Caravaggio: peintre baroque italien, fondateur du caravagisme Automatique traduire

Sommaire

L’un des plus iconoclastes et influents Maîtres Anciens, Le Caravage est vénéré pour son style naturaliste de Peinture baroque, une alternative controversée au classicisme d’Annibale Carracci, ainsi que le style précédent de Maniérisme. (Voir également: Classicisme et naturalisme dans la peinture italienne du XVIIe siècle.) Mieux connu pour ses peintures religieuses, il a utilisé des ouvriers, des paysans et des courtisanes comme modèles pour ses figures bibliques. Cette naturalisme suscité l’opposition des autorités religieuses et d’autres personnes qui ont rejeté une grande partie de ses art religieux pour être trop impie. Cette réaction négative semble indiquer que le Vatican était de moins en moins inquiet à propos de la révolte protestante, car le peuple terre-à-terre du Caravage Art baroque C’est précisément ce que souhaitait le concile de Trente (1545-1563), qui demandait un type de déclaration plus pertinent et plus compréhensible. Art de la contre-réforme catholique pour ses églises et chapelles. En tout état de cause, la virtuosité de sa peinture – il a évité l’approche florentine disegno au profit de la méthode vénitienne de travailler alla prima, sans dessin préalable – et son traitement révolutionnaire des Art biblique, fait de lui l’un des plus influents Artistes baroques italiens du 17ème siècle. Le sien plus grandes peintures, ceux qui ont fait sa réputation comme l’un des meilleurs peintres d’histoire en Italie, comprennent: L’appel de saint Matthieu (1600) et Le martyre de saint Matthieu (1600), pour la chapelle Contarelli; Conversion sur le chemin de Damas (1601) et le Crucifixion de saint pierre (1601) pour la chapelle de Cerasi; Souper à Emmaüs (1601, National Gallery, Londres); Mort de la Vierge (1601-6, Louvre); et La mise au tombeau du Christ (1601-3, Musées du Vatican, Rome). La maîtrise du Caravage ténébrisme et clair-obscur si populaire auprès des collectionneurs d’art du 17e siècle et d’autres peintres qu’il a lancé une tendance européenne Caravagisme, inspirant à la fois Rubens (1577-1640) et Rembrandt (1606-69) parmi beaucoup d’autres.

NOTE: Tragiquement, en plus d’être un véritable génie artistique, Caravaggio était aussi un homme vil et violent avec un casier judiciaire qui comprenait des voies de fait et même des meurtres. Après une quinzaine de jours de dur labeur, il s’aventurait en ville, armé d’une épée, à la recherche d’un combat. En 1606, il tue un homme lors d’une bagarre, fuit Rome et passe les dernières années en tant que fugitif. Il meurt à 38 ans de fièvre à Porto Ercole alors qu’il se rendait à Rome pour obtenir une grâce. Une fin triste pour l’un des meilleurs artistes de tous les temps. C’est durant cette période tardive qu’il peint ses chefs-d’œuvre, La Flagellation du Christ (1607, musée Capodimonte, Naples) et David avec la tête de Goliath (1609-10, Galerie Borghèse, Rome).

Premiers jours

Michelangelo Merisi da Caravaggio est né près de Milan en 1571, son père était architecte ou décorateur. Cinq ans plus tard, pour échapper à la peste qui sévissait alors à Milan (tuant son père), la famille s’installa dans la ville de Caravaggio, près de Bergame (d’où leur nom de famille). Le jeune Caravaggio a fait ses débuts en tant qu’artiste. À 13 ans, à la suite du décès de sa mère des suites de la peste, il a été apprenti chez la peintre Simone Peterzano (vers 1540-156), ancienne élève de Titian et disciple de la École d’art lombard Le style de peinture lombarde valorisait la simplicité et le naturalisme, ce qui devait avoir une influence importante et durable sur le jeune peintre et son style artistique.

Formation de naturaliste

Le fait de sa formation va de pair avec celui de sa réputation critique. Alors qu’il était encore en vie, Federico Zuccaro (1540-1609), premier président du nouveau Académie d’Art à Rome, le désignait avec mépris comme un pauvre imitateur de Giorgione (1477-1510), tandis que ses partisans le louaient comme un peintre qui n’avait d’autre maître que la nature. Seul le mécène mécène sophistiqué des arts, Vincenzo Giustiniani (1564-1637), voyait – derrière la spontanéité naturaliste des peintures de Caravaggio – la participation consciente au mouvement de "retour à la nature" qui était au centre des préoccupations de la peinture italienne à la fin du 16e et au début de 17e. des siècles. Les critiques académiques, au contraire (comme Zuccaro), reprochèrent au Caravage de peindre des scènes sans histoire et sans action, et de représenter des scènes religieuses sans tenir dûment compte de l’iconographie établie par l’Église.

Le soutien du Caravage aux idées réalistes et anti-humanistes réalistes qui caractérisent le meilleur de l’œuvre de Lombard aux XVe et XVIe siècles, ainsi que ses relations avec Artistes maniéristes comme Giovanni Savoldo (actif 1506-48), Moretto da Brescia (1498-1554), Lorenzo Lotto (1480-1556) et les frères Campi, reste un fait acquis et essentiel pour toute compréhension de son travail dans son ensemble.

Premières années à Rome

Inutile de vous attarder sur les aventures qui ont jalonné la vie de Caravaggio. Ils n’ont d’intérêt que dans la mesure où ils aident à expliquer son caractère et la chronologie de sa carrière. À l’âge de 20 ans environ, malgré les différences entre son style et celui officiellement approuvé dans les milieux artistiques de l’époque, il parvint à trouver des mécènes et des collectionneurs aristocratiques à Rome. En effet, malgré l’emprisonnement, la fuite et tous les types de problèmes, il continua à produire des chefs-d’œuvre et conserva une compréhension poétique comme celle que l’on ne retrouve que chez les plus grands maîtres. L’un de ses attributs les plus importants était qu’il ne perdait jamais le contact avec la vie quotidienne et continuait à retrouver les personnages de ses peintures parmi les gens ordinaires.

Le Caravage est arrivé à Rome entre 1591 et 1592; et sans aucun doute sur son chemin, il aurait rencontré le travail de peintres comme Giotto (1267-1337) et Masaccio (1401-1428), qu’il devait égaler par la puissance de son imagination et de sa vision novatrice. À Rome, il a trouvé la vie difficile au début et a été obligé de gagner sa vie en produisant des œuvres populaires à bas prix, bien qu’il ait également commencé à travailler sur ses propres peintures. Au cours d’un séjour à l’hôpital de S. Maria della Consolazione, il a peint un certain nombre de tableaux qui ont été envoyés à Séville par le prieur espagnol de l’hôpital.

Caravaggio a ensuite fréquenté l’école de la Cavaliere d’Arpino (Giuseppe Cesari) (1568-1640), un peintre charmant mais superficiel qui n’avait aucune influence sur lui et qu’il quitta bientôt pour s’installer dans la maison de son premier mécène, Cardinal Francesco Maria Del Monte (1549-1627). Au cours de cette première période à Rome, il produit un groupe de petits tableaux de chevalet pour collectionneurs, dont le style apparaît nettement personnel et leur position par rapport à la tradition du XVIe siècle très clairement définie. Essentiellement anti-maniériste dans les relations entre espace et image, ils prennent Peinture maniériste la ligne intense et nerveuse, tandis que les couleurs claires et les arrière-plans font ressortir la vitalité des sujets. Les figures bien définies occupent la partie avant de l’image, ce qui, combiné à un éclairage puissant, crée un sentiment très fort de présence physique.

La caractéristique la plus originale de ces peintures est le choix du sujet mais aussi la liberté d’interprétation avec laquelle les sujets traditionnels sont investis. Pour la première fois dans l’histoire de la peinture européenne, le thème de Bacchus (1597, Uffizi, Florence) n’est plus qu’un prétexte pour représenter toutes sortes d’événements naturels et d’objets du quotidien; la figure adolescente du dieu, couronnée de feuilles de vigne, est traitée de manière presque moqueuse et n’est guère différente du Garçon à la corbeille de fruits (vers 1593-94, Galleria Borghese, Rome). Pour la première fois, un incident ordinaire comme celui du garçon mordu par un lézard (vers 1593-94, Galerie nationale, Londres) et un événement biblique comme Le sacrifice d’Isaac (vers 1603, Uffizi, Florence) même degré de signification picturale et traité avec le même sérieux et la même force dramatique.

Il n’y avait pas de hiérarchie des valeurs dans les nombreux aspects de la réalité qui ont nourri l’inspiration de Caravage. Ainsi, dans un autre tableau, Bacchus est décrit comme un garçon maladif des tavernes – The Sick Bacchus (1593, Galerie Borghese) -, tandis que Magdalene pénitente (Galerie Doria Pamphilj, Rome) est considérée non pas comme une courtisane, mais comme une femme du peuple. les gens, seuls avec ses souffrances dans une pièce pauvre et nue. Ainsi, Le repos lors de la fuite en Égypte (1595, Galerie Doria Pamphilj) est présenté comme une tranche de vie comparable à des peintures laïques telles que Le Fortune-Teller (1598-99, Louvre), Le Joueur de luth (1595- 96, Hermitage, Saint-Pétersbourg) et The Cardsharps (1594, Kimbell Art Museum, Fort Worth). Enfin, le motif unique de la nature morte avec une corbeille de fruits (1601, Pinacoteca Ambrosiana, Milan) frappe le spectateur de sa réalité tangible. Considéré comme l’un des plus beaux exemples de modernité peinture de nature morte en raison de son rejet du charme simplement descriptif, l’œuvre marque une rupture nette avec le peinture de genre qui l’a précédé.

Dernières années à Rome

Le tableau qu’il a réalisé pour la chapelle Contarelli retable dans l’église de S. Luigi dei Francesi, dont les dates ont récemment été fixées: 1599-1600 pour les panneaux latéraux ) L’appel de saint Matthieu et Le martyre de saint Matthieu) et 1600-22 pour la peinture de l’autel ) Saint Matthieu et l’Ange), marquent une étape importante dans la carrière de Caravaggio. Ces peintures ont été précédées par un certain nombre d’œuvres qui montrent les premiers signes d’un changement de style qui devait probablement quelque chose à l’arrivée de Rome à Rome. Annibale Carracci (1560-1609) en 1595, et en tout cas un changement d’attitude envers la culture classique officielle. The Supper at Emmaüs (1601, National Gallery, London), avec sa perspective plus exagérée et son ton plus austère et solennel, semble en fait être une réponse à la grande manière du École bolognaise tandis que saint Jean-Baptiste (dans les deux versions de la Galleria Capitolina [1602] et de la Galleria Borghese [1610] à Rome) et Amor Vincit Omnia (Cupidon victorieux) (1602, Gemaldegalerie SMPK, Berlin) – une sorte de parodie – est une exposition ouverte, même ironique, de la connaissance du Caravage avec la tradition classique du XVIe siècle.

Après son rejet juvénile de la tradition, le Caravage semble maintenant avoir traversé une période de réflexion et une interprétation inquiète des événements religieux. Ses convictions artistiques ont été consolidées et leur nature révolutionnaire a été d’autant plus facilement acceptée, du fait de la sérénité avec laquelle elles ont été exprimées. Audacieusement traduits dans les décors contemporains (une table à cartes dans L’appel de saint Matthieu, l’intérieur d’une église romaine dans Le martyre de saint Matthieu), les peintures religieuses du Caravage illustrent bien les événements à travers le rôle révélateur de la lumière. Dirigé de côté, provenant d’une source extérieure au tableau, la lumière sert à repérer les éléments essentiels de la composition, obéissant non pas à des lois optiques objectives, mais aux exigences expressives de l’artiste, interrompant brusquement les mouvements, comme dans un instantané, et plongeant la scène en clair-obscur dramatique et silencieux. C’était l’affirmation du luminisme de Caravaggio, dont les racines culturelles se trouvent dans le maniérisme.

La première version de l’autel représentant Saint Matthieu et l’ange (détruite à Berlin en 1945) était jugée trop réaliste et insuffisamment respectueuse et fut donc refusée. La seconde a été conçue de manière plus classique. Il est particulièrement frappant pour la solidité des draperies qui enveloppent l’ange, comme pour le retenir dans sa fuite (Caravaggio n’était absolument pas en mesure de faire voler un ange), ainsi que pour ses couleurs, avec leur gamme restreinte et plutôt maigre. qui semblent se briser sous le choc violent de la lumière sur le fond sombre de la toile.

Bien que les effets de couleur de cette peinture suggèrent une influence vénitienne dans l’utilisation de la lumière, elle est liée à deux peintures de l’année précédente ) La crucifixion de Saint-Pierre et La conversion sur le chemin de Damas) pour la chapelle de Cerasi dans l’église de Santa Maria del Popolo. La commission a été sécurisée pour Caravaggio par son nouveau patron, le banquier et collectionneur d’art Marchese Vincenzo Giustiniani (1564-1637), et les tableaux ont été achevés, selon des documents, en novembre 1601. Encore plus intense que les peintures de la chapelle Contarelli, ces deux œuvres sont le résultat d’une interprétation plus profonde des sujets religieux, qui étaient désormais presque les seuls traités par le Caravage. L’histoire biblique est traduite en termes populaires. Selon certaines autorités, cela peut être lié à la prédication de saint Ignace de Loyola et de saint Philippe Neri. Dans les peintures de la chapelle de Cerasi, le réalisme est poussé à l’extrême (par exemple, la croupe du cheval au premier plan dans La conversion sur le chemin de Damas, qui a choqué les contemporains de Caravaggio). À travers une transformation du clair – obscur en une obscurité profonde, transpercée par des rayons de lumière occasionnels, les scènes elles-mêmes apparaissent avec une vérité bouleversante.

Les autres peintures du Caravage à Rome, avant sa fuite, peuvent être regroupées avec celles-ci. Vers 1602-1804, ses idées classiques ) La mise au tombeau du Christ, 1601-163, Pinacothèque Vaticane, Rome) semblent avoir trouvé un équilibre avec La Vierge de Lorette (1603-160), peinte pour l’église de S. Agostino, dans laquelle la beauté sculpturale de la Vierge est animée par une tendresse humaine dans le dialogue silencieux avec ses humbles adorateurs. Caravaggio a choisi la fille d’un de ses voisins pauvres comme modèle pour la Vierge dans La Madone du Serpent ) Madonna dei Palafrenieri, 1605-1666, Galleria Borghese, Rome). Peinte pour la fraternité des Palafrenieri, la composition se distingue par son iconographie inhabituelle.

Dans le même temps, l’obscurité devint plus prononcée dans ses peintures, non pas en tant qu’élément complémentaire de la lumière mais en tant qu’élément opposé. On peut le voir dans le St Jérôme (1605) et le David avec la tête de Goliath (1610) à Rome (tous les deux dans la galerie Borghese), à St Jérôme au monastère de Montserrat et particulièrement dans La Mort de la Vierge. (1601-6, musée du Louvre), une tragédie silencieuse éclairée par une lueur rougeâtre. Le réalisme de cette dernière œuvre indigne les contemporains de Caravage.

Caravaggio s’envole à Rome

Caravaggio était connu pour son tempérament vicieux et la passion de ses peintures se reflétait souvent dans sa vie. Un avis préalable fut publié en 1604 indiquant qu "après quinze jours de travail, il discutera pendant un mois ou deux avec une épée à ses côtés et un serviteur le suivant, d’un terrain de balle à l’autre, toujours prêt à s’engager dans une bagarre ou une dispute, de sorte qu’il soit le plus difficile de s’entendre avec lui ". En mai 1606, lors d’une bagarre à la suite d’une dispute concernant le résultat d’un match de tennis, il tue son adversaire, Ranuccio Tomassoni.

Accusé de meurtre, Caravaggio s’est enfui à Naples où il a reçu la protection de la puissante famille Colonna. En toute sécurité en dehors de la juridiction des autorités romaines, le peintre le plus célèbre de Rome est devenu le peintre le plus célèbre de Naples. C’est probablement pendant qu’il était ici qu’il a peint un dîner à Emmaüs (1606, Galleria Brera, Milan), en le considérant comme une scène de taverne sans vie, dans laquelle des personnages individuels émergent d’un fond sombre. À Naples en 1607, il travailla fiévreusement, mais la plupart des peintures de cette période sont maintenant perdues. Ceux qui ont survécu, Madone du Rosaire (1606-7, Kunsthistorisches Museum, Vienne), Les Sept œuvres de la Miséricorde (1606-7, église de Pio Monte della Misericordia, Naples), une Salomé à la tête de saint Jean-Baptiste (1609-10, National Gallery, Londres) et la Flagellation du Christ (1607, Museo di Capodimonte, Naples) témoignent d’un changement de style dans le modelage de figures rappelant les traditions classique et maniériste. Cependant, dans ce cas, il se limite aux relations entre les ténèbres et la lumière et est utilisé pour exalter les aspects les plus fondamentaux de la réalité humaine. Voir également Caravage à Naples et Ecole Napolitaine de Peinture (1600-56).

Au début de 1607, Caravaggio se trouvait à Malte où, pour l’ordre de Saint-Jean, il peignit deux portraits d’ Alof de Wignacourt (dont un a été identifié par certaines autorités avec le portrait au Louvre), une décapitation de Saint Jean le Baptiste et un saint Jérôme pour la cathédrale Saint-Jean de La Valette. Pour ces œuvres, Caravaggio a été créé Chevalier de l’Ordre, un honneur dont il a été dépouillé, pour comportement violent. Après un séjour à Naples, le Caravaggio est revenu aux thèmes qui l’avaient occupé avant sa fuite de Rome, les enrichissant d’un nouvel intérêt pour le matériel pictural. (Remarque: pour en savoir plus sur les œuvres napolitaines du Caravage, voir: Peindre à Naples et Art baroque napolitain : 1650-1700.)

Décès

Il continua de même en Sicile, où il débarqua en octobre 1608. Au cours de son errance – qui se termina tragiquement après une traversée maritime, mourut sur une plage de la Latium le 18 juillet 1610 – il créa des chefs-d’œuvre tels que The Burial of Sainte Lucie (1608, Museo Bellomo, Syracuse), L’ Éveil de Lazare (1608-9, Museo Regionale, Messina) et L’adoration des bergers (1608-9, Museo Regionale, Messina), une Nativité avec les saints François et Laurent (1609, église de San Lorenzo, Palerme), une Salomé avec la tête de saint Jean-Baptiste (1609-10, Galerie Nationale, Londres) et probablement l’ église Saint-Jean-Baptiste (1610) de la Galerie Borghese à Rome. Les circonstances exactes de sa mort ne sont pas claires, c’était peut-être une fièvre, c’était peut-être une autre bagarre. À sa mort, Caravaggio n’avait que 38 ans. Sa carrière de peintre n’avait duré qu’un peu plus d’une décennie.

Caravagisme

Style de Caravaggio de La peinture était assez révolutionnaire. Notamment parce qu’il n’a pas adhéré à la division stricte entre les thèmes du «grand art» et du «genre» qui maintenaient une séparation assez stricte entre l’art religieux et l’art populaire depuis la Renaissance. Qu’il s’agisse d’une histoire religieuse ou d’un portrait, Caravaggio a fait preuve d’une ingéniosité remarquable en tant qu’observateur attentif des personnes et des objets de la vie quotidienne. Ses personnages sont aussi beaux ou laids que la plupart des gens ordinaires rencontrés dans la rue. Cependant, le spectateur n’est pas vraiment confronté à des scènes de la vie quotidienne en Italie dans ces images, mais plutôt à une vision hautement individualisée de la vie et à un monde artificiel aménagé dans l’atelier de l’artiste. Ce dernier aspect est souligné par les contrastes extrêmes d’éclairage qui caractérisent l’ensemble de l’œuvre de Caravaggio. Des zones de couleur lisses brillamment éclairées forment un contraste saisissant avec des ombres sombres d’une manière inédite, et des tons distincts et terrestres prédominent. Le naturalisme de Caravaggio était quelque chose de nouveau et mal compris par la grande majorité de ses contemporains. De plus, Caravaggio ne se contentait pas de donner à ses saints l’apparence des modèles qu’il avait ramassés dans la rue; il a même été dit qu’il donnait à une image de la Vierge le visage d’une de ses maîtresses. Une telle mondanité troublait les pieux pratiquants de l’époque: ils étaient habitués à voir des Madones d’une beauté surnaturelle. Le style réaliste des peintures religieuses du Caravage constituait un scandale aux yeux de l’Église catholique, qui soupçonnait l’artiste d’utiliser l’art sacré à ses propres fins égoïstes, le privant ainsi de sa dignité.

La révolution réalisée par Caravaggio en matière de forme et d’iconographie – et propagée par les partisans du Caravagisme – était le résultat d’un changement radical dans la relation entre le peintre et le monde. Son influence était d’autant plus grande qu’elle répondait à un besoin généralement ressenti de renouveau et de changement et qu’il était capable d’y parvenir de manière très originale, individuelle et sensible. Son exemple a conduit à la formulation de nombreuses formules – représentation naturaliste d’objets, figures grandeur nature, éclairages extérieurs à l’image, et utilisation expressive du ténébrisme et du clair – obscur qui ont été repris et diffusés par ses disciples.

Caravaggisti comprenait des artistes italiens tels que Orazio Gentileschi (1563-1639), Carlo Saraceni (1579-1620) et Bartolomeo Manfredi (1582-1622). À Naples, où l’influence du Caravage était particulièrement forte, en raison du quiétisme local, ses partisans comprenaient l’Espagnol Jusepe Ribera (1591-1652), ainsi que Battistello Caracciolo (1578-1635) et Mattia Preti (1613-1699).

Les autres adeptes comprenaient les peintres néerlandais, Gerrit van Honthorst (1592-1656) et Hendrik Terbrugghen (1588-1629); l’Allemand Adam Elsheimer (1578-1610); les peintres espagnols Zurbaran (1598-1664) et Diego Velazquez (1599-1660).

En France, ses disciples étaient les Artistes baroques français Moise Le Valentin (1591-1632), Simon Vouet (1590-1649), Georges de la tour (1593-1652) et Nicolas Tournier (1599-1649), ainsi que Joseph Wright de Derby (1734-1797) et beaucoup d’autres. Ils étaient également connus collectivement comme peintres caravagiques, bien que Caravaggio lui-même n’ait jamais eu envie de fonder une école.

Son influence sur la peinture européenne variait de l’adoption de son attitude à une étroite adhésion à son style pictural. Son traitement de la lumière et de l’ombre a revigoré la peinture italienne en améliorant la qualité tridimensionnelle des figures. En outre, cela permettait aux artistes de contrôler le centre de la peinture, augmentant ainsi son contenu dramatique. Entre les mains d’un maître comme Rembrandt, cela produisit une plus grande caractérisation et une profondeur émotionnelle. Le caravagisme a été pleinement exploité par Artistes réalistes hollandais et par le 17ème siècle Artistes baroques espagnols travailler sur religieux peinture d’histoire relatives au mouvement de la Contre-Réforme catholique.

Déclin

Le caravagisme est d’abord passé de mode à Rome, à la fin des années 1620, alors qu’il persistait ailleurs en Italie, notamment en Sicile. En Flandre, à Utrecht aux Pays-Bas et dans l’est de la France, il resta populaire jusque dans les années 1650. La réputation du Caravage a décliné au 18ème siècle mais a retrouvé sa vigueur au 19ème siècle.

Réputation

Néanmoins, même si le réalisme poétique de Caravaggio a fasciné les peintres du 19ème siècle comme Gustave Courbet (1819-77), Edouard Manet (1832-83) et Paul Cezanne (1839-1906), ce n’est pas avant les années 1920 que ses critiques sont dûment examinées par la critique, y compris par l’éminent érudit de la Renaissance. Bernard Berenson (1865-1959) et en particulier par l’historien de l’art et érudit italien Roberto Longhi (1890-1970) qui définit son style et son rôle dans la peinture européenne. Longhi le plaça parmi les grands peintres européens du monde. histoire des arts comme Jan Vermeer et Rembrandt, écrivant qu ’«à l’exception de Michelangelo, aucun autre peintre italien n’a exercé une aussi grande influence». Ce qui commence par Caravage est tout simplement la peinture moderne.

On peut voir des œuvres de Caravage dans la meilleurs musées d’art à travers le monde.