Femmes dans le jardin, Monet:
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La description

Nom: Femmes dans le jardin (1866-7)
Artiste: Claude Monet (1840-1926)
Moyen: Peinture à l’huile
Genre: domestique peinture de genre
Mouvement / Style: Impressionnisme
Emplacement: Musée d’Orsay

Pour une interprétation d’autres images des 19e et 20e siècles, voir: Analyse des peintures modernes (1800-2000).

Comprendre l’art
Pour l’analyse de peintures
par des peintres impressionnistes
comme Monet, voir:
Comment apprécier les peintures.

Reconnu de son vivant comme l’un des meilleurs artistes de tous les temps et le moteur de l’impressionnisme français, Claude Monet a consacré sa vie à l’étude de peinture en plein air et le caractère momentané de la lumière du soleil. En effet, sa dévotion pour la peinture en extérieur était telle que, compte tenu de la taille de cette œuvre, il avait creusé une tranchée dans son jardin pour pouvoir y insérer le tableau et pouvoir ainsi peindre la partie supérieure. A cette époque, ses plus proches collègues étaient Camille Pissarro (1830-1903), Renoir (1841-1919) et Alfred Sisley (1839-1899) – qui ont tous apporté des contributions exceptionnelles à Peinture de paysage impressionniste pendant les années 1870.

Remarque: Pour plus d’informations, voir aussi: Impressionniste Claude Monet et Héritage de l’impressionnisme de Claude Monet.

Monet a conçu cette peinture comme exposition majeure pour le salon de 1867. Le Salon de Paris était encore à cette époque le lieu où la réputation artistique était faite, et aucun jeune peintre ne pouvait se permettre de l’ignorer. Auparavant, Monet avait montré de petites œuvres à la manière de son mentor Eugène Boudin (1824-1898) ainsi qu’un portrait de son épouse Camille, mais ce tableau, une œuvre de très grande envergure de plus de huit pieds de hauteur, était clairement destiné à être un travail publicitaire créé dans le but de gagner des commandes. La taille de la signature indique que Monet voulait fixer son nom dans l’esprit du public.

La photo a cependant été rejetée, ce qui n’a peut-être pas surpris indûment Monet; depuis son temps au studio de Charles Gleyre à Paris, il avait eu peu d’égards pour art académique et ses champions sur le jury du salon. Bien que l’ouvrage ait semblé conforme au modèle de composition de figurines acceptable pour le public, Académie Française il lui manquait un élément important: les personnages du groupe ne présentaient aucune relation dramatique entre eux, c’est-à-dire qu’il n’y avait pas de "récit" dans le tableau. À l’époque, cet élément était considéré comme la raison d’être d’un tableau, qu’il soit historique, littéraire, religieux ou social, mais dans l’œuvre de Monet, le peuple existe tout simplement. De plus, ils se ressemblent tous – ce qui n’était pas surprenant, puisque sa femme avait posé pour tous.

Mais ce n’était pas la seule raison du rejet de l’œuvre. La technique de Monet laissait beaucoup à désirer en termes de conventions académiques. Comme dans les premiers travaux, la peinture de Monet est proche de celle de Edouard Manet (1832-83), avec les formes des figures, les ombres et le feuillage clairement définis, et peu de modélisation tonale. Cette approche a peut-être rappelé aux juges les scandales publics causés par le travail de Manet, d’abord par le Déjeuner sur l’Herbe (Déjeuner sur l’herbe) (1862, Musée d’Orsay) affiché dans le Salon des Refuses en 1863, puis par le nu tout aussi offensant, Olympia (1863, musée d’Orsay). Monet avait initialement prévu de soumettre sa propre version du "Dejeuner sur l’Herbe" en 1866, mais ne l’a pas achevée à temps. C’est pourquoi Women in the Garden est sa première confrontation majeure avec la citadelle de Peinture française.

L’approche académique de La peinture était essentiellement une forme de construction au moyen de ton. La peinture était généralement construite sur un sol neutre légèrement coloré, commençant par un sous-couche de tons sombres, généralement de couleur brunâtre. Sur cette base sombre, les reflets ont été ajoutés en blanc ou presque blanc, et la couleur locale de l’objet ou de la figure (sa couleur réelle) a été introduite dans les zones de tons moyens. Cette technique produisit un fort sentiment de volume et de solidité de la forme, mais Couleur a joué un rôle secondaire en étant diminué voire parfois perdu dans des zones très éclairées ou très ombragées. La méthode utilisée par Manet – le premier grand innovateur de art moderne – parfois appelée peinture claire, était le premier – à déterminer les zones de couleur à l’aide de tons moyens; et ensuite – pour ajouter des reflets et des ombres dans la peinture humide, soulignant ainsi les formes aux dépens de la forme. Cela a abouti à un motif de couleur fort, rappelant les estampes japonaises alors populaires, et a également donné plus d’importance à la couleur elle-même, puisque les vraies couleurs des reflets et des ombres pourraient être davantage prises en compte. (Pour plus d’informations et de couleurs, voir: Impressionniste Edouard Manet.)

Monet a fait un pas de plus dans ce tableau en donnant une identité de couleur claire à chaque ombre, telle que celle tombant sur le chemin et sur la robe du personnage assis. Le bleu mauve qui en résulte sur la robe est l’une des couleurs dominantes de l’œuvre et donne un "souffle" au motif ton sur ton. Dans la peinture des arbustes, il y a une grande variété de verts et de jaunes, mais pas d’ombres aux tons sombres, et très peu de noir est utilisé, une couleur que Monet allait bientôt abandonner complètement.

Sur le plan de la composition, la peinture est divisée en quartiers, pivotant sur le relèvement des branches du petit arbre – un point presque central de l’œuvre. La moitié supérieure du tableau, dans des tons profonds presque entièrement occupés par le feuillage, tandis que trois ou quatre personnages, statiques et préoccupés, sont concentrés dans le quart inférieur gauche. La silhouette en mouvement est éclairée de droite et cette lumière, qui tombe à la fois sur le chemin et sur la robe de la silhouette assise, frappe également les fleurs qu’elle porte. Le second bouquet de fleurs et d’arbustes à fleurs fournit une ellipse en mouvement à travers le bras tendu, la figure de gauche, la jupe de la figure assise et sur le chemin, donnant une touche d’animation.

Tout l’effet de la peinture était donc contraire à la pratique académique habituelle et les juges du Salon étaient l’inverse d’artistes aventureux. Le rejet, certes décevant pour Monet, ne l’a en aucun cas détourné de la voie choisie.

Explication d’autres peintures de Monet

NOTE: Pour l’histoire de l’impressionnisme français et de l’étonnant groupe de peintres qui l’ont fondé, veuillez consulter notre série en 10 parties commençant par: Impressionnisme: origines, influences .

Remerciements
Nous remercions vivement Trewin Copplestone d’avoir utilisé le matériel de MONET (2002), une source d’information essentielle pour tous les étudiants en beaux-arts.