Art Moderne: Histoire, Caractéristiques, Mouvements Automatique traduire

Le terme «art moderne» (Art moderne ou «Modernisme») n’a pas de définition précise : il reste un terme élastique qui peut avoir des significations diverses. Cela n’est pas surprenant, puisque nous avançons constamment dans le temps et que ce qui est considéré comme «peinture moderne» ou «sculpture moderne» aujourd’hui peut ne pas être considéré comme moderne dans cinquante ans. Néanmoins, il est d’usage de dire que «l’art moderne» &ndash ; sont des œuvres créées autour de la période 1870-1970.

Cette «époque moderniste» fait suite à une longue période de domination de l’art académique inspiré de la Renaissance et favorisé par le réseau des académies européennes des beaux-arts. Elle est suivie par «l’art actuel» (depuis 1970), dont le plus avant-gardiste est également appelé «l’art postmoderne». Cette chronologie correspond à l’opinion de nombreux historiens de l’art et institutions artistiques, mais pas à toutes. La Tate Modern à Londres et le Musée national d’art moderne du Centre Pompidou à Paris, par exemple, considèrent tous deux que 1900 est le point de départ de l’art «moderne». En outre, ni eux ni le Museum of Modern Art de New York ne font de distinction entre les œuvres «modernistes» et «postmodernistes» : ils les considèrent toutes deux comme des phases de l’art «moderne».

Notons que le «modernisme» n’est pas la même chose que le «modernisme». Alors que le «modernisme» est une époque (ce qui est le sujet de cette page) qui comprend de nombreux styles et mouvements artistiques différents, le «modernisme» est un style particulier.

Par ailleurs, en essayant de comprendre l’histoire de l’art, il est important de réaliser que l’art ne change pas du jour au lendemain, mais qu’il reflète plutôt les processus plus larges (et plus lents) de la société. Il reflète également la vision du monde de l’artiste. Ainsi, par exemple, une œuvre d’art créée en 1958 peut être définitivement «postmoderniste» (si l’artiste a une vision du monde très avant-gardiste &ndash ; un bon exemple est le «Nouveau Réalisme» d’Yves Klein) ; tandis qu’une autre œuvre créée par un artiste conservateur en 1980 pourrait être considérée comme un retour à l’époque de l’art «contemporain», plutôt que comme un exemple d’art «actuel». En fait, il est probablement vrai de dire que plusieurs mouvements artistiques différents, c’est-à-dire plusieurs ensembles d’esthétiques , certaines hypermodernes, d’autres démodées &ndash ; peuvent coexister simultanément. Il convient également de rappeler que nombre de ces termes (par exemple «art contemporain») ne sont inventés que post facto, rétrospectivement.

NOTE : Les années 1960 sont généralement considérées comme la décennie au cours de laquelle les valeurs artistiques sont progressivement passées du «modernisme» au «postmodernisme». Cela signifie que pendant un certain temps, les deux ensembles de valeurs ont coexisté.

Pour les dates importantes, voir : Chronologie de l’histoire de l’art (à partir de 2,5 millions avant notre ère)

Quelles sont les origines de l’art moderne?

Pour comprendre les origines «de l’art moderne», faisons un petit rappel historique. Le dix-neuvième siècle a été une période de changements importants et rapides. Grâce à la révolution industrielle (vers 1760-1860), d’énormes changements dans la fabrication, le transport et la technologie ont commencé à affecter la façon dont les gens vivaient, travaillaient et voyageaient à travers l’Europe et l’Amérique. Les villes se sont développées et ont prospéré à mesure que les habitants quittaient les zones rurales pour travailler dans les usines urbaines. Ces changements sociaux inspirés par l’industrie ont conduit à une plus grande prospérité, mais aussi à des conditions de vie exiguës pour la plupart des travailleurs. Cette situation a entraîné une augmentation de la demande en architecture urbaine, une demande croissante en arts appliqués et design &ndash ; voir, par exemple, l’article sur l’école du Bauhaus &ndash ; et l’émergence d’une nouvelle classe d’entrepreneurs fortunés qui sont devenus des collectionneurs et des mécènes. Ces magnats du XIXe siècle ont fondé un grand nombre des plus beaux musées d’art du monde.

En outre, deux autres événements ont eu un impact direct sur les arts visuels de l’époque. Tout d’abord, en 1841, l’artiste américain John Rand (1801-1873) invente des boîtes en fer-blanc pour les peintures à l’huile (dans lesquelles elles ne sèchent pas), puis des tubes. D’autre part, de grands progrès ont été réalisés dans le domaine de la photographie, qui a permis aux artistes de photographier des scènes qui pouvaient ensuite être peintes en studio. Ces deux développements profiteront grandement à un nouveau style de peinture, connu sous le nom dépréciatif d’«impressionnisme», qui affectera radicalement la façon dont les artistes peignent le monde qui les entoure et deviendra la première grande école d’art moderniste.

Les changements sociaux du XIXe siècle n’ont pas seulement affecté la manière dont les artistes créaient de l’art, mais ils ont également incité les artistes à rechercher de nouveaux thèmes. Au lieu de suivre servilement la hiérarchie des genres et de se contenter de sujets académiques liés à la religion et à la mythologie grecque, entrecoupés de portraits et de «paysages significatifs» &ndash ; tous des sujets censés élever et instruire le spectateur, &ndash ; les artistes ont commencé à créer des œuvres sur les personnes, les lieux ou les idées qui les intéressaient. Les villes &ndash ; avec leurs nouvelles gares et leurs nouveaux bidonvilles &ndash ; étaient un choix évident et ont donné naissance à une nouvelle classe de peinture de genre et de paysage urbain. D’autres sujets sont les villages de banlieue et les zones de loisirs desservies par les nouveaux réseaux ferroviaires, qui inspirent de nouvelles formes de peinture de paysage à Monet, Matisse et d’autres. Le genre de la peinture d’histoire a également été transformé par Benjamin West (1738-1820), qui a peint «La mort du général Wolfe» (1770, National Gallery of Art, Ottowa), la première «peinture d’histoire moderne» et Goya (1746-1828), dont le Troisième mai 1808 (1814, Prado, Madrid) a introduit un idiome novateur et non héroïque.

Le XIXe siècle a également connu un certain nombre de développements philosophiques qui ont eu un impact significatif sur les arts. La montée de la pensée politique, par exemple, a conduit Courbet et d’autres à promouvoir une forme socialement consciente de peinture réaliste &ndash ; voir aussi l’article Du réalisme à l’impressionnisme). En outre, la publication de «L’interprétation des rêves» (1899) par Sigmund Freud a popularisé la notion de «subconscient», incitant les artistes à explorer le symbolisme et, plus tard, le surréalisme. La nouvelle conscience de soi promue par Freud a conduit (ou du moins coïncidé avec) l’émergence de l’expressionnisme allemand, les artistes se tournant vers l’expression de leurs sentiments et expériences subjectifs.

Quelle est l’origine de l’art moderne?

La date de naissance «de l’art moderne» est le plus souvent donnée comme étant 1863 &ndash ; l’année où Édouard Manet (1832-1883) a exposé son tableau choquant et irrévérencieux «Déjeuner sur l’herbe» au Salon des Refusés à Paris. Malgré le respect de Manet pour l’Académie française et le fait qu’il s’inspire de l’œuvre de Raphaël de la Renaissance, ce tableau a été considéré comme l’un des plus scandaleux de l’époque.

Mais elle n’était qu’un symbole des changements plus larges qui se produisaient dans les différents arts tant en France qu’ailleurs en Europe. Une nouvelle génération de «modernistes» s’est lassée de suivre les formes artistiques académiques traditionnelles du 18e et du début du 19e siècle et a commencé à produire une gamme de «peintures modernes» basées sur de nouveaux thèmes, de nouveaux matériaux et de nouvelles méthodes audacieuses. La sculpture et l’architecture ont également souffert &ndash ; et avec le temps, leurs changements deviendront encore plus révolutionnaires, &ndash ; mais la peinture s’est avérée être le premier grand champ de bataille entre les conservateurs et les nouveaux «modernistes».

Quelle est la principale caractéristique de l’art moderne?

Ce que nous appelons «l’art moderne» a duré un siècle et comprenait des dizaines de mouvements artistiques différents couvrant presque tout, de l’abstraction pure à l’hyperréalisme ; des écoles anti-art telles que Dada et Fluxus à la peinture et à la sculpture classiques ; de l’Art nouveau au Bauhaus et au Pop Art. La diversité était si grande qu’il est difficile de trouver une caractéristique unificatrice qui définisse l’époque. Mais s’il y a quelque chose qui sépare les artistes contemporains des premiers traditionalistes et des derniers postmodernistes, c’est leur croyance en la valeur de l’art. Pour eux, l’art a une valeur réelle. En revanche, leurs prédécesseurs ont simplement supposé qu’il avait de la valeur. Après tout, ils vivaient à une époque régie par des systèmes de valeurs chrétiens et se contentaient «de suivre les règles». Et ceux qui sont venus après le modernisme (à partir de 1970 et plus tard), les soi-disant «postmodernistes», ont largement rejeté l’idée que l’art (ou la vie) avait une valeur intrinsèque.

En quoi l’art moderne est-il différent? (Caractéristiques)

Bien que «l’art moderne» n’ait pas de caractéristique unique, il a été marqué par un certain nombre de caractéristiques importantes, à savoir

❶ Les nouvelles formes d’art

Les artistes contemporains ont été les premiers à développer les collages, diverses formes d’assemblage , une variété d’arts cinétiques (y compris mobiles), plusieurs genres de photographie, l’animation (dessin plus photographie), le land art ou earthworks, et l’art de la performance .

❷ Utilisation de nouveaux matériaux

Les artistes contemporains ont fixé sur leurs toiles des objets tels que des fragments de journaux et d’autres objets. Les sculpteurs ont utilisé «des objets trouvés», tels que «les redi-mades» de Marcel Duchamp à partir desquels ils ont créé des œuvres d’art de pacotille. Les assemblages ont été créés à partir d’objets quotidiens les plus courants tels que des voitures, des montres, des valises, des caisses en bois et d’autres objets.

❸ Utilisation expressive de la couleur

Les mouvements artistiques modernes tels que le fauvisme, l’expressionnisme et la peinture colorée ont été les premiers à faire un usage significatif de la couleur.

❹ Nouvelles méthodes

La chromolithographie a été inventée par l’affichiste Jules Chéret, le dessin automatique a été développé par les artistes surréalistes, tout comme le Frottage et la Décalcomanie. Les artistes gestaltistes inventent l’Action Painting. Les artistes pop ont introduit les points Benday «et la sérigraphie dans les beaux-arts». Parmi les autres mouvements et écoles d’art moderne qui ont introduit de nouvelles techniques de peinture, on peut citer : le néo-impressionnisme, le macchiaioli, le synthétisme, le cloisonnisme, le gesturalisme, le tachisme, l’art cinétique, le néo-dada et l’op art.

Comment l’art moderne s’est-il développé de 1870 à 1970?

1870-1900

Bien que le dernier tiers du XIXe siècle ait été dominé à certains égards par le nouveau style de peinture impressionniste, l’art moderne a connu plusieurs mouvements révolutionnaires, chacun ayant son propre centre d’intérêt. Parmi ces mouvements, on peut citer Impressionnisme (rendu précis des effets de la lumière du soleil) ; Réalisme (rendu précis du contenu) ; Art académique (peintures vivantes dans un style classique) ; Romantisme (ambiance) ; Symbolisme (iconographie énigmatique) ; Affiche lithographique (motifs et couleurs audacieux). La dernière décennie a vu plusieurs révoltes contre les académies et leurs «salons» sous la forme du mouvement de la Sécession, et la fin des années 1890 a vu le déclin de «l’art naturel» tel que l’impressionnisme, ce qui a rapidement conduit à l’émergence d’un art plus sérieux basé sur des messages.

1900-1914

C’est à bien des égards la période la plus excitante de l’art moderne, où tout était encore possible et où «la machine» était encore considérée uniquement comme l’amie de l’homme. Les artistes parisiens ont créé un certain nombre de nouveaux styles, dont le fauvisme, le cubisme et l’orphisme, et les artistes allemands ont fondé leur propre école de peinture expressionniste. Tous ces mouvements progressistes ont rejeté les attitudes traditionalistes à l’égard de l’art et ont cherché à défendre leur propre programme de modernisme. Ainsi, le cubisme voulait donner la priorité aux attributs formels de la peinture, tandis que le futurisme préférait mettre l’accent sur les possibilités de la machine et que l’expressionnisme prônait la perception individuelle.

1914-1924

Le carnage et les destructions de la Première Guerre mondiale changent complètement la donne. En 1916, le mouvement Dada avait vu le jour, animé d’un désir nihiliste de renverser le système de valeurs qui avait engendré Verdun et la Somme. Soudain , les beaux-arts semblent obscènes. Aucune image ne peut rivaliser avec les photographies des morts de la guerre. Les artistes se tournent déjà de plus en plus vers l’art sans objet comme moyen d’expression. Les mouvements de l’art abstrait de l’époque comprenaient le cubisme (1908-40), le vorticisme (1914-15), le suprématisme (1913-18), le constructivisme (1914-32), De Stijl (1917-31), le néo-plasticisme (1918-26), l’élémentarisme (1924-31), le Bauhaus (1919-33) et, plus tard, l’école de St Ives. Même quelques mouvements figuratifs étaient nettement avant-gardistes, comme «la peinture métaphysique» (1914-20). Mais comparez avec le début du 20e siècle - Le renouveau classique dans l’art moderne et La peinture néoclassique de Picasso (1906-30).

1924-1940

L’entre-deux-guerres reste marqué par des problèmes politiques et économiques. La peinture et la sculpture abstraites continuent de prévaloir, les beaux-arts réalistes n’étant pas du tout à la mode. Même l’aile réaliste du mouvement surréaliste &ndash ; le plus grand mouvement de l’époque &ndash ; n’arrive pas à créer plus qu’un style fantastique de la réalité. Pendant ce temps, une réalité plus sinistre se profile sur le continent sous la forme de l’art nazi et de la propagande soviétique. Seul l’Art déco, un style plutôt élégant centré sur l’architecture et les arts appliqués, exprime la confiance en l’avenir.

1940-1960

Le monde de l’art est bouleversé par la catastrophe de la Seconde Guerre mondiale. Tout d’abord, son centre de gravité s’est déplacé de Paris à New York, où il est resté depuis. À l’avenir, presque tous les records mondiaux seront atteints dans les salles de vente new-yorkaises de Christie’s et de Sotheby’s. Entre-temps, le phénomène indicible d’Auschwitz a sapé la valeur de tout l’art réaliste, à l’exception de l’art de l’Holocauste de ceux qui ont souffert. En conséquence, les artistes américains de l’école de New York ont créé le prochain grand mouvement international &ndash ; l’expressionnisme abstrait. Au cours des 20 années suivantes, l’abstraction dominera tandis que de nouveaux mouvements sortiront de la chaîne de montage. Parmi ceux-ci, citons l’Art Informel, l’Action-Painting, le Gesturalisme, le Tachisme, le Colour Field Painting, l’Abstraction Lyrique, le Hard Edge et COBRA, un groupe connu pour son imagerie enfantine et ses coups de pinceau expressifs. Au cours des années 1950, d’autres tendances plus avant-gardistes sont apparues, telles que l’art cinétique, le réalisme moderne et le néo-dada, toutes témoignant d’une impatience croissante à l’égard de la rigidité de l’industrie de l’art.

1960-е

L’explosion de la musique et de la télévision populaires se reflète dans le mouvement Pop Art, dont les représentations de célébrités hollywoodiennes et l’iconographie de la culture populaire célèbrent le succès de l’Amérique de la consommation de masse. Le Pop Art avait également un sens cool «de la tendance» et a contribué à dissiper une partie de la morosité du début des années 60 autour de la crise cubaine de 1962, qui a contribué en Europe au succès du mouvement Fluxus dirigé par George Maciunas, Joseph Beuys, Nam June Paik et Wolf Fostell. Le Pop Art pratique est également un contrepoint bienvenu à l’expressionnisme abstrait, plus savant, qui a déjà commencé à s’estomper. Mais les années 1960 ont également été marquées par l’essor d’un autre mouvement intellectuel connu sous le nom de minimalisme, une forme de peinture et de sculpture dépourvue de toute référence ou geste extérieur &ndash ; en contraste avec l’idiome émotionnel de l’expressionnisme abstrait.

Photographie contemporaine

La photographie &ndash ; l’un des nouveaux médias les plus importants et les plus influents de l’ère «moderne». Quatre genres en particulier se sont imposés. Il s’agit de la photographie de portrait &ndash ; un genre qui a largement remplacé les portraits peints ; le pictorialisme (1885-1915) une forme d’art dans laquelle un photographe manipule une photographie ordinaire pour créer une image «artistique» ; la photographie de mode (1880-aujourd’hui) &ndash ; la photographie consacrée à la publicité pour les vêtements, les chaussures, les parfums et d’autres produits de marque ; la photographie documentaire (1860-aujourd’hui), un type de travail de caméra à la mise au point précise qui capture un moment de la réalité pour transmettre un message sur ce qui se passe dans le monde ; et la photographie de rue (1900-aujourd’hui) l’art de capturer les interactions occasionnelles de l’activité humaine dans les zones urbaines. Ces genres, pratiqués par plusieurs des plus grands photographes du monde, ont largement contribué à l’art moderne du XXe siècle.

L’architecture moderne

Le modernisme en architecture &ndash ; la question est plus confuse. Le terme «modernisme» dans la conception des bâtiments a été utilisé pour la première fois en Amérique dans les années 1880 pour décrire les gratte-ciel conçus par l’école d’architecture de Chicago (1880-1910), tels que le Montauk Building (1882-83), conçu par Burnham et Root ; la Home Insurance House (1884.), conçu par William Le Baron Jenney, et l’entrepôt Marshall Field (1885-7), conçu par Henry Hobson Richardson. Le XXe siècle a vu l’émergence d’un nouveau type de conception connu sous le nom de Style international d’architecture moderne (c. 1920-70). Né en Allemagne, aux Pays-Bas et en France, sous l’impulsion de Le Corbusier (1887-1965), Walter Gropius (1883-1969) et d’autres, il s’est répandu en Amérique, où il est devenu le langage dominant des gratte-ciel commerciaux grâce aux efforts de Mies van der Rohe (1886-1969), ancien directeur de l’école du Bauhaus. Plus tard, le centre de la conception des bâtiments modernes s’est établi de manière permanente aux États-Unis, principalement en raison de l’émergence des gratte-ciel de grande hauteur, qui ont ensuite été exportés dans le monde entier.

Quand l’art moderne a-t-il pris fin? Qu’est-ce qui l’a remplacé?

Le modernisme ne s’est pas arrêté, il a été progressivement dépassé par les événements de la fin des années 1960 &ndash ; une période qui coïncide avec l’essor de la culture pop de masse et la montée des contestations anti-autoritaires (dans les domaines sociaux et politiques comme dans l’art) des canons existants. L’année clé est 1968, marquée par l’offensive du Têt, les assassinats de Martin Luther King et de Bobby Kennedy, et les manifestations de rue dans les capitales européennes. Le modernisme devenant de plus en plus démodé, il cède la place à ce que l’on appelle «l’art actuel», c’est-à-dire «l’art de notre époque». Le terme «art contemporain» est neutre par rapport au progressisme de l’art en question, c’est pourquoi une autre expression &ndash ; «postmodernisme» est souvent utilisée pour désigner l’art contemporain d’avant-garde . Les écoles d’art «postmoderniste» prônent une nouvelle esthétique caractérisée par une plus grande attention au support et au style. Par exemple, elles placent le style au-dessus du contenu (par exemple, pas «le quoi», mais «le comment» ; pas «l’art pour l’art», mais «le style pour le style») et accordent beaucoup plus d’importance à la communication de l’artiste avec le public.

Quelles sont les principales tendances de l’art contemporain?

Les mouvements «les plus influents de l’art moderne» sont
❶ l’impressionnisme,
❷ le fauvisme,
❸ le cubisme,
❹ le futurisme,
❺ l’expressionnisme,
❻ le dadaïsme,
❼ le surréalisme,
❽ l’expressionnisme abstrait et
❾ le pop art.

❶ Impressionnisme (années 1870, années 1880)

L’impressionnisme, représenté par les peintures de paysages de Claude Monet (1840-1926), s’est concentré sur la tâche presque impossible de capturer des moments fugaces de lumière et de couleur. Des combinaisons de couleurs non naturalistes et un style de peinture lâche, souvent très texturé, ont été introduits. Le gros plan de nombreux tableaux impressionnistes est méconnaissable. Très impopulaire auprès du grand public et des autorités artistiques, mais très apprécié par les autres artistes contemporains, les marchands et les collectionneurs. Il est finalement devenu le mouvement pictural le plus célèbre au monde. Voir : Caractéristiques de la peinture impressionniste (1870-1910). La principale contribution de l’impressionnisme à «l’art moderne» a été de légitimer l’utilisation de couleurs non naturalistes, ouvrant ainsi la voie à l’art abstrait totalement non naturaliste du 20e siècle.

❷ Fauvisme (1905-7)

Éphémère, spectaculaire et très influent, sous la direction de Henri Matisse (1869-1954), le fauvisme était un style «à la mode» au milieu des années 1900 à Paris. Le nouveau style a été présenté au Salon d’automne et s’est immédiatement fait connaître pour ses couleurs vives, éclatantes et non naturalistes, qui faisaient paraître l’impressionnisme presque monochrome! Un précurseur clé de l’expressionnisme. Voir : Histoire de la peinture expressionniste (1880-1930). La principale contribution du fauvisme à «l’art moderne» a été de démontrer le pouvoir indépendant de la couleur. Cette approche très subjective de l’art diffère de la vision académique classique, axée sur le contenu.

❸ Cubisme (1908-14)

Style de peinture austère et complexe, le cubisme présente un système de composition composé de plans plats et divisés en alternative à la perspective linéaire et aux volumes arrondis inspirés de la Renaissance. Développé par Pablo Picasso (1881-1973) et Georges Braque (1882-1963) en deux variantes &ndash ; le cubisme analytique et plus tard le cubisme synthétique &ndash ; il a influencé l’art abstrait pendant les 50 années suivantes, bien que sa popularité ait été limitée. La principale contribution du cubisme à «l’art moderne» a été d’offrir une alternative entièrement nouvelle à la perspective traditionnelle, basée sur le fait inéluctable d’un plan d’image plat.

❹ Futurisme (1909-14)

Fondé par Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944), l’art futuriste glorifie la vitesse, la technologie, les automobiles, les avions et les réalisations scientifiques. Bien que très influent, il emprunte beaucoup au néo-impressionnisme et au divisionnisme italien, ainsi qu’au cubisme, en particulier ses formes fragmentées et ses points de vue multiples. La principale contribution du futurisme à «l’art moderne» a été d’introduire le mouvement sur la toile et de relier la beauté au progrès scientifique.

❺ Expressionnisme (à partir de 1905)

Bien qu’il ait été anticipé par des artistes tels que Turner (Intérieur à Petworth, 1837), Van Gogh (Champ de blé avec corbeaux, 1890) et Paul Gauguin (Anne de Javan, 1893), deux groupes ont rendu l’expressionnisme célèbre dans l’Allemagne d’avant-guerre : di Brucke (Dresde-Berlin) et Blue Rider (Munich), dirigés respectivement par Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938) et Wassily Kandinsky (1866-1944). En sculpture, les formes de l’artiste de Duisbourg Wilhelm Lembruck (1881-1919) étaient (et sont toujours) sublimes. La principale contribution de l’expressionnisme à «l’art moderne» a été de populariser l’idée de subjectivité dans la peinture et la sculpture et de démontrer que les beaux-arts pouvaient légitimement inclure des distorsions subjectives.

❻ Le dadaïsme (1916-24)

Le premier mouvement anti-art, le dadaïsme, est une révolte contre le système qui a permis le carnage de la Première Guerre mondiale (1914-18). Il s’est rapidement transformé en une tendance anarchiste visant à ébranler l’establishment artistique. Lancé en Suisse neutre en 1916, ses dirigeants ont un peu plus de vingt ans et la plupart d’entre eux «refusent» de se soustraire à la conscription dans les refuges des villes neutres telles que New York, Zurich et Barcelone. Les fondateurs sont le sculpteur Jean Arp (1887-1966) et le poète roumain et activiste démoniaque Tristan Tzara (1896-1963). La principale contribution de Dada &ndash ; secouer le monde de l’art et élargir la notion d’art «moderne» pour englober des formes de créativité entièrement nouvelles (performance et readymades) ainsi que des matériaux (junk art) et des thèmes inédits. Son humour décapant a survécu dans le mouvement surréaliste.

❼ Surréalisme (à partir de 1924)

Le surréalisme, fondé à Paris par l’écrivain André Breton (1896-1966), est un mouvement artistique «à la mode» dans l’entre-deux-guerres, bien que le style soit toujours présent. Composé d’ailes abstraites et figuratives, il s’est développé à partir du mouvement nihiliste Dada, dont la plupart des membres sont devenus des surréalistes, mais, contrairement à Dada, il n’était ni anti-art ni politique. Les artistes surréalistes utilisent une variété de techniques, y compris les rêves, les hallucinations et la création automatique ou aléatoire d’images, pour contourner les processus de pensée rationnelle dans la création d’œuvres d’art. (Pour plus d’informations, voir L’automatisme dans l’art)) La principale contribution du surréalisme à «l’art moderne» a été de créer un ensemble d’images nouvelles et rafraîchissantes. On peut se demander si ces images étaient sans ambiguïté irrationnelles. Mais l’art surréaliste &ndash ; c’est vraiment amusant!

❽ Expressionnisme abstrait (1948-60)

Un large style de peinture abstraite développé dans la ville de New York immédiatement après la Seconde Guerre mondiale, d’où son nom d’école de New York. Dirigé par des artistes américains eux-mêmes fortement influencés par des expatriés européens, il se compose de deux styles principaux : une forme très animée de peinture gestuelle popularisée par Jackson Pollock (1912-56) et un style beaucoup plus passif axé sur l’humeur, connu sous le nom de «Colour Field», défendu par Mark Rothko (1903-70). La principale contribution de l’expressionnisme abstrait à l’art «moderne» a été de populariser l’abstraction. Dans le cas de Pollock, il a inventé un nouveau style connu sous le nom d’«action painting» &ndash ; voir les photos dans le texte ; dans le cas de Rothko, il a démontré l’impact émotionnel des grandes surfaces de couleur.

❾ Pop art (fin des années 1950, années 1960)

Style artistique dont l’imagerie reflète la culture de masse et la consommation de masse de l’Amérique des années 1960. Apparu à New York et à Londres à la fin des années 1950, il est devenu le style d’avant-garde dominant jusqu’à la fin des années 1960. À l’aide d’images audacieuses et identifiables et de couleurs vives, des artistes pop comme Andy Warhol (1928-87) ont créé une iconographie basée sur des photographies de célébrités populaires telles que des stars de cinéma, des publicités, des affiches, des emballages de produits de consommation et des bandes dessinées. Cela a contribué à réduire le fossé entre l’art commercial et les beaux-arts. La principale contribution de l’expressionnisme abstrait à «l’art moderne» a été de montrer que le bon art pouvait être humble et pouvait être fait de n’importe quoi. Voir : Le Pop Art d’Andy Warhol (c.1959-73) .

Liste des écoles et mouvements d’art moderne

Voici une liste de mouvements et d’écoles «de l’époque moderne».
- Peinture expressionniste abstraite (1947-65).
Terme générique pour les styles d’après-guerre connus collectivement sous le nom de «École de New York».
- Peinture à sujet américaine (1925-45).
Style réaliste qui exalte l’Amérique rurale et des petites villes.
- Armory Show of Modern Art (1913)
Exposition pionnière de l’art moderne en Amérique.
- Art déco (1925-40)
Design raffiné associé à la nouvelle «ère des machines».
- Art Informel (années 1950)
Version européenne de l’expressionnisme abstrait.
- Art nouveau (1890-1914)
Conception curviligne. Également appelé Jugendstil (Allemagne), Stile Liberty (Italie).
- Arte Nucleare (1951-60)
Groupe politique informé par l’art qui a créé de l’art pour l’ère nucléaire.
- Mouvement des arts et métiers (1862-1914).
Mouvement contre la production de masse, prônant l’artisanat.
- Groupe Ashcan School (Trash Bucket School) (1900-1915),
New York, dont les peintures représentaient des scènes de quartiers pauvres.
- Impressionnisme australien (1886-1900)
Plein air École de Heidelberg, du nom des camps situés à l’est de Melbourne.
- Abstraction biomorphique (organique) (1930 ~ 1940)
Formes arrondies basées sur celles que l’on trouve dans la nature. Voir les œuvres d’Henry Moore.
- Sécession berlinoise (1898)
Organisation artistique dissidente dirigée par l’artiste Max Liebermann.
- Groupe de Camden Town (1911-13)
Groupe d’impressionnistes anglais dirigé par Walter Sickert.
- Cloisonnisme (1888-94)
Style de peinture avec des taches de couleurs vives enfermées dans d’épais contours noirs.
- Groupe COBRA (1948-1951)
Équivalent européen de la peinture gestuelle ou «action new-yorkaise».
- Colour Field Painting (1948-68).
Style d’expressionnisme abstrait pratiqué par Rothko, Barnett Newman, Clifford Still.
- Constructivisme (1914-32)
Mouvement d’art, de design et d’architecture fondé par Vladimir Tatlin.
- Cubisme (1908-14)
Voir ci-dessus : Les mouvements les plus importants
- Dada (1916-24)
Voir ci-dessus : Les mouvements les plus importants
- Cavalier bleu (Der Blaue Reiter) (1911-14)
Groupe d’expressionnistes allemands basé à Munich.
- De Stijl (1917-31)
Groupe néerlandais de design d’avant-garde fondé par Theo van Doesburg.
- Deutscher Werkbund (1907-33)
Organisation allemande créée pour améliorer le design industriel et l’artisanat allemands.
- Di Brucke (1905-13)
Groupe d’expressionnistes allemands à Dresde, puis à Berlin.
- Divisionnisme (1884-1904)
Théorie du néo-impressionnisme, également connue sous le nom de chromoluminarisme.
- Art existentiel (années 1940, années 1950)
Style de peinture et de sculpture popularisé par Robert Lapoujade et Giacometti.
- Mouvement expressionniste (années 1880).
Style de peinture subjectif, souvent très coloré et déformé.
- Fauvisme (1905-1985).
Voir ci-dessus : «Mouvements les plus importants».
- Fluxus (années 1960).
Mouvement d’avant-garde associé au lettrisme, au réalisme modernisé et au néo-dada.
- Futurisme (1909-14)

Voir ci-dessus : Mouvements les plus importants
- Hard Edge Painting (fin des années 1950, années 1960)
Variante de l’abstraction post-peinture, en réaction au gestuel.
- Impressionnisme (1870-1880)

Voir ci-dessus : Mouvements les plus importants
- Divisionnisme italien (1890-1907).
Style post-impressionniste qui s’inspire fortement du pointillisme et du néo-impressionnisme.
- Kitchen Sink Art (milieu des années 1950).
École du réalisme banal.
- Macchiaioli (1855-80)
Groupe italien nommé ainsi en raison de l’utilisation de taches colorées (macchia).
- Réalisme magique (années 1920).
Mouvement contemporain connu pour son naturalisme austère et ses thèmes inhabituels.
- Peinture métaphysique (1914-20)
Un prédécesseur du surréalisme développé par Giorgio de Chirico.
- Art Minimalisme
Apparaît sans aucun arrière-plan historique, social ou esthétique.
- Sécession de Munich (1892)
. Le premier des mouvements artistiques progressistes en Europe à se détacher de la hiérarchie des arts conservateurs.
- Le Nabi (années 1890)
Groupe d’artistes parisiens connus pour leurs arts décoratifs.
- Néo-Dada (1953-65)
Style connu pour son utilisation de matériaux non orthodoxes et son éthique anti-establishment.
- Groupe Néo-impressionnisme (1884-1904),
Groupe connu pour son utilisation de petits points de pigments colorés purs.
- Néo-plasticisme (1918-26)
Style strict d’abstraction fondé par Piet Mondrian.
- Néo-romantisme (1935-55)
Tendance de la peinture britannique à recréer des paysages fantastiques.
- Nouvelle Objectivité (Die Neue Sachlichkeit) (1925-35)
Un style expressionniste dur reflétant le cynisme de l’Allemagne des années 1920.
- Réalisme moderne (1958-70)
Avant-garde figurative précurseur du postmodernisme, fondée par Yves Klein.
- Op Art (1965-70)
Forme de peinture abstraite basée sur les illusions d’optique.
- Orphisme (1914-15)
Un idiome coloré de l’art abstrait inventé par Robert Delaunay.
- Ecole de Paris (1890-1940)
Le label d’un groupe d’artistes modernes actifs à Paris, tels que Picasso, Modigliani.
- Pointillisme (1884-1904)
La théorie des couleurs qui sous-tend le néo-impressionnisme implique de petites touches de pigment pur.
- Pop Art (1955-70)

Voir ci-dessus : Mouvements les plus importants
- Post-impressionnisme (1880 ~ 90)
Terme générique désignant les différents styles de peinture issus de l’impressionnisme.
- Abstraction post-peinture (1955-65)
Terme inventé par Clement Greenberg pour désigner les mouvements post-gestuels.
- Précision (vers les années 1920)
Style de peinture réaliste influencé par le futurisme et le cubisme.
- Réalisme (1850-1900)
Idiome à orientation sociale prôné par Courbet.
- Régionalisme (Scénographie) (vers les années 1930)
Style de peinture qui célébrait les petites villes d’Amérique.
- Réalisme social (1930-45)
Style américain qui commente les problèmes de l’époque de la dépression.
- Réalisme socialiste (1928-80)
Art de propagande d’État associé principalement à l’Union soviétique.
- École de St Ives (1939-75)
Colonie d’artistes abstractionnistes dirigée par Ben Nicholson et Barbara Hepworth.
- Suprématisme (1913-18)
Style de peinture abstraite russe développé par Kazimir Malevitch.
- Surréalisme (à partir de 1924).
Voir ci-dessus : Les mouvements les plus importants
- Symbolisme (1880 ~ 90).
Les symbolistes recherchent la réalité dans leur imagination et leurs rêves.
- Synthétisme (1888-94)
Connu pour ses aplats de couleurs. Inventé par Gauguin, Emile Bernard.
- Tachisme (années 1950)
Forme tachetée de peinture abstraite gestuelle développée en France.
- Art victorien (Royaume-Uni) (1840-1900)
Arts et métiers du règne de la reine Victoria. Voir Architecture victorienne .
- Sécession viennoise (1897-1939)
Artistes dissidents qui rejetèrent l’Académie des arts conservatrice de la ville.
- Le Vingt (1883-93)
Groupe belge d’artistes progressistes tels que James Ensor, Fernand Knopff.
- Le Vorticisme (1914-15).
Peinture dans le style du cubisme anglais, développée par Percy Wyndham Lewis.

Pour plus de détails, voir : Mouvement de l’art moderne (1870-1970).

Les plus grands artistes modernistes

Art moderne - artistes

Impressionnistes (apogée 1870-1880)
L’un des mouvements les plus révolutionnaires des beaux-arts modernes, dont les principaux membres étaient : Claude Monet (1840-1926) ; Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) ; Edgar Degas (1834-1917) ; Camille Pissarro (1830-1903) ; Alfred Sisley (1839-1899) ; Édouard Manet (1832-83) ; Bertha Morisot (1841-1895) ; John Singer Sargent (1856-1925). Voir Peintres impressionnistes .

Les postimpressionnistes (période florissante 1880-1900) (voir
Les postimpressionnistes (période florissante 1880-1900).)
Parmi les artistes contemporains qui ont rompu avec le courant dominant de la peinture impressionniste, citons James Abbott McNeil Whistler (1834-1903) ; Georges Seurat (1859-1891) ; Paul Cézanne (1839-1906) ; Van Gogh (1853-1890) ; Paul Gauguin (1848-1903) ; Henri Matisse (1869-1954). Voir Artistes post-impressionnistes .

Affichistes
Sous les feux de la rampe de la Belle Epoque à Paris, l’art de l’affiche est illustré par le travail (et les inventions) de Jules Chéret (1836-1932), l’affiche remarquable «Cabaret Du Chat Noir» de Théophile Steinlen (1859-1923), les affiches de théâtre de Toulouse-Lautrec (1864-1901) et les œuvres Art nouveau d’Alphonse Mucha (1860-1939). Après le départ de Mucha pour l’Amérique, le talentueux Leonetto Cappiello (1875-1942) arrive à Paris en provenance d’Italie. Un autre affichiste et scénographe important est Léon Bakst (1866-1924), qui est venu à Paris avec les Ballets russes sous la direction de Sergei Diaghilev.

Artistes primitivistes et fantaisistes
Cette catégorie assez large comprend le naïf Henri Rousseau (1844-1910) (Le Duanier) et les symbolistes polyvalents Paul Klee (1879-1940) et Marc Chagall (1887-1985).

Réalistes
Le réalisme moderniste s’est épanoui en dehors de l’Europe et comprenait ces maîtres suprêmes de l’idiome : Winslow Homer (1836-1910), Thomas Eakins (1844-1916) et Ilya Repin (1844-1930). Voir aussi : Peintres réalistes .

Expressionnistes (apogée 1905-1933)
Influencé par le fauvisme, le mouvement expressionniste s’est enrichi d’œuvres de Kandinsky, Munch, Modigliani (1884-1920), Egon Schiele (1890-1918), Kirchner, Max Beckmann (1884-1950), Oskar Kokoschka (1886-1980), et Otto Dix (1891-1969). Voir aussi Artistes expressionnistes .

Cubistes (apogée 1908-14)
Ce mouvement révolutionnaire de l’art abstrait a été créé par Braque et Picasso et a bénéficié de l’apport précieux d’artistes modernistes tels que Juan Gris, Fernand Léger (1881-1955), Robert Delaunay (1885-1941) et Marcel. Duchamp (1887-1968). Voir : Artistes cubistes .

Artistes abstractionnistes
Parmi les plus grands représentants de l’abstraction de l’ère moderne figurent Kazimir Malevitch (1878-1935) ; Piet Mondrian (1872-1944). Voir Artistes abstraits .

Art déco (années 1920, années 1930)
Mouvement d’art décoratif et de design, ainsi que style de peinture, son représentant le plus célèbre fut probablement la charmante portraitiste russo-polonaise Tamara de Lempicka (1895-1980).

Surréalistes
Mouvement dominant des arts visuels de la fin des années 1920 et des années 1930, ses principaux artistes étaient Juan Miró (1893-1983), René Magritte (1898-1967) et Salvador Dalí (1904-1989). Voir : Artistes surréalistes .

Expressionnistes abstraits
La peinture expressionniste abstraite est le premier grand mouvement de l’art américain. Connu également sous le nom d’école de New York, il comprend Rothko, Pollock, Willem De Kooning (1904-1997), Clifford Still (1904-1980), Barnett Newman (1905-1970), Robert Motherwell (1915-1991), Franz Kline (1910-1962), et d’autres encore.

Pop Art
Ce style populaire de l’art moderne a supplanté l’expressionnisme abstrait, plus intellectuel, et a été rendu célèbre par des artistes tels qu’Andy Warhol (1928-1987) et Roy Lichtenstein (1923-1997).

Sculpteurs de l’époque moderniste

Les principaux sculpteurs de l’ère moderne comprennent : le réaliste expressif Auguste Rodin (1840-1917) ; les expressionnistes Ernst Barlach (1870-1938) et Wilhelm Lembruck (1881-1919) ; l’artiste d’avant-garde Constantin Brancusi (1876-1957) ; le futuriste Umberto Boccioni (1882-1916), les cubistes Alexander Arkhipenko (1887-1964), Raymond Duchamp-Villon (1876-1918), Osip Zadkin (1890-1967), Jacques Lipshitz (1891-1973) et Naum Gabo (1890-1977) ;) les cinéticiens Alexander Calder (1898-1976) et Jean Tinguely (1925-91), et le sculpteur minimaliste suisse Alberto Giacometti (1901-1966).

D’autres formes modernistes sont représentées par les œuvres primitives de Modigliani (1884-1920) et Jacob Epstein (1880-1959) ; et les objets trouvés «connus sous le nom de «redi-mades» de Marcel Duchamp (1887-1968). Parallèlement, la sculpture britannique moderne est incarnée par Henry Moore (1898-1986), Barbara Hepworth (1903-75) et Ben Nicholson (1894-1982). Parmi les exemples de sculpture moderne en Amérique, on peut citer les œuvres de James Earl Fraser (1876-1953), Daniel Chester French (1850-1931), Anna Hyatt Huntingdon (1876-1973) et Gutzon Borglum (1867-1941).

Le modernisme du milieu du XXe siècle est représenté par les collections de Louise Nevelson (1899-1988) et de César Baldaccini (1921-98), les statues héroïques d’Evgeny Vuchetich (1908-74) et les sculptures émouvantes de Victor Tolkin (1922-2013) et de Nandor Glid (1924-97) sur l’Holocauste. Voir aussi Gutzon Borglum (1867-1941). Le modernisme du milieu du XXe siècle est également représenté par des ensembles de Louise Nevelson (1899-1988) et César Baldaccini (1921-98), des statues héroïques d’Evgeny Vuchetich (1908-74) et des sculptures émouvantes de Victor Tolkin (1922-2013) et Nándor Glid (1924-97) dédiées à l’Holocauste. Voir aussi Gutzon Borglum (1867-1941). Voir aussi : Sculpteurs du XXe siècle .

Appréciation de l’art
Voir aussi : Comment apprécier la sculpture moderne (1850-aujourd’hui).

Graveurs

Parmi les représentants de la gravure moderniste &ndash ; eau-forte, gravure, lithographie et sérigraphie &ndash ; on peut citer Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901), M.C. Escher (1898-1972), Willem de Kooning (1904-97), Robert Rauschenberg (1925-2008), Andy Warhol (1928-87).

Les artistes contemporains du vitrail

Parmi les meilleurs représentants de l’art du vitrail, on peut citer Marc Chagall (1887-1985), Juan Miró (1893-1983), Harry Clark (1889-1931), Sarah Purser (1848-1943), Evie Hawn (1894-1955).

Photographes modernistes

La photographie moderne (1870-1970) est associée aux efforts pionniers d’Alfred Stieglitz (1864-1946) et d’Edward Steichen (1879-1973). D’autres photographies modernistes sont mises en valeur par le pictorialisme de Man Ray (1890-1976), les paysages d’Ansel Adams (1902-84) et les images architecturales d’Eugène Atget (1857-1927) et de Bernd et Hilla Becher ; les photographies de mode de Norman Parkinson (1913-1990), Irving Penn (1917-2009) et Richard Avedon (1923-2004) ; les portraits de Julia Margaret Cameron (1815-1979), Dorothea Lange (1895-1965) et Walker Evans (1903-1975) ; et les photographies de rue d’Henri Cartier-Bresson (1908-2004).

Les 25 plus grands tableaux modernistes

Voici une liste chronologique des meilleurs exemples de peinture de l’époque moderniste (1870-1970).

Impression, soleil levant (1873) Musée Marmottan de Monet, Paris.
Claude Monet (1840-1926)

Danse au Moulin de la Galette (1876) Musée d’Orsay, Paris
Renoir (1841-1919)

Gross Clinic (1875) Université de Pennsylvanie.
Thomas Eakins (1844-1916)

Les filles d’Edward Darley Boyte (1882) Musée des beaux-arts de Boston.
John Singer Sargent (1856-1925)

Procession de la Croix dans la province de Koursk (1883) Galerie Tretiakov.
Ilya Repin (1844-1930)

Un dimanche après-midi sur l’île de la Grande Jatte (1884-6).
Georges Seurat (1859-1891)

Terrasse nocturne d’un café, Arles (1888) Yale University Art Gallery.
Vincent van Gogh (1853-1890)

Le ruisseau (1893), tempera à l’huile et pastel, Galerie nationale, Oslo.
Munch (1863-1944)

Jeune fille à l’éventail (1902) Musée Folkwang, Hesse.
Paul Gauguin (1848-1903)

Les Grandes Baigneuses (1906) National Gallery, Londres ; Art Museum, Philadelphie ; Barnes Foundation, Merion, Pennsylvanie.
Paul Cézanne (1839-1906)

Baiser (1907-8) huile et or sur toile, Galerie Belvedere, Vienne.
Gustav Klimt (1862-1918)

Les demoiselles d’Avignon (1907), Musée d’art moderne, New York.
Pablo Picasso (1881-1973)

Danse (1910) Musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg.
Henri Matisse (1869-1954)

Dynamisme d’un chien en laisse (1912) Albright-Knox Art Gallery, Buffalo.
Giacomo Balla (1871-1958)

Nu descendant l’escalier n°2 (1912) Musée d’art de Philadelphie.
Marcel Duchamp (1887-1968)

Nu assis (1916) Institut Courtauld, Londres.
Amedeo Modigliani (1884-1920)

Le Coquelicot (1919) Musée Toulouse-Lautrec, Albi.
Kees van Dongen (1877-1968)

Jeune fille aux gants (1929) Collection privée.
Lempicka (1895-1980)

American Gothic (1930), planche de castor, huile, Art Institute of Chicago.
Grant Wood (1891-1942)

Guernica (1937) toile, huile, Musée de la Reine Sofia, Madrid.
Pablo Picasso (1881-1973)

Night Café (Midnighters) (1942) Art Institute of Chicago.
Edward Hopper (1882-1967)

No. 1, 1950 (Brume de lavande) (1950) National Gallery, Washington, DC.
Jackson Pollock (1912-56)

Femme 1 (1950-2), Musée d’art moderne, New York.
Willema de Kooning (1904-97)

Listening Room (1952) Menil Collection, Houston.
René Magritte (1898-1967)

Pape hurlant (1953) Collection William Burden, New York.
Francis Bacon (1909-1992)

Quatre Marilyns (1962), collection privée.
Andy Warhol (1928-86)

Les 25 plus grandes sculptures modernes

Voici une liste chronologique des meilleures (selon l’avis de l’auteur de cet article) œuvres sculpturales modernes (1870-1970).

David (1872) Bronze, Musée d’Orsay, Paris.
Jean Antoine Mercier (1845-1916)

Statue de la Liberté (1886) Cuivre, Liberty Island, port de New York.
Frédéric-Auguste Bartholdi (1834-1904)

Petite danseuse âgée de quatorze ans (1879-81), bronze, musée d’Orsay, Paris.
Edgar Degas (1834-1917)

Le Baiser (1888-9) Marbre, Musée Rodin, Paris.
Auguste Rodin (1840-1917)

Nu debout (1907) Musée national d’art moderne, Centre Pompidou, Paris.
André Doeren (1880-1954)

Baiser (1907) Pierre, Hamburgerkunsthalle, Hambourg.
Constantin Brancusi (1876-1957)

Femme qui marche (1912) Denver Art Museum.
Alexander Archipenko (1887-1964)

Formes uniques de continuité dans l’espace (1913) Musée d’art moderne, New York.
Boccioni (1882-1916)

Grand cheval (1914-18). L’original se trouve au Philadelphia Museum of Art.
Raymond Duchamp-Villon (1876-1918)

Fin du sentier (1915) Brookgreen Gardens, Murrells Inlet, USA.
James Earl Fraser (1876-1953)

Homme tombé (1915-16) Nouvelle galerie nationale, Berlin.
Lembruck (1881-1919)

Tête construite n° 2 (1916) Centre de sculpture Nasher, Dallas.
Gabo (1890-1977)

Statue de Lincoln (1922) Lincoln Memorial, Washington, DC.
Daniel Chester French (1850-1931)

Femme à la guitare (1927) Collection privée.
Jacques Lipchitz (1891-1973)

Mont Rushmore (1927-41) Dakota du Sud.
Borglum (1867-1941) et son fils Lincoln Borglum (1912-86)

Adam (1938) Harewood House, Leeds, UK.
Jacob Epstein (1880-1959)

Étalons de combat (1950) Hyatt Huntingdon Sculpture Garden, Huntingdon, Caroline du Sud.
À Anna Hyatt Huntington (1876-1973)

La ville en ruine (1953) Schiedam Dijk, Rotterdam.
Tzadkin (1890-1967)

Cathédrale du ciel (1958), Musée d’art moderne, New York.
Louise Nevelson (1899-1988)

Walking Man I (1960) Fondation Maeght, St Paul de Vence.
Alberto Giacometti (1901-1966)

Tête fendue (1963), bronze, Fiorini, Londres.
Baldaccini (1921-1998)

Élément de verrouillage (1963-4) Fondation Henry Moore, Millbank, Londres.
Henry Moore .

Mère patrie (1967) Mamaev Kurgan, Volgograd
Vuchetich (1908-1974)

Mémorial de Dachau (1968) Munich, Allemagne.
Nandor Glid (1924-1997)

Mémorial de Majdanek (1969) Lublin, Pologne.
Victor Tolkin (1922-2013).