Claude Lorrain:
Peintre paysagiste, paysages italiens classiques

Figure majeure de la peinture française, né à Chamagne en Lorraine, l’artiste connu sous le nom de Claude Guelle ou Claude Lorrain est l’un des meilleurs paysagistes du XVIIe siècle. Il s’est spécialisé dans les paysages idéaux, une forme traditionnelle de la peinture de paysage qui vise à présenter une vision idyllique de la nature, encore plus belle et harmonieuse que la nature elle-même. Cette forme d’art paysager obéit à des concepts classiques et représente généralement des ruines classiques et des figures pastorales en habits classiques.

A l’exception d’un bref séjour en Allemagne et en France en 1625-1627, Claude Lorrain a passé toute sa vie professionnelle en Italie et son œuvre doit être considérée dans le contexte de l’école romaine de l’art baroque. Avec Nicolas Poussin (1594-1665), il est l’un des représentants les plus éminents de l’idiome classique dans la peinture baroque .

L’œuvre de Claude Lorrain se concentre sur les préoccupations majeures de l’art italien du XVIIe siècle : l’étude de la nature et l’exploration de la lumière. Ses réalisations dans ces domaines le placent parmi les plus grands de ses contemporains, bien qu’il ait limité l’exploration de ces thèmes à la peinture de paysage, contrairement à d’autres Maîtres anciens, tels que Rubens (1577-1640), Rembrandt (1606-1669) et Poussin, pour qui ce n’était qu’un aspect de leur démarche.

La peinture de Claude Lorrain

Claude élargit radicalement la notion de paysage, en lui donnant une signification historique sans sacrifier la sensibilité aux effets de la nature. Son style développe ainsi la tradition classique de la peinture de paysage qui s’est développée en Italie depuis le Quattrocento Renaissance. Voir, par exemple, Classicisme et naturalisme dans la peinture italienne du XVIIe siècle . Pour une approche différente du paysage, voir Salvator Rosa (1615-1673) et ses œuvres anti-classiques.

Sources biographiques

Il existe deux sources sur la vie du Lorrain : les biographies de Joachim von Sandrart ) Academia Artis Pictoriae, 1683) et de Filippo Baldinucci. Sandrart (1606-1688) était un contemporain de Claude pendant ses premières années en Italie. Il est l’un des nombreux artistes nordiques venus à Rome au début du XVIIe siècle avec lesquels Claude s’est d’abord associé. Sandrart accompagna Claude lors de nombreuses expéditions dans la campagne romaine, qui resta sa plus grande source d’inspiration.

Sa biographie est particulièrement précieuse en raison de son témoignage de première main sur la méthode de travail de Claude, en particulier sur les études d’après nature qui constituaient la base de l’art de Claude. En revanche, Baldinucci (1624-1696) appartenait à la génération postérieure à Claude et tenait la plupart de ses informations du neveu de l’artiste. Il s’agit d’un type de biographie plus professionnel, détaillé et objectif, mais moins indirect. Toutes deux tendent à souligner la naïveté supposée de l’artiste, mais la vision moderne évalue plus justement le contenu intellectuel de son art et le sérieux des intentions de cet artiste prudent et consciencieux.

Etude avec Agostino Tassi

Claude Guelleys, troisième de cinq fils, est né à Chamagne en Lorraine. Sandrart indique qu’il fut d’abord apprenti chez un confiseur, tandis que Baldinucci précise qu’il commença son apprentissage dans l’atelier de son frère aîné, graveur sur bois à Strasbourg.

Quoi qu’il en soit, son premier apprentissage sérieux commence en Italie, où il arrive en 1615. Il est possible qu’il ait passé les deux premières années à travailler pour le peintre allemand Gottfried Waltz à Naples, mais la première preuve fiable de formation artistique est son apprentissage auprès d’Agostino Tassi (1580-1644) à Rome en 1618. Il travaille pour cet artiste jusqu’en 1625.

Tassi a eu une influence majeure sur la formation du style de Claude - en tant que peintre paysagiste décoratif travaillant principalement dans la technique de la peinture à fresque, son art était fermement ancré dans la tradition classique du paysage. Il utilise des éléments de paysages et de scènes côtières, avec des figures pastorales, bibliques ou mythologiques, de l’architecture et de la navigation. Tous ces thèmes font partie du style lorrain de la peinture de paysage.

La peinture de paysage

Il faut rappeler que dans la Rome de la Contre-Réforme du XVIIe siècle, centre philosophique de l’art italien et ville encore fortement influencée par les hautes vues de l’art de la Renaissance, le paysage en tant que sujet à part entière n’était pas pris au sérieux.

Classé 4ème sur 5 dans la «Hiérarchie des genres», il n’avait pas la valeur esthétique et éthique des principaux genres de peinture - Peinture historique et Portrait . Pour y remédier, des peintres paysagistes comme Claude ont introduit des récits mythologiques et des thèmes nobles dans leurs tableaux pour leur donner un caractère plus sérieux. Voir aussi : Adam Elsheimer (1578-1610).

Les mécènes

Après son retour en Italie en 1627, Claude reçoit plusieurs commandes de peintures murales dans les palais de certains ecclésiastiques de haut rang à Rome. Mais il abandonne rapidement cette technique au profit de la peinture à l’huile . Ses commanditaires appartiennent toujours aux milieux aristocratiques : les Médicis, le cardinal Bentivoglio, le pape Urbain VIII, Philippe IV d’Espagne. Il se distingue en cela de son contemporain Poussin, dont les tableaux sont généralement commandés par la bourgeoisie intellectuelle.

Première période : Marines, paysages

Dans la première période, jusque dans les années 1640, Claude produit de nombreuses marines et paysages qui développent considérablement les compositions plutôt schématiques de Tassi et du peintre flamand Paul Brill (1554-1626). Il réussit à relier les plans de ses compositions par de subtils dégradés aériens qui créent une véritable unité d’atmosphère. Ses paysages sont empreints de lumière, résultat de ses observations de la nature, comme en témoignent également les nombreuses études qu’il a réalisées en plein air. Il est le premier à tenter de représenter le soleil sur la toile et d’en étudier les effets le plus précisément possible.

Deuxième période : accentuation des éléments mythologiques

Dans la deuxième période, des années 1640 à sa mort, le naturalisme de Claude est de plus en plus influencé par l’humanisme classique. Cette influence provient de son étude de l’art de Domenichino (1581-1641) et Annibale Carracci (1560-1609), en particulier de la contribution de ce dernier aux fresques du Palais Aldobrandini à Rome (vers 1604).

Ses objectifs artistiques deviennent plus ambitieux avec l’inclusion de sujets spécifiques tirés de la mythologie classique ou de la Bible. Ses compositions deviennent plus posées et plus complexes que les pastorales précédentes et peuvent être considérées comme entièrement historiques : la forme du paysage est directement liée à l’importance du sujet et les figures jouent un rôle intégral dans la composition. Ce style mature est brillamment représenté par des tableaux tels que Paysage avec danseuses (1669, Musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg) et Vue de Carthage (1676, Kunsthalle, Hambourg), deux de ses meilleurs tableaux baroques, dans lesquels Claude manipule les figures et le paysage avec un grand effet dramatique.

Les dernières années

A la recherche d’un style de peinture plus sévère et épique, Claude s’inspire «de l’Enéide de Virgile» , qui correspond de plus en plus à son état d’esprit vers la fin de sa vie. Les derniers tableaux atteignent une combinaison suprême de sentiment poétique et d’art décoratif, égale en sublimité à l’œuvre du poète classique. Il n’y a pas de déclin marqué dans l’habileté technique ou l’utilisation sublime des tons de couleur.

L’acceptation des qualités du maniérisme nous permet maintenant de reconnaître son traitement très personnel des figures comme une composante essentielle de son art, plutôt que l’échec qu’elles ont longtemps été considérées. Ceci est tout à fait évident dans son dernier tableau, Ascanius Shooting Sylvia’s Deer (1682, Ashmolean Museum, Oxford), peint dans sa 82e année.

Style de peinture

En tant que représentant du paysage classique, Claude présente une conception idéalisée de son sujet - à quelques exceptions près, par exemple, les lieux de ses tableaux sont généralement imaginaires. La composition, selon la taille de la toile, comporte un nombre variable de plans et d’objets (groupes d’arbres, bâtiments).

La mise en page est généralement basée sur des proportions mathématiques simples (tiers et quarts de la hauteur ou de la largeur). Presque toutes ses œuvres sont des paires illustrant le même thème et présentant les mêmes proportions internes, mais contrastant par la composition, l’atmosphère et l’heure du jour, ainsi que par des éléments tels que le type et la disposition des arbres et même le style des bâtiments. La lumière froide qui vient de la gauche indique le matin ; celle qui vient de la droite, avec ses chauds couchers de soleil, indique le soir.

La vision du monde classique de Claude Lorrain est bien différente de celle d’un autre géant de la peinture du XVIIe siècle, Nicolas Poussin, l’artiste qui l’a le plus côtoyé tout au long de sa vie. Les paysages de Poussin sont des constructions intellectuelles, directement dépendantes de l’imagination de l’artiste. Les paysages de Claude, non moins idéaux et non plus «ouverts» que ceux de Poussin, sont basés sur ses observations du monde naturel. C’est ce naturalisme précoce qui a rendu son art si invariablement attrayant pour les générations suivantes, en particulier pour ceux qui sont tombés sous le charme des paysages classiques de l’Italie.

Comparer avec le style réaliste hollandais de la peinture de genre, qui a été popularisé en France par les frères Lénine au début du XVIIe siècle.

Dessins

Claude est l’un des plus grands maîtres de l’art du dessin (le British Museum conserve à lui seul plus de 500 de ses œuvres sur papier), avec plus de 1200 dessins à son actif, tous très habiles. Il existe en fait deux grands groupes de dessins : les études d’après nature sur un sujet particulier et les dessins réalisés en atelier, qui sont caractéristiques de l’œuvre tardive de l’artiste. Mais qu’ils soient réalisés en plein air ou en atelier, tous ses dessins se caractérisent par la même structure soignée et les mêmes effets picturaux et peuvent donc être considérés comme des œuvres achevées.

Claude a tenu plusieurs albums de dessins pour enregistrer ses progrès artistiques, dont l’album Wildenstein, qui contient 60 dessins couvrant toute sa carrière et retrace l’influence de Tassi et Derouet dans les années 1620, de Brynburg vers 1630, et le développement de son style mature après 1633.

Après 1636, Claude a tenu des registres méticuleux de ses compositions et de ses mécènes dans un livre de 200 pages, Liber Veritatis («Livre de la Vérité», British Museum). Ce livre est une série chronologique de dessins à la plume et à l’encre, exécutés sur ses principales commandes, qui sont aussi remarquables que ses peintures. Environ 50 pour cent de ces dessins sont des études d’après nature.

Dessinés librement à la craie ou à la plume, à l’encre et au lavis, ils sont plus spontanés que ses peintures ou ses dessins d’atelier, et constituent une collection de motifs informels - arbres, ruines, cascades, parcelles de prairie ou panoramas fluviaux sous le soleil - que Claude a observés lors de ses expéditions de croquis dans la Campagne italienne. Le livre a été gravé deux fois par Erlom dans les années 1770, puis par Caracciolo en 1815.

Héritage

Claude n’eut qu’un seul élève, Angeluccio, qui mourut jeune, mais l’influence de sa peinture, surtout de la première période, fut énorme de son vivant, notamment sur Duguet et son école et sur certains réalistes hollandais comme Aelbert Koeip, qui peignait dans le style italien.

Dans l’Angleterre du XVIIIe siècle, le style lorrain, très apprécié, a eu une influence tangible sur l’aménagement de nombreuses propriétés rurales et a joué un rôle majeur dans la formation de l’école anglaise, de Richard Wilson (1714-1782) au grand Turner (1775-1851). En Italie, son exemple a été suivi jusqu’au début du XIXe siècle par des paysagistes classiques comme Orizzonte, Vanvitelli, Locatelli et Anesi. Son influence s’étend à la France (Patel, Rousseau) et aux peintres baroques allemands, pour qui le Lorrain incarne l’idée même de l’Italie en peinture.

Mais Claude reste avant tout un peintre de la nature, c’est pourquoi le grand John Constable (1776-1837) - l’une des figures de proue de l’école anglaise du paysage a qualifié Claude Lorrain «de plus parfait paysagiste que le monde ait jamais vu».

Les tableaux de Claude Lorrain

L’un des plus grands artistes français du XVIIe siècle de l’ère baroque, les œuvres de Claude Lorrain sont conservées dans les plus grands musées d’art du monde, comme le montre la liste suivante de ses célèbres peintures de paysages .

Paysage avec bétail et paysans (1629) Musée d’art de Philadelphie.
Paysage avec marchands (1630) National Gallery of Art, Washington.
Paysage avec gardien de chèvres (1636) National Gallery, Londres.
Gué (1636) Metropolitan Museum of Art, New York.
Port avec villa Médicis (1637) Galerie des Offices, Florence.
La découverte de Moïse (1638) Museo del Prado, Madrid.
Paysage pastoral (1638) Minneapolis Institute of Art.
Port de mer (1639) National Gallery, Londres.
Port de mer au coucher du soleil (1639) Louvre, Paris.
Vue de la Campagne (1639) British Royal Collection of Art, Londres.
Le débarquement de Saint Paul Romain à Ostie (1639) Prado, Madrid.
Le débarquement de sainte Ursule (1641) National Gallery, Londres.
Le débarquement de Cléopâtre à Tarse (1642) Louvre, Paris.
Les Troyennes incendiant leur flotte (1643) Metropolitan Museum of Art, New York.
Vue de Tivoli au coucher du soleil (1644) San Francisco Museum of Art.
Mercure volant les cerfs d’Apollon (1645) Galleria Doria Pamphilia, Rome
Paysage avec Céphale et Procrida retrouvant Diane (1645) Londres.
Jugement de Paris (1645-46) National Gallery of Art, Washington.
Lever de soleil (1646-47) Metropolitan Museum of Art, New York.
Paysage avec le mariage d’Isaac et Rebecca (1648) Londres.
Débarquement de la reine de Saba (1648) National Gallery, Londres.
Paysage avec Paris et Hénon (1648) Louvre, Paris.
Vue de La Crescentia (1648-50) Metropolitan Museum of Art, New York.
Paysage avec figures dansantes (1648) Galleria Doria-Pamphili, Rome.
Vue de La Crescentia (1648-50) Metropolitan Museum of Art, New York.
Repos sur la route d’Égypte (1651-61) Musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg.
Paysage avec Acis et Galatée (1657) Gemäldegalerie, Dresde.
Paysage avec Apollon et Mercure (1660) Wallace Collection, Londres.
Scène côtière avec l’enlèvement d’Europe (1667) Royal Collection, Londres.
Exil d’Agar (1668) Alte Pinakothek, Munich.
Port de mer (1674) Alte Pinakothek, Munich.
Ascanius tirant sur le cerf de Sylvia (1682) Ashmolean Museum, Oxford.