Sol LeWitt:
sculpteur minimaliste, artiste conceptuel Automatique traduire

Une des clés Sculpteurs du 20ème siècle de l’époque contemporaine, l’artiste et écrivain Sol LeWitt a contribué à établir Minimalisme et Art conceptuel comme mouvements importants de l’après-guerre Art américain. Il est devenu célèbre dans les années 1960 avec son contemporain sculpture abstraite, notamment ses «structures» tridimensionnelles, qui étaient des réseaux cubiques géométriques constitués de divers matériaux, notamment de l’aluminium revêtu de blanc. Très prolifique dans une large gamme de supports, y compris la gravure et la peinture, il a également créé une série extrêmement unique de «dessins muraux», dont les motifs géométriques sont dérivés d’un ensemble d’instructions. Ses écrits théoriques sur le conceptualisme – Paragraphs on Art conceptual (1967) et Sentences on Art conceptual (1969) ont acquis un statut iconique en tant que définitions de la forme. Il est l’un des avant-gardistes les plus populaires Sculpteurs américains et l’un des plus respectés artistes postmodernistes de sa génération. Parmi les autres sculpteurs américains minimalistes, citons Tony Smith (1912-1980), Donald Judd (1928-94) Carl Andre (né en 1935), Dan Flavin (1933-96), Robert Morris (b.1931) et Richard Serra (b.1939).

Premières années

LeWitt est né à Hartford, dans le Connecticut, en 1928. Il a étudié les beaux-arts à l’université de Syracuse, puis à l’université de l’Illinois. En 1949, il voyagea en Europe où il eut l’occasion de voir des peintures de la Renaissance aux impressionnistes et aux cubistes. Peu de temps après son retour aux États-Unis, il fut mobilisé pour servir dans la guerre de Corée. Pendant son séjour en Corée, LeWitt a visité les anciens temples et monuments et a été impressionné par leurs qualités spirituelles et ascétiques.

Il rentre à New York au début des années 50 et étudie à la Cartoonists ’and Illustrators’ School. Entre 1955 et 1956, il travailla comme graphiste dans un cabinet d’architecture. Il a également effectué des travaux pour Seventeen Magazine, créant des collages, des photostats et des mécaniques. Au cours de cette période, LeWitt découvrit les travaux du photographe du XIXe siècle, Eadweard Muybridge, dont les études sur la locomotion et le séquençage furent une influence précoce (aux côtés de Russian Constructivisme). Il a aussi peint. En 1960, il occupe un poste de premier échelon au Museum of Modern Art de New York. Ici, il fait partie de la communauté artistique et socialise avec de nombreux artistes, dont le minimaliste américain Dan Flavin, réputé pour ses objets et installations sculpturales. Il a également rencontré Eva Hesse, sculpteur américain d’origine allemande, connu pour son travail de pionnier dans des matériaux tels que la fibre de verre, le latex et les plastiques. Il est également devenu ami avec la commissaire Lucy Lippard, qui a été un des premiers champions du concept et art féministe au cours des années 1970.

’Structures’

Au début, LeWitt s’est concentré sur la peinture, il a embauché des modèles, puisé dans la vie et copié Old Masters. Mais il se sentait perdu et déconnecté. Cela a changé en 1962 quand il a pris sculpture et a commencé à faire des reliefs en marbre noir et blanc. Au début des années 1960, il cherchait une nouvelle direction qui «détournerait des idées omniprésentes mais inutiles de l’expressionnisme abstrait». LeWitt a écrit deux textes fondamentaux qui définissaient le nouveau style de l’art conceptuel. Il s’agit des paragraphes sur l’art conceptuel (1967) et des phrases sur l’art conceptuel (1969). En 1965, LeWitt était principalement préoccupé par ses «structures». À l’aide d’éléments abstraits, il simplifie ses œuvres en structures en forme de boîte ou de table. Ces œuvres vont d’installations de la taille d’une galerie à des pièces d’extérieur monumentales. À l’origine, ces sculptures étaient en noir et blanc monochromes, ce qui l’a amené à remarquer que ce à quoi l’art ressemble «n’est pas trop important». Cependant, à partir des années 1970, il commence à peindre ses structures en couleurs primaires.

Message conceptuel

LeWitt réduit sa Art plastique à quelques formes de base (triangles, quadrilatères et sphère) et utilise une palette de couleurs limitée (noir, blanc, jaune, bleu et noir). Ceci s’applique à ses structures, peintures et dessins. Le spectateur a été invité à contempler les différents modèles, à voir une ligne qui peut être droite ou incurvée – si leurs yeux et leur esprit étaient ouverts, leur flexibilité visuelle serait testée. L’esprit peut errer, agrandir un dessin ou pas. L’action était à la discrétion du spectateur, ce qui était le message clé de l’art de LeWitt. L’humour était également un élément sous-jacent du travail de LeWitt. Cube enterré contenant un objet d’importance mais de peu de valeur (1968) – était un cube qu’il a enterré dans un jardin de collectionneur. C’était une blague mortelle sur le fait de dire adieu au minimalisme. Il a documenté la sculpture sur des photographies, dans la première, à côté du cube; la suivante montre une pelle; et le troisième le montre en train de creuser un trou.

Note sur l’appréciation de la sculpture
Pour apprendre à évaluer des sculpteurs conceptualistes contemporains comme Sol LeWitt, voir: Comment apprécier la sculpture moderne. Pour les travaux antérieurs, voir: Comment apprécier la sculpture.

La définition de LeWitt de l’art conceptuel

L’art conceptuel est un art qui fait référence à des idées ou à des concepts. L’œuvre physique traditionnelle est la seconde idée derrière l’idée. De nombreux éléments conceptuels relèvent en réalité du terme installation d’art. LeWitt a décrit l’art conceptuel comme étant en train de naître ’(quand) l’idée ou le concept est l’aspect le plus important de l’œuvre. Lorsqu’un artiste utilise une forme conceptuelle d’art, cela signifie que toute la planification et les décisions sont prises à l’avance et que l’exécution est une affaire superficielle. L’idée devient une machine qui fait l’art ’.

Dessins muraux

LeWitt a créé plus de 1200 dessins muraux, dont certains ont nécessité des semaines de travail en équipes. Il donnait généralement à son équipe l’instruction de tracer une ligne d’une certaine manière, mais il leur donnait typiquement une «marge de manœuvre», estimant que leur contribution – leur ennui, leur joie, leurs frustrations, devrait faire partie de l’art. Les dessins muraux étaient généralement gigantesques et pouvaient occuper toute une galerie reflétant des formes géométriques colorées. Sa description pour le dessin mural n ° 766 semble sèche: Vingt et un cubes isométriques de tailles différentes, chacun avec des laques d’encre couleur superposées : mais quand vous le voyez, les couleurs sombres apparaissent comme une fresque de la Renaissance. Loopy Doopy, Red and Purple était une abstraction de 20 mètres qui ressemblait à une découpe psychédélique de Matisse, mais à l’échelle d’un film. D’autres dessins, au contraire, étaient si pâles qu’ils ressemblaient à de subtiles gravures sur verre.

Des expositions

LeWitt a fait l’objet de centaines d’expositions individuelles et collectives à travers le monde depuis 1965. Sa première grande exposition rétrospective a eu lieu en 1978 à Musée d’art moderne de New York (MoMA) . L’exposition a voyagé à divers endroits. En 1992, le Gemeentemuseum de La Haye a organisé une exposition majeure intitulée Sol LeWitt Drawings 1958-1992. En 1996, le Museum of Modern Art a organisé une autre exposition, Prints LeWitt. Une grande rétrospective sur LeWitt a été organisée par le musée d’art moderne de San Francisco en 2000; elle s’est rendue au musée d’art contemporain, à Chicago et au Whitney Museum of American Art à New York.

Héritage

LeWitt s’est opposé à toute publicité ou statut de célébrité. Il refusait constamment des récompenses et évitait la caméra, évitant les interviews dans la mesure du possible. Il est mort en 2007. Ses œuvres sont détenues par certains des meilleurs musées d’art dans le monde entier, y compris: Museum of Fine Arts, Boston; Institut d’art de Chicago; Musée Guggenheim, New York City; Metropolitan Museum of Art, à New York; Le musée d’art moderne de San Francisco; Hirshhorn Museum et Sculpture Garden, Washington DC; Guggenheim Bilbao, Espagne et beaucoup d’autres.