La mise au tombeau du Christ, Caravage:
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La description

Nom : La mise au tombeau du Christ (Deposizione) (1601-3)
Artiste : Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610)
Moyen : Peinture à l’huile sur toile
Genre : Peinture d’histoire (religieux)
Mouvement : Peinture baroque
Lieu : Pinacothèque Vaticane, Rome

Pour une explication d’autres images importantes de l’époque baroque, voir: Tableaux célèbres analysés (1250-1800).

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Le Caravage se situe aux côtés du meilleurs artistes de tous les temps en raison de son approche ultra-naturaliste de Art baroque – impliquant des images réalistes du Christ, de la Vierge Marie, des saints et des prophètes – ce qui marque un changement fondamental par rapport au plus idéaliste Peinture maniériste et a beaucoup fait pour contrer le reconditionné Art de la haute renaissance de Annibale Carracci et ses partisans. Voir également: Classicisme et naturalisme dans la peinture italienne du XVIIe siècle (1600-1700).

Le nouveau Caravaggio naturalisme C’était précisément ce que le concile de Trente avait voulu dans les années 1550 en demandant une nouvelle forme de Art de la contre-réforme catholique que les gens ordinaires pourraient comprendre et être inspirés par. Mais de nombreux responsables conservateurs du Vatican ont trouvé trop brutal, et parfois trop irrespectueux, d’être installé dans une église. Sans se décourager, Caravaggio a continué à peindre des scènes dramatiques avec de vraies personnes "des verrues et tout". Il a démontré une parfaite maîtrise de la lumière et de l’obscurité, en utilisant la technique de clair-obscur d’ajouter du volume à ses chiffres et ténébrisme injecter ses images avec le drame réel. Plus tard, ce style de ’ Caravagisme "serait copié par certains des grands maîtres anciens, comme Rubens (1577-1640), Rembrandt (1606-69) et Vermeer (1632-1675). En dépit de sa notoriété bien méritée en tant que "génie du mal", Caravaggio était sans conteste le plus grand de tous. Artistes baroques italiens du début du 17ème siècle. Voir également: Les visites du Caravage à Naples (1607-10).

La mise au tombeau du Christ – Le monument le plus monumental et le plus admiré du Caravage retable – a été peint pour la chapelle de la Pietà dans la Chiesa Nuova, l’église de Santa Maria in Vallicella, à Rome, qui a été construite pour la congrégation des prêtres, fondée en 1561 par Saint Philippe Neri. L’artiste a reçu la commande originale d’Alessandro Vittrice en 1601, peu de temps après avoir terminé The Conversion de saint Paul sur le chemin de Damas (1601) et le Crucifixion de saint pierre (1601) pour la chapelle de Cerasi dans l’église de Santa Maria del Popolo. Il l’a terminé deux ans plus tard. L’original fait maintenant partie de la collection de Musées du Vatican, tandis qu’une copie est suspendue dans la Capella della Pietà. La peinture a été universellement admirée par les critiques d’art contemporains tels que Giulio Mancini (1559-1630), Giovanni Baglione (1566-1643) et Gian Pietro Bellori (1613-1696) – auteur de la célèbre Vies des artistes (Vite de’Pittori, Scultori et Architetti Moderni, 1672).

le La peinture se compose d’un groupe figuratif très compact composé de six personnes, y compris le Christ mort. La moitié supérieure du corps du Christ (celui d’un ouvrier musclé) est soutenue par Jean l’évangéliste (dans le manteau rouge) (ou éventuellement Joseph d’Arimathée), sa main droite par inadvertance doigté la plaie du Christ poignardée; la moitié inférieure est portée par Saint Nicodème, qui enlève traditionnellement les ongles des pieds du Christ sur la croix. Nicodème est le personnage dominant de la photo et son corps est son ancrage compositionnel et spirituel. Historiquement un homme de richesse, il est décrit ici comme un ouvrier, dont la forme délibérément conçue en forme de troll suggère un service dévoué à son défunt Seigneur. Il nous regarde sans broncher hors du plan d’image, nous mettant presque au défi d’interférer avec le rituel et, ce faisant, nous entraînant dans le tableau.

Derrière les deux hommes, les trois femmes sont regroupées en éventail. Ils incluent (de gauche à droite): la Vierge Marie à moitié obscurcie, décrite ici comme une religieuse âgée, qui étend les bras horizontalement dans une bénédiction et une acceptation générales de ce qui s’est passé; au centre, le visage ombragé, Marie-Madeleine, la disciple de Jésus, qui sèche ses larmes avec un mouchoir blanc; à droite, la femme en pleurs, Marie de Clopas, sœur de la Vierge Marie, qui lève les bras au ciel. Elle rappelle beaucoup de son ancienne Marie dans Conversion de la Madeleine (1598, Detroit Institute of Art), qui était inspirée du modèle Fillide Melandroni, âgé de 22 ans.

Les cinq personnes en deuil sont debout sur une dalle de pierre plate (considérée auparavant comme un couvercle pour une tombe), qui représente probablement la Pierre de l’Onction, où le corps du Christ a été oint d’huile et enveloppé dans un linceul, comme décrit dans l’Évangile de John.

Comme d’habitude, Caravaggio tente de capturer un moment précis pendant l’action. Dans ce cas, il dépeint le moment juste avant que les deux hommes l’abaissent dans la tombe. Dans quelques secondes, il sera parti et les personnes en deuil seront seules.

Certains commentateurs affirment que Caravaggio a emprunté des éléments à la Lamentation of Christ (1460-3, Uffizi, Florence) en Roger van der Weyden, la déposition (1507, Galleria Borghese, Rome) par Raphaël et la Pietà Florentine (1547-53, Museo dell ’Opera del Duomo, Florence) de Michelangelo. Cependant, les similitudes ne sont pas claires et, en tout état de cause, la mise au tombeau de Caravaggio est un travail distinct, indépendant et (sans doute) bien supérieur.

Sur le plan de la composition, le tableau s’articule autour d’un motif diagonal de formes et de mouvements, depuis les mains hystériques de Mary Clopas (en haut à droite), en passant par l’épaule affaissée de Marie-Madeleine, le coude de Nicodème et le torse du Christ, jusqu’au bout du linceul blanc (en bas à gauche).).

Le motif en forme d’éventail – Mary Clopas debout, Mary Magdalene penchée en avant, Nicodème arqué et Christ horizontal – nous présente une cascade de membres et de têtes qui ajoute de la tension et du mouvement à un instantané essentiellement "figé" dans le temps. Fait intéressant, l’image devient plus silencieuse à mesure que notre œil se déplace de haut en bas.

Il est possible de lire la photo comme une allégorie de la vie et de la mort. Au sommet, nous avons des personnes vivantes. En bas, le tombeau et la mort. Au centre, Jésus-Christ agit comme une barrière entre les deux. Cela illustre le dogme catholique selon lequel ce n’est que par la foi en Christ que nous pourrons éviter la mort et monter au ciel.

Un petit détail mérite d’être mentionné. En bas à gauche de la peinture se trouve une plante connue sous le nom de Verbascum thapsus, appelé communément molène. Croyant posséder des propriétés médicinales et éloigner les mauvais esprits, il symbolise la résurrection à venir et le triomphe de la mort. Le Caravage l’a également incluse dans son musée Saint Jean-Baptiste (1604, musée d’art Nelson-Atkins) et dans Repos sur la fuite en Égypte (1586, Galerie Doria Pamphilj, Rome).

La mise au tombeau du Caravage a inspiré de nombreuses autres œuvres, notamment: "La mise au tombeau du Christ" (vers 1608, fusain et pierre blanche, Ashmolean Museum, Oxford) de Guy François (1578-1650); et "The Enterrement" (1612, Musée des beaux-arts du Canada) de Peter Paul Rubens.

Trois ans après l’achèvement de la mise au tombeau, Caravaggio a fui Rome et a cherché refuge à Naples à la suite d’une bagarre dans laquelle il a tué un homme. Quatre ans plus tard, il était mort. Pour plus d’informations sur son travail dans le sud de l’Italie, voir: Caravage à Naples (1607-10) et Ecole Napolitaine de Peinture.