Chant d’amour, Giorgio de Chirico:
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La description

Nom: La chanson de l’amour (1914)
Artiste: Giorgio de Chirico (1888-1978)
Moyen: Peinture à l’huile sur toile
Genre: Paysage urbain de style surréaliste
Mouvement: Peinture métaphysique
Emplacement: Musée d’Art Moderne, New York

Pour une interprétation d’autres images des 19e et 20e siècles, voir: Analyse des peintures modernes (1800-2000).

Comprendre l’art
Pour l’analyse des œuvres de
peintres symbolistes comme
Giorgio de Chirico, voir:
Comment apprécier les peintures.

Contexte

Un contributeur important à art moderne, l’artiste italien Giorgio de Chirico est associé à la fois Symbolisme et Classicisme, mais il est probablement plus célèbre pour avoir développé un style particulier appelé "peinture métaphysique" (c.1913-20) – qui a également attiré artistes modernes comme Carlo Carra (1881-1966) et Giorgio Morandi (1890-1964). Cette soi-disant "pittura metafisica" était marquée par l’utilisation d’images reposant sur des bases classiques. Architecture de la renaissance et Sculpture grecque, pour créer une atmosphère mystérieuse et légèrement dérangeante. Cela a été renforcé par l’inclusion de plusieurs objets symboliques, souvent avec des significations autobiographiques ou des références classiques. Les premiers tableaux de De Chirico, notamment The Song of Love (1914), L’incertitude du poète (1913) et Le mystère et la mélancolie d’une rue (1914, Collection privée) – ont été vénérés par Artistes surréalistes pour leurs qualités oniriques et pour l’accent mis sur la qualité poétique des objets. Parmi les influences importantes sur de Chirico: son amour du Art grec, obtenu de son enfance en Grèce; et la peinture symboliste de Arnold Bocklin (1827-1901) et Max Klinger (1857-1920) qu’il rencontra pendant ses études à l’Académie de Munich.

Le Chant d’amour ("Chant d’amour"), avec sa combinaison mystérieuse et incongrue d’une tête classique, d’un gant en caoutchouc et d’une balle, était typique de ces œuvres métaphysiques de De Chirico qui faisaient tant appel à le Surréalisme mouvement. Quand, par exemple, l’artiste belge René Magritte Ayant vu pour la première fois une reproduction de celle-ci au début des années 1920, il ne put s’empêcher de pleurer. En effet, voir de la pensée pour la première fois, dit-il plus tard, fut l’un des moments les plus émouvants de sa vie ) Le Patriote Illustre, 2 avril 1967).

Influencés par la psychologie contemporaine, et en particulier par l’idée d’un courant de conscience, les surréalistes soutenaient que, à un niveau sans contrainte ou presque inconscient, la pensée consistait en des images et des impulsions brouillées; et ils croyaient que les premiers travaux de De Chirico le montraient en contact avec ces couches inférieures de l’esprit, source de la poésie verbale et visuelle. (Voir également: L’automatisme dans l’art : c.1925-52.)

De Chirico, cependant, avait une vision différente de son travail. Il a parlé de l’importance des rêves, d’une mentalité d’innocence enfantine et de la nécessité d’éviter la logique dans la création de belles images; mais il se concentrait moins sur ses propres pensées et sa psychologie que sur la révélation de l’étrangeté du monde. Dans des manuscrits de cette période, il décrivit l’expérience de voir le monde comme "un immense musée de curiosité, plein de jouets étranges", de saisir l’énigme de choses apparemment insignifiantes. L’art du futur, écrit-il, devrait:

"exprimer des sensations jusqu’alors inconnues; dénuder la routine, la règle et les tendances en matière d’esthétique ou de synthèse; effacer l’homme en tant que point de référence, moyen d’expression d’un symbole, d’une sensation ou d’une pensée; être libéré une fois pour toutes l’anthropomorphisme qui enchaîne la sculpture. Voir tout, même l’homme, comme une chose. C’est la méthode nietzschéenne. La peinture, cela pourrait produire des résultats extraordinaires. C’est ce que j’essaie de démontrer dans mes images. " ) Il Meccanismo del Pensiero)

Dans Song of Love, Chirico a poussé à bout l’idée de dépouiller l’art de la convention et de la logique: il n’y a aucune raison connue pour la juxtaposition des objets dans ce tableau, et bien que les œuvres de l’homme soient présentes partout, l’homme lui-même est étrangement absent.. La tête de l’Apollo, absurdement placée à côté d’un gant de caoutchouc, a été copiée d’un livre sur le sculpture de la Grèce antique par l’archéologue français Salomon Reinach. Comme souvent avec de Chirico, cette peinture contient un certain nombre de références privées. Le train fait allusion à son enfance et les arcades à l’architecture des villes italiennes; le gant fait allusion à un tableau particulier de Titien que de Chirico admirait et anticipait également la "main du destin" qui se trouvait dans les œuvres dites "alchimiques" de l’artiste; la balle peut être lue comme un symbole de perfection; tandis que l’inclusion de la tête classique suggère une allusion aux thèmes de la poésie et de la clairvoyance symbolisés par le dieu Apollon.

La peinture a été présentée pour la première fois à New York en 1914, puis à la Gallery of Paul Guillaume à Paris en 1922 dans une exposition qui a montré l’importance du travail métaphysique de De Chirico aux yeux d’un public français d’après-guerre et a contribué à renaissance classique dans l’art moderne.