David Wojnarowicz: artiste de collage, graffiti Automatique traduire

Biographie

L’artiste américain multimédia David Wojnarowicz est surtout connu pour ses techniques mixtes art de collage, dont une grande partie était intensément critique de la société américaine. Son autre art contemporain – qui comprenait la photographie et l’écriture, ainsi que La peinture et art de la performance – couvrait également diverses questions, telles que le sida, le pouvoir des médias, la corruption, le sexe et la lutte entre les machines et la nature. Une partie de New York avant-garde, il était – avec Jean-Michel Basquiat (1960-1988) et Keith Haring (1958-90) – au centre du tourbillon semi-souterrain de New York art postmoderniste, où tout et tout a été essayé. Wojnarowicz est l’un des nombreux artistes à avoir été reconnu sur la scène artistique de l’East Village au début des années 80. art de graffiti – au pochoir peintures murales des maisons en flammes et des figures en chute. En 1985, il a participé à la prestigieuse Biennale de Whitney, appelée "Graffiti Show". La mort en 1987 de son ami Peter Hujar, photographe, suivie de son propre diagnostic du sida en 1988, a amené Wojnarowicz à devenir un militant dans la campagne visant à faire connaître la maladie et son impact social et psychologique. Il est décédé de la maladie chez lui à Manhattan le 22 juillet 1992 à l’âge de trente-huit ans. Depuis lors, son travail est apparu dans certains des meilleures galeries d’art contemporain en Amérique, et il est maintenant considéré comme l’un des plus talentueux de New York artistes postmodernistes des années 1980.

Jeunesse

Wojnarowicz est née à Red Bank, dans le New Jersey. Après avoir été maltraité dans son enfance, il s’est enfui de chez lui et, à l’adolescence, est devenu un enfant prostitué à Times Square, à New York. Après avoir fréquenté une série d’écoles, il s’est finalement formé à la High School of Music and Art à Manhattan. Après avoir passé un certain temps loin de la ville, vers le milieu / la fin des années 70, il rentre en 1979 et devient rapidement l’un des artistes de rue les plus en vue du East Village, réalisant des images au pochoir de maisons en feu. Il a également réalisé des films super-8, joué dans un groupe et exposé dans des galeries réputées de l’East Village, telles que Civilian Warfare, la galerie de photos Public Illumination, la galerie Ground Zero Gallery NY, le manoir Gracie et Hal Bromm. il a également collaboré avec d’autres meilleurs artistes contemporains incluant le photographes Peter Hujar (b.1934-87) et Nan Goldin (né en 1953) et des sculpteurs comme Kiki Smith, l’artiste de performance Karen Finley et le cinéaste underground Richard Kern (en 1954).

L’art de Wojnarowicz

le art David Wojnarowicz ne laisse aucune ambiguïté sur l’identité de l’artiste. Au contraire, Wojnarowicz utilise sa déviance reconnue (prostitution enfantine) pour mettre à nu les défauts éthiques et la dissimulation de la société. L’esthétique qu’il a créée à partir de ce regard et de cette exposition douloureusement intransigeants incarne néanmoins la beauté remarquable d’un esprit complexe et incisif. En même temps, il était l’un des plus brillants représentants de l’art du collage de la fin du XXe siècle et utilisa son talent pour créer une série d’interactions en couches entre la nature, son identité personnelle et les valeurs culturelles contemporaines. Comme il l’a dit:

«Toute ma vie, j’ai eu l’impression de regarder la société de l’extérieur, parce que j’avais incarné tellement de choses supposément répréhensibles: être homosexuel ou avoir été prostitué quand j’étais enfant ou avoir un manque d’éducation. Toute ma vie, j’ai regardé le monde avec le désir d’être accepté, mais… le seul moyen de me faire accepter serait de nier toutes ces choses. Au moment de mon diagnostic de sida, j’abandonnais totalement ce désir de s’intégrer., et a commencé à réaliser que les endroits où je ne me trouvais pas et la manière dont j’étais diversifiée étaient les parties les plus intéressantes de moi.

"Eau" (1987) de David Wojnarowicz
Collage à l’acrylique, encre sur masonite.

"Eau" (1987)

Dans "Water" (1987, Collection privée, New York), tableau appartenant à un cycle de compositions sur terre, air, feu et eau, un paquebot sombre se jette dans une vaste mer nocturne. Comme on peut le voir avec la vision aux rayons X de Superman, un échancrure sur la coque révèle un étrange enchevêtrement de viscères de couleur étouffée, le tout dessiné avec une simplicité de style de bande dessinée. Au-dessus et au-dessus du navire se trouve une grenouille, rendue avec un naturalisme méticuleux dans une palette riche comme seule la nature elle-même pouvait le concevoir. Une fenêtre s’ouvre à l’arrière de la grenouille et baisse les yeux sur une photographie en noir et blanc d’une voiture hulk détruite, abandonnée sur le bord de la route. Ici, les contrastes saisissants entre le rendu humain luxuriant de la nature (la grenouille) et le réalisme saisissant de la photographie incolore (enregistrant les détritus de la décadence urbaine) constituent l’un des nombreux niveaux de discours chargés dans l’image.

Wojnarowicz a rempli le centre de l’eau d’une grille aux contours organiques comprenant de petites images en noir et blanc dans un style illustratif. L’objet de ces images concerne les différentes images situées à la périphérie de la composition. Certains cadres contiennent des spirales énergiquement tourbillonnantes, telles que des tourbillons d’eau: il y a des paysages fluviaux et océaniques avec un nageur, des poissons, des vues du bateau à vapeur à la lumière du jour, des superpositions avec d’autres images; la grenouille revient, une fois sur une échelle surréaliste regardant sur une balustrade, et dans une autre section, il est préfiguré en œufs et têtard; et d’autres allusions à l’ontogenèse ou à la biologie des organes internes apparaissent également autour de la grille. Enfin, il y a trois scènes ouvertement érotiques, décrivant des rencontres sexuelles entre deux femmes, trois hommes, et dans la troisième, le torse masculin nu et un spectateur impliqué.

Dans le coin supérieur droit de Water, l’artiste a superposé une vignette colorée et circulaire sur ce damier monochrome, montrant une main enveloppée de bandages et s’étendant à travers les barreaux de la prison. Une fleur semble tomber de la main dans un ciel enneigé avec de minuscules figures blanches dispersées ci-dessous comme des flocons de neige. Enfin, l’eau bleue et le ciel nocturne qui forment un périmètre autour du tableau sont parcourus par une école de spermatozoïdes qui animent la composition avec un motif délicat dans leur profusion libre.

Une partie de l’impact de cette peinture, et du travail de Wojnarowicz en général, implique une compréhension radicale de la superposition complexe des impressions de la nature, des cadres d’interprétation subjectifs et des langages de la culture qui constituent ce que nous comprenons aujourd’hui comme une "réalité". " Wojnarowicz semble avoir connu tous ces niveaux avec une remarquable netteté.

La carrière de Wojnarowicz ressemble à celle de Basquiat et de Haring dans la mesure où il a attiré l’attention sur la scène du centre-ville à travers les clubs, où il a commencé à jouer avec un groupe de bruit post-punk appelé "3 Teens Kill 4 – No Motive" en 1979. Mais Au cœur de ses premiers travaux, il a mis l’accent sur un activisme politique de type guérillero, gravant au pochoir des images murales qu’il avait recueillies dans les tabloïds, la politique, des dinosaures, des armes à feu, des agresseurs, des soldats, des torses d’hommes, des toxicomanes en pleine expansion. Son but était d’attirer l’attention sur l’état d’urgence éthique qu’il avait trouvé dans la culture américaine des années quatre-vingt.

Wojnarowicz a fréquemment fait un usage puissant des médias de la performance et installation d’art, parfois dans des galeries et parfois dans des bâtiments abandonnés ou même des sites illégaux comme les jetées abandonnées situées à l’ouest de Canal Street à New York. En tant qu’acte de conscience, il n’a jamais permis que son succès dans le monde de l’art (qui frôlait le considérable au milieu des années 1980) occultait sa déclaration politique et sociale. Parfois, il attaquait directement la facilité complaisante de l’établissement artistique. En 1980, avec son ami Julie Hare, il jeta un tas d’os de vache ensanglantés du quartier des viandes charactères dans la cage d’escalier de la chic galerie SoHo appartenant à Leo Castelli, quand il a été plein de visiteurs, et en 1982, ils ont apporté une contribution spontanée à l’exposition "Beasts" au PSI, en libérant des blattes vivantes avec de minuscules oreilles et queues de lapin collées ("cockabunnies") dans les galeries à l’ouverture. "

Soumis à une nouvelle forme de conscience de soi par les écrits du romancier français Jean Genet et plus tard par William Burroughs, Wojnarowicz développa un style de travail conflictuel qui poussa son art hors de la zone de confort. Son travail porte sur la réelle immédiateté de l’expérience corporelle et de l’identité dans une culture remplie de violence non reconnue, que la société dissimule sous un flot de fiction et de contradiction.

"Vous pouvez vous retourner et voir des images de décomposition", a souligné Wojnarowicz, "puis vous retourner et voir un restaurant où il coûte 40 dollars pour un repas. Vous superposez donc constamment des images à des images que vous prenez en sandwich. TV, des magazines, de l’information, de la mémoire, des panneaux d’épicerie – et il y a toute cette suggestion de consommation… d’images. "

"La mort de la spiritualité américaine" (1987)

"La mort de la spiritualité américaine" est un tableau récapitulatif pour Wojnarowicz, qui énonce carrément son thème le plus grandiose. Il a divisé la composition en quatre panneaux, reliés par la continuité du taureau sur trois d’entre eux, les montagnes sur deux autres, le ciel sur deux autres. Pourtant, tandis que le ciel se prolonge et que des éclairs rouges joignent les quatre cadres, les rochers gris en haut à droite s’arrêtent brusquement sur les bords et le bord droit de la montagne est abruptement coupé par la ligne médiane de la composition lorsque d’autres éléments ne sont pas. Cela renforce de manière discordante la réalité de l’expérience à plusieurs niveaux pour Wojnarowicz, comme dans sa peinture Eau.

Les images terrifiantes du charmeur de serpents Hopi et de la kachina avec ses traînées d’énergie rayonnantes sont les avatars de l’ancienne culture des Amériques et peut-être la force purifiante de la nature elle-même. Ils semblent sortir des flammes de la destruction, encerclant les roulements collés des billets en dollars (en haut au centre) et les engrenages peints sur une carte politique des continents américains, allant même jusqu’au lasso du bras du cow-boy, qui dérive du précédent pochoir graffiti de Ronald, de Wojnarowicz Reagan comme un "buckaroo" nucléaire. Wojnarowicz a déjà souligné que les enfants sont aujourd’hui les seuls dans la société à penser au bien et au mal. Il a désespéré de cette "société malade", et pourtant il semble avoir eu une lueur d’espoir que la confrontation directe avec son échec moral pourrait contribuer à son salut.

Critiques

Malheureusement, l’énorme talent artistique de Wojnarowicz pour la peinture et le collage a été éclipsé par ses attaques controversées contre la société américaine. Après tout – pour prendre un autre exemple – le fait que quelqu’un ait un talent pour l’arithmétique mentale ne signifie pas pour autant qu’il est doué d’une compréhension sociale supérieure à la moyenne. Peut-être le critique d’art Clément Greenberg avait raison dans un article intitulé "Art abstrait" publié dans The Nation en avril 1944: "Laissez la peinture se limiter à la disposition pure et simple de la couleur et du trait et ne nous intriguez pas par des associations avec des choses que nous pouvons expérimenter plus authentiquement ailleurs. "

Des peintures de David Wojnarowicz sont apparues dans certains des meilleurs musées d’art en Amérique, y compris le musée d’art américain Whitney, New York.

Articles Liés

RÉFÉRENCES
Nous remercions chaleureusement Jonathan Fineberg (2000, Laurence King Publishing) pour son travail sur "Art Since 1940", une référence inestimable pour tout étudiant sérieux en arts visuels contemporains et postmodernes en Amérique et en Europe.