Nature morte peinture Automatique traduire

En beaux-arts, le terme «nature morte» désigne un genre particulier de peinture, consistant généralement en un arrangement d’objets (traditionnellement des fleurs ou des ustensiles de cuisine, mais presque tous les articles ménagers peuvent être inclus) disposés sur une table.

Qu’est-ce qu’une nature morte?

Le terme est une traduction directe du mot néerlandais «Stilleven», utilisé à partir de 1656. pour décrire des peintures appelées auparavant simplement «Fruits» ou «Fleurs» ou «Ontbijt» (un petit déjeuner), «Bancket» (un banquet) ou «Pronkstilleven» (du néerlandais «Pronk», signifiant ostentation), ou, si elle a des connotations religieuses, selon la nouvelle esthétique de l’art de la Réforme protestante &ndash ; la peinture de Vanitas .

La peinture de nature morte était largement pratiquée dans le monde antique, mais elle a ensuite décliné et n’a été réactivée dans l’histoire de l’art en tant que genre indépendant qu’au XVIe siècle. Comme le suggère l’origine du nom, la nature morte était particulièrement populaire en Europe du Nord, notamment en Hollande et en Flandre, parmi les artistes de la fin de la Renaissance nordique . Cela s’explique en partie par les effets de la Réforme en Europe du Nord, qui a entraîné un déclin de la peinture religieuse chez les peuples protestants. Malgré cela, il existait des écoles influentes de peinture de natures mortes en Italie (en particulier à Naples) et en Espagne, et dans une moindre mesure en France, bien que Chardin soit sans doute le plus grand peintre de natures mortes du 18e siècle et Paul Cézanne celui du 19e siècle. Les natures mortes contemporaines peuvent contenir une gamme illimitée d’objets modernes, des urinoirs aux canettes de bière.

La nature morte en tant que forme d’art

Pour le novice, les natures mortes peuvent sembler plutôt ennuyeuses comparées aux peintures historiques mouvementées, aux paysages évocateurs ou aux portraits émouvants. Cependant, certaines des plus grandes natures mortes contiennent des messages complexes (narratifs) encapsulés dans le type d’objets présentés et leur disposition. Ainsi, lorsque l’on étudie la composition d’une nature morte, il faut garder à l’esprit que les objets présentés peuvent être des symboles, ce qui confère à l’image une signification symbolique. Bien que, comme le paysage, la nature morte ne contienne généralement pas de formes humaines, elle est tout aussi capable de transmettre un message politique, moral ou spirituel que les exemples les plus complexes de la peinture d’histoire. Ceci contredit «la position officielle» des tenants de l’art académique qui plaçait la nature morte au dernier rang des cinq genres, après l’histoire, le portrait, la peinture de genre et le paysage.

Types de natures mortes

Pour simplifier, les natures mortes peuvent être divisées en quatre groupes principaux :
❶ les œuvres florales ;
❷ les œuvres de petit déjeuner ou de banquet ; et
❸ les œuvres animalières. Nombre de ces œuvres sont réalisées dans le seul but de démontrer la virtuosité technique et les capacités de dessin de l’artiste. Elles peuvent également avoir été peintes pour transmettre une vision particulière de l’art (comme dans le cas des natures mortes de Paul Cézanne) ou pour démontrer une émotion artistique (comme dans les «esquisses jaunes» de Van Gogh).

Parfois, cependant, l’artiste peut avoir un message plus complexe à l’esprit. D’où le dernier groupe
❹ des natures mortes symboliques. Il s’agit d’une catégorie plus large qui désigne tout type de nature morte comportant un récit symbolique explicite, généralement de nature religieuse ou quasi-religieuse. Un exemple spécifique de ce symbolisme est le type connu sous le nom de Vanitas (d’après Ecclésiaste 12:8 «Vanité des vanités, dit le prédicateur, tout est vanité»), qui contient des images symboliques (par exemple des crânes, des bougies soufflées, des sabliers avec du sable qui coule, des horloges, des papillons) pour rappeler à l’observateur le caractère éphémère et banal de la vie terrestre. Cependant, l’imagerie symbolique peut être plus ouvertement religieuse : pain sous une forme ou une autre, vin, eau et autres références vagues à l’Eucharistie, à la Passion, à la Sainte Trinité ou aux saints. L’un des plus grands représentants de ce genre, qui a fleuri entre 1620 et 1650, est Harmen van Steenwyk (1612-1656) des écoles de Delft et de Leyde.

Histoire de la nature morte

L’art de la nature morte n’était pas rare dans le monde antique. Des fresques de natures mortes ont été retrouvées dans de nombreuses tombes égyptiennes (on suppose que les aliments représentés étaient destinés à être consommés par les morts dans l’au-delà) et dans des maisons romaines fouillées à Herculanum et à Pompéi. Voir, par exemple, «Un vase transparent avec des fruits et des vases» (vers 70 ap. J.-C.) d’un artiste inconnu trouvé à Pompéi). En outre, l’art de la peinture de natures mortes est mentionné dans la légende grecque antique de Zeuxis et Parrhasius. Au Moyen Âge, après la chute de Rome (vers 350 après J.-C.), les natures mortes ont toutefois complètement disparu et ne sont réapparues qu’au début de la Renaissance, mais simplement comme arrière-plan de peintures religieuses ou comme objets dans les intérieurs de Jan Van Eyck, et non comme un genre à part entière

La nature morte après 1517 : la Renaissance du Nord et le réalisme hollandais

Les premières natures mortes répertoriées sont «Lièvre» (1502) du peintre allemand Albrecht Dürer et «Oiseau mort» (1504) du peintre vénitien Jacopo de Barbari, qui travaillait à la cour d’Allemagne et à celle des Pays-Bas.

En 1520-1530, l’artiste allemand Hans Holbein le Jeune (1497-1543) peint une série de portraits comprenant également des natures mortes, agrémentées de messages moraux et de symboles dans le style Vanitas. Voir, par exemple, Érasme de Rotterdam (1523), Dame à l’écureuil et à l’étourneau (1527-28) ; Marchand Georg Giese (1532) et Ambassadeurs (1533).

Le maître incontesté de la nature morte dans le style baroque est le peintre anversois Frans Snyders, qui a créé des chefs-d’œuvre tels que «Scène de garde-manger avec page» (vers 1617), «Garde-manger» (vers 1620) et «Étalage de jeu» (vers 1625). L’œuvre de Snyders a été développée par plusieurs peintres réalistes hollandais des écoles d’Utrecht et de Delft, qui ont encore affiné le genre. La plus ancienne œuvre purement florale datée a été exécutée en 1562 par l’Allemand Ludger Tom Ring .

Ce n’est pas un hasard si tous ces événements se sont déroulés en Flandre, en Hollande et en Allemagne. Suite à la Réforme &ndash ; la révolte protestante contre l’Église de Rome (vers 1517) &ndash ; la peinture religieuse en Europe du Nord a connu un sérieux déclin, ce qui a favorisé le renouveau du genre de la nature morte. La popularité de la peinture à l’huile sur toile dans ces pays, qui permet une meilleure élaboration de la peinture et donc une amélioration des détails, a également contribué au développement du genre. La peinture de natures mortes a atteint son apogée dans la peinture hollandaise du XVIIe siècle dans un style connu sous le nom de « réalisme hollandais», qui est considéré comme la manifestation la plus réaliste du genre. Il a également servi de moyen d’expression religieuse, avec l’introduction de messages moraux symboliques qui ont encore élargi son attrait. Une forme particulière de nature morte symbolique ) Vanitas) consiste en un arrangement d’objets symboliques destinés à rappeler au spectateur le caractère pathétique et éphémère de la vie sur terre. Les natures mortes en général et les œuvres de Vanitas en particulier plaisaient fortement à la classe moyenne néerlandaise puritaine, et leur mécénat croissant a conduit à l’essor du genre, qui s’est ensuite étendu à l’Espagne et à la France.

Autres exemples de natures mortes peintes par des artistes néerlandais : «Vanité de la vie humaine» (1645) Harmen Stenvik ; «Vanitas» (1645) Pieter Claes ; «Déjeuner de crabe» (1648, Musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg) Willem Claes Hed ; «Nature morte au homard, corne à boire et verres» (c. 1653) de Willem Kalf ; «Chaussons» (1654) de Samuel Hogstraten ; «Nature morte aux fruits» (c. 1670) de Samuel Hogstraten ; «Nature morte aux fruits» (c. 1670) de Samuel Hogstraten. 1670) par Jan Davids de Heem ; «Fleurs et insectes» (1711) par Rachel Ruysch .

Natures mortes après 1600 en Italie, Espagne, France

La nature morte est restée impopulaire auprès de la plupart des artistes italiens et apparaît rarement dans les beaux-arts italiens, quel que soit le sujet, à l’exception, par exemple, d’une petite corbeille de fruits du Caravage . D’autres exemples sont les œuvres de fruits, de fleurs et de poissons de l’école napolitaine de peinture et du baroque napolitain des XVIIe et XVIIIe siècles (par exemple Recco et Ruoppolo), ainsi que les instruments de musique peints par Bascenis.

En Espagne, le genre était plus populaire et des artistes comme Francisco de Zurbarán et Juan Sánchez Cotán ont mis du drame dans la plus simple des natures mortes. Parmi les exemples d’œuvres espagnoles, citons «Nature morte aux citrons, à l’orange et à la rose» (1633) de Surbarán et «Nature morte au gibier» (vers 1602) de Juan Sánchez Cotán. Parmi les autres peintres de Stilleven (nom néerlandais du genre) figurent Sánchez et Meléndez. Un siècle plus tard, l’élément dramatique espagnol culmine dans les natures mortes de Francisco Goya «La tête de veau» et «La dinde plumée».

En France, peut-être en raison de l’influence conservatrice de l’Académie des Beaux-Arts de Paris, la nature morte a mis plus de temps à se développer que chez ses voisins du Nord. Ce n’est qu’aux XVIIe et XVIIIe siècles, lorsque les aristocrates français commencèrent à commander de somptueuses natures mortes, que des exemples virtuoses du genre apparurent dans les peintures de Moillon, Stoskopf, Oudry et surtout Jean-Siméon Chardin, bien qu’il ait abandonné «les objets de luxe» en faveur d’ustensiles de cuisine et d’arrangements simples de nourriture et de boisson. Les exquises peintures à petite échelle de Chardin &ndash ; «Nature morte à la bouteille d’olives» (1760) et «Lapin, grive, paille» (1755) &ndash ; sont si «réelles» que l’on a envie de les toucher. Le riche réaliste-romantique français Théodore Géricault a également produit quelques œuvres inhabituelles de ce genre, comme «Détails anatomiques» (1818).

Les natures mortes du XIXe siècle

Au cours du XIXe siècle, la peinture académique décline en même temps que l’influence des académies elles-mêmes et leur hiérarchie des genres. En conséquence, la peinture de paysages et de natures mortes s’épanouit. Henri Fantin-Latour est devenu célèbre pour ses natures mortes florales, telles que «Roses blanches et roses» (1890.), ainsi que d’autres compositions telles que «Nature morte au vase d’aubépine», «Coupe aux cerises», «Coupe japonaise» et «Tasse et soucoupe» (vers 1880). Les Impressionnistes ont exploré les effets colorés des compositions florales tandis que Paul Cézanne a donné à ses natures mortes et à ses paysages une monumentalité sans précédent qui a peut-être influencé l’émergence du cubisme. Les chefs-d’œuvre de Cézanne comprennent «Poires sur une chaise» (1882), «Nature morte au panier» (1890) et «Nature morte au Cupidon en plâtre» (1895). Le peintre post-impressionniste néerlandais Vincent van Gogh a enthousiasmé tout le monde avec son utilisation de riches tons jaunes dans ses célèbres peintures de la série des «Tournesols». Aux États-Unis, loin de l’influence restrictive des académies européennes, les artistes américains ont peint des natures mortes tout au long du XIXe siècle. L’un des chefs de file du genre est le Philadelphien Raphael Peale (1774-1825).

Les natures mortes du XXe siècle

Les fauves ont développé une approche coloriste du genre, comme dans «Nature morte aux géraniums» Henri Matisse (1910), tandis que des artistes tels que Emile Nolde, membre du groupe phare de l’expressionnisme allemand Die Brucke, a produit des œuvres individuelles telles que «Nature morte avec danseuses» (1914) et Coquelicots rouges (1920). Pendant ce temps, le cubisme développe les explorations géométriques de Cézanne dans une série de peintures cubistes aux multiples facettes, telles que «Violon et bougie

(1914) et (1920) (1914) et : «Violon et chandelier» (1910) de Georges Braque, «Nature morte à la chaise en osier» (1912) de Picasso et «Nature morte au plateau de fruits et à la mandoline» (1919) de Juan Gris . Georges Braque a poursuivi ses efforts pendant des décennies, produisant des œuvres telles que «Studio V» (1949). Le genre a ensuite été développé par l’artiste italien reclus Giorgio Morandi, célèbre pour ses natures mortes composées d’objets simples (par exemple des bouteilles) et d’une sophistication presque poétique.

Aux États-Unis, au début du XXe siècle, des artistes de la nature morte comme William Harnett et John Peto se sont fait connaître pour leurs compositions en trompe-l’œil avec des objets et des collages de coupures de journaux. Le genre est ensuite exploré par une grande variété d’artistes, comme l’expressionniste Marsden Hartley (1877-1943) inspiré par Kandinsky et Jawlensky, le cubiste Stuart Davis (1894-1964) et la créatrice d’images exotiques Georgia O’Keeffe (1887-1986). Dans l’art plus récent, la nature morte a fait partie du surréalisme et du pop art &ndash ; par exemple, la peinture de Roy Lichtenstein de 1972 «Nature morte avec bol et poisson rouge» (huile et magna sur toile).

- Pour en savoir plus sur les différents types de peinture (portraits, paysages, natures mortes, etc.), voir : Genres de peinture .