Edgar Ilère Germain Degas (1834-1917)

Edgar-Germain-Hilaire de Ga ou Edgar Degas, comme tout le monde le connaît, est né à Paris dans une riche famille aristocratique. L’enfance du futur artiste s’est déroulée dans une atmosphère d’amour et de tranquillité. Dès son plus jeune âge, Edgar a montré de l’amour et de la capacité à dessiner. Malgré le fait que son père voulait qu’il devienne avocat, rien ne pouvait empêcher le jeune homme d’aller étudier la peinture. Le mentor du jeune Degas à l’Ecole des Beaux-Arts de Paris était l’artiste alors célèbre, Lamot. Certes, après seulement un an de scolarité, en 1856, Degas quitte Paris de façon inattendue pour tout le monde et quitte vivre près de deux ans en Italie.

Edgar Degas Paintings

La raison officielle du voyage était le désir de voir ses parents paternels. Mais ce ne sont pas eux qui l’ont attiré en Italie, mais l’occasion de prendre contact avec les œuvres d’art exceptionnelles des grands artistes de la Renaissance.

L’artiste a beaucoup voyagé, il a visité tous les principaux centres culturels du pays - Florence, Rome et Naples. Dans chaque ville, il étudie avec une grande attention le travail des grands peintres du passé. Les Degas ont été particulièrement impressionnés par les toiles de Paolo Veronese et Andrea Mantegna, qui sont devenues son idéal.

Les premières expériences créatives

Deux ans plus tard, le jeune artiste rencontre Gustave Moreau, qui deviendra plus tard pour lui non seulement un camarade, mais également un mentor. Moreau a étudié passionnément la peinture et lui a consacré tout son temps. Essayant de comprendre l’essence de l’harmonie, il s’intéressa passionnément aux œuvres de Titien, Léonard de Vinci, Raphaël, Caravage et Véronèse, essayant de ressentir leur système de création de couleur. Moreau a préféré exécuter ses propres compositions colorées à l’aquarelle ou au pastel. Le jeune Degas a été tellement impressionné par le travail d’un camarade plus âgé qu’il s’est également intéressé à ces techniques. Il faut noter que Moreau avait une forte influence sur le jeune artiste, mais si Gustave assignait la place principale à la couleur, Edgar Degas (surtout au début de son travail) affirmerait la primauté du dessin, étant sûr que c «Domaine d’activité plus fructueux».

C’est en Italie que le peintre commence à rechercher ses propres moyens d’expression artistique. Comme base de son propre style, Degas choisit la construction constructive de la forme, à travers son interprétation réaliste. Par conséquent, les premières œuvres de l’artiste se distinguent par un motif net et précis.

De nombreuses œuvres de Degas relatives à cette période sont dotées d’une expressivité particulière résultant de la reproduction exacte de la réalité. Cela est clairement démontré par sa peinture "Roman Beggar" (1857, Art Museum, Birmingham). L’image de l’héroïne elle-même sur cette toile est interprétée avec une réalisme incroyable, voire difficile, tandis que l’espace autour d’elle est décrit de manière tout à fait arbitraire. Une vieille femme fatiguée est assise sur le seuil de la vieille maison, perdue dans ses pensées, et scrute au loin avec une certaine curiosité. Non seulement ses vêtements bien portés, mais aussi des objets apparemment négligemment placés au premier plan de la photo racontent la vie difficile de l’héroïne: un morceau de pain et un vieux pot avec une nourriture à moitié mangée, avec un bord ébréché. Degas a réalisé la composition de la toile selon les principes des vieux maîtres, mais il a choisi comme modèle non pas une belle dame sophistiquée, mais une femme simple, dont l’image n’est pas du tout idéalisée.

Bien que l’image se caractérise par une certaine structure graphique de la composition, elle présente une subtile modélisation des couleurs et une élaboration de tons vérifiées de la manière la plus précise possible. En fait, avec seulement quatre couleurs, l’artiste a réussi à créer un type de mendiant italien étonnamment harmonieux et expressif.

L’œuvre accorde beaucoup d’attention à l’ornement, comme s’il "revitalisait" tout l’espace environnant. Dans cette peinture, Degas a réussi à résoudre très habilement le problème artistique fondamental qui préoccupait le peintre lors de ses études dans la classe de Louis Lamot - le ratio de la figure du héros et de l’espace environnant.

Au printemps de 1859, Edgar Degas est rentré à Paris. Ayant vécu un peu chez ses parents, l’artiste s’installe dans un grand atelier situé dans le 9ème arrondissement de la rue de Laval. Là, il commence à créer, abordant d’abord un thème historique. Degas essaie de lui donner une nouvelle interprétation, non caractéristique des premiers travaux de ce genre.

Un exemple est le tableau "Jeunes Spartans appelant les Spartans à concourir" (1860, National Museum, London). Ici, Degas, suivant les canons classiques des beaux-arts, a cherché à les renouveler avec des observations vivantes et précises de la vie réelle. Le maître a complètement ignoré l’idéalisation conditionnelle de l’intrigue antique, les personnages qu’il a décrits ressemblent davantage à des adolescents modernes pris dans les rues parisiennes. Ceci est particulièrement visible dans certains mouvements angulaires des personnages représentés par lui, placés dans un paysage quelque peu stylisé.

Les figures de jeunes gens sont placées parallèlement au bord inférieur de la toile dans un seul espace du premier plan, ce qui confère à la scène une grande force de persuasion sans perdre de rythme décoratif. Les postures statiques de jeunes hommes parlent de l’influence de l’art néoclassique. L’artiste met l’accent sur le réalisme de la scène à l’aide d’une interprétation psychologique subtile des visages de chaque personnage. En même temps, le principal moyen d’expression sur la toile, comme dans les travaux précédents, est une élégante ligne musicale - plastique. La couleur de la photo, construite sur une combinaison de couleurs limitée, confère à la toile une impression de pureté et de pureté.

Création d’un style de portrait particulier

Au début de sa carrière, Degas crée beaucoup de portraits. Cela a été en partie affecté par l’influence du père de l’artiste, qui a estimé que c’était précisément la maîtrise du savoir-faire du peintre portraitiste qui pouvait assurer au jeune homme une vie confortable. Sur les premières toiles de ce genre, Degas peint principalement des autoportraits et des portraits de membres de la famille, mais se tourne rapidement vers l’image de ses amis. Dans ces œuvres, les traits caractéristiques du style individuel du peintre étaient clairement manifestés. Ils correspondaient aux techniques de composition traditionnelles, dans lesquelles il était facile de trouver un lien avec les œuvres de maîtres anciens.

Un exemple est le travail de 1855 "Self-Portrait" (Musée d’Orsay, Paris) dans lequel l’artiste utilise un fond sombre caractéristique de l’école de peinture espagnole, représentée par des grands maîtres tels que Diego Velazquez et Francisco de Goya. Dans Autoportrait, il apparaît devant nous dans une pose naturelle, tenant un crayon au fusain dans la main droite, symbole de son appartenance à l’art. Il convient de noter que cette œuvre, à l’instar de nombreux autres premiers portraits de Degas, se distingue par la palette de couleurs monochrome.

Peu à peu, son travail devient plus saturé de lumière et de couleur. Dans la peinture Autoportrait au chapeau mou (1857, Institut des arts de Stirling et Frappsn Clark, William Sgown), l’artiste refuse déjà d’utiliser un arrière-plan en sourdine neutre. Bien que le fond du tableau soit bleu foncé, il est éclairé par la lumière continue du soleil provenant de la fenêtre laissée par le maître hors du cadre de sa toile. Degas se représente dans un costume décontracté, son principal accessoire d’expression étant une écharpe rouge-orange autour du cou. Cette tache de couleur vive joue le rôle de diapason pour la construction coloristique du portrait.

Néanmoins, ici, comme sur les toiles précédentes, par exemple, «Portrait de René de Ga» (1855, Smith Museum of Art College, Northhamton), il subsiste une posture statique prononcée. Certes, Degas a vite compris cette lacune et a commencé à expérimenter le mouvement et les angles dans ses portraits, ce qui a «ravivé» ses œuvres et leur a donné du dynamisme. C’est grâce à la vision exceptionnellement nette de la nature et à la nouvelle composition des peintures que le peintre a introduit dans ses toiles non seulement de l’émotivité, mais également un psychologisme profond prononcé.

Le véritable apogée du premier style d’Edgar Degas, en tant que peintre de portraits, est l’œuvre «La famille Bellelli» (1858-1867, Musée d’Orsay, Paris). Les modèles de cette toile étaient l’oncle de l’artiste Gennaro, son épouse Aaura et leurs deux filles, Giovanna et Julia. La composition de l’image est construite sur le principe d’une certaine scène de genre. Au centre de la toile se trouve la figure de la baronne, vêtue d’une robe noire de deuil dépourvue d’accessoires. L’oncle de l’artiste, Gennaro, est représenté de l’arrière; il est assis dans des fauteuils près de la cheminée. Les personnages et les visages des deux conjoints expriment leur désintérêt pour ce qui se passe autour de nous. Giovanna, debout à côté de sa mère, au contraire, regarde attentivement le spectateur. La jeune Julia, confortablement installée sur une chaise, se tourna vers son père, comme si elle tenait une conversation tranquille.

L’artiste n’a jamais dicté à ses modèles la position qu’ils devraient occuper. Contrairement à de nombreux peintres de son époque, Degas a préféré peindre des "portraits de personnes dans des poses naturelles typiques, leur donnant généralement une liberté absolue, tant dans la position du corps que dans l’expression du visage. "

Bien que les poses de tous les modèles soient calmes, la disposition asymétrique des figures crée une sorte de netteté inattendue dans la composition. La couleur de la toile est choisie très exquise, une combinaison de tons de bleu, argent, noir et blanc, construisent un système de couleur parfait. Certes, même malgré cela, la scène montrée par l’artiste ne saurait s’appeler idéalisée. Degas a rempli le portrait de famille de drame: il a dépeint un couple, assez fatigué de la compagnie de l’autre. Leurs poses soulignent la différence de personnages et d’expériences émotionnelles des époux. Pour le spectateur, il est clair que les enfants restent la seule unité qui les unit. Cette toile, empreinte de profond psychologisme, de maîtrise de la transmission de la lumière et de la précision du dessin, est l’une des meilleures œuvres de son genre créées au milieu du XIXe siècle.

Le style individuel de l’artiste évolue constamment. Dans ses œuvres ultérieures, le peintre préfère éviter la stationnarité dans la composition et l’arrangement frontal des modèles en renforçant la dynamique de la composition. À cette fin, Degas a assez souvent utilisé la construction de la composition sur la diagonale, des décalages et des angles inattendus, grâce auxquels il a pu obtenir de nouveaux effets plus expressifs.

Par exemple, une solution de composition très audacieuse, choisie par Degas pour le tableau «Une femme assise par un vase de fleurs» (1865, Metropolitan Museum of Art, New York), qui à première vue donne une impression étrange et inquiétante. La majeure partie de la peinture est occupée par un magnifique bouquet composé de chrysanthèmes de différentes couleurs. L’héroïne est assise à côté d’une table sur laquelle il y a des fleurs, mais son visage est légèrement détourné d’eux, elle regarde ailleurs. Il semble que l’héroïne soit tombée dans l’image d’une nature morte par accident. Néanmoins, une telle solution n’aggrave pas les caractéristiques psychologiques du modèle, mais au contraire souligne et souligne son individualité. Le visage lointain et pensif de la femme semblait déchiré par une brume de souvenirs tristes. L’incroyable flair avec lequel l’artiste décrit chaque trait qui traduit les traits de son personnage est saisissant. Des études sur cette image, effectuées ces dernières années, indiquent que Margaret Claire Brunkan (qui deviendra plus tard baronne Valpinson) est représentée sur la toile.

Dans ses portraits, Degas a souvent inclus des attributs qui révèlent l’occupation ou le statut social du héros. Un exemple frappant d’une telle interprétation de l’image est le tableau «Portrait de James Tissot» (1867, Metropolitan Museum of Art, New York), dans lequel Degas, un artiste français, est représenté dans son atelier.

En 1869, l’artiste crée un autre de ses chefs-d’œuvre: un portrait de Mademoiselle Hortense Valpinson (Institut des beaux-arts de Minneapolis) dans lequel le peintre a capturé la fille de son ami Paul Valpinson, âgée de neuf ans. La jeune fille est représentée penchée sur une table recouverte d’une nappe sombre ornée d’un motif brodé coloré. À l’extrémité opposée de la table se trouve un panier d’objets artisanaux non finis. La jeune Hortense regarde attentivement le spectateur, comme surprise.

Cette technique de composition a aidé l’artiste à souligner le caractère vivant et direct de l’enfant. Le fond de la photo, écrit en larges traits sonores, renforce encore cette impression. La couleur de l’œuvre repose sur une combinaison de tons chauds ocre-or, ainsi que de tons noir et blanc, ce qui confère à l’ensemble du travail un son très important.

Un autre ouvrage surprenant par sa composition expressive est «Portrait du vicomte Lepik avec ses filles» (appellation alternative «Concord Square», 1876, musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg). Une composition dynamique ressemble à une photographie avec son découpage net de tous les côtés de la toile, ce qui n’est pas caractéristique de la peinture de cette époque. La ligne d’horizon est largement surestimée, ce qui entraîne la place de la Concorde, rapidement traversée par le vicomte Louis Napoléon Lepic, jusqu’au fond des personnages.

C’était comme si quelqu’un qui avait été salué par les filles d’un noble, s’était arrêté, tournait dans le sens opposé par rapport au mouvement de son père. La toile a une saveur intéressante. Tandis que les personnages principaux de la peinture de Degas portent des costumes clairs qui se confondent presque avec le fond, les vêtements des autres participants à la composition sont fabriqués dans des couleurs sombres, presque noires. Ces figures «noires», situées sur la toile avec une précision mathématique, créent un rythme «musical» étonnant de l’ensemble de l’œuvre.

Issu d’une famille noble et ne ressentant pas le besoin d’argent, Edgar Degas pouvait se permettre de ne pas remplir les exigences des modèles nobles en créant des portraits personnalisés. Parmi les posers, il y avait beaucoup de personnages de la haute société, mais jamais l’artiste ne s’est mis à les représenter sous la splendeur radieuse de tenues luxueuses. Quel que soit le statut des héros de ses peintures, Degas s’efforce toujours de communiquer le plus fidèlement possible les traits caractéristiques de chacune d’elles. Habitués à la flatterie, les lions et les lionnes laïques le quittaient souvent, se sentant offensés.

Expérience de vie et voyages

La rencontre avec Edward Manet, qui a eu lieu en 1862, a été un événement important dans la vie d’Edgar Degas. Bientôt, l’artiste a commencé à se rendre régulièrement au Café Gerbois - un lieu de rencontre prisé des jeunes artistes. Ils y ont discuté de la recherche de nouveaux sujets artistiques, de moyens d’expression originaux et de leur propre vision de la réalité. Parmi les habitués du café, il y avait de grands artistes comme Claude Monet, Alfred Sisley, Auguste Renoir et bien d’autres.

Influencé par cette communauté d’impressionnistes, Degas s’intéresse à la fin des années 1860 à la création de grandes séries: blanchisseuses, courses de chevaux, scènes de ballet et modistiki. Toutes ses peintures se distinguent par une révélation très précise de la profondeur et de la complexité du monde intérieur de leurs héros. Contrairement à la plupart des artistes impressionnistes, Degas n’a jamais cherché l’inspiration dans la nature, il a perçu la réalité comme un élément dynamique et c’est ce mouvement continu qui a occupé la place principale dans son travail. Son idéal était la vie occupée d’une ville moderne. Très attentif par nature, Degas, marchant dans les rues bruyantes de Paris, remarqua tous les traits expressifs caractéristiques et garda longtemps ce qu’il avait vu dans sa mémoire. Par la suite, transmettant le rythme de la vie urbaine, l’artiste a créé des images nettes et impartiales sur le plan photographique.

Le bien-être matériel initial a permis à Edgar Degas de consacrer tout son temps à des expériences créatives. Il pouvait se permettre de rejeter hardiment tous les canons, toutes les astuces de la composition, afin de trouver son propre point de vue inattendu, une nouvelle vision grâce à laquelle on pourrait obtenir l’impression de fraîcheur et de spontanéité de l’œuvre.

À la suite de recherches créatives, l’artiste a pu réaliser un ajustement précis de la composition des peintures, dans lequel il n’y avait rien d’accidentel et tous les éléments étaient conçus pour souligner le sens général de l’intrigue. Le peintre lui-même a caractérisé son travail de la manière suivante: "Mon travail est le résultat de la réflexion, de l’observation patiente, de l’inspiration, du caractère et de l’étude de grands maîtres." Degas a capturé tous ses héros dans des poses naturelles et décontractées, essayant de son mieux de transmettre leur caractère et leur humeur.

Quand, en 1870, la guerre franco-prussienne éclate, l’artiste se porte volontaire pour rejoindre le régiment d’infanterie. Soudain, au premier étal de tir, il devint clair que son œil droit était mal vu. Le diagnostic des médecins était le suivant: décollement de la rétine causé par le diabète. Comme il s’est avéré plus tard, ce n’était que le début de la maladie de Degas, qui l’a finalement rendu complètement aveugle. Néanmoins, il est resté dans les rangs de l’armée française, transféré au régiment d’artillerie. En 1871, la guerre était déjà finie et Degas se rendit brièvement à Londres. Il se rendit ensuite chez ses parents américains à la Nouvelle-Orléans, où il passa l’hiver de 1872 à 1873.

Au début de son séjour aux États-Unis, Degas crée de nombreux croquis et peintures, notamment de nombreux portraits des membres de sa famille. Mais très vite, il perd son fusible. La raison en était sa conclusion: «L’art parisien ne peut être identique à l’art louisianais sans distinction. Parce que sinon ce ne sera qu’un monde illustré. "À partir de ce moment, l’artiste cesse de faire des esquisses et des esquisses, qu’il avait précédemment créées en grand nombre au cours de ses nombreuses errances.

Degas a veillé à ce que seule une observation prolongée de la vie dans un pays donné "puisse être l’occasion d’apprendre les coutumes du peuple et de sentir son charme". Néanmoins, contrairement à ses propres thèses, l’artiste crée le tableau "Bureau pour la vente du coton à la Nouvelle-Orléans" (1873, Musée des beaux-arts, Poe). La composition à plusieurs figures de l’œuvre repose sur le contraste de couleurs contrastantes - noir et blanc, dont l’alternance crée un rythme clair de toute la toile.

Au printemps de 1873, Degas rentre à Paris, où il attend bientôt une série de pertes et de troubles. En moins d’un an, le père de l’artiste meurt, laissant d’énormes dettes. En fin de compte, le défunt était en plein désarroi. La banque dirigée par Auguste de Ga devait des créanciers à des sommes astronomiques. Pour préserver la réputation de sa famille, l’artiste a payé une partie de ses dettes avec des fonds hérités de lui, mais cela ne suffisait pas. Afin de joindre les deux bouts, le peintre vend le domaine familial et une collection de tableaux de grands maîtres rassemblés par son père.

Tout cela a conduit à un tel état de fait que le peintre envisageait pour la première fois de sa vie de vendre ses peintures. L’un des moyens efficaces d’attirer les acheteurs, l’artiste a envisagé l’exposition d’impressionnistes, qu’il a souvent aidé à organiser. Entre 1874 et 1886, huit expositions de ce type ont eu lieu, dont sept auxquelles Degas a participé. Il est à noter que ses œuvres ont été couronnées de succès et très bien vendues, contrairement à celles d’autres impressionnistes.

Au cours des années 1870, Degas raffine encore son style artistique. La construction spatiale de son travail a acquis une acuité sans précédent, une liberté et un dynamisme encore plus grands. La couleur dans ses peintures acquit un sens indépendant, devint très complexe, comme remplie de lumière.

Degas a tellement simplifié et nettoyé son dessin qu’il a pu transmettre le jeu des muscles du corps humain en mouvement à l’aide d’un seul circuit. Peu à peu, son travail acquiert un caractère de plus en plus sculptural. Il a commencé à souligner les contours des figures et des objets avec une ligne épaisse de carbone, les nuances roses, violettes et verdâtres ont commencé à prévaloir dans la couleur des peintures, ce qui donnait une sonicité à l’œuvre et tous les détails étaient minimisés.

Degas cesse pratiquement de peindre à l’huile, le pastel est son matériau de prédilection. Le dernier portrait, créé par le maître, était le tableau "Hélène Roire dans le bureau de son père" (1886, National Gallery, Londres), représentant la fille d’un ami de l’artiste Henri Rouen - Helen.

Depuis le milieu des années 70 dans les œuvres de Degas, l’influence de la gravure japonaise, qui a eu une grande influence sur l’ensemble du mouvement des impressionnistes, est de plus en plus retracée. L’artiste a commencé à utiliser de nombreuses techniques de cet art, par exemple des constructions spatiales originales, l’utilisation d’angles inattendus et le placement fréquent de personnages secondaires au centre de la composition.

Amour des courses de chevaux

L’une des plus grandes passions de l’artiste était le cheval. Edgar Degas a montré un intérêt pour ces animaux gracieux lors de son séjour en Italie. Il était fasciné par les courses de chevaux romaines traditionnelles sur la Via del Corsa, au cours desquelles il a réalisé de nombreux croquis. En France même dans les années 1860, sous le règne de Louis-Philippe et de Napoléon III, le sport équestre était également très populaire. De plus, Degas s’intéressait non seulement au plastique naturel et à la grâce des chevaux, mais davantage aux gestes professionnels des cavaliers.

Créant une série d’œuvres consacrées aux courses de chevaux, Degas a souvent trouvé diverses structures de composition non conventionnelles pour ses toiles. Ses astuces préférées étaient les divers déplacements spatiaux, la réduction des arêtes vives et divers angles "aigus". L’essence de toutes les techniques consistait à créer des images dynamiques et dynamiques pouvant transmettre un sentiment unique d’une réalité en constante évolution. La couleur est une place importante dans ces œuvres. C’est avec l’aide de la couleur Degas qu’il a été possible de donner un mélange hétéroclite de figures jockey à une forme organisée spécifique.

En 1860, l’artiste écrivit l’une de ses premières peintures d’une série consacrée aux courses de chevaux. La toile «Messieurs aux courses: avant le départ» (Fogg Museum of Art, Cambridge) caractérise parfaitement le style et le caractère de l’artiste, qui a changé tout au long de sa vie. En effet, Degas réécrit vingt ans plus tard sa première version de cette œuvre, où les figures floues et floues des coureurs sont représentées sur un paysage complètement plat. Dans cette toile tardive, le fond de la peinture était constitué de collines et d’usines de banlieue avec des cheminées émettant de la fumée noire.

L’ouvrage «Les cavaliers avant le départ» de 1862 (Musée d’Orsay, Paris) traduit très précisément et sincèrement les émotions excitantes que les gens ressentent et la tension des chevaux avant le départ. Au premier plan du tableau, pleins de tension, de concentration et de dynamisme, on voit des jockeys se préparer pour le départ de la course. Le plan intermédiaire est occupé par une société laïque bruyante, avide de lunettes. L’incroyable authenticité avec laquelle les gestes et la plantation de jockeys, dépourvus de toute poésie d’images, est étonnante. Grâce à cette réception, le spectateur n’est pas surpris par la forte fragmentation de la toile dans laquelle le bord de l’image coupe la moitié de la silhouette de l’un des cavaliers.

La série Degas, dédiée aux courses de chevaux, regorge de belles œuvres, résolues avec une précision quasi journalistique. Un exemple de telles toiles est “Avant le départ” (1878, Musée EG Bgorl, Zurich), “Les courses de chevaux dans la province. Crew at the Race "(vers 1872, musée des beaux-arts de Boston)," Race Horse Riding "(1894, collection de Webb, New York) et" Jockeys devant la tribune "(1869-1872, Museum d’Orsay, Paris) Sur la dernière toile, Degas a dépeint le moment précédent la course, lorsque le public n’a été montré que les chevaux participant aux courses. L’artiste compose magistralement le tableau en réalisant l’illusion de calme et d’équilibre préservée par les héros. les expériences intérieures sont transmises à l’aide de longues ombres qui ornent délicatement le sable des pistes de course. Tous les chevaux de la photo sont presque statiques, à l’exception d’un seul.Degas s’est donné pour tâche de refléter l’état de calme régnant juste avant le Il n’ya pas de passion et d’excitation caractéristique de cet événement.

Quelque part en 1873, le peintre abandonne temporairement le sujet du cheval et des courses de chevaux sans y prêter attention. Il n’y revient que quelques années plus tard, lorsqu’il commande au chanteur Jean-Baptiste Fare de peindre «Courses de chevaux. Jockeys - amateurs»(1876-1887, Musée d’Orsay, Paris). Après cela, Degas écrivait périodiquement des toiles consacrées aux courses de chevaux, jusqu’à la fin des années 9. L’une des dernières œuvres de cette série a été la peinture «The Fallen Jockey» (1896-1898, musée de l’art, collection Offlätsche, Bâle). La composition de la toile est similaire à celle de l’artiste: elle montre un cheval qui se précipite dans le pré derrière lequel se trouve un jockey apparemment tombé.

L’expressivité de la vie nocturne parisienne

La maladie de l’artiste a affecté son mode de vie. Degas commença à protéger ses yeux des rayons du soleil et tenta généralement, aussi rarement que possible, d’être dans la rue le jour. Contrairement à la grande majorité des impressionnistes, le peintre ne travaillait pratiquement pas en plein air. Degas a peint la plupart de ses tableaux sous un éclairage au gaz, ce qui lui a valu le surnom de "premier impressionniste de la nuit". Cela pourrait aussi être l’une des raisons pour lesquelles le thème des cafés parisiens, des cafés bon marché, des actrices, des chanteuses et des dames «demi-lumineuses» l’attirait tant.

Degas a créé de nombreuses œuvres consacrées au sujet de ces institutions et de leurs habitants, l’une des plus célèbres étant la toile «Absinthe» (ou «Les amoureux de l’absinthe», 1875, Mray d’Orsay, Paris). Il représente l’intérieur de l’établissement de la Nouvelle-Athenn, populaire dans les milieux artistiques parisiens. La composition de l’image repose sur le principe d’une scène de genre simple issue de la vie quotidienne des habitants du café. Ses personnages - un homme et une femme - semblaient simplement se reposer à la table après les soucis quotidiens. Mais les tableaux vides au premier plan donnent l’impression d’être serrés et enfoncés dans un coin par deux personnes, et soulignent également leur vide et leur indifférence mutuelle. Ce récit sans prétention souligne le thème de l’excitation de Alien pour l’homme du monde et de son inévitable solitude, qui est l’idée principale de l’ensemble du travail. Les modèles de l’artiste étaient le graveur et artiste Marcel Debuten et l’actrice Hélène André. À travers la couleur, l’artiste parvient à donner une tension et un drame intérieurs à leurs personnages, pratiquement dépourvus de mouvement.

La subtile habileté du peintre à transmettre le caractère de ses modèles à l’aide d’un seul geste a été parfaitement révélée dans les toiles représentant le chanteur de divers cafésans. Un exemple frappant est le tableau «Captain Ambassador» (1876, musée des Beaux-Arts de Lyon), dans lequel le geste de la chanteuse combine deux parties de la composition: une performance sur scène et une salle de spectacle.

À propos de cette œuvre, le célèbre critique J. Riviera a écrit: «Combien de figures féminines à l’arrière-plan, avec leurs robes et leurs éventails en mousseline, et les spectateurs qui, levant la tête et s’étirant littéralement le cou, regardent avec enthousiasme des danses provocantes et des couplets écrits difformes! Si je ne me trompe pas, cette chanteuse a un contralto bien saturé d’eau-de-vie… Le geste inhabituel de la chanteuse, penché vers le public, confirme certainement le succès de sa performance. Ne se répétant jamais en tant qu’acteurs aux rôles mémorisés, elle s’adresse au public, leur demande, sachant d’avance qu’ils vont répondre exactement à ce qu’elle veut entendre, car c’est elle qui contrôle le tyran, dont les vices apaisent. ”

Écrit en 1878, le tableau «Chanteur de Cafesantan» (ou «Chanteur avec un gant», Vogt Art Museum, Cambridge) est également un représentant très vivant de cette série. Ellis Degrange, qui a servi de modèle à cette toile, n’est en réalité pas un chanteur, mais un pianiste très célèbre dans les milieux parisiens qui a accepté de poser pour Degas. La figure du pianiste, très proche du spectateur, n’est toujours pas le centre de la composition de la toile. Ce rôle est joué par sa main vêtue d’un gant noir. Pour donner au son un son encore plus fort, Degas le dépeint sur un fond clair. L’artiste a réussi à organiser de manière très magistrale l’espace de l’œuvre. Le geste aigu de la main de la chanteuse, sa bouche ouverte et ses traits du visage quelque peu déformés rapprochent l’image de la caricature. Pour atténuer cet effet, le maître a introduit des couleurs de lumière douces dans la coloration: des reflets rose pâle sur la robe et le visage de l’héroïne, ainsi qu’une fleur dans les cheveux.

La série consacrée aux cafeshantans et à leurs habitants s’est révélée très brillante et particulière. Toutes les œuvres du cycle se distinguent par une construction compositionnelle très audacieuse, qui vise à révéler l’idée principale de la toile. Le rayonnement de la couleur et de la lumière, dans les peintures de Degas, transforme la réalité en un monde fantastique rempli d’un charme particulier.

Ballet

Le second thème favori d’Edgar Degas était l’élément fluide et dynamique de la danse. On sait avec certitude que l’artiste a régulièrement souscrit un abonnement à l’Opéra de Paris pendant presque vingt ans. Il s’est plongé dans le thème du ballet, assistant à des théâtres et à des cours de danse. En regardant le travail acharné des ballerines, l’artiste a recréé le monde enchanteur de la danse. Il a écrit de nombreuses peintures dédiées à leurs répétitions, au cours desquelles chaque mouvement des danseurs était perfectionné, les représentations dans lesquelles elles étaient présentées au public sous un éclat de fête et lors de rares moments de détente. La plupart du travail a été effectué dans l’atelier de pastel Degas, où il a invité ses modèles. Quinze ans plus tard à peine, le directeur de l’Opéra de Paris permet à l’artiste de travailler directement derrière les rideaux du théâtre.

L’une des premières œuvres de Degas au théâtre fut la peinture «L’Orchestre de l’Opéra» (vers 1870, Musée de l’Orsay, Paris). C’est une toile de petite taille, dont la composition est comme si elle avait été prise accidentellement lors de la présentation d’une photo. Le maître invite le spectateur à regarder la scène du côté de la fosse d’orchestre. Tout le premier plan est occupé par des musiciens vêtus de tuniques noires. La place centrale parmi eux appartient à l’image d’un ami du peintre Désirée Dio, qui joue du basson. La toile est disposée de manière à ne voir que la partie inférieure de la performance sur scène. La première chose qui attire l’attention du spectateur est le tutus rose et bleu vif des danseurs, et ce n’est qu’après cela que la tache blanche de la chemise du musicien attire son regard sur le personnage principal de l’image.

L’artiste a consacré un grand nombre de ses prochaines œuvres aux danseurs. Les premières peintures de cette série portent une grande part de l’impassibilité prétendument photographique avec laquelle le maître a représenté des ballerines.

Dans sa toile «Dance Class» (1871, Metropolitan Museum of Art de New York), l’artiste exprime avec brio l’enthousiasme d’un jeune danseur avant une répétition cruciale. Une jeune fille se tient sur l’arrière-plan des miroirs, ce qui lui permet d’occuper toute la place de sa silhouette légèrement décalée du centre. Sur le côté gauche de l’image, il y avait une place pour le piano noir et le vieil accompagnateur assis à côté de lui, qui s’apprêtait à commencer à jouer une mélodie pour la danse. La photo est remplie de silence régnant dans une pièce spacieuse. Les danseurs se réchauffent avant la répétition. Tout le travail est imprégné d’un rythme musical clair et harmonieux, transmis par l’artiste au travers de la couleur à travers la lucidité coloriste de la toile.

Plusieurs œuvres de la série, parmi lesquelles figure la toile «Dance Class», Degas présentée au public en 1874 lors de l’exposition des impressionnistes. Après elle, il a acquis une renommée en tant qu ’«artiste écrivant des danseurs. «

Le tableau «Cours de danse» (1874, musée d’Orsay, Paris), frappant par une interprétation convaincante et réaliste des images, appartient à la même période. Degas a représenté un fragment de répétition au cours duquel un enseignant âgé, interrompant la répétition, donne des instructions et des recommandations à ses élèves. Des figures de danseuses blanches occupent la quasi-totalité de l’espace d’une grande salle, le naturel de leurs poses et de leurs gestes confère à la toile un caractère convaincant. Dans ce travail, Degas a capturé le célèbre chorégraphe français Louis Merant, à côté duquel se trouve l’une des meilleures danseuses de l’époque, Josephine Gogelen.

La couleur de la photo y joue un rôle particulier, construite sur une combinaison harmonieuse de nuances de gris, de vert, de blanc bleuté et d’ocre, avec de nombreux accents sombres apportant clarté et clarté, formant un rythme lisse et linéaire, comme si l’on répétait les mouvements de la danse. Toute la composition de la «Leçon de danse», construite sur le principe de la fragmentation, car elle supprime l’action du spectateur, l’isole à l’intérieur de l’espace illusoire créé par l’artiste. Cependant, dans des œuvres ultérieures, le maître rapproche intentionnellement de gracieuses héroïnes du bord de la toile et supprime même parfois l’image de leurs personnages, par exemple dans «Dancers» (1883, Dallas Art Museum) ou “Avant l’examen” (1880), Denver Art Museum).

Contrairement à d’autres toiles, où l’artiste s’est principalement intéressé au transfert de légèreté et de grâce de tous les mouvements de ses héroïnes, dans l’oeuvre «Avant l’examen», Edgar Degas a décidé de prêter attention à leur état émotionnel. Sur la toile, nous voyons des jeunes danseurs qui se préparent pour une performance responsable. Sur le côté droit de la composition représente une fille dont la pose est détendue. Ses épaules et sa tête sont abaissées, comme si elle priait avant de se rendre chez les examinateurs. La deuxième héroïne lui masse la jambe, se penchant gracieusement en avant. Derrière les filles sur le banc se trouvaient deux dames âgées qui discutaient calmement. Ici, Degas décida de décrire un moment important de la vie des ballerines: le moment où elles se produiront, juste avant d’entrer sur la scène, où elles brilleront sous des projecteurs de luxe.

L’œuvre la plus célèbre en matière de danse est la peinture «Blue Dancers» (vers 1898, musée national des Beaux-Arts A. Pushkin, Moscou), où le maître a pu réaliser une expressivité particulière en matière de composition et de couleur. Dans l’oeuvre, dont les gracieuses héroïnes ont corrigé leurs costumes avant la représentation, l’artiste a su utiliser l’effet de lumière artificielle avec une telle habileté que la toile entière s’est révélée être remplie d’éclats lumineux et pétillants de mélodie de danse.

Dans l’œuvre de 1877, La dernière arabesque (Musée d’Orsay, Paris), on peut noter des intonations similaires. La toile est agencée de manière à donner au spectateur l’occasion de jeter un coup d’œil derrière les rideaux, de regarder comment les ballerines se préparent pour la prochaine apparition sur la scène. Le premier plan de la peinture est une figure de prima, représentée sur le fond assombri d’une scène vide. Les lumières de la rampe éclairent son visage et son costume jaune clair, comparant la silhouette de la fille à une fleur gracieuse.

Presque tous les travaux sur le théâtre et les danseurs Degas se sont produits au pastel. Le maître, qui a su dépasser les stéréotypes habituels, a développé ici son propre style. Ses méthodes d’application de la couche de peinture, avec des traits distincts distincts, ressemblant davantage à des traits, semblaient combiner dessin et peinture.

Esthétique du dur labeur

Tout au long de son travail, l’artiste s’est distingué par un véritable intérêt pour les caractéristiques du comportement des personnes appartenant à différents secteurs de la société. Degas s’intéresse depuis toujours aux caractéristiques de leurs plastiques, à leurs gestes et mouvements spécifiques, en un mot à tout ce qu’il pourrait transférer sur la toile. Tout au long de sa vie, le peintre est resté résolument accro à certains sujets qui ont contribué à l’expression de ses intérêts créateurs.

Degas aimait beaucoup les scènes de tous les jours dans lesquelles les personnages principaux étaient les vendeuses de mercerie et chapeaux, blanchisseuses et repasseuses. Dans toutes les parcelles, l’artiste était attiré par des poses caractéristiques et des mouvements professionnels. Grâce à cela, il a pu découvrir des effets décoratifs totalement inattendus associés à l’interaction rythmique des silhouettes et des figures assorties. La plupart des peintures qui composent cette série ont en général été créées en dehors de l’environnement domestique, ce qui a permis à Degas d’atteindre un niveau élevé de généralisation sociale.

Par exemple, dans le tableau «Ironmaker» (circa 1869, New Pinakothek, Munich), l’artiste cherchait à rendre compte de la routine et de la monotonie du travail quotidien de l’héroïne. La jeune fille représentée sur la toile tient le fer à repasser dans la main droite et déplace le tissu avec la gauche. Pour donner plus de dynamisme, Degas a fait un double contour de la jupe à repasser, soulignant les efforts qu’elle doit faire. Immédiatement après son retour d’Amérique, en 1873, Degas a écrit une autre œuvre sous le même titre, mais avec une grande expressivité. Sur le nouveau tableau «Ironmaker» (Metropolitan Museum of Art, New York), le personnage principal est de profil, sa silhouette sombre se détache nettement sur le fond d’une fenêtre inondée de lumière. Grâce à ce contraste et à l’excellente transmission des mouvements professionnels de la femme,l’artiste a su reproduire magistralement l’atmosphère qui règne dans les blanchisseries parisiennes.

La prochaine toile du cycle - "Deux ferronniers" (Musée d’Orsay, Paris), créée beaucoup plus tard, en 1884, est peut-être la plus célèbre. Le travail est écrit avec de larges coups de nerf, traduisant parfaitement les fluctuations de l’air autour des filles qui travaillent. La palette de couleurs, basée sur une comparaison des tons bleu, ocre brun, doré et blanc, se caractérise par une décorativité accrue, qui distingue ce travail des précédents.

Degas n’était pas le seul artiste parisien exceptionnel à aimer le thème des repasseuses et des blanchisseuses. Ses travaux sur ce sujet ont souvent été comparés aux toiles de Honoré Daumier. Le critique Armay Sylvester, en 1879, écrivait à ce sujet dans le journal «Modern Life»: «Passons à quelque chose d’important. Par exemple, c’est ce qui est significatif qui apparaît sur les rares toiles de M. Degas - toujours le même processus de synthèse qui nous est transmis avec un talent artistique admirable. Il suffit de regarder comment la repasseuse s’est penchée pour un travail difficile. Si vous regardez la toile de loin, vous penserez peut-être qu’elle a été écrite par Daumier, mais à y regarder de plus près, il devient évident que c’est plus que Daumier. Dans ce travail, il y a un savoir-faire raffiné dont il est difficile de transmettre toute la puissance. ”

Les scènes de ménage incluent également des peintures représentant des visiteurs dans des salons de coiffure. Par exemple, le tableau «At the Fashionista» (circa 1882 au Museum of Modern Art de New York) représentant un élève de Degas Mary Cassatt. La composition de l’œuvre est fragmentée et construite sur le principe de la photographie. La fille essayant un chapeau est presque cachée derrière le dossier de la chaise représentée au premier plan. Le modiste, qui offre au visiteur deux autres coiffes, est situé sur le côté gauche de la toile et est pratiquement indiscernable. L’ombre épaisse qui tombe ne fait de la femme qu’un élément décoratif.

Cet ouvrage, dont l’intrigue semble sans prétention, a été le fruit de nombreuses réflexions de l’auteur. L’artiste attachait une grande importance à l’expressivité et à la «mélodiosité» de la ligne, c’est avec son aide qu’il cherchait à s’exprimer dans le reflet de la forme. Par conséquent, pour créer une seule silhouette rythmique de l’ensemble du groupe, il a spécialement simplifié les volumes du plan moyen. Les toiles consacrées à ce sujet sont devenues un véritable sommet de la compétence d’Edgar Degas. En eux, il a réussi à obtenir une nouvelle expressivité dans l’affichage de la réalité et à donner une généralisation monumentale à la scène quotidienne ordinaire.

Travail nu

Un autre type de scènes quotidiennes auquel Degas a consacré beaucoup de temps était des femmes nues derrière les toilettes. Depuis les années 1880 environ, l’artiste a commencé à créer de belles images féminines qui ne correspondent pas aux canons généralement acceptés de cette époque. Degas a rejeté toutes les conventions, l’idéalisation des idées sur la beauté féminine. «La beauté doit être caractéristique» - ce postulat a été pris par le maître comme base de son travail. L’artiste a fait valoir que la nature d’un corps nu se manifeste mieux dans une variété de mouvements qui ne peuvent être naturels que pendant la baignade. Ainsi apparurent une série d’œuvres dont les héroïnes sont occupées: elles se lavent, se essuient, se peignent les cheveux et sont tellement absorbées par leurs pensées qu’elles ne pensent pas du tout à accepter des poses gracieuses et gracieuses.

Un exemple frappant d’un tel complot est la composition de pastel Taz (1885, Hill Stead Museum, Farmington), dont le personnage principal vient de plier pour mouiller son éponge dans l’eau. Son geste lisse est plein de naturel et la composition est dépourvue de tout ce qui pourrait distraire l’attention du public de la fille. L’année suivante, l’artiste écrivit une autre œuvre du même nom (Mray d’Orsay, Paris). Sur cette photo, l’héroïne s’accroupit au centre du bassin et, appuyée sur sa main, lave son cou. La silhouette de la jeune fille est délicatement soulignée par la lumière venant de la fenêtre. Pour obtenir une plus grande expressivité, Degas a utilisé des contrastes, en soulignant parfois le corps de la femme, puis en "le fusionnant" avec douceur. Un tiers de la composition est une large étagère blanche avec des articles de toilette: une carafe avec de l’eau propre, un peigne et une épingle à cheveux.L’artiste a donc insisté sur la profondeur de la pièce.

Revenant constamment sur les mêmes sujets, poses et gestes est expliquée par la poursuite incontrôlable de l’excellence de Degas. Des amis ont plaisanté sur l’artiste en disant que "pour lui faire arrêter de refaire une photo, vous ne pouvez que la sélectionner". Le peintre était simplement obsédé par le désir de capturer véritablement tout mouvement. Une place spéciale dans le travail de Degas est donnée aux images de femmes se peignant les cheveux. Ici, l’artiste n’a jamais copié les techniques de composition précédemment découvertes, cherchant inlassablement de nouvelles.

L’un des pastels les plus célèbres de ce cycle, «Une femme qui se coiffe» (1886, musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg), peut parfaitement illustrer la recherche constante de l’artiste pour une pose idéale et un geste naturel. L’œuvre a plusieurs options, l’une d’entre elles est conservée dans une collection privée de Morris (Philadelphie) et une autre au Metropolitan Museum of Art (New York). Dans toutes les versions, l’héroïne est représentée de l’arrière, ce qui a permis à Degas d’exprimer de manière convaincante ses mouvements. L’artiste met l’accent sur le volume et la profondeur de l’ombre par des lignes élastiques du contour, créant de l’expressivité par la douceur des mouvements de l’héroïne peignant ses longs cheveux roux.

Au fil du temps, Edgar Degas développe sa propre esthétique de la transmission de mouvement. Le maître cherchait non seulement à fixer la position des bras, des jambes et du corps avec une précision photographique, mais aussi à ressentir et à exprimer avec une expressivité maximale l’interaction complexe de toutes les parties du corps. Travaillant sur les œuvres de cette série, l’artiste a tenté de créer son propre système, ce qui lui permettrait de décrire la pose spécifique d’une femme avec une précision extrême, mais dans les termes les plus généraux.

Dans les œuvres ultérieures de l’artiste, les mouvements des héroïnes deviennent plus nets, la forme du corps commence à être plus simpliste et souvent délimitée par un contour net. Un exemple frappant est le tableau «Une femme quittant le bain» (1900, collection privée). On voit très clairement comment le style tardif du maître a gagné une expression aiguisée, une généralisation des formes et une décorativité. Le peintre a prouvé que le corps peut être encore plus expressif que le visage; par conséquent, des motifs tout à fait ordinaires de son art ont reçu une expression poétique d’énergie vitale, de grâce gracieuse et de beauté.

Les dernières années du maître

Au début du 20ème siècle, la maladie d’Edgar Degas s’aggrave à un point tel qu’elle perd presque complètement la vue. Incapable de s’exprimer autrement que par l’art, le maître commence à s’intéresser sérieusement à la sculpture, qu’il appelle le "métier d’aveugle".

Les thèmes que Degas a tenté d’incarner dans une nouvelle forme de créativité sont restés les mêmes qu’en peinture: jockeys, danseurs et baigneurs. Il a lui-même sculpté de petites sculptures, de sorte qu’un très petit nombre d’entre elles ont été amenées à la fin, telles que «La petite danseuse de quatorze ans».

Les contemporains de l’artiste ont noté qu’en fin de vie, malgré une nette détérioration de la condition physique, l’intérêt de Degas pour la musique, la photographie et la poésie ne faisait que s’intensifier. Dans le cercle de ses amis, il commençait souvent à chanter des chansons napolitaines. Cependant, quelque part à partir de 1895, le peintre cessa presque de parler avec ses amis et quitta rarement la maison, continuant à ne communiquer qu’avec un cercle très étroit de proches.

Après 17 ans, en 1912, Edgar a finalement cessé de travailler. À ce stade, il est déjà aveugle et complètement épuisé. Plusieurs raisons expliquent ce piètre état de l’artiste. Cette année, sa soeur Teresa meurt et le peintre doit lui-même quitter sa maison bien-aimée à cause de la reconstruction, qui ne peut plus être différée.

27 septembre 1917, Edgar Degas est décédé à l’âge de quatre-vingt-trois ans. Les funérailles ont été très modestes - comme le souhaitait l’artiste. Claude Monet, Léon Bonn, Mary Cassett, Henri Lerol, Jean-Louis Foren, Ambroise Vollard et de nombreux autres amis faisaient partie de ses amis. Dans son testament, Degas a demandé à ne pas prononcer de discours de deuil lors des funérailles. Par ailleurs, il a souligné que si Foren voulait vraiment dire quelques mots, qu’ils soient très simples et concis, comme: "Lui, comme moi, adorait dessiner." Edgar Degas est déjà devenu un grand peintre reconnu de son vivant, ses peintures ont été achetées à des prix fabuleux et, bien que les dernières années de l’artiste aient été plutôt sans joie, il mena toujours une vie riche et vibrante et resta à jamais dans l’histoire de l’art.

Zhuravleva Tatyana