Peinture de beaux-arts: histoire, médiums, genres Automatique traduire
Définition: Forme de l’expression visuelle 2D:
L’art de la peinture consiste à agencer des formes, des lignes, des couleurs, des tons et des textures sur une surface à deux dimensions, créant ainsi une image esthétique. Plus que tout ce que l’on ne peut dire, la diversité des possibilités exclut toute définition plus précise. La peinture finie peut être entièrement représentationnel et naturalistes – tels que ceux des photoréalistes (par exemple, Richard Estes) – ou totalement abstrait – comprenant uniquement des formes géométriques (comme celles de Piet Mondrian ou de Bridget Riley) – ou n’importe où entre les deux. En termes de genre, cela peut être un travail d’histoire narrative, un portrait, une scène de genre, un paysage ou une nature morte. Il peut être peint avec de la peinture à l’encaustique, à la détrempe ou à la fresque, des huiles, des acryliques ou des aquarelles, ou tout autre médium contemporain. Et comme critiques d’art et les historiens peuvent témoigner, il existe d’innombrables théories contradictoires sur la fonction, le design, la hiérarchie des styles et l’esthétique de la peinture. Le plus sûr est peut-être de dire que, en tant qu "artistes visuels", les peintres sont engagés dans la création de œuvres d’expression visuelle, de quelque manière que ce soit qui les intéresse.
Composition et design de la peinture
Appelé quelques fois " disegno "- terme dérivé de Art de la Renaissance ce qui se traduit à la fois par le design et par le dessin, intégrant ainsi l’idée de l’artiste sur ce qu’il veut créer ainsi que sur son exécution. Le dessin de peinture concerne l’organisation formelle d’éléments divers en un tout cohérent.
Ces éléments formels incluent: Ligne , Forme / Masse , Couleur , Volume / Espace , Temps / Mouvement .
(1) La ligne englobe tout, des contours et contours de base aux bords de ton et de couleur. Le traçage détermine la relation entre les éléments adjacents ou distants et les zones de la surface de peinture, ainsi que leur activité ou passivité relative.
(2) Forme et masse incluent les différentes zones de couleur, de ton et de texture, ainsi que toutes images spécifiques qui y sont contenues. La plupart des peintures les plus célèbres (par exemple. Dernière Cène Leonardo Da Vinci) sont optiquement disposés autour de formes géométriques (ou d’un mélange de celles-ci). Vous pouvez également utiliser l’espace négatif pour souligner certaines caractéristiques de la composition.
(3) Sans surprise, étant donné que l’œil humain peut identifier jusqu’à 10 millions de teintes différentes, la couleur a de nombreuses utilisations différentes. (Voir colorito .) Il peut être utilisé à des fins purement descriptives – les Égyptiens utilisaient différentes couleurs pour distinguer les dieux ou les pharaons et pour différencier les hommes des femmes – ou pour transmettre des messages moraux ou des états émotionnels, ou pour améliorer la perspective (couleurs plus pâles pour des arrière-plans lointains). Voir également: Peinture de couleurs du Titien et de Venise 1500-76. La couleur est surtout utilisée pour représenter les effets de la lumière (voir la série Haystacks ou Cathédrale de Rouen de Claude Monet), tandis que de grands peintres comme Caravaggio et Rembrandt ont exploité le contraste des couleurs pour obtenir un effet dramatique, notamment dans la technique de clair-obscur (voir The Night Watch de Rembrandt). Voir couleur en peinture.
(4) Les éléments de Volume et Espace concernent la manière dont le peintre crée des relations de profondeur et d’espace dans la surface plane de l’image. Les peintres traditionnels le font en déployant le concept de perspective linéaire, tel que développé au cours de la Renaissance florentine Piero della Francesca et d’autres (voir aussi les techniques illusionnistes de quadrature et raccourcir), tandis que les cubistes comme Picasso, Braque, Duchamp et Juan Gris expriment l’espace et le volume en montrant une série de "instantanés" superposés du même objet, comme vus simultanément de différents points de vue. D’autres encore, comme les peintres naïfs (naif) ou de style primitif, montrent des objets non pas dans leur vraie relation naturaliste, mais séparément, quel que soit l’angle où ils présentent le mieux leurs traits caractéristiques – cela inclut les formes stylistiques aplaties utilisées, par exemple: par les Egyptiens.
(5) Les éléments de Time and Movement concernent la manière dont le regard du spectateur est autorisé à voir le tableau, en termes de vitesse et de direction, à la fois pour son développement narratif (par exemple, dans les peintures murales d’histoire à grande échelle), sa trompe l’oeil potentiel, ou ses possibilités d’étude angulaires (par exemple, des peintures cubistes illustrant plusieurs "instantanés" des mêmes objets).
Interprétation de la peinture
En plus de créer un objet visuel, l’artiste cherche également à lui insuffler un contenu intellectuel, sous forme de symbolisme, de message moral ou social, ou autre. Ainsi, le célèbre critique américain Clément Greenberg (1909-94) a déclaré un jour que tous les grands arts devaient viser à créer une tension entre l’attrait visuel et la possibilité d’interprétation. L’histoire de l’art regorge d’exemples de contenu interprétatif.
Par exemple, l’art égyptien est réputé pour ses images iconographiques, tout comme les peintures sur panneaux byzantins et les fresques pré-Renaissance. Images de la Renaissance, telles que celles de Maîtres Anciens Botticelli, Leonardo et Raphaël, par exemple, ont souvent pris la forme d’œuvres allégoriques extrêmement complexes, une tradition qui a été maintenue tout au long des époques baroque et néoclassique des 17e et 18e siècles. Même des natures mortes, notamment le genre de Vanitas peinture, ont été infusés avec une allégorie moraliste. Cependant, la tradition s’est quelque peu estompée au 19e siècle, sous l’influence dominante du romantisme, de l’impressionnisme et dans une moindre mesure de l’expressionnisme, avant de ressurgir au 20e siècle, lorsque le cubisme et le surréalisme l’ont exploité à fond. Pour plus, voir: Analyse des peintures modernes (1800-2000).
Médiums de la peinture
Encaustique
L’un des principaux médiums de la peinture de l’ancien monde, peinture encaustique emploie la cire d’abeille chaude comme liant pour retenir les pigments colorés et permettre leur application sur une surface – généralement des panneaux ou des murs en bois. Il était largement utilisé dans l’art égyptien, grec, romain et byzantin.
Fresque
Fresco (italien pour "frais") se réfère à la méthode de peinture dans laquelle les pigments sont mélangés uniquement avec de l’eau (aucun liant utilisé) puis appliqués directement sur un sol en plâtre fraîchement posé, généralement sur un mur ou un plafond en plâtre. Le plâtre absorbe la peinture liquide et, en séchant, retient les pigments dans le mur. Des effets supplémentaires ont été obtenus en grattant des techniques telles que le sgraffito. Les plus grands exemples de fresque sont probablement la "Genèse" et le "Jugement dernier" de Michel-Ange Fresques de la chapelle Sixtine, et les peintures dans les salles de Raphaël, telles que "l’école d’Athènes".
Détrempe
Au lieu de la cire d’abeille, la peinture à la détrempe emploie une émulsion d’eau et de jaune d’oeuf (parfois mélangée à de la colle, du miel ou du lait) pour lier les pigments. Peinture à la tempera a finalement été remplacé par des huiles, bien qu’il ait été utilisé pendant des siècles pour peindre sur des panneaux. Il a également été largement utilisé dans peinture médiévale dans la création de manuscrits enluminés. Pour plus de détails sur ce genre, voir: Manuscrits enluminés gothiques (1150-1350).
Huiles
Le médium dominant depuis 1500, peinture à l’huile utilise des huiles telles que les graines de lin, de noix ou de pavot, en tant que liant et agent desséchant. Sa popularité découle de la richesse et de l’éclat accrus que l’huile donne à la pigments de couleur. Il a également facilité les détails subtils, en utilisant des techniques comme sfumato , ainsi que des peintures audacieuses obtenues par couches épaisses ) empâtement). Parmi les pionniers importants des techniques de peinture à l’huile, on compte (en Hollande) les peintres flamands Hubert et Jan Van Eyck et (en Italie) Antonello da Messina, Léonard de Vinci et surtout des membres de l’école de Peinture vénitienne, y compris Giovanni Bellini et Titian.
Aquarelles et Gouache
Peinture à l’aquarelle – un milieu assez impitoyable – développé en Angleterre – utilise des pigments hydrosolubles pré-formulés avec un liant, généralement de la gomme arabique. Lorsque les aquarelles sont épaissies, rendues opaques et mélangées à du blanc, on les appelle gouache. Parmi les premiers pionniers de la peinture à l’aquarelle, citons Thomas Girtin et JMW Turner. La gouache était un support important pour nombre des meilleurs miniaturistes impliqués dans portrait miniature, avant l’utilisation de l’émail.
Acrylique
Le plus moderne de tous les médiums, peinture acrylique est une peinture synthétique contenant une résine dérivée de l’acide acrylique qui combine certaines des propriétés de l’aquarelle et des huiles. Très polyvalent, il peut être appliqué sur presque toutes les surfaces en quantités variables, allant des lavages minces aux couches épaisses et empâtées. Il peut donner une finition mate ou brillante et sèche extrêmement rapidement. Populaire avec beaucoup peintres célèbres, y compris David Hockney, la peinture acrylique pourrait encore supplanter les huiles au XXIe siècle.
Formes de peinture
Murales
Datant du Paléolithique peinture rupestre Des peintures murales ont été peintes dans des tombes, des temples, des sanctuaires et des catacombes dans tout le monde occidental antique, notamment en Étrurie, en Égypte, en Crète et en Grèce. Initialement dépourvues de "profondeur", elles ont été pleinement développées comme support de Art biblique au début de la Renaissance, par des artistes de fresques comme Giotto (voir: Fresques de la chapelle Scrovegni), puis de Masaccio, Fra Angelico, Raphael et Michelangelo. La décoration intérieure étant de plus en plus dominée par le vitrail et la tapisserie, peinture murale décliné bien qu’un certain nombre d’œuvres spécifiques à un site aient été commandées aux 19e et 20e siècles.
Peinture sur panneau
La plus ancienne forme de peinture portable, les panneaux étaient largement utilisés (par exemple) dans l’art égyptien et grec (bien que seuls quelques-uns aient survécu), et plus tard par les artistes byzantins à partir de 400 de notre ère. Comme avec des peintures murales, peintures sur panneaux ont été rajeunis au cours de la période gothique tardif et du début de la Renaissance, principalement comme un type d’art de dévotion décoratif – par exemple. " Le Retable de Gand "(1432) de Hubert et Jan Van Eyck et" The Deposition "(1440) de Roger van der Weyden. Pour plus de détails sur la peinture sur panneau de la Renaissance à Venise au XVIe siècle, un genre et une période qui illustre l’approche colorito de la ville, veuillez voir: Retables vénitiens (1500-1600) et Portrait de Venise (1400-1600). Voir également: Héritage de la peinture vénitienne sur l’art européen.
La peinture sur panneau de bois était particulièrement populaire dans Peinture flamande et d’autres écoles du Nord, en raison du climat peu favorable aux fresques murales, qui le restèrent jusqu’à la fin du XVIIe siècle.
Peinture de chevalet
Cette forme, comme la peinture sur panneau, était une forme d’art en studio, mais utilisait la toile comme support plutôt que des panneaux en bois. La toile était à la fois plus légère et moins chère que les panneaux et ne nécessitait aucun apprêt spécial avec du gesso ou d’autres matériaux. À partir de l’époque baroque (1600), l’huile sur toile est devenue la forme de peinture préférée de toute l’Europe. Il était particulièrement populaire auprès des nouveaux patrons bourgeois de Peinture hollandaise du XVIIe siècle (1600-80), notamment sous forme de portraits, de natures mortes et d’œuvres de genre.
Illumination du manuscrit
Remontant à des exemples célèbres de l’Égypte ancienne, tels que le "Livre des morts", ce type de peinture a atteint son apogée au Moyen Âge (vers l’an 500 de notre ère) sous la forme de motifs irlandais et européens. manuscrits enluminés. Les premiers exemples de ce type de peinture sont: Cathach of St. Columba (début du 7ème siècle, env. 610-620), le livre de Durrow (env. 670), les évangiles de Lindisfarne (env. 698 à 700), les évangiles d’Echternach (env. 700), évangiles de Lichfield (730), évangéliste de Godescalc (781-83), le psautier d’or (783-89), évangiles de Lorsch (778-820), livre de Kells (env. 800), évangile de Saint-Médard de Soissons (810), psautier d’Utrecht (830), évangiles d’Ebo (835), Bible Grandval (840), Bible Vivian (845).
Exemples ultérieurs de Enluminure de manuscrit médiéval comprennent des œuvres romanes telles que: le psautier d’Egbert, le psautier de St Albans, la Bible de Winchester, le Codex Vigilano et le manuscrit Moralia ; Des œuvres gothiques telles que: le psautier de Saint-Louis, la Bible moralisée, le psautier d’Amesbury, le manuscrit du Minnesanger, le psautier de la reine Marie ; et œuvres gothiques internationales telles que: Missel pour le chancelier Jan de Streda (1360, Prague, Bibliothèque du Musée national, MS); le Tres Riches Heures du Duc de Berry (1416, Musée Condé Chantilly) par les Frères du Limbourg; l’ Annonciation de Jacquemart de Hesdin (1400, Bibliothèque Nationale, Paris); les Heures de Bruxelles (Bruxelles, Bibliothèque nationale belge, MS. 11060-1); les heures du maréchal de Boucicaut (musée Jacque-mart-André, Paris); Le livre du coeur d’Amours Espris (1465, Osterreichische Nationalbibliothek, Vienne).
Généralement exécutés à la détrempe sur papier vélin et carton, ces manuscrits peints présentent des motifs graphiques extrêmement riches et complexes, entrelacés, noués, spirales et zoomorphes de style celtique, ainsi que des portraits figuratifs de saints et d’apôtres. Malheureusement, l’avènement de la presse à imprimer au 15e siècle en Allemagne a mis cette forme d’art à l’abandon en Europe. Par la suite, il ne survécut qu’en Orient, notamment sous forme de peinture calligraphique islamique et de textes décorés, ainsi que de miniatures en provenance d’Inde.
Faire défiler la peinture
Les manuscrits sont une forme de Art asiatique datant de 350 CE environ, commun aux deux peinture chinoise et l’art japonais. Composés de différentes longueurs de papier ou de soie, ils comportaient une grande variété de peintures à l’encre et au lavis dont les sujets comprenaient des paysages, des thèmes bouddhistes, des scènes historiques ou mythologiques, entre autres. Pour un guide sur les principes esthétiques de l’artisanat oriental, voir: Art Chinois Traditionnel: Caractéristiques.
Peinture d’écran / d’éventail
Il existe deux types principaux d’écrans peints: les paravents traditionnels chinois et japonais, peints à l’encre ou à la gouache sur papier ou sur soie, datant du XIIe siècle – une forme qui comprenait plus tard des écrans en laque; et l’écran d’iconostase, trouvé dans les églises orthodoxes byzantines, grecques et russes, qui sépare le sanctuaire de la nef. Cet écran est traditionnellement décoré de motifs religieux Icônes et d’autres images utilisant des peintures à l’encaustique ou à la tempera. Les éventails peints – généralement décorés avec de l’encre et des pigments colorés sur papier, carton ou soie, posés parfois avec des feuilles d’or ou d’argent – sont originaires de Chine et du Japon, bien que, curieusement, beaucoup aient été peints en Inde. En Europe, la peinture sur éventail n’a été pratiquée qu’au XVIIe siècle et ne s’est développée correctement qu’en France et en Italie à partir de 1750 environ.
Formes modernes de peinture
Les peintres du XXe siècle ont expérimenté une vaste gamme de supports et de matériaux, y compris de l’acier, du béton, du polyester, des néons, ainsi qu’une variété infinie d’objets trouvés. Cette dernière est illustrée par les travaux d’Yves Klein (1928-1962), qui décoraient les corps nus des femmes avec de la peinture bleue puis les imprimaient sur une toile; et Robert Rauschenberg (1925-2008), dont l’œuvre Bed (1955) consistait en une courtepointe de son propre lit, peinte avec un dentifrice, du rouge à lèvres et du vernis à ongle.
Genres de peinture
Il y a cinq traditionnels genres de peinture. Ceux-ci sont classés comme suit:
(1) peinture d’histoire – qui inclut peinture mythologique – (2) portrait, (3) peinture de genre, (4) paysage et (5) nature morte. Ce système de classement correspond au " Hiérarchie des genres "annoncées par les académies européennes des beaux-arts, qui évaluaient les images en fonction de leur message moral ou de leur contenu. Ainsi, les natures mortes, dépourvues de toute présence humaine, étaient censées contenir le moins de récit moral. Par comparaison, les peintures d’histoire – représentant des scènes de lutte émotionnelle – avaient le contenu narratif le plus important et étaient donc considérés comme la forme la plus importante de prise de vue.
Histoire et styles de peinture
Origines
le histoire des arts a été témoin d’un large éventail de styles de peinture. Commençant par la peinture rupestre préhistorique (par exemple, dans les grottes d’Altamira, Chauvet et Lascaux), elle englobe les peintures murales et les peintures sur panneaux de civilisations égyptienne, minoenne, mycénienne et étrusque, ainsi que le style antique classique de la peinture grecque et de l’art romain.. Un excellent exemple de Antiquité classique est la série de Fayum Mummy Portraits, que l’on trouve principalement dans le bassin Faiyum près du Caire.
L’effondrement de Rome (environ 450 de notre ère) a conduit à l’ascension de l’art byzantin, basé à Constantinople. Entre temps, l’Europe occidentale a connu quatre siècles de stagnation – l’âge des ténèbres – avant que le pape Léon III sacre Charlemagne, le saint empereur romain germanique. La cour de Charlemagne a parrainé une mini-renaissance culturelle connue sous le nom d’art carolingien (750-900). Cette renaissance a été maintenue par Otto I, II et III, l’ère de l’art ottonien, avant qu’une église romane revitalisée ne lance les styles culturels successifs de l’art roman (1000-1200) et de l’art gothique (1150-1375). Les principales activités de peinture entreprises dans le cadre de ces cinq mouvements sont les peintures sur panneau, les fresques religieuses et les enluminures de livres.
Proto-Renaissance
La peinture occidentale médiévale était fortement réglementée par la convention. Non seulement le contenu était-il limité presque exclusivement à la représentation de figures bibliques, mais il existait également un canon de règles qui fixait les figures de l’Ancien et du Nouveau Testament qui pouvaient être incluses et la manière dont elles devaient être reconnues. La structure de l’image était conforme à la "perspective du sens", selon laquelle les sujets importants étaient présentés à grande échelle et les sujets moins importants à une plus petite échelle. Les peintres étaient également obligés de suivre un ensemble de conventions dans leurs compositions, concernant (par exemple) la couleur, l’espace et le fond. Ainsi, le naturalisme n’était généralement pas autorisé. Le monde divin de Dieu, Jésus, la Vierge Marie, les prophètes, les saints et les apôtres – qui était le thème prédominant – était perçu comme un monde transcendantal, dont la splendeur et la gloire étaient généralement symbolisées par un fond d’or éclatant.
Cimabue et son élève Giotto (1270-1337) ont été les premiers à contester la rigidité de ces règles de la peinture. Leur cycle de fresques dans la Capella Scrovegni (chapelle de l’arène) à Padoue a introduit un nouveau réalisme, utilisant un langage beaucoup plus naturaliste. En conséquence, Giorgio Vasari (1511-1574) décrit Giotto dans "La vie des peintres " ("Vite de pieux architectes, pittori et scultori italiani") (1550) comme "le père de la peinture". Un autre innovateur de la proto-Renaissance Trecento Ambrogio Lorenzetti (actif entre 1319 et 1348), de l’époque Ecole siennoise de peinture.
Début de la renaissance
Alors que les styles démodés de l’art byzantin, et Gothique international se jouaient progressivement à Sienne (Italie) et dans les cours royales féodales de toute l’Europe, les idées créatives de Giotto étaient examinées et développées à Florence au cours de la Début de la renaissance (1400-1490). Ce mouvement a connu quatre développements majeurs: (1) une renaissance des formes et des styles artistiques classiques grecs / romains; (2) Plus grande croyance en la noblesse de l’homme (humanisme); (3) Maîtrise de la perspective linéaire (profondeur dans un tableau); et (4) plus de réalisme dans la peinture figurative. Parmi les peintres suprêmes de la première renaissance, citons: Tommaso Masaccio (environ 1401-28), qui a peint une série de fresques dans la chapelle de la famille Brancacci, à Florence; et Piero della Francesca (1420-92), dont l’intérêt passionné pour les mathématiques le conduisit à la perspective linéaire pionnière, avec des espaces géométriquement exacts et des espaces strictement proportionnés (voir The The Flagellation du christ , Années 1450). Le réalisme, la perspective linéaire et les nouvelles formes de composition ont été affinés par les artistes de quattrocento suivants, tels que les Florentins Antonio del Pollaiuolo (1432-98) et Alessandro Botticelli (1445-1510) et l’Italien du Nord Andrea Mantegna (1431-1506).).
Renaissance haute / tardive
Peinture haute renaissance (c.1490-1530), centré sur Rome et conduit par le pape Jules II (règne 1503-13) et le pape Léon X (règne 1513-21), a été témoin du zénith de l’idéologie de la Renaissance italienne et de l’idéalisme esthétique, ainsi que de le plus grandes peintures de la Renaissance. Leonardo Da Vinci (1452-1519) ) La Cène Mona Lisa ), Raphael (1483-1520) ) L’école d’Athènes) et Michelangelo (1475-1564) (Le Fresque de la genèse dans la chapelle Sixtine du Vatican). Cette Haute renaissance trio ont été soutenus par d’autres grands peintres de Venise, y compris Jacopo (environ 1400-1470), Gentile Bellini (environ 1429-1507) et Giovanni Bellini (environ 1430-1516), Giorgione (environ 1466-1510), Titian (Tiziano Vecellio) (c.1487-1576), Paolo Veronese (1528-1588) et Tintoretto (Jacopo Robusti) (1518-154).
Renaissance nordique
Pendant ce temps, en Europe du Nord (Flandres, Pays-Bas, Angleterre et Allemagne), la Renaissance du Nord a évolué de manière légèrement différente, notamment en ce qui concerne sa préférence pour la peinture à l’huile (la fresque étant moins adaptée au climat tempéré) et son adhésion à la gravure. Les grands artistes de l’époque sont: Jan Van Eyck (1390-1441), Roger van der Weyden (1400-1464), Jérôme Bosch (1450-1516), Albrecht Durer (1471-1528) et Hans Holbein (1497-1543)..
Maniérisme
L’art au cinquecento ou au XVIe siècle, caractérisé par un style de peinture moins harmonisé et plus forcé, appelé Maniérisme. Deuxième fresque Sixtine de Michel-Ange, La Fresque du Jugement dernier est un exemple, comme le Enterrement du comte d’Orgaz par El Greco (c.1541-1614).
Baroque
À la fin du XVIe siècle, en réaction au mouvement de réforme réformée de Martin Luther (vers 1520), l’Église catholique romaine lança sa contre-réforme, en utilisant tous les moyens à sa disposition pour faire renaître sa réputation, y compris l’art. Cela a coïncidé avec l’émergence d’un nouveau style de peinture européen connu sous le nom de Peinture baroque, qui a prospéré au 17ème siècle. À certains égards, Art baroque était l’apogée du maniérisme, caractérisé par une théâtralité extravagante à grande échelle, tant dans la forme que dans le sujet. Rubens (1577-1640) était le peintre baroque par excellence de la Contre-Réforme catholique. En Espagne, autre bastion du catholicisme, les principaux peintres étaient Diego Velazquez (1599-1660) et Francisco Zurbaran (1598-1664). En Italie, Caravaggio (1571-1610) est devenu le principal peintre de la Contre-Réforme, célèbre pour son naturalisme et ses images terre-à-terre. Il était un pionnier important de Ténébrisme et clair – obscur, l’utilisation picturale de l’ombre popularisée sous le nom de Caravagisme. L’un des centres clés de l’art baroque italien et de la peinture caravagique était Naples – la deuxième plus grande ville d’Europe après Paris. Pour plus d’informations, veuillez consulter: Peindre à Naples (1600-1700).
École réaliste néerlandaise
Non catholique Art baroque hollandais, et certaines Art baroque flamand, a été obligé de se développer différemment, car les autorités religieuses protestantes avaient peu d’intérêt pour la commande d’œuvres religieuses. Cependant, la prospérité croissante des classes marchandes et professionnelles a entraîné l’émergence d’un nouveau type de collectionneur d’art, dont la fierté domestique a suscité une nouvelle demande d’art du chevalet: œuvres de genre, paysages et natures mortes en particulier. Ainsi naquit le grand Écoles réalistes hollandaises de peinture de genre à Delft, Utrecht, Haarlem et Leiden, parmi lesquels figurent des génies comme Rembrandt (1606-1669) et Jan Vermeer (1632-1675).
Rococo
Vers 1700, l’idiome baroque pesant s’est développé en un style plus léger, moins sérieux, qui a fini par prendre une forme indépendante dans un mouvement appelé Rococo. D’abord exclusivement français, ce style décoratif fantaisiste s’est finalement répandu dans toute l’Europe au cours du 18ème siècle. Ses plus grands représentants étaient les peintres français Jean-Antoine Watteau (1684-1721), Jean-Honoré Fragonard (1732-1806), François Boucher (1703-70) et le vénitien Giambattista Tiepolo (1696-1770): ce dernier était réputé pour peintures murales et plafonds fantastiques. Le rococo est devenu étroitement associé aux anciens régimes décadents de l’Europe, notamment celui du roi français Louis XV et de sa maîtresse, Madame de Pompadour.
Néoclassicisme et Romantisme (Epanoui vers 1789-1830)
La Révolution française de 1789 a coïncidé avec l’émergence de deux styles artistiques différents: Art néoclassique et le romantisme. Exposants de peinture néoclassique s’est inspiré de l’Antiquité classique; leurs images sont caractérisées par l’héroïsme, un devoir lourd et un sens tangible de la gravitas. L’artiste politique français Jacques-Louis David (1748-1825) en fut le principal représentant. Parmi les autres artistes néoclassiques de renom, citons le portraitiste et peintre historique allemand Anton Raphael Mengs (1728-1779) et le maître français du style artistique académique, Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867). La plus grande contribution du mouvement, cependant, a été son architecture, qui est toujours visible dans le monde entier.
Contrairement aux gravitas et aux valeurs universelles prônées par le néo-classicisme, les peintres romantiques ont cherché à revenir à la nature – comme en témoigne leur adhésion à la spontanéité. peinture en plein air (par exemple, au Barbizon, Pont-Aven et Norwich écoles de peinture) et misent sur les sens et les émotions plutôt que sur la raison et l’intellect. Les artistes romantiques avaient tendance à exprimer une réaction personnelle émotive à la vie. Les romantiques célèbres incluent John Constable (1776-1837) et JMW Turner (1775-1851) – représentants importants du XIXe siècle Peinture de paysage anglaise – Caspar David Friedrich (1774-1840) et Camille Corot (1796-1875); ainsi que les peintres d’histoire et les portraitistes Francisco Goya (1746-1828), Henry Fuseli (1741-1825), James Barry (1741-1806), Theodore Gericault (1791-1824) et Eugene Delacroix (1798-1763). Voir également Peinture figurative anglaise (1700-1900).
Plus tard, l’art romantique inclus levantin Peinture orientaliste, Paysages frontaliers américains du Hudson River School, les œuvres mystiques du Symbolisme Mouvement et le Confrérie préraphaélite, ainsi que des images oniriques fantastiques de l’école du réalisme magique.
Le réalisme
Jusqu’au 19e siècle, à l’exception de l’art néerlandais du 17e siècle, la peinture se concentrait principalement sur des sujets "importants", tels que définis par la tradition, les académies des beaux-arts et le salon de Paris. Même lorsque les peintres se tournaient vers des sujets moins exaltés (par exemple, les enfants mendiants), ils les décrivaient généralement de manière idéalisée. Mais, conformément aux idées nouvelles de "Liberté, Fraternité et Égalité", déchaînées par la Révolution française, les artistes ont commencé à accorder une priorité égale aux sujets de la vie quotidienne, qui étaient représentés de la manière la plus réaliste et la plus naturelle. Ce nouveau style – connu sous le nom Peinture réaliste – est apparu principalement en France et a attiré des peintres de tous les genres – notamment Gustave Courbet (1819-1877), Jean-François Millet (1814-1875), Honoré Daumier (1808-1879), Ilya Repin (1844-1930) et Thomas Eakins (1844-1916). L’influence des français du 19ème siècle Le réalisme se poursuit jusqu’au 20e siècle, période au cours de laquelle de nombreux sous-mouvements tels que École Ashcan (New York), Réalisme social (assisté par Federal Arts Project) Le précisionisme (scènes industrielles), le réalisme socialiste, le réalisme contemporain, et autres, et continue à ce jour.
Parmi les réalistes notables du XXe siècle, on compte le peintre américain Norman Rockwell (1894-1978) et le portraitiste anglais Lucian Freud (né en 1922). Le dernier style de réalisme contemporain est Photoréalisme, également connu sous le nom d’hyperréalisme et de superréalisme.
Peinture impressionniste
À la fin du XIXe siècle, Paris était devenu le centre incontesté de l’art mondial. Il a consolidé sa position en donnant naissance à l’un des plus grands mouvements d’art moderne de tous les temps – Impressionnisme, dont les principaux adhérents étaient: Claude Monet (1840-1926), Camille Pissarro (1830-1903), Alfred Sisley (1839-1899), Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), Edgar Degas (1834-1917), Edouard Manet (1832-83), Paul Cezanne (1839-1906) et Berthe Morisot (1841-95). Parmi les autres peintres associés au style impressionniste, on compte Georges Seurat (1859-1891), Paul Gauguin (1848-1903), John Singer Sargent (1856-1925), James McNeil Whistler (1834-1903) et Walter Sickert (1860-1942).. Voir également: Meilleures peintures impressionnistes.
Bien que les impressionnistes se soient dissous en tant que «groupe» au début des années 1880, ce style a engendré un certain nombre de styles de peinture apparentés, auxquels il est fait référence dans les titres. Néo-impressionnisme et Post-impressionnisme. Ceux-ci inclus Pointillisme, une émanation de Divisionnisme, L’intimisme et l’américain Luminisme style de paysages et de paysages marins, ainsi que des groupes d’artistes comme l’anglais École newlyn et Camden Town Group, les styles de peinture décorative française de Synthétisme (Gauguin) et Cloisonnisme (Bernard, Anquetin) qui a inspiré le Nabis et le groupe allemand Worpswede.
Fin de Siecle et peinture du début du 20ème siècle
Entre 1882 et 1925 environ, le monde de l’art a été témoin d’une vague de nouveaux styles de peinture. Les deux principaux mouvements de cette explosion de art moderne étaient:
(1) Expressionnisme – un style coloriste (coïncidant avec le mouvement fauviste parisien éphémère dirigé par Henri Matisse) Expressionnisme allemand des groupes comme Der Blaue Reiter, Die Brucke et Neue Sachlichkeit, illustrés par les peintures de Wassily Kandinsky (1844-1944), Edvard Munch (1863-1944), Alexei von Jawlensky (1864-1941) et Georges Rouault (1871-1958). Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938), Franz Marc (1880-1916) et Egon Schiele (1890-1918). Voir également: Histoire de la peinture expressionniste (c.1880-1930).
(2) Cubisme – un style plus intellectuel, caractérisé par la peinture analytique puis synthétique cubiste, mise au point par Georges Braque (1882-1963) et Pablo Picasso (1881-1973). L’expérimentation cubiste avec le plan d’image bidimensionnel a conduit à des styles tels que Futurisme, le mouvement artistique italien fondé en 1909 par Filippo Marinetti (1876-1944); le cubisme orphique (simultanisme) de Robert Delaunay (1885-1941); Rayonnisme développé par le Artistes russes Mikhail Larionov (1881-1964) et Natalia Goncharova (1881-1962); le mouvement russe d’art abstrait de 1913-1915, connu sous le nom de suprématisme, dirigé par Kasimir Malevich (1878-1935), et le De Stijl Mouvement fondé en 1917 par Theo van Doesburg (1883-1931) et Piet Mondrian (1872-1944), qui devint plus tard le néo-plasticisme. Pour plus, voir: Peintures Abstraites.
La peinture du début du XXe siècle a également été influencée par les motifs décoratifs de l’Art nouveau ) Jugendstil en Allemagne) et Art Déco.
La peinture européenne d’avant-garde a été présentée pour la première fois en Amérique à la Spectacle d’arsenal (1913) à New York.
Peinture d’après-guerre: le surréalisme
Après les singeries anti-art de Dada, le premier mouvement international de peinture de l’entre-deux-guerres a été Surréalisme, dont le style populiste irrévérencieux a eu une influence majeure sur le Pop-Art. Après le pionnier peinture métaphysique Parmi les principaux artistes surréalistes de Giorgio de Chirico, notamment Max Ernst (1891-1976), Man Ray (1890-1976), Jean Arp (1887-1966), Joan Miro (1893-1983), Rene Magritte (1898-1967) et Salvador Dali (1904-1989).
L’après-guerre mondiale: l’expressionnisme abstrait (c.1945-65)
En 1940, alors que l’Europe était chaotique, le centre mondial de l’art s’était déplacé à New York, où un nombre croissant de peintres autochtones se mêlaient à des artistes émigrés français, espagnols et allemands, notamment sous la protection de la famille Guggenheim. L’atmosphère était lourde de guerres, de laquelle de nombreux artistes ont reculé, cherchant le réconfort et le sens de l’abstraction plutôt que de l’art figuratif, qui s’était en fait effondré après la disparition de Peinture de scène américaine et sa variante du centre-ouest Régionalisme.
Parmi une combinaison d’émigrants européens influents – tels que Max Ernst (qui a épousé Peggy Guggenheim), l’ex-peintre du Bauhaus Josef Albers (1888-1976) et l’Arménien Arshile Gorky (1904-1948), ainsi que de peintres américains uniques tels que Mark Rothko (1903-1970), Jackson Pollock (1912-1956) et d’autres – sont venus Expressionisme abstrait, avec ses variantes de " peinture d’action "(Pollock et Lee Krasner), Peinture de champ de couleur (Rothko, Still, Newman, Frankenthaler, Kenneth Noland), Peinture de bord dur (Frank Stella) et Abstraction Post Painterly (Ellsworth Kelly).
En Europe, peinture expressionniste abstraite évolué sous la bannière générale de Art Informel (Alfred Otto Wolfgang Schulze: Wols), dont les sous-styles comprenaient Abstraction Lyrique (ex. Nicolas de Stael) Tachisme (Sam Francis), Matter Painting (Antoni Tapies), et Groupe Cobra (par exemple, Asger Jorn, Karel Appel).
Un mouvement très influent, l’expressionisme abstrait a finalement conduit à Minimalisme – l’un des premiers mouvements d’art contemporain – via des sous-styles comme Op-art, défendue par Bridget Riley (née en 1931).
Pop-Art (années 1960)
Alors que le style abstrait devenait de plus en plus intellectuel, d’autres peintres américains ont cherché des alternatives enracinées – sinon la figuration, du moins la réalité quotidienne. À la fin des années 1950, Jasper Johns (né en 1930) et Robert Rauschenberg (1925-2008) ont commencé à explorer l’utilisation de la culture populaire comme source d’inspiration. Cela a rapidement conduit à l’anti-intellectuel Pop Art Ce mouvement est illustré dans les travaux de Roy Lichtenstein (1923-1997), Andy Warhol (1928-1987) et David Hockney (né en 1937), parmi beaucoup d’autres. Après avoir décliné au début des années 1970, il est réapparu en tant que néo-pop au cours des années 1980.
Peinture contemporaine
Représentationnel
Art contemporain Depuis 1970, on assiste à de grandes peintures figuratives, notamment des œuvres de Francis Bacon (1909-1992) et de Fernando Botero (né en 1932). Plus récemment, nous avons l’arrestation néo-expressionnisme de peintres chinois comme Zhang Xiaogang (1958) et Yue Minjun (1962), des paysages de Peter Doig (1959) et l’artiste ukrainien Dmitry Kolujny, les extraordinaires "œufs" d’Alexander Vlasenko, ainsi que de nombreux des portraits de jeunes peintres, parmi lesquels les Irlandais David Nolan (né en 1966) et Conor Walton (né en 1970), parmi beaucoup d’autres. Toutefois, peinture de la figure doit encore trouver sa place dans l’art contemporain.
Abstrait
Il en va de même pour la peinture sans représentation qui continue d’attirer de nombreux jeunes peintres abstraits, et engendrer de nombreux mini-mouvements, sans produire les résultats concomitants auxquels on pourrait s’attendre.
Il est tout à fait concevable que tout cela soit plus apparent que réel. Par exemple, l’absence de mouvements "internationaux" pourrait donner l’illusion que peu de progrès ont été réalisés, malgré des développements locaux importants. En outre, les artistes postmodernistes ont toujours la capacité de produire de merveilleux exemples d’abstraction – prenons, par exemple, l’ art du mot caractéristique créé par Christopher Wool (1955) dans ses peintures en émail noir et blanc.
Dans l’ensemble, pour résumer, la fabrication d’images depuis les années 1970 – malgré un grand talent individuel – ne semble pas avoir produit sa juste part de chefs-d’œuvre. Au lieu de cela, on pourrait soutenir que les peintres postmodernes ont eu le temps de chercher des réponses à ces trois questions: (1) Quel est le sens de la peinture figurative à une époque dominée par le journalisme photographique et le film vidéo? (2) Qu’est-ce que la peinture abstraite peut offrir de plus en termes d’originalité esthétique? (3) Dans quelle mesure la peinture peut-elle rivaliser avec des formes d’art plus "modernes", telles que l’installation, à l’attention des gens ordinaires, dans les musées d’art ou autres lieux publics?
Peut-être les techniques de dessin et de peinture traditionnelles, qui ne bénéficient plus de l’attention que leur accordaient auparavant les écoles d’art et les académies d’art, sont-elles en déclin, bien que cela ne semble pas – du moins dans la même mesure – en Russie, en Europe de l’Est et en Chine, où peut-être la modernité La technologie vidéo / photographique a moins d’impact. D’autre part, la nouvelle technologie de peinture, ainsi que les logiciels graphiques, ont ouvert la peinture à un plus grand nombre de praticiens, ce qui ne peut être qu’un développement positif.
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