècle). Jusque-là, dessinant ( disegno ) était considéré comme inférieur à la peinture ( colorito ). Voir également: Évaluation de l’art: comment apprécier l’art .

Experts en dessin
Le mot dessinateur (ou dessinateur ) est le terme habituel pour un artiste pratiquant le dessin. Exemples de dessin suprême, en particulier dessin figuratif , inclure des œuvres de Maîtres Anciens comme Léonard de Vinci, Michel-Ange, Albrecht Durer, Peter Paul Rubens, Rembrandt, Jacques Louis David et autres peintres célèbres comme: Honoré Daumier, Edgar Degas, Egon Schiele, Max Beckmann, David Hockney et Lucian Freud, pour n’en nommer que quelques-uns.

Catégories de dessin
En termes généraux, le dessin englobe 3 catégories de base: le dessin occasionnel (doodling, esquisse ) : cela désigne des compositions non finies et généralement non raffinées. Ces dessins n’ont aucune fonction en cours. Dessin préparatoire : il s’agit de la création d’une image spécifique ou d’une série d’images constituant l’ensemble ou une partie d’une composition que l’artiste a l’intention de compléter en ajoutant une couleur de pigment (peintures, encres colorées, etc.). Dessin terminé : désigne un travail autonome autonome terminé, tel qu’une illustration, un dessin animé, une caricature ou un dessin graphique.

Sujet
Les dessinateurs ont incorporé tous types d’images dans leurs compositions, y compris des représentations d’humains et d’animaux dans tous les genres, telles que des images d’histoire narrative, des portraits, des caricatures et des scènes de genre, ainsi que des paysages ou des compositions de natures mortes. Certains dessinateurs se spécialisent dans les reproductions précises de bâtiments existants ou proposés (dessin architectural), de navires (dessin marin), de fleurs (illustration botanique) ou de chevaux (dessin équestre) ou d’animaux ainsi que de compositions abstraites allant des compositions cubistes aux compositions typographiques ou calligraphiques.

Méthodes de dessin

Un très grand nombre d’outils et d’outils peuvent être utilisés pour dessiner, notamment des crayons en ardoise, des stylets en métal, du fusain et des craies, ainsi que des stylos traditionnels, des crayons et des pinceaux, des stylos à plume, des stylos à bille et des crayons en feutre; en effet, même les ciseaux et les diamants sont utilisés pour dessiner. Voir également L’automatisme dans l’art pour son dessin automatique.

charbon

Des morceaux de bois partiellement consommés sont utilisés depuis l’ère de la Art préhistorique , quand les artistes paléolithiques ont produit l’incroyable peinture rupestre se trouve à Chauvet, Lascaux et Altamira. La tradition a été maintenue par les maîtres anciens, dont les préparatifs dessins au fusain pour la peinture murale, le panneau et même peinture miniature peut encore être vu parfois sous le pigment. Le dessin au fusain donne généralement un trait poreux et peu adhésif. Un crayon de charbon de bois pointu peut produire des lignes exceptionnellement fines. Si elle est utilisée sur la surface, elle crée des plans uniformément toniques. Le frottement et le maculage de la ligne à charbon donnent des nuances intermédiaires atténuées et des transitions délicates. En raison de sa légère adhésivité, le charbon de bois est idéal pour les esquisses de correction, mais si le dessin doit être conservé, il doit être protégé par un fixateur.

En tant que support pour les esquisses rapides à partir de modèles de vie, le charbon de bois était très utilisé dans les académies d’art et les ateliers. Des poses difficiles, telles que Tintoretto l’a demandé de ses modèles, ont pu être capturées rapidement et facilement avec le crayon fusain adaptable. (Pour plus d’informations sur les dessins du Tintoret, voir: Dessin vénitien 1500-1600.) Le charbon de bois était également largement utilisé dans les esquisses préparatoires au portrait. Dans son dessin au fusain Portrait de femme , le peintre français Edouard Manet (1832-1883) est parvenu à saisir le grain du bois de la chaise, la garniture de la fourrure sur la robe, la compacité de la coiffure et la douceur de la chair.. Le peintre hollandais du 17ème siècle, Paulus Potter (1625-54), fut un autre grand représentant, de même que les grands dessinateurs de l’ère moderne, tels que Toulouse-Lautrec (1864-1901), Edgar Degas (1834-1917), Kathe Kollwitz (1867-1945) et Ernst Barlach (1870-1938).

Avec du charbon de bois huilé , c’est-à-dire des crayons de charbon de bois trempés dans de l’huile de lin, les artistes ont obtenu une meilleure adhérence et un noir plus profond. Utilisé au 16ème siècle par Tintoret , cette technique était particulièrement appréciée des Artistes réalistes hollandais du 17ème siècle, afin de mettre des accents noirs profonds. Cependant, en contrepartie d’une meilleure adhérence dans les empreintes du papier, la correction devient plus difficile. De plus, les crayons au fusain qui ont été profondément immergés dans l’huile laissent une trace brunâtre le long des lignes.

Craies

Les craies sont un support de dessin tout aussi important. Là où le fusain est avant tout un support pour l’esquisse rapidement corrigible, le dessin à la craie permet d’atteindre cet objectif et plus encore. Depuis le début du 16ème siècle, la pierre de craie , telle que trouvée dans la nature, est devenue de plus en plus populaire dans le dessin d’art. En tant que matériau naturel, la craie d’alumine a divers degrés de dureté, de sorte que le trait varie de légèrement granuleux à homogène, dense et lisse. La recherche d’une qualité uniforme a conduit à la production de craies spéciales pour le dessin; c’est-à-dire que les craies qui, après avoir été pulvérisées, lavées et transformées en bâtons pratiques, permettent un trait plus doux et plus régulier et sont également exemptes de particules sableuses. L’ajout de pigments crée diverses teintes allant du noir riche au gris brunâtre; comparé à la craie noire très utilisée, la variété brune a peu d’importance. La craie blanche, que l’on trouve également dans la nature, n’est presque jamais utilisée comme moyen de dessin indépendant, bien qu’elle soit souvent utilisée en combinaison avec d’autres supports pour obtenir des accents individuels de lumière réfléchie.

À partir du 15ème siècle, la craie a été de plus en plus utilisée pour des études et des croquis. Son aptitude à tracer des lignes précises d’une largeur donnée et à créer des teintes finement ombrées le rend particulièrement adapté aux études de modélisation. En raison de ces attributs, la craie est un support particulièrement intéressant pour les dessins autonomes et il n’ya guère de dessinateur qui n’ait jamais travaillé à la craie, souvent en combinaison avec d’autres supports. Outre les dessins au portrait, les paysages constituent le thème principal des dessins à la craie, en particulier chez les Hollandais. Depuis l’invention de la craie artificielle à base de suie fine et noir terne appelée noir de fumée - une invention attribuée à Léonard de Vinci (1452-1519) – les qualités picturales de la craie ont été pleinement explorées. La gamme de craies va des variétés sèches de type fusain aux graisses grasses utilisées par les lithographes.

La Sanguine , un crayon à dessiner à base d’oxyde de fer et de craie, était un support de dessin populaire au XVe siècle, en raison de ses nombreuses possibilités colorées. Il était populaire avec Michelangelo, Raphaël et Andrea del Sarto (1486-1531), tandis que Léonard de Vinci l’utilisait dans ses esquisses pour Dernière Cène : voir aussi le profil de Michel-Ange avec la coiffe orientale (1522, Ashmolean Museum, Oxford). Parmi les autres artistes qui ont utilisé sanguine figurent les portraitistes Jean Clouet et Hans Holbein, l’école flamande autour de Peter Paul Rubens, et surtout des artistes français du 18ème siècle tels que Watteau, Nicolas Lancret, Jean-Etienne Liotard, Jacques-André Ponail et François Boucher. Le portraitiste écossais du 18ème siècle Allan Ramsay était un fervent utilisateur de dessins préparatoires à la craie pour ses portraits. La sanguine offre une différenciation encore plus grande des couleurs lorsqu’elle est utilisée en association avec des craies noires et blanches sur du papier coloré.

Dessins à la craie sont également associés à des dessinateurs modernes tels que Edgar Degas, Odilon Redon, Gustave Moreau, Jean-Edouard Vuillard et Pierre Bonnard, ainsi qu’à des artistes expressionnistes comme Edvard Munch et Ernst Ludwig Kirchner.

Pastels

Les crayons de couleur pastel , fabriqués à partir de pigments en poudre mélangés avec une quantité minimale de liant non gras, permettent un raffinement encore meilleur des couleurs. Lorsque les couleurs sont appliquées sur du papier, elles ont invariablement un aspect frais et brillant, même si elles doivent être préservées de la dispersion en étant conservées sous verre. Les couleurs pastel peuvent être appliquées en technique linéaire directement avec les crayons ou directement sur une zone du papier avec les doigts. Les pastels sont originaires du nord de l’Italie au cours du XVIe siècle et ont été employés par Jacopo Bassano (1515-92) et Federico Barocci (1526-1612). Dessins au pastel Accademia degli Incamminati n’a pas connu le 17e siècle au plus tard, mais son apogée n’a atteint son apogée qu’au 18e siècle, notamment en France (avec Jean Marc Nattier, Maurice Quentin de La Tour, Jean-Baptiste Perronneau et Jean Chardin) et à Venise (avec Rosalba Carriera). Les craies pastel étaient particulièrement appréciées des portraitistes.

Metalpoints

La technique de la pointe métallique est utilisée dans l’écriture et dans la délimitation depuis l’Antiquité, il a donc fallu peu d’imagination pour l’utiliser également dans le dessin. Les artistes utilisent un outil mince (tige ou stylet) en métal pur, tel que le plomb, l’argent, l’étain, le cuivre, ainsi que divers alliages plomb / étain. Le matériau le plus couramment utilisé était le plomb, qui, utilisé sur une surface lisse, produit une ligne gris pâle; il n’est pas très coloré et facile à effacer; il est donc idéal pour les esquisses préparatoires.

La préparation du papier était essentielle à la visibilité de la ligne. À l’époque de la Renaissance, la page vierge était généralement recouverte d’un mélange liquide de craie finement moulue, de gesso en os ou de blanc de plomb teinté de pigment et lié avec de la colle à peau et de la gélatine. Et tous les points métalliques, à l’exception de Leadpoint , nécessitent une surface de travail rugueuse. Le recueil de croquis du peintre vénitien du XVe siècle, Jacopo Bellini (1400-1470), qui contient un certain nombre de dessins au point de repère sur papier teinté, est l’une des meilleures sources de l’art metalpoint. Le peintre florentin Botticelli a utilisé leadpoint pour esquisser les grandes lignes de ses célèbres illustrations de la Divine Comédie de Dante, avant de les retracer au stylo.

Le dessin permanent est mieux réalisé avec silverpoint , car une fois appliqué, il ne peut pas être effacé. Ainsi, les dessins au point d’argent exigent une conception plus claire de la forme et une main ferme, toutes les corrections restant visibles. La tridimensionnalité et la représentation de la lumière doivent être représentées soit par des hachures denses, des espaces vides, soit complétées par d’autres médiums. Malgré ces difficultés, la pointe d’argent était très populaire aux 15ème et 16ème siècles. Albrecht Durer a utilisé silverpoint pour dessiner des paysages, des portraits et divers objets qui ont attiré son attention au cours d’un voyage particulier en Hollande. Silverpoint était également populaire auprès des portraitistes du 15ème au 17ème siècle. Il a ensuite été relancé à l’ère de le romantisme , et est encore utilisé occasionnellement par des artistes modernes. Les Metalpoints ont continué d’être utilisés jusqu’au 18ème siècle, notamment dans les dessins d’architecture.

Point de graphite

À la fin du XVIe siècle, un nouveau support de dessin apparaît et remplace rapidement la pointe de métal pour les esquisses et les dessins préliminaires. Connu sous le nom de pointe en graphite - ou "mine espagnole" après son lieu d’origine principal – ce support de dessin a acquis une popularité répandue bien que, en raison de sa consistance souple, il soit principalement utilisé pour les esquisses préparatoires plutôt que pour les dessins autonomes. La pointe de graphite a dûment fait apparaître le crayon à mine , à la suite de la découverte par Nicolas-Jacques en 1790 d’un procédé de fabrication similaire à celui utilisé dans la production de craie artificielle. Nettoyé et lavé, le graphite pouvait désormais être fabriqué dans n’importe quel degré de dureté. Les pointes au crayon, avec leurs traits durables, clairs et fins, étaient particulièrement adaptées aux besoins des artistes néoclassicistes. Parmi les plus grands représentants de dessinateurs au crayon était le peintre académique JAD Ingres , qui a employé systématique dessins au crayon comme base pour ses peintures à l’huile.

De nombreuses techniques de dessin au crayon ont émergé avec le temps. Les peintres de la fin du XIXe siècle, comme Eugene Delacroix (1798-1863), privilégiaient les crayons plus doux afin de renforcer la profondeur et l’effet 3D de certaines zones du dessin. Georges Seurat (1859-1891) se laissa aller au graphite dans ses dessins ( Lors d’un concert européen au Museum of Modern Art de New York) dans lesquels il traduisit sa technique pointilliste dans le médium monochrome du dessin. Pencil frottage (frottement fait sur du papier qui est ensuite placé sur une surface rugueuse), d’abord exploré par l’artiste surréaliste Max Ernst (1891-1976), était une autre technique innovante.

Dessin avec stylo

Parmi les nombreuses façons de transférer des colorants liquides sur une surface plane, deux sont particulièrement importantes pour le dessin artistique: le pinceau et le stylo. Si le pinceau représente une méthode totalement plus ancienne, datant de Art paléolithique , le stylo est l’outil de prédilection pour l’écriture et le dessin depuis l’antiquité classique.

La fonctionnalité du stylo est restée pratiquement inchangée depuis plusieurs millénaires. L’effet capillaire de la pointe fendue applique le fluide de tirage sur le sol de surface (initialement parchemin, papyrus, vélin, mais depuis la fin du Moyen Âge, presque exclusivement en papier) en quantités variables en fonction de la saturation de la plume et de la pression exercée par la main de dessin. Le type de stylo le plus ancien est le stylo à anches ; taillé dans du papyrus, du bambou ou du carex, il stocke un réservoir de fluide dans son intérieur creux. Son trait est généralement puissant, dur et parfois fourchu en raison de l’application d’une pression plus forte sur la pointe fendue. Rembrandt était un excellent maître des forts accents plastiques du stylo à anche, le complétant généralement avec d’autres stylos ou pinceaux. Au XIXe siècle, à commencer par l’artiste hollandais Vincent van Gogh, plusieurs artistes, parmi lesquels le expressionniste dadaïste et satirique allemand, ont dessiné à la plume de roseau dans un style expressionniste George Grosz (1893-1959). Voir également: Illustration .

Le stylo plume offre un éventail encore plus large de possibilités artistiques. Depuis la fin du Moyen Âge, la plume était l’instrument le plus couramment utilisé pour appliquer des colorants liquides sur la surface de dessin. La pointe souple de la plume, disponible en différentes résistances, permet une gamme relativement large de traits – des lignes molles et fines, telles que celles utilisées dans les esquisses préparatoires pour les illustrations de livres enluminés, aux lignes larges et énergiques. Au cours du 20ème siècle, des stylos en métal ont émergé pour remplacer les piquants. Ils sont maintenant fabriqués à partir d’acier de qualité supérieure et de différentes résistances.

Les encres sont la forme la plus courante de colorant liquide utilisée en étirage. L’encre de châtaigne était populaire dans les scriptoria monastiques au cours de l’ère médiévale de manuscrits enluminés . Une autre encre qui est devenue populaire est le bistre , un pigment transparent facile à dissoudre, brun clair à brun foncé, obtenu à partir de la suie du noir de fumée qui recouvre les cheminées à bois. Sa nuance de couleur varie en fonction de sa concentration et du type de bois dont il est issu. Les bois durs (comme le chêne) produisent une teinte plus foncée que les résineux, tels que le pin. Au cours de la période picturale de Art baroque Le ton chaud que l’on peut éclaircir à volonté fait du bistre un support populaire pour les dessins à la plume.

On obtient également à partir d’une source de carbone une encre de Chine extraite de la suie de bois exceptionnellement durs, tels que des vignes d’olive ou de vigne, ou du noir de fumée gras de la flamme de l’huile, avec de la gomme arabique mélangée comme agent liant. Ce fluide noir épais conserve longtemps son ton sombre et peut être dilué avec de l’eau jusqu’à ce qu’il devienne gris clair. Pressé en bâtonnets ou en barres, il était auparavant vendu sous le nom d’encre chinoise ou d’encre indienne. Les dessinateurs allemands et néerlandais ont particulièrement favorisé cette encre de dessin en raison de sa couleur vive qui la rendait particulièrement bien adaptée à une utilisation sur du papier teinté. Depuis le XIXe siècle, l’encre de Chine est de loin le type d’encre de dessin le plus populaire pour les dessins à la plume, remplaçant toutes les autres variantes dans les esquisses techniques.

Parmi les autres fluides de dessin, on peut citer le sépia , fabriqué à partir du pigment de la seiche, le minium (plomb rouge) – utilisé notamment pour la décoration des lettres initiales ainsi que dans les dessins à la plume illustrés.

Outre les textes manuscrits, les dessins à la plume figurent parmi les plus anciens documents artistiques. Les textes classiques ont été illustrés avec des contours prononcés et des détails intérieurs clairsemés; Les dessins marginaux médiévaux et les illustrations de livres étaient généralement pré-dessinés, sinon réellement exécutés, au stylo. Dans la peinture de livres, des styles sont apparus dans lesquels le pinceau était également utilisé à la manière d’un dessin à la plume: par exemple, à l’école de Reims. Art carolingien , connu pour sa production du psautier d’Utrecht du IXe siècle et du sud de l’Allemagne, où un genre d’illustration distinct utilisant des dessins au trait était étroitement associé à la Biblia Pauperum – des livres d’images bibliques à faible coût étaient utilisés pour instruire un grand nombre de personnes dans le monde chrétien. Foi. Le schéma de contour à lignes minces est également caractéristique des premiers dessins autonomes du début de la renaissance . Au 16ème siècle, le dessin à la plume a atteint son apogée. Leonardo était connu pour le trait particulièrement précis de ses dessins scientifiques; Raphael a produit des croquis plus réguliers et gracieux, tandis que Michelangelo a dessiné avec des coups courts rappelant le travail au burin; Titien a utilisé des hachures complexes pour indiquer la lumière et l’obscurité, tandis que parmi les Artistes de la Renaissance nordique , Durer a maîtrisé toutes les possibilités du dessin à la plume, d’une approche purement graphique et délinéante à une technique de modélisation spatiale et plastique.

Au cours du XVIIe siècle, le dessin à la plume est devenu moins populaire que d’autres techniques combinées telles que le lavage (balayage ou touche de couleur) appliqué au pinceau. Un style de dessin ouvert aux contours très suggérés, associé à des traits contrastés, fins et puissants, confère à la ligne elle-même des qualités expressives. Dans ses dessins, Rembrandt en particulier parvint à maîtriser parfaitement dessin à l’encre et au lavis , présentant des effets 3D très subtils grâce à l’utilisation de différentes couches de traits obtenues à l’aide d’une combinaison de divers stylos et pinceaux.

La méthode de dessin à lignes minces du début de la Renaissance a retrouvé sa popularité à l’époque de Art néoclassique et le romantisme à la fin du 18e et au début du 19e siècle. Les deux Nazaréens et Romantics, par exemple, ont obtenu des effets plastiques 3D exceptionnels par des moyens purement graphiques.

Une autre phase plus picturale a suivi, qui a culminé avec le travail d’artistes de la fin du 19ème siècle comme Aubrey Beardsley (1872-1898) qui appliquent le contraste direct noir-blanc aux avions, tandis qu’au XXe siècle, les maîtres français Henri Matisse (1869-1954) et Picasso réduisirent l’objet à une simple ligne sans profondeur ni autre illusion spatiale. De nombreux illustrateurs, ainsi que les caricaturistes, préfèrent le trait de crayon clair. Parmi les autres innovateurs du dessin à la plume du XXe siècle, citons l’artiste oriental américain Mark Tobey (1890-1976) qui était célèbre pour ses peintures calligraphiques de style «écriture blanche»; l’artiste allemand Wols (Alfred Otto Wolfgang Schulze) (1913-1951), connu pour ses sismogrammes graphiques très fins; et Agnes Martin (1912-2004), réputée pour ses délicates grilles minimalistes dessinées à la main.

Dessin au pinceau

Le pinceau est idéal pour appliquer des pigments sur une surface plane (peinture), mais il est également utilisé en dessin depuis la préhistoire. Outre les encres à dessin mentionnées ci-dessus – qui ont toutes été utilisées avec des brosses et des stylos – des dessins à la brosse ont également été créées avec des combinaisons de fluides. L’une des techniques artistiques les plus couramment utilisées, allant de l’art grec classique au baroque, était la Sinopia , esquisse préliminaire d’une peinture murale monumentale. Exécuté au pinceau, il présente toutes les caractéristiques d’un dessin préparatoire.

Cependant, en général, peu de dessins étaient réalisés exclusivement au pinceau, bien que celui-ci ait joué un rôle majeur dans les paysages, dans lesquels, en teintant d’intensité variable, il offrait un spectre complet de profondeur spatiale et de force de l’éclairage. Les vénitiens Vittore Carpaccio (c.1465-1525 / 6) et Palma il Giovane (1544-1628), ainsi que Parmigianino (1503-40), le grand pionnier de la Maniérisme , étaient tous des exposants notés de la technique. Certains peintres de genre néerlandais, tels que Adriaen Brouwer (1605-38), Adriaen van Ostade (1610-84) et Jan Steen (1625-79) ont utilisé le pinceau pour créer un certain nombre de dessins à l’aquarelle. Au XVIIIe siècle, les dessins au pinceau de Jean-Honoré Fragonard (1732-1806) et l’espagnol Francisco Goya (1746-1728) élevèrent l’art à une nouvelle hauteur. En Angleterre, des artistes comme Alexander Cozens (1717-1786), John Constable (1776-1837) et JMW Turner (1775) -1851), a tiré parti du dessin au pinceau pour ses études de paysage.

Stylo et pinceau

Une combinaison populaire est celle du stylo et du pinceau, le stylo délimitant les contours indiquant l’objet et le pinceau fournissant des valeurs spatiales et de couleur. L’application combinée la plus simple en était l’illumination du manuscrit, où les formes étaient dessinées à la plume et dûment remplies de couleur à l’aide du pinceau. L’application du pigment blanc sur les dessins sur papier teinté, l’accentuation de l’éclairage (comment la lumière tombe sur les objets) et, bien sûr, le lavage . La méthode combinée du dessin à la plume et au pinceau était particulièrement appréciée des dessinateurs allemands et néerlandais, notamment dans le cercle entourant Durer et l’école du sud de l’Allemagne, Danube.

Aides au dessin
Les aides mécaniques sont généralement beaucoup moins importantes pour le dessin d’art que pour d’autres formes d’art. Ceux qui ont été utilisés incluent la règle, le triangle et la boussole, en particulier dans les travaux constructionnistes et perspectivistes Haute renaissance ancien. La monture en relief a été utilisée pour aider à créer une perspective correcte, tandis que des miroirs à réduction de miroir convexe ou à lentille concave ont également été utilisés (en particulier aux 17e et 18e siècles) comme aides de dessin, tout comme la camera obscura . (Voir Glossaire de la photographie d’art .) Des réductions ou des agrandissements conformes à l’échelle peuvent être réalisés à l’aide d’un instrument de traçage appelé pantographe . Des tâches plus spécialisées pourraient être accomplies à l’aide de compas elliptiques, de règles courbes et de pochoirs .

Types de dessin

De loin, le plus grand nombre de dessins d’art du monde occidental traite de la figure humaine.

Portraits
Les portraits représentent généralement les profils purs et les trois quarts. Les exemples incluent des portraits de Pisanello ou de Jan van Eyck du XVe siècle, ainsi que le dessin de l’empereur Maximilien par Durer. Les travaux de Jean et François Clouet en France et de Hans Holbein le Jeune en Suisse et plus tard en Angleterre confèrent une autonomie particulière au portrait, particulièrement à la craie de différentes couleurs. Au 18ème siècle, Quentin de La Tour, François Boucher et Jean-Baptiste Chardin sont des représentants remarquables du portrait à la craie. Plus attiré par les aspects psychologiques de portrait d’art , les portraitistes de la fin du 19e et du 20e siècle préféraient les crayons plus doux qui reflétaient plus facilement leurs pulsions artistiques. Leon Bakst , le célèbre décorateur et costumier de Diaghilev et le Ballets Russes , était un autre superbe dessinateur.

Paysages
Au XVe siècle, le paysage était également devenu un sujet acceptable pour un dessin autonome, comme l’indiquent les carnets de croquis du XVe siècle de Jacopo Belllini. Cependant, ce n’est que jusqu’à l’avènement de Durer à la fin du siècle que le paysage n’est pleinement reconnu comme un thème à part, sans référence à d’autres œuvres. Ses dessins de ses deux voyages en Italie, de la région de Nuremberg et de son voyage aux Pays-Bas représentent les premiers dessins de paysages purs. Des siècles devaient passer avant que de tels dessins "de paysage pur" ne se reproduisent. Des éléments de paysage sont également apparus dans les dessins et illustrations allemands et néerlandais du XVIe siècle, notamment ceux des membres du groupe. École du Danube comme Albrecht Altdorfer et Wolf Huber. le Renaissance néerlandaise Le peintre Pieter Bruegel l’Ancien a également dessiné des vues topographiques ainsi que des compositions de paysages libres, dans les deux cas en tant qu’œuvres indépendantes. Au 17ème siècle, les dessins de paysages de l’ Accademia degli Incamminati (ceux de Domenichino , par exemple) a mélangé des thèmes classiques et mythologiques avec des paysages héroïques. En outre, les classiques français basés à Rome Claude Lorrain et Nicolas Poussin a également réalisé des dessins de paysages arcadiens idéalisés. Dans l’Italie du XVIIIe siècle, le dessin de paysage d’une topographie exacte a atteint son apogée avec l’avènement des Vedutisti, les "peintres", comme les Vénitiens. Canaletto (1697-1768) et Bernardo Bellotto (1720-80) et le romain Giambattista Piranesi (1720-78). Les dessins de paysages ont atteint une deuxième floraison en Angleterre au début du 19e siècle grâce aux œuvres de JMW Turner et Alexander Cozens, alors qu’en France, la tradition était illustrée par Camille Corot et ensuite, Van Gogh .

Œuvres de genre figuratives
Le dessin autonome est beaucoup moins important pour le dessin autonome que pour le portrait et le paysage, mais il est généralement étroitement lié à ce qui se passait pour la peinture en général. Ainsi, par exemple, les dessins de scènes de genre étaient relativement répandus à l’école de réalisme néerlandaise du XVIIe siècle, en France et en Angleterre au XVIIIe siècle et au 19e siècle en France (Honore Daumier).

Des vies encore
Les dessins de natures mortes, notamment les représentations de fleurs, comme celles de l’artiste d’Amsterdam, Jan van Huysum (1682-1749), sont populaires depuis le XVIIe siècle. Dans certaines de ces œuvres, la similitude avec la peinture est très proche; Prenons par exemple les pastels de l’artiste français du 19ème siècle Odilon Redon (1840-1916), ou l’œuvre de l’expressionniste allemand du XXe siècle Emil Nolde (1867-1956), qui traversent tous deux la ligne de démarcation entre le dessin et la peinture.

Dessins Fantastiques
Dessins illustrant des thèmes imaginaires, surréalistes ou visionnaires, tels que les compositions fantastiques de Jérôme Bosch , ont longtemps été populaire. Voir aussi les grotteschi de Raphaël au XVIe siècle, les scènes paysannes allégoriques de Pieter Bruegel et les gravures de carnaval de l’artiste français Jacques Callot du XVIIe siècle. Parmi les autres artistes dont les dessins ne relèvent ni du paysage ni du portrait, on peut citer: le graveur italien Giambattista Piranesi du XVIIIe siècle, l’artiste anglo-suisse Henry Fuseli (1841-1925), l’illustrateur anglais du XIXe siècle, Walter Crane (1845-1915), influent artiste symboliste français Gustave Moreau (1826-1898) et les surréalistes du XXe siècle.

Des illustrations
Le dessin d’illustration ne va peut-être pas au-delà d’une simple explication picturale d’un texte, mais il peut quand même satisfaire les plus hautes exigences artistiques. Encore et encore, de grands artistes ont illustré des textes bibliques ainsi que de la littérature de toutes sortes. Des exemples célèbres incluent les dessins illustratifs de Botticelli pour Divine Comedy de Dante et les illustrations marginales de Durer pour le livre de prières de l’empereur Maximilien. Certains artistes ont accompli davantage en tant qu’illustrateurs qu’en tant que dessinateurs autonomes. Parmi ces personnes figurent le graveur allemand Daniel Nicholas Chodowiecki (1826-1801) du 18ème siècle, le caricaturiste Honorore Daumier du 19ème siècle (1808-79), le graphiste Wilhelm Busch (1832-1908), connu pour ses rimes racontées (Max und Moritz), et Alfred Kubin (1877-1959), peintre et illustrateur autrichien du XXe siècle, Blaue Reiter .

Caricatures
Associé au dessin illustratif est le art de la caricature qui, en exagérant les traits visuels d’une personne ou d’une situation, crée une image puissamment suggestive. Annibale Carracci (1560-1609) – qui a d’abord inventé le mot caricatura – Léonard de Vinci, Durer, et l’artiste baroque Bernini, ainsi que des commentateurs sociaux comme l’italien du XVIIIe siècle, sont des exemples de ce type de dessin figuratif. Artiste Pier Leone Ghezzi (1674-1755), artiste anglais du 18ème siècle William Hogarth (1697-1764), le caricaturiste anglais Thomas Rowlandson (1756-1827) qui travailla principalement à l’encre et à l’aquarelle, le Français du 19ème siècle Jean-Ignace-Isidore Gerard, dit Grandville (1803-47), et peut-être le plus grand caricaturiste de tous, Honoré Daumier .

Types de sol

On peut dessiner sur presque tout ce qui a une surface plane – niveau ou non – comme le papyrus et le parchemin, le tissu, la peau d’animal, le bois, les métaux et le verre. Cependant, depuis le milieu du 15ème siècle, le papier est le motif le plus répandu et le plus populaire.

La méthode de fabrication du papier est restée pratiquement inchangée au cours des 2 000 dernières années. Un reste fibreux pulpeux d’écorce de mûrier, de bast, de chanvre et de chiffons de lin est pressé et séché dans des moules plats. (L’introduction de la pâte de bois au milieu du XIXe siècle ne visait pas le papier d’art, car le papier à forte teneur en bois jaunissait rapidement et ne convenait donc pas au dessin. À l’origine, le papier avait une surface suffisamment lisse et uniforme pour l’écriture ou le dessin, il était frotté avec de la farine d’os ou de la craie de gypse dans une très fine solution de colle et de gomme arabique, mais depuis la fin du XVe siècle, le même effet est obtenu en plongeant le papier dans un bain de colle ou d’alun. Des pigments et des colorants ont également été ajoutés à la pulpe, les "papiers vénitiens" bleus étant particulièrement populaires. Le 17ème siècle privilégiait les demi-teintes de bleu – ou de gris, de brun et de vert; le 18ème privilégiait les couleurs chaudes comme le beige ou l’ivoire, along with blue. Since the 18th century, drawing papers have been produced in almost every conceivable colour and shade, while quality has also greatly increased.

Les instruments de dessin granulés et plus mous, tels que la craie, le fusain et le graphite ne dépendent pas aussi d’un type de papier particulier (comme l’aquarelle, les pastels ou le stylo et l’encre); mais, en raison de leur légère adhésivité, ils ont souvent besoin d’un lien plus fort avec le support ainsi que d’une sorte de protection de surface.

Brève histoire du dessin

Le dessin commence dans les cavernes et les abris rocheux à l’époque de l’art de l’âge de la pierre, lorsque des c gravures préhistoriques , et le charbon de bois a été utilisé pour créer des œuvres comme le Dessin au fusain Nawarla Gabarnmang (26 000 AEC). Vers la fin du XIVe siècle, l’histoire du dessin en tant que document artistique indépendant, plutôt qu’un simple croquis préliminaire de quelque chose d’autre, a débuté. Sans surprise, les plus grands dessinateurs ont également été des peintres, des illustrateurs, des graphistes ou des graveurs distingués. Ainsi, les centres du dessin et les périodes de grande activité ont généralement coïncidé avec les centres et les époques d’autres types de dessin. beaux arts .

Dans les dessins du nord des Alpes, les premiers dessinateurs les plus accomplis sont le maître allemand du livre de la fin du XVe siècle, non identifié par ailleurs (d’après un certain nombre de dessins contenus dans un livre de maison découvert à Castle Wolfegg) et son contemporain Martin Schongauer (1430-91). Le jeune Durer a ensuite illustré la précision créative et la méthodologie de dessin qui caractérisent la Renaissance allemande. . Dessinateur infatigable, il maîtrisait toutes les techniques et exerçait une influence durable et étendue. Les dessins de paysages de Durer, ainsi que ceux d’Altertorfer et Huber, témoignent d’un sentiment étonnant pour la nature qu’on pourrait presque qualifier de romantique. Les portraits humanistes de Hans Holbein le Jeune ont également eu un impact significatif sur les contemporains, de même que la linéarité plus stricte des portraits du père et fils français, Jean (1485-1540) et François (1510-72) Clouet.

Pendant ce temps, au sud des Alpes, le dessin connaissait une phase encore plus révolutionnaire dans le cadre de la Renaissance italienne.

Comment la Renaissance italienne a influencé le dessin

Jusqu’au XIVe siècle, le dessin était rarement considéré comme un art. art forme en soi. Au lieu de cela, il a été considéré simplement comme un avant-projet de peinture ou de sculpture. Le peintre italien Cennini (c.1369-1440) l’a doté d’un certain respect en le décrivant comme une passerelle vers la peinture réussie, mais ce n’est qu’au Renaissance italienne et l’arrivée d’artistes comme Leonardo Da Vinci et Michelangelo, un siècle plus tard (avec une plus grande disponibilité de papier), qui le transformèrent en une forme d’art indépendante. Pour plus de détails, voir: Meilleurs dessins de la Renaissance .

Le début de la Renaissance italienne a été témoin de développements significatifs dans la maîtrise de la perspective en dessin et en peinture.

Tout l’art naturaliste avec n’importe quelle forme de sujet de fond a besoin de profondeur. C’est-à-dire que l’arrière-plan doit apparaître lointain, par rapport au premier plan. Le terme perspective linéaire désigne cette création de profondeur par laquelle les images d’arrière-plan d’un dessin à plat apparaissent plus éloignées. Le contrôle du «point de fuite», la convergence des lignes du point de vue de l’artiste, est essentiel. Renaissance italienne qui dessinateurs furent les pionniers les règles de la perspective linéaire comprennent: Andrea Mantegna (1431-1506), Piero della Francesca (1420-1492), dans sa peinture La Flagellation du christ (c.1470), Raphael (1483-1520) dans son travail L’école d’Athènes (c.1509).

Artistes de la première Renaissance (c.1400-90)

La Renaissance italienne du 15ème siècle a été témoin d’expérimentations considérables avec différents supports et supports. Voici une brève liste de dessinateurs italiens et leurs dessins.

Fra Angelico utilisait un lavis et des encres pour Le prophète David jouant un psautier (1430), aujourd’hui au Musée anglais , Londres; Antonio Pisanello a utilisé un stylo et de l’encre, aquarelle. Gouache blanche et traces de pierre noire ou de point noir pour son sanglier (1434, Louvre); Jacopo Bellini a utilisé le point de repère pour The Vision of St Eustace (1445, British Museum, Londres); Frère Filippo Lippi a utilisé la pointe métallique et le lavis brun sur craie noire, rehaussés de blanc sur du papier préparé couleur saumon pour sa femme, sainte, debout (1440, British Museum); Benozzo Gozzoli a utilisé pour sa tête de moine une gouache blanche et une gouache brune sur une pointe de métal sur du papier préparé ocre (1447, Musée Condé, Chantilly); Andrea Mantegna Utilisez un stylo et de l’encre sur des traces de pierre noire pour créer un homme couché sur une dalle de pierre (années 1470, British Museum); Andrea del Verrocchio utilisa la plume et l’encre pour ses Cinq études sur les nourrissons (1470, musée du Louvre); Sandro Botticelli a utilisé un stylo et de l’encre et un lavis brun pâle sur une craie noire sur du papier teinté de rose, rehaussé de blanc pour créer Abundance ou Autumn (1480, British Museum). Voir également: Renaissance à Florence .

Artistes de la Haute Renaissance (c.1490-1530)

Luca Signorelli a utilisé des craies noires, rouges et blanches, carrées à la craie noire et à l’encre brune pour son étude sur Le prêteur dans l’Antéchrist d’Orvieto (1500, musée du Louvre); Leonardo Da Vinci a utilisé un pinceau avec une détrempe grise et des reflets blancs, des traces de pinceau et d’encre noire sur du lin pour créer une étude de draperie pour une figure assise (années 1470, musée du Louvre); il utilisa la plume et l’encre sur les traces de stylet et de pointe pour produire Adoration des mages (1481) et des craies noires, rouges et ocres sur fond blanc pour son Portrait d’Isabelle d’Este (1499); Michelangelo a utilisé de la craie rouge pour ses dessins. Studies on Torso of Haman (1511, British Museum), Étude pour Adam (c.1511, British Museum); pierre noire avec des traces de blanc sur le stylet pour ses dessins d’ Ignudo (vers 1511) et sur la lavis pour créer un crayon et une encre pour créer Le Prophète David jouant un psautier (1430, British Museum); Raphael a utilisé la craie rouge pour Study for Alba Madonna (1509), la craie noire pour Study pour le retable de Saint-Nicolas de Tolentino (1500) et la pointe de métal pour Head of Virgin and Child (1504). Voir également: Renaissance à Rome .

16e siècle

Fin dessin Renaissance de la période maniériste (c.1520-1600 de) a été illustré par Jacopo Pontormo (1494-1556) à Florence, Parmigianino (1503-1540) dans le nord de l’ Italie, et Tintoret (1518-1594) à Venise – qui tous Le metalpoint et le stylo ont été utilisés comme vecteurs d’expression essentiels. Leurs dessins étaient étroitement liés à leur peinture, tant dans le contenu que dans la méthode graphique de contournage sensible et de raccourci audacieux. .

16ème / 17ème siècle

Bologne était un centre important de la rédaction de dessins à la fin du XVIe siècle: Annibale Carracci avec son frère Agostino Carracci et cousin Ludovico Carracci , a fondé l’Académie degli Desiderosi (renommée plus tard "Academia degli Incamminati"), qui formait le noyau de la Ecole Bolognaise de peinture (c.1590-1630). L’académie Carracci a défendu un art classique qui accordait une grande importance au dessin méticuleux et ferme. Voir: Classicisme et Naturalisme dans la peinture italienne.

17ème siècle

Au début du XVIIe siècle, Jacques Callot (1592-1635) s’est fait connaître dans l’art français, notamment pour ses illustrations graphiques de la guerre de Trente ans. À Anvers flamand, Peter Paul Rubens (1577-1640) a produit une multitude d’études et de croquis qui font partie intégrante de sa production créative. Afin de propager ses thèmes picturaux, il a maintenu sa propre école de dessinateurs et de graveurs, dont les élèves comprenaient Jacob Jordaens et Anthony Van Dyck. L’artiste néerlandais Hercules Seghers (1590 – après 1633) était extrêmement inventif dans ses interprétations des motifs de l’Ancien Testament et sa grande maîtrise de toutes les techniques de dessin. La plupart des peintres de l’âge d’or néerlandais du 17ème siècle, y compris Brouwer, Van Ostade, Pieter Saenredam (1597-1665), Paulus Potter (1625-1654) et l’incomparable Rembrandt (1606-1669) étaient également des dessinateurs invétérés qui inscrivaient leurs idées thématiques dans des dessins presque entièrement achevés. Au XVIIe siècle en Italie, le dessin était pleinement inscrit dans les programmes des académies des beaux-arts, notamment à Bologne, à Florence et à Rome. Le développement en cours du dessin de paysage, initié par les frères Carracci, Domenichino et Salvator Rosa (1615-1673). Le peintre français Claude Lorrain, basé à Rome, est allé plus loin et a créé virtuellement son propre genre d’art paysager à ciel ouvert italien. Ce dessin en plein air a également été pratiqué par le classique français Nicolas Poussin et par les artistes néerlandais Jan Asselyn (1610-16), Claes Berchem (1620-1683) et Karel Dujardin (1622-1678), entre autres.

18ème siècle

En France, Jean-Antoine Watteau , comme beaucoup d’autres, a fait des dessins pour "garder la main" dans sa peinture: la plupart des personnages de ses peintures étaient basés sur des dessins antérieurs. Plus énergiques étaient les artistes du 18ème siècle François Boucher Jean-Honoré Fragonard, Hubert Robert et Gabriel de Saint-Aubin, dont les dessins englobaient des paysages, des études figuratives et des œuvres de genre.

À Venise, au XVIIIe siècle, les dessins architecturaux exceptionnels de la ville par Canaletto étaient suivis d’un ensemble de dessins au stylo et pinceau luminaristiques de Giambattista Tiepolo (1692-1770) et sa famille. L’architecte Giambatttista Piranesi a ensuite réalisé ses puissants dessins d’intérieurs de bâtiments et de voûtes étranges ("Carceri"). À la fin du 18ème siècle, l’artiste espagnol Goya produisit ses dessins innovants en pinceau-sanguine combinant les effets luminaristiques des dessins de Tiepolo avec le drame du clair – obscur à la Rembrandt.

19ème siècle

Le début du 19ème siècle a produit un style de dessin qui a mis l’accent sur l’élément linéaire. L’un de ses grands maîtres fut le peintre académique JAD Ingres (1780-1867). Les nazaréens allemands, ainsi que des romantiques comme Philipp Otto Runge (1777-1810) et Caspar David Friedrich (1774-1840) n’étaient que légèrement moins rigoureux dans l’utilisation de la pointe dure. Parmi les autres dessinateurs à inclinaison linéaire, citons le préraphaélite anglais John Millais (1829-1896), le réaliste américain Thomas Eakins (1844-1916), ainsi que des maîtres parisiens tels que Picasso, Matisse et Modigliani. Pendant ce temps, les dessins de Daumier utilisaient des effets de clair-obscur illustrés pour faire des déclarations énergiques de critique sociale.

En fait, la France en général, et Paris en particulier, ont continué à être un centre important de l’art du dessin, une forme illustrée par les œuvres remarquablement inventives de Dégazer (1834-1917), Toulouse-Lautrec (1864-1901), Van Gogh (1853-1890), et Cézanne (1839-1906). le Art Nouveau L’idiome avec ses lignes sinueuses et ses courbes non géométriques a été illustré dans les dessins de Aubrey Beardsley .

20ième siècle

Les artistes expressionnistes allemands développent des styles de dessin particulièrement emphatiques, avec une délimitation puissante et des formes exagérées. Des exemples notables peuvent être trouvés dans les travaux d’Ernst Barlach (1870-1938), Kathe Kollwitz (1867-1945), Alfred Kubin, Ernest Ludwig Kirchner (1880-1938), Karl Schmidt-Rottluff (1884-1976), Max Beckmann (1884-1950), Oscar Kokoschka (1886-1980) et George Grosz. Parmi les autres points forts du dessin figuraient les compositions abstraites de Wassily Kandinsky (1866-1944), les sublimes dessins à la plume et à la plume de Paul Klee (1879-1940) et les œuvres figuratives du virtuose autrichien Egon Schiele (1890-1918), avec son homologue contemporain Lucian Freud (b.1922). Le dessin était particulièrement important dans l’œuvre des peintres de l’ École de Paris , tels que Pierre soulages (né en 1919) et Hans Hartung (1904-1989). Bien entendu, le dessinateur le plus prolifique de l’Ecole de Paris était Pablo Picasso , un artiste qui a su exploiter ses diverses possibilités techniques. Il est sans doute le plus grand dessinateur du XXe siècle et l’un des plus grands de la histoire des arts .