Robert Morris:
sculpteur minimaliste, assembleur Artiste:
Biographie

Biographie

L’un des plus complexes et stimulants artistes postmodernistes, Morris a acquis une renommée dans un grand nombre de mouvements d’art contemporain. Il a commencé par explorer la peinture expressionniste abstraite, puis art de la performance, avant de choisir le contemporain sculpture. Au cours des années 60, avec Donald Judd, il devint l’un des représentants et théoriciens les plus connus de minimalisme, recevant les éloges de certains des meilleures galeries d’art contemporain. Il a défendu une philosophie artistique dans laquelle l’art est réduit à de simples formes géométriques dépourvues de toute référence, l’accent étant mis sur la manière dont le spectateur interagit avec l’œuvre. Certains critiques d’art l’ont giflé, d’autres, comme Michael Fried (né en 1939), en étaient moins sûrs. Pendant le reste des années 1960 et 70, Morris continua d’explorer les limites de l’art de processus, notamment dans les domaines de art d’assemblage – dans lequel son utilisation de feutre et d’autres matériaux non conventionnels minimisait l’importance du produit fini. – et en art terrestre. La contribution de Morris à art postmoderniste comprend également un certain nombre d’essais critiques importants, dans lesquels il exprime son point de vue sur le hasard et l’éphémère. Ils comprennent "Quelques notes sur la danse" (1965), "Notes sur la sculpture" (1968), "Anti Form" (1968) et "Aligned with Nazca" (1975). Que vous appréciiez (ou compreniez) ou non Robert Morris, sa créativité et son influence sur art contemporain et d’autres artistes contemporains est indéniable. En effet, on pourrait dire que – comparé à Morris – Gagnants du prix Turner comme Damien Hirst (b.1965), Gilbert et George (né en 1943 à 1942) et Martin Creed (né en 1968), pour ne nommer que trois d’entre eux, semblent plutôt légers.

Education et début de carrière

Né à Kansas City, dans le Missouri, Morris a étudié l’ingénierie à l’Université du Kansas (1948–50), après quoi il s’est inscrit au Reed College, où il a étudié la philosophie. Après cela, il se tourna vers l’art et s’entraîna à la California School of Fine Arts de San Francisco. Cependant, il a interrompu ses études après un an pour servir dans l’Army Corps of Engineers en Arizona et en Corée. Après sa sortie, Morris a commencé sa carrière d’artiste à San Francisco, produisant des peintures dans le style de expressionisme abstrait.

À partir de maintenant, son implication constante dans une variété de types d’art conduit à une fertilisation croisée des idées. Ainsi, à partir de son expérience avec peinture gestuelle, la notion d’art comme enregistrement d’une performance de l’artiste (illustrée par Hans Namuth dans ses photos de Jackson Pollock fait son action painting) a conduit à l’intérêt de Morris pour la danse et la chorégraphie: un intérêt encouragé par son épouse, la danseuse et chorégraphe Simone Forti. En 1959, ils s’installent à New York où ils rejoignent un groupe de danseurs improvisés connu sous le nom de Judson Dance Theatre, pour lequel Morris chorégraphie plusieurs œuvres, notamment Arizona (1963), 21.3 (1964), Site (1964) et Waterman Switch (1965).). À leur tour, les formes rudimentaires en forme de boîte en bois que Morris a construites comme accessoires pour ses productions de danse ont suscité un vif intérêt pour la sculpture minimaliste. Dans ses expositions personnelles à la Green Gallery, à New York (1964 et 1965), il expose des salles entières de ces objets indescriptibles. À partir de 1966, il se tourna vers des matériaux plus industriels, comme l’aluminium et les treillis d’acier. En allant au bord de l’enveloppe, il a également produit une série de Néo-dada style installations dont les composants comprennent des cerveaux sculptés et des lectures électroencéphalogrammes, à la manière de constructions antérieures par Marcel Duchamp (1887-1968). Curieux comme toujours, Morris a poursuivi ses études dans les années soixante. De 1961 à 1963, il a obtenu une maîtrise en histoire des arts Hunter College, New York, finira en 1966 par terminer une thèse sur le sculpteur roumain moderniste Constantin Brancusi (1876-1957). La même année, il réussit à publier une série d’essais influents "Notes sur la sculpture" dans Artforum et à exposer deux faisceaux en L lors de l’exposition de 1966 intitulée "Primary Structures" au Jewish Museum de New York. (Voir aussi: Comment apprécier la sculpture moderne.)

Process Art

À la fin des années 1960, Morris échangea le contreplaqué et l’acier de ses œuvres minimalistes contre les matériaux souples liés à son exploration du Process Art. Comme Joseph Beuys (1921-86) – bien que pour des raisons tout à fait différentes – Morris s’intéressait particulièrement au feutre , qu’il entassait, empilait et suspendait dans une série d’œuvres d’art conçues pour mettre en évidence la différence entre la "forme" (où l’art est créé par l’artiste principes formels objectifs), et "processus" (dans ce cas, les propriétés physiques du feutre qui résiste à toute tentative de l’artiste de le façonner en formes prédéterminées). Tout cela était conforme à l’opinion de Morris selon laquelle l’art était une expression de son processus de production et non pas, comme le disait Clément Greenberg, une expérience purement visuelle. En d’autres termes, la philosophie du processus déclare que le produit final (l’objet d’art) n’est pas le centre principal. Le problème central est sa fabrication (le processus) et son expérience (l’interaction du spectateur avec lui). Certaines des œuvres de process de Morris ont été exposées à la prestigieuse galerie new-yorkaise appartenant à Leo Castelli (1907-99).

Voir: Évaluation de l’art: comment apprécier l’art et Comment apprécier les peintures.

Critiques

Parfois cependant, l’appétit de Morris pour la phénoménologie artistique et son zèle à faire participer les spectateurs sont allés trop loin. Dans son spectacle de 1971 à la Tate Modern à Londres, son exposition occupait toute la galerie de sculptures centrale avec un complexe de rampes et de cubes. Malheureusement, dans les 7 jours, il a été fermé pour des raisons de sécurité. La notion que son travail est essentiellement théâtral a été évoquée par Maurice Berger, Michael Fried et d’autres. Ces critiques s’inquiètent du fait que l’idée de créativité de Morris implique un rejet de trop qui est au centre de l’esthétique conventionnelle. Le sien art d’avant-garde, disent-ils: nie l’importance de l’originalité, sous-estime le savoir-faire et accorde trop de préséance à l’inconnu et au non conventionnel; il a même été associé à la controverse Groupe Fluxus. L’objet principal de Fried contre le style de sculpture minimaliste de Morris, décrit dans son célèbre essai de 1967 "Art and Objecthood", est qu’il nie la valeur de la composition et de la forme et exalte plutôt la signification du spectateur, transformant ainsi la sculpture d’une œuvre. de l’art dans un spectacle.

Travaux ultérieurs (série Firestorm)

Vers 1980, Morris est retourné à La peinture et dessin, avec une vision apocalyptique du monde moderne telle qu’affichée dans sa série Firestorm. Certains critiques ont fait valoir que cette nouvelle orientation correspondait tout à fait à la préoccupation historique de Morris concernant les thèmes de la mort. Dès 1962, Morris créa un assemblage inhabituel – I-Box (1962) – consistant en une boîte en bois recouverte de métal sculpté avec une porte rose en forme de lettre I. Une fois ouvert, il révèle une photo nue de l’artiste comme si placé dans un cercueil.

Des expositions

Des œuvres de Robert Morris ont été montrées dans beaucoup de meilleurs musées d’art en Amérique et à l’étranger. Il a eu d’importantes expositions personnelles, par exemple, dans les lieux publics suivants: Whitney Museum of American Art, New York (1970), le Institut d’art de Chicago (1980), le Musée d’art contemporain de Chicago (1986), le Newport Harbor Art Museum (1986) et la Corcoran Gallery of Art, Washington DC (1990). En 1994, le prestigieux Musée Solomon R. Guggenheim, New York, a tenu une grande rétrospective du travail de Morris, qui s’est rendue au Deichtorhallen à Hambourg et au Musée national d’art moderne à la Centre Pompidou à Paris.

Importance en tant qu’artiste

Bien que le jury soit toujours sur des questions comme " qu’est-ce que l’art ? "ou" quelle est la différence entre art et divertissement? ", et donc la réputation à long terme de nombreux artistes postmodernistes reste en suspens, certains des meilleurs artistes contemporains ne doutons pas de la pertinence et de l’importance de Robert Morris – en tant qu’artiste et écrivain d’art. Son influence sur Donald Judd (1928-94) et d’autres représentants du minimalisme, tels que le sculpteur conceptuel Fred Sandback (1943-2003), le peintre Jo Baer (né en 1929), le sculpteur expérimental Eva Hesse (1936-70) et l’artiste d’installation Felix Gonzalez-Torres (1957-96) en ce qui concerne les matériaux utilisés et la perception du spectateur sont assez évidents. Pour ces seules raisons, Morris est considéré comme un contributeur clé à Art américain de la fin du 20ème siècle.