Léonard de Vinci (1452-1519)

La personnalité et le travail de Léonard de Vinci ont toujours été d’un grand intérêt. Léonard était une figure trop extraordinaire pour son époque. Les livres et les articles sont imprimés, les longs métrages et les documentaires sont publiés. Les historiens de l’art se tournent vers les scientifiques et les mystiques pour tenter de trouver une solution au mystère du génie du grand maître. Il existe même une direction séparée dans la science, explorant l’héritage du peintre. Les musées ouvrent leurs portes en l’honneur de Léonard de Vinci, des expositions thématiques sont constamment organisées dans le monde entier, battant tous les records de fréquentation, et Mona Lisa regarde la foule de touristes pendant des jours entiers en verre blindé. Des faits et légendes historiques réels, des réalisations scientifiques et des fictions sont étroitement liés autour du nom d’un génie.

Peintures et dessins de Léonard de Vinci

Le destin du grand maître

Le futur grand artiste et scientifique est né le 14 avril 1452 d’une relation extraconjugale d’un riche notaire, Sir Pierrot, avec une paysanne ou la maîtresse d’une taverne de la ville de Vinci. Le garçon s’appelait Leonardo. Katerina, telle était le nom de la mère de l’artiste, avait élevé son fils pendant les cinq premières années de sa vie, après quoi le père l’avait emmené chez lui.

Bien que Pierrot soit officiellement marié, il n’avait pas d’autre enfant que Leonardo. Par conséquent, l’apparition de l’enfant à la maison a été chaleureusement accueillie. La seule chose dont l’artiste est resté privé, pleinement soutenu par son père, est le droit de succession. Les premières années de Leonardo passèrent sereinement, entourées par la nature montagnarde pittoresque de la Toscane. Il portera toute son existence son admiration et son amour pour son pays natal, perpétuant sa beauté dans ses paysages.

La paix et la tranquillité de la vie provinciale se sont terminées avec le déménagement de la famille à Florence. La vie a commencé à jouer, ils ont commencé à s’animer avec toutes les couleurs d’une vraie métropole de cette époque. La ville était dirigée par des représentants du clan des Médicis, connus pour leur générosité de philanthropes qui ont créé des conditions idéales pour le développement des arts sur leur patrimoine.

Pendant leur règne, Florence est devenue le berceau de la révolution culturelle et scientifique connue sous le nom de Renaissance. Une fois arrivé ici, le jeune Leonardo était au centre des événements lorsque la ville approchait du sommet de son apogée et de sa gloire, le sommet de la grandeur dont le jeune artiste faisait partie intégrante.

Mais la grandeur était à venir, mais pour le moment, le futur génie avait juste besoin d’être éduqué. En tant que fils illégitime, il ne pouvait pas continuer à travailler pour son père et devenir, par exemple, un avocat ou un médecin. Ce qui, en général, n’a pas nui au destin de Leonardo.

Dès son plus jeune âge, le jeune homme a démontré des capacités artistiques exceptionnelles. Pierrot ne pouvait ignorer cela lorsqu’il avait pris une décision concernant le sort de son fils unique. Bientôt, son père envoya Leonardo, 18 ans, étudier dans un atelier de peinture très réussi et avancé. L’instructeur de l’artiste était le célèbre peintre Andrea del Verocchio.

Sculpteur et artiste talentueux et ouvert d’esprit, Verocchio n’a pas prêché les vues esthétiques médiévales, mais a essayé de se tenir au courant. Il s’intéressait vivement aux échantillons d’art ancien, qu’il considérait comme inégalé, dans son travail, il cherchait à faire revivre les traditions de Rome et de la Grèce. Néanmoins, reconnaissant et respectant les progrès accomplis, Verocchio a largement exploité les réalisations techniques et scientifiques de son époque, grâce auxquelles le tableau se rapprochait du réalisme.

Les images plates et sommaires du Moyen Âge s’éloignaient pour laisser place au désir d’imiter pleinement la nature en toutes choses. Et pour cela, il était nécessaire de maîtriser les techniques de la perspective linéaire et aérienne afin de comprendre les lois de la lumière et des ombres, ce qui impliquait la nécessité de maîtriser les mathématiques, la géométrie, le dessin, la chimie, la physique et l’optique. Leonardo a étudié avec Verocchio les bases de toutes les sciences exactes, tout en maitrisant les techniques de dessin, de modelage et de sculpture, et a acquis des compétences dans le travail du plâtre, du cuir et du métal. Son talent a été révélé si rapidement et clairement que le jeune talent s’est vite éloigné de son professeur par son talent et sa qualité de peinture.

Dès l’âge de vingt ans, en 1472, Leonardo devint membre de la honorable guilde florentine d’artistes. Et même le manque d’atelier qu’il a acquis quelques années plus tard ne l’a pas empêché de commencer son propre chemin en tant que maître indépendant. Malgré des capacités d’ingénierie évidentes et un talent remarquable pour les sciences exactes, la société ne voyait dans l’artiste qu’un artisan qui n’avait pas encore beaucoup de prestige. Les idéaux de liberté et de créativité étaient encore loin.

Le destin de l’artiste du XVe siècle dépend entièrement de mécènes influents. Donc, tout au long de sa vie, Leonardo a dû chercher un lieu de service parmi les puissants, et l’accomplissement des ordres laïques et ecclésiastiques individuels était basé sur le principe d’un simple accord commercial.

Les dix premières années de la vie de l’artiste se sont traduites par des recherches créatives et quelques commandes. Jusqu’à présent, Leonardo a entendu une rumeur selon laquelle le duc de Sforza, le souverain de Milan, avait besoin d’un sculpteur de la cour. Le jeune homme a immédiatement décidé de tenter sa chance.

Le fait est que Milan était à l’époque un des plus grands centres de production d’armes, et Leonardo était plongé dans son dernier loisir: développer des dessins de machines et de mécanismes originaux et ingénieux. Par conséquent, la possibilité de déménager dans la capitale de l’ingénierie, il a été très inspiré. L’artiste a écrit une lettre de recommandation au duc de Sforza, dans laquelle il a osé s’offrir en tant que sculpteur, artiste et architecte, mais également en tant qu’ingénieur, affirmant qu’il pouvait construire des navires, des véhicules blindés, des catapultes, des fusils et des armes. autre équipement militaire. Le duc était impressionné par la lettre confiante de Leonardo, mais ne le satisfaisait que partiellement: il avait envie de devenir sculpteur. La première tâche du nouveau sculpteur de la cour fut la fabrication d’une statue en bronze d’un cheval, destinée à décorer la crypte familiale de Sforza. Ce qui est amusant, c’est que, pour diverses raisons, pendant les dix-sept années que Leonardo a passées à la cour de Milan, le cheval n’a jamais été présenté. Mais l’intérêt des jeunes talents dans les affaires militaires, la mécanique et la technologie dans les ateliers de fabrication d’armes n’a fait que grandir. Presque toutes les inventions de Leonardo datent de cette période.

Au cours de sa vie, l’ingénieux da Vinci a créé de nombreux dessins de machines à tisser, d’impression et de laminage, de fours métallurgiques et d’une machine à bois. Il fut le premier à penser à l’idée d’une vis d’hélicoptère, de roulements à billes, d’une grue tournante, d’un mécanisme d’entraînement de pieux, d’une turbine hydraulique, d’un dispositif de mesure de la vitesse du vent, d’une échelle télescopique coupe-feu, d’une clé à molette, et une boite de vitesse. Leonardo a développé des modèles de différents véhicules militaires - chars, catapultes, sous-marins. Dans ses croquis, il y a des prototypes de projecteurs représentant une cloche de plongée, une excavatrice, un vélo et des ailerons. Ainsi que ses conceptions les plus célèbres, basées sur une étude minutieuse de la technique du vol d’oiseau et de la structure de l’aile de l’oiseau - un avion très similaire à un planeur et un parachute.

Malheureusement, Leonardo n’a pas pu voir l’incarnation de la grande majorité de ses idées dans la vie. Le temps n’est pas encore venu pour eux, il n’y avait pas de matières premières nécessaires, dont la création était également prévue par le génie du 15ème siècle. Toute sa vie, Léonard de Vinci a dû supporter le fait que ses conceptions grandioses étaient trop en avance sur son époque. Seulement à la fin du XIXème siècle, beaucoup d’entre eux recevront leur mise en oeuvre. Et, bien sûr, le maître ne soupçonnait pas que, aux XXe et XXIe siècles, des millions de touristes admireraient ces inventions dans des musées spécialisés consacrés à son travail.

En 1499, Leonardo a quitté Milan. La raison en était la prise de la ville par les troupes françaises dirigées par Louis XII, le duc de Sforza, qui avait perdu le pouvoir, s’enfuit à l’étranger. Pour l’artiste a commencé une période difficile de sa vie. Pendant quatre ans, il a constamment déménagé d’un endroit à l’autre, sans arrêt pendant longtemps. Jusqu’à présent, en 1503, il devait à nouveau rentrer à Florence - la ville où il avait travaillé comme simple apprenti - et à présent, au plus fort de son talent et de sa renommée, il travailla à la création de sa brillante Mona Lisa.

Certes, il est rentré à Milan da Vinci, après plusieurs années de travail à Florence. Il était alors le peintre de la cour de Louis XII, qui contrôlait alors tout le nord de l’Italie. De temps en temps, l’artiste revenait à Florence, remplissant un ordre particulier. Les épreuves de Léonard de Vinci s’achèvent en 1513 lorsqu’il s’installe à Rome pour rencontrer le nouveau patron, Giuliano Medici, frère du pape Léon X. Au cours des trois prochaines années, da Vinci se consacrera principalement à la science, aux commandes d’ingénierie et aux expériences techniques.

Déjà à un âge très avancé, Léonard de Vinci s’installa de nouveau, cette fois en France, à l’invitation de François Ier qui succéda à Louis XII sur le trône. Le reste de la vie du brillant maître passa dans la résidence royale, le château de Lmboise, entouré du plus grand honneur du côté du monarque. L’artiste lui-même, malgré l’engourdissement de la main droite et l’état de santé détériorant constamment, a continué à faire des croquis et à engager les élèves qui l’ont remplacé par une famille qui n’a jamais été créée par le maître de son vivant.

Don d’observateur et de scientifique

Dès son plus jeune âge, Leonardo avait un talent d’observateur rare. De sa petite enfance à la fin de sa vie, un artiste fasciné par les phénomènes naturels pouvait regarder pendant des heures devant une flamme de bougie, surveiller le comportement des êtres vivants, étudier le mouvement de l’eau, les cycles de croissance des plantes et le vol des oiseaux. Un vif intérêt pour le monde qui l’entourait donnait au maître de nombreuses connaissances inestimables et les clés de nombreux secrets de la nature. «La nature a tout organisé de manière si parfaite que partout vous trouvez quelque chose qui peut vous donner de nouvelles connaissances», a déclaré le maître.

Au cours de sa vie, Leonardo a traversé les plus hauts cols alpins pour explorer la nature des phénomènes atmosphériques, parcouru des lacs de montagne et des rivières pour étudier les propriétés de l’eau. Tout au long de sa vie, Leonardo a emporté avec lui un cahier dans lequel il inscrivait tout ce qui attirait son attention. Il attachait une importance particulière à l’optique, estimant que l’œil du peintre était un outil de connaissance scientifique direct.

Refusant de suivre le chemin tracé par les contemporains, Leonardo a cherché ses propres réponses aux questions d’harmonie et de proportionnalité de toutes les choses qui l’inquiétaient (le monde qui l’entoure et l’homme lui-même). L’artiste a compris que s’il voulait capturer la personne elle-même et le monde qui l’entoure dans ses œuvres sans en dénaturer l’essence, il devait étudier la nature de chacune d’elles le plus profondément possible. En commençant par l’observation de phénomènes et de formes visibles, il a progressivement exploré les processus et les mécanismes qui les régissent.

Les connaissances mathématiques ont aidé le peintre à comprendre que tout objet ou objet est un tout, qui comprend inévitablement de nombreuses parties, dont la proportionnalité et l’emplacement approprié donnent lieu à ce qu’on appelle l’harmonie. Une découverte incroyable du peintre est que les concepts de «nature», «beauté» et «harmonie» sont inextricablement liés à une loi spécifique, à la suite de laquelle se forment absolument toutes les formes de la nature, à partir des étoiles les plus lointaines du ciel, et se terminant par des pétales de fleurs. Leonardo s’est rendu compte que cette loi pouvait être exprimée dans le langage des nombres et l’utiliser pour créer des œuvres belles et harmonieuses dans les domaines de la peinture, de la sculpture, de l’architecture et de tout autre domaine.

En fait, Léonard de Vinci a pu découvrir le principe selon lequel le créateur de la Genèse a lui-même créé ce monde. L’artiste a appelé sa découverte "Proportion dorée ou divine". Cette loi était déjà connue des philosophes et des créateurs du monde antique, en Grèce et en Égypte, où elle était largement utilisée dans une grande variété de formes d’art. Le peintre a suivi le chemin de la pratique et a préféré tirer toutes ses connaissances de sa propre expérience d’interaction avec la nature et le monde.

Leonardo n’a pas lésiné sur le partage de ses découvertes et de ses réalisations avec le monde. Au cours de sa vie, il travailla avec le mathématicien Luke Pocholi à la création du livre "Divine Proportion". Après la mort du maître, il vit la lumière du traité de la section d’or, entièrement basée sur ses découvertes. Les deux livres sont écrits sur l’art dans le langage des mathématiques, de la géométrie et de la physique. Outre ces sciences, l’artiste s’intéressait à différents moments à la chimie, à l’astronomie, à la botanique, à la géologie, à la géodésie, à l’optique et à l’anatomie. Et tout en fin de compte, pour résoudre les tâches qu’il s’est assignées à l’art. C’est à travers la peinture, que Leonardo considérait comme la forme de créativité la plus intellectuelle, qu’il cherchait à exprimer l’harmonie et la beauté de l’espace environnant.

Vie sur toile

En regardant l’héritage créatif du grand peintre, vous pouvez voir clairement comment la profondeur de la pénétration de Leonardo dans les fondements des connaissances scientifiques sur le monde a rempli ses peintures de vie, les rendant de plus en plus vraies. Il semble qu’avec les personnages représentés par le maître, vous pouvez facilement avoir une conversation, des objets peints par lui, vous mettre entre vos mains, entrer dans le paysage et vous perdre. Dans les images de Leonardo, à la fois mystérieuses et étonnamment réalistes, profondeur et spiritualité sont évidentes.

Pour comprendre ce que Leonardo a considéré comme une création réelle et vivante, vous pouvez établir une analogie avec la photographie. La photographie, en fait, n’est qu’une copie miroir, une preuve documentaire de la vie, un reflet du monde créé, incapable d’atteindre sa perfection. De ce point de vue, le photographe est une incarnation moderne de celle dont Leonardo a dit: «Un peintre, un esquisse insensé, guidé uniquement par la pratique et le jugement de l’œil, est comme un miroir ordinaire imitant tous les objets qui lui sont opposés, ne sachant rien d’eux.»Un véritable artiste, selon le maître, tout en étudiant la nature et en la recréant sur une toile, doit la surpasser,«inventant lui-même d’innombrables formes d’herbe et d’animaux, d’arbres et de paysages».

La prochaine étape dans la maîtrise et le don unique de l’homme, selon Leonardo, est la fantaisie. "Là où la nature a déjà fini de produire son espèce, l’homme commence lui-même à créer d’innombrables sortes de choses nouvelles avec l’aide de la nature." Le développement de l’imagination est la première et la plus fondamentale chose qu’un artiste doit faire, selon da Vinci, C’est ce qu’il écrit dans les pages de ses manuscrits. Sur les lèvres de Leonardo, cela ressemble à une vérité avec une lettre majuscule, car il l’a lui-même prouvé à maintes reprises avec toute sa vie et son héritage créatif, y compris de nombreuses suppositions et inventions ingénieuses.

Le désir irrépressible de connaître Leonardo a touché presque tous les domaines de l’activité humaine. Au cours de sa vie, le maître a pu faire ses preuves en tant que musicien, poète et écrivain, ingénieur et mécanicien, sculpteur, architecte et urbaniste, biologiste, physicien et chimiste, connaisseur en anatomie et médecine, géologue et cartographe. Le génie de Vinci a trouvé son application même dans la création de recettes culinaires, le développement de vêtements, la compilation de jeux pour le divertissement de palais et la conception de jardins.

Leonardo pouvait se vanter non seulement de connaissances inhabituellement polyvalentes et d’un large éventail de compétences, mais également d’une apparence presque parfaite. Selon les contemporains, il était un homme grand et beau, bien construit et doté d’une grande force physique. Leonardo chantait parfaitement, était un conteur brillant et plein d’esprit, dansait et jouait de la lyre, avait des manières exquises, était courtois et fascinait tout simplement les gens avec sa seule présence.

C’est peut-être précisément cette nature extraordinaire de ce phénomène dans presque toutes les sphères de la vie qui a provoqué une attitude si prudente de la part de la majorité conservatrice à son égard, acceptant avec crainte les idées novatrices. Pour son génie et son esprit hors du commun, il a été maintes fois qualifié d’hérétique et même accusé de servir le diable. Apparemment, c’est le destin de tous les génies qui viennent dans notre monde pour casser les bases et faire avancer l’humanité.

En paroles et en actes, niant l’expérience des générations passées, le grand peintre a déclaré que "l’image du peintre sera peu parfaite s’il prend les peintures des autres pour inspiration". Cela s’appliquait à tous les autres domaines de la connaissance. Leonardo a porté une grande attention à l’expérience en tant que source principale d’idées sur l’homme et le monde. «La sagesse est la fille de l’expérience», a déclaré l’artiste, elle ne peut être acquise simplement en étudiant des livres, car ceux qui les écrivent ne sont que des intermédiaires entre l’homme et la nature.

Chaque personne est un enfant de la nature et la couronne de la création. Il a d’innombrables possibilités de connaître le monde, inextricablement liées à chaque cellule de son corps. En explorant le monde, Leonardo s’est connu. La question qui tourmente beaucoup d’historiens de l’art est de savoir ce qui intéresse le plus Da Vinci - la peinture ou la connaissance? À la fin, qui était-il, artiste, scientifique ou philosophe? La réponse est essentiellement simple. Comme un vrai créateur, Leonardo da Vinci a harmonieusement combiné tous ces concepts en un. Après tout, vous pouvez apprendre à dessiner, être capable de posséder un pinceau et de la peinture, mais cela ne fera pas de vous un artiste, car la vraie créativité est un état particulier de sentiments et d’attitude envers le monde. Notre monde réciproque, deviendra une muse, découvrira ses secrets et ne permettra que de l’aimer véritablement de pénétrer l’essence même des choses et des phénomènes. De la manière dont Leonardo a vécu, de tout ce qu’il a fait, il était évident qu’il était un amoureux passionné.

Images de la Madone

L’œuvre "L’Annonciation" (1472-1475, Louvre, Paris) a été écrite par un jeune peintre au tout début de sa carrière. Le tableau représentant l’Annonciation était destiné à l’un des monastères non loin de Florence. Elle a généré beaucoup de controverse parmi les chercheurs du grand Leonardo. Les doutes portent en particulier sur le fait que l’œuvre est une œuvre totalement indépendante de l’artiste. Je dois dire que de tels différends autour de la paternité ne sont pas rares pour de nombreuses œuvres de Leonardo.

Interprétée sur un panneau de bois aux dimensions impressionnantes - 98 x 217 cm, l’œuvre montre le moment où l’archange Gabriel, qui est descendu du ciel, annonce à Marie qu’elle donnera naissance à un fils, que Jésus appellera. On croit traditionnellement qu’à l’époque, Marie lisait le passage même des prophéties d’Esaïe, qui mentionne un accomplissement futur. La scène n’est pas accidentellement représentée sur le fond d’un jardin printanier - les fleurs dans la main de l’archange et sous ses pieds symbolisent la pureté de la Vierge Marie. Et le jardin lui-même, entouré d’un muret, nous renvoie traditionnellement à l’image sans péché de la Mère de Dieu, isolée du monde extérieur par son intégrité.

Un fait intéressant est associé aux ailes de Gabriel. La photo indique clairement qu’ils ont été finis plus tard - un artiste inconnu les a allongés dans un style de peinture très grossier. Les ailes originales que Leonardo a décrites sont restées discernables - elles sont beaucoup plus courtes et ont probablement été dessinées par l’artiste à partir des ailes d’un véritable oiseau.

Dans ce travail, si vous regardez de plus près, vous pouvez trouver plusieurs erreurs commises par Leonardo, qui était encore inexpérimenté, dans la construction d’une perspective. La plus évidente est la main droite de Mary, située visuellement plus près du spectateur que toute sa silhouette. Il n’y a pas encore de douceur dans les draperies de vêtements; ils ont l’air trop lourds et gelés, comme s’ils étaient en pierre. Nous devons ici tenir compte du fait que c’est ce que Leonardo a enseigné à son mentor, Verocchio. Cette angularité et cette netteté sont caractéristiques de presque toutes les œuvres d’artistes de cette époque. Mais à l’avenir, dans la recherche de son réalisme pittoresque, Leonardo se développera et dirigera tous les autres artistes.

Dans le tableau “Madonna Litta” (vers 1480, l’Hermitage de Saint-Pétersbourg), Leonardo a réussi à créer une image féminine incroyablement expressive en utilisant presque le seul geste. Sur la toile, nous voyons une mère pleine de réflexion, une mère tendre et apaisée, admirant son enfant, concentrant dans ce regard toute la plénitude des sentiments. Sans cette inclinaison spéciale de la tête, caractéristique de nombreuses œuvres du maître, qu’il a étudiées pendant des heures en créant des dizaines de dessins préparatoires, l’impression de l’amour maternel sans bornes aurait disparu. Seules les ombres dans les coins des lèvres de Maria suggèrent un sourire, mais quelle tendresse cela donne à tout le visage. En taille, le travail est très petit, seulement 42 x 33 cm, probablement pour le culte à la maison. En effet, en Italie du 15ème siècle, les images pittoresques de la Vierge à l’enfant étaient très populaires, elles étaient souvent commandées par des citoyens fortunés. Vraisemblablement, «Madonna Litta» a été écrite à l’origine par un maître pour les dirigeants de Milan. Puis, changeant de propriétaire, elle a déménagé dans une collection familiale privée. Le nom moderne de l’œuvre provient du nom du comte Litta, propriétaire d’une galerie d’art familiale à Milan. En 1865, c’est lui qui l’a vendue à l’Ermitage avec plusieurs autres tableaux.

Dans la main droite de l’enfant Jésus, un petit nid presque invisible au premier regard est caché, servant dans la tradition chrétienne en tant que symbole du Fils de Dieu et de son enfance. Il y a des disputes autour de la toile, causées par des contours trop nets de l’image et une posture non naturelle de l’enfant, ce qui amène de nombreux chercheurs à supposer que l’un des élèves de Leonardo a pris une part active à la création de l’image.

Le premier tableau, dans lequel le talent du maître fut révélé, fut le tableau "Madone à la grotte" (vers 1483, musée du Louvre, Paris). La composition a été commandée pour l’autel de la chapelle de l’église milanaise de Saint-François et devait être la partie centrale du triptyque. L’ordre était divisé entre trois maîtres. L’un d’eux a créé des panneaux latéraux avec l’image des anges pour l’image de l’autel, l’autre - l’encadrement sculpté du travail de bois fini.

Le clergé a signé un contrat très détaillé avec Leonardo. Il stipulait les moindres détails de l’image, jusqu’au style et à la technique d’exécution de tous les éléments et même à la couleur des vêtements, desquels l’artiste ne devrait pas dévier d’un pas. Ainsi est née une œuvre racontant la rencontre de l’enfant Jésus et de Jean-Baptiste. L’action se déroule à l’arrière de la grotte, dans laquelle la mère et le fils se réfugient contre les persécuteurs envoyés par le roi Hérode, qui voyait dans le Fils de Dieu une menace directe pour son pouvoir. Le baptiste se précipite vers Jésus, joint ses mains en prière, qui le bénit à son tour d’un geste de la main. L’ange Uriel, témoin silencieux de la Sainte-Cène, regarde le spectateur. A partir de maintenant, il sera appelé pour protéger John. Les quatre personnages sont si habilement disposés dans l’image qu’ils ne semblent former qu’un tout. Je veux appeler toute la composition «musicale» avec tant de tendresse, d’harmonie et de finesse dans ses personnages, unis par des gestes et des regards.

Ce travail a été donné à l’artiste est très difficile. Le délai était strictement stipulé dans le contrat, mais, comme cela arrivait souvent avec le peintre, il ne pouvait s’y tenir, ce qui entraînait des poursuites judiciaires. Après un long procès, Leonardo a dû écrire une autre version de cette composition, qui est maintenant stockée dans la National Gallery of London, que nous connaissons sous le nom de «Madonna in the Rocks».

La célèbre fresque du monastère de Milan

Dans les murs du monastère milanais de Santa Maria della Grazie, plus précisément dans son réfectoire, sont conservés l’un des plus grands chefs-d’œuvre de la peinture et le principal trésor national d’Italie. La fresque légendaire "La Dernière Cène" (1495-1498) occupe une superficie de 4,6 x 8,8 m et décrit un moment dramatique où, entouré de disciples, le Christ prononce la triste prophétie "L’un de vous me trahira".

Le peintre, qui a toujours été attiré par l’étude des passions humaines, a voulu capturer les gens ordinaires, et non les personnages historiques, dans les images des apôtres. Chacun d’eux réagit à sa manière à l’événement. Leonardo a défini sa tâche avec le plus grand réalisme pour véhiculer l’atmosphère psychologique de la soirée, pour nous communiquer les divers personnages de ses participants, exposant ainsi leur monde psychique et leurs expériences contradictoires avec l’exactitude d’un psychologue. Dans la variété des visages des héros de l’image et de leurs gestes, il y a une place pour presque toutes les émotions, de la surprise à la colère furieuse, de la confusion à la tristesse, de la simple incrédulité au choc profond. Le futur traître Judas, qui avait traditionnellement séparé tous les artistes du groupe général, s’assoit dans cette œuvre avec les autres, se distinguant clairement par une expression sombre et une ombre, comme s’il enveloppait toute sa silhouette.Le principe de la nombre d’or qu’il a découvert, Leonardo a vérifié l’emplacement de chaque élève avec une précision mathématique. Les douze apôtres sont divisés en quatre groupes presque symétriques soulignant la figure du Christ au centre. D’autres détails de l’image sont conçus pour ne pas détourner l’attention des personnages. Ainsi, la table est volontairement trop petite et la salle dans laquelle le repas est préparé est simple et simple.

Travaillant sur The Last Supper, Leonardo mena une expérience avec des peintures. Mais, malheureusement, il a inventé la composition du sol et la peinture, pour laquelle il combinait huile et tempera, était complètement instable. La conséquence en a été que ce n’est que vingt ans après l’écriture que le travail a commencé à se détériorer rapidement et de façon irréversible. L’étable, aménagée par l’armée de Napoléon dans la salle où se trouvait la fresque, exacerbait le problème déjà existant. En conséquence, des travaux de restauration ont été effectués sur cette toile monumentale presque depuis le début de son histoire jusqu’à nos jours, uniquement grâce à laquelle il est encore possible de la préserver.

Après une longue vie, Ciu Leonardo da Vinci n’a pas créé plus de vingt peintures, dont certaines sont restées inachevées. Une telle fertilité, surprenante à cette époque, n’allait pas soulager la clientèle, mais le peu de hâte avec lequel le maître travaillait pour ses peintures devint complètement synonyme de mot. Réminiscences du moine du monastère de Santa Maria delle Grazie, qui a observé le travail du peintre sur la célèbre fresque "La Dernière Cène". Voici comment il décrit la journée de travail de Leonardo: au petit matin, l’artiste gravit les forêts autour du tableau et ne put se séparer de son pinceau que tard dans la nuit, oubliant complètement nourriture et repos. Mais une autre fois, il passa des heures et des jours à regarder de près sa création, sans appliquer un seul frottis. Malheureusement, malgré tous les efforts du maître, en raison d’une expérience et de matériaux infructueux, la fresque du monastère de Milan devint l’une des déceptions les plus puissantes de l’artiste.

La mystérieuse Mona Lisa

Pour cela, le peinture "Mona Lisa" a pris une grande place dans sa vie. Dès l’écriture de la célèbre toile jusqu’à la fin de sa vie, Leonardo sera inséparable de lui, comme de son trésor le plus précieux. Quel est le secret de cette impression grandiose que donne cette image de petite taille (seulement 77 x 53 cm), des millions de spectateurs se demandent depuis des siècles qui l’ont vue au moins une fois.

Il est extrêmement surprenant que les enregistrements de Leonardo da Vinci ne mentionnent pas une seule fois ce portrait. Il n’y a aucune information, ni qui l’a chargé de travailler sur la toile, ni qui a servi de modèle pour lui, ni comment s’est déroulé le processus de création. L’artiste, qui enregistre toute sa vie depuis toujours, n’a jamais mentionné un hibou comme la plus grande création.

Il n’y a absolument aucune preuve documentaire, mais les esprits des spécialistes ont été extrêmement avancés dans leurs suppositions. À différents moments, la duchesse Matui Isabella d’Este, dont Leonardo travaillait à l’époque, une certaine maîtresse florentine nommée Pacifica Brandano, maîtresse du noble patron Giuliano Medici, se porta candidate pour l’héroïne de la toile. Un certain nombre de chercheurs affirment qu’il n’existait aucun modèle et Leonardo a créé l’image collective parfaite d’une femme. D’autres sont sûrs qu’il a recréé de mémoire les traits de sa mère. D’autres encore affirment qu’il s’agit d’un jeune homme en tenue de femme, ancien étudiant et éventuellement amoureux du peintre lui-même - Jnan Giacomo Kaproti, qui est avec Leonardo depuis 26 ans (d’ailleurs, c’était l’artiste lui a légué le tableau). Eh bien, la dernière, parmi les versions les plus populaires, nous dit que Mona Lisa est un autoportrait de Léonard de Vinci lui-même.

Absolument toutes les suppositions n’ont aucune preuve réelle. Il existe également une version officielle. Il est dit que la peinture représente l’épouse du riche marchand florentin Francesco del Giocondo - Lisa Gerardini. La date exacte de la création de la photo n’est pas non plus connue. On pense que les travaux sur la Mona Lisa ont eu lieu entre 1503 et 1513. Vraisemblablement, la future "Mona Lisa", puis juste Lisa Gerardini, a posé vingt-quatre ans. Le préfixe "mona", encore une fois, n’est vraisemblablement pas autre chose que l’abréviation du mot "madonna", qui signifie en italien "dame, maîtresse".

L’image relancée

Pendant toute la Renaissance, l’homme fut proclamé la couronne de la nature, sa création la plus parfaite. En conséquence, et dans la peinture, qui cherche à imiter la nature en tout, la capacité de dépeindre une personne devient un véritable indicateur du talent de l’artiste. De plus, il importait de ne pas uniquement évoquer les caractéristiques de l’aspect extérieur du modèle. Le plus important était la capacité de révéler la personnalité du portrait. Ici commencent les questions et les recherches, comment montrer l’invisible, comment traduire dans l’image le tempérament et les qualités spirituelles cachées inhérentes aux personnages?

Leonardo, bien sûr, avait sa propre réponse à ces questions. L’artiste a conseillé d’écrire aux héros avec des gestes reflétant leur état d’esprit. «Si les personnages ne font pas certains gestes, et ceux qui voudraient exprimer leur âme par les membres du corps, alors ces personnages sont deux fois morts: ils sont pour la plupart morts car le tableau lui-même ne vit pas, mais n’est qu’une expression de objets vivants sans vie, si la vitalité du mouvement (geste) ne les rejoint pas, ils se révèlent morts une fois de plus», considéra le maître.

Dans le même temps, il n’est pas nécessaire de recourir à des angles complexes ni à des mouvements complexes, le peintre lui-même ne l’a jamais fait. Leonardo a pu atteindre les sommets de la maîtrise en créant la saturation et la profondeur de l’image avec une absence presque complète de mouvement externe. Le visage de Mona Lisa est éclairé par un sourire subtil qui lui donne une expression particulière. Dans une femme qui regarde à partir d’un portrait, tout est simple, naturel et en même temps très mystérieux. Elle pense à quelque chose ou se souvient de quelque chose. Leonardo a créé, sans exagération, le visage complètement vivant d’une personne vivante. Il a réussi à ne pas dessiner, mais à recréer son modèle sur toile, révélant une image si vivante et inspirée qu’il fait presque peur. Il semble que le spectateur ne regarde pas la Mona Lisa, mais elle le regarde elle-même avec une profonderegard significatif. Beaucoup prétendent qu’étant dans la même pièce que la photo, il semble que le regard de "Mona Lisa" soit toujours dirigé vers le spectateur, où qu’il se déplace. Certains prétendent aussi que le visage de Gioconda change, en fonction de la façon dont vous la regardez. Il s’avère que ce n’est pas une image, mais la présence réelle d’une héroïne créée par le plus grand génie de Léonard de Vinci.

Un savoir-faire incomparable

Comment le peintre a-t-il réussi à créer un effet aussi étonnant? Comment faire de votre propre vie une couche de peinture sur une surface plane d’un panneau de bois? Quel genre de magie Leonardo a-t-il utilisé, en utilisant seulement un pinceau et une palette, pour que des millions de téléspectateurs croient en la «Mona Lisa», comme en vrai?!

Les historiens d’art ont soigneusement étudié le tableau. Si nous parlons de la technique d’exécution, il convient de noter que l’œuvre est constituée de couches presque transparentes, exceptionnellement minces, de couleurs appliquées qui recouvrent le dessin original. Lorsque le revêtement précédent a séché, le maître a imposé ce qui suit et a présenté maintes et maintes fois une patience et une virtuosité enviables.

Le résultat de ce travail minutieux, cette peinture inhabituellement multicouche, a été une transition si harmonieuse de certaines couleurs en d’autres que les lignes de contour originales de l’image semblaient être dissoutes. Et c’est précisément ce manque de frontière entre ombre et lumière qui se confondent doucement et créent une impression de volume vivant. Une autre réalisation incroyable de Leonardo était une image sans précédent de l’épaisseur de l’air sans précédent pour la peinture à cette époque. L’artiste remplit l’espace de la photo d’un voile à peine perceptible, grâce auquel la profondeur apparaît dans l’œuvre.

Cet effet de brume, lumière douce diffuse, Leonardo a appelé le terme italien "sphumato". Les coups de pinceau de l’artiste étaient si petits que ni une radiographie ni un microscope ne permettaient de détecter des traces de son travail ou de déterminer le nombre de couches de peinture appliquées. Pendant des centaines d’années, de nombreux artistes ont essayé de répéter la technique de Leonardo, mais aucun d’entre eux n’a réussi. Jusqu’à présent, "Mona Lisa" est considérée comme non surpassée en termes de techniques de peinture.

Et tout cela en dépit du fait que nous avons la possibilité de voir une image plutôt altérée. Le chef-d’œuvre du grand Léonard est depuis de nombreuses années. Au cours de cette période, des changements se sont produits, notamment dans la palette de couleurs de la toile. Le premier biographe du peintre Giorgio Vasari, qui a vécu au 16ème siècle, dans ses descriptions de l’œuvre admire les nuances de framboise dans les couleurs de la palette utilisée pour écrire le visage de Lisa Gerardini. Aujourd’hui, rien de tel ne peut être vu sur la photo.

Le rapport de couleur de l’image a également été affecté par les revêtements de vernis qui, après Leonardo, ont été appliqués sur la surface du chef-d’œuvre pour en améliorer la conservation, et ils ont également créé un effet trouble. Nous examinons maintenant l’image d’une dame qui semble briller à travers l’épaisseur de l’eau de mer. La composition de la peinture a également subi des modifications - deux colonnes ont été complètement perdues, qui étaient auparavant situées sur les côtés de la figure principale. Mais ces éléments architecturaux ont complètement changé la perception de la composition, car grâce à eux, il était immédiatement clair que l’héroïne du tableau était assise sur le balcon de la piste et n’était pas du tout suspendue dans l’espace, comme cela semble parfois.

Lois d’harmonie

Lors de la création d’un chef-d’œuvre, Leonardo a naturellement utilisé la loi du "nombre d’or" qu’il a découverte. Tous les éléments de l’image sont situés de manière strictement définie. Ils suivent la loi des proportions divines et harmonieuses. La figure de la Joconde est en corrélation avec la règle du "triangle d’or" avec une précision mathématique, correspondant parfaitement à toutes les parties du pentagone étoile classique. Du point de vue du spectateur, qui distingue les objets environnants dans la forme, ceci est très important, bien que non reconnu par la personne elle-même.

Très souvent, intuitivement, nous trouvons attrayant et sommes attirés par les formes qui obéissent à la loi des proportions. Les anciens sages et maîtres le savaient, et les scientifiques modernes l’ont prouvé expérimentalement. Cette loi est valable non seulement pour la peinture, mais aussi pour la psychologie, le design industriel. La création de formes et d’images pour la publicité moderne est basée sur la loi de l’harmonie, nous ne le savons pas et nous n’y pensons pas.

La magie de l’art véritable

Vous pouvez beaucoup écrire sur la magie et l’incrédibilité du chef-d’œuvre de Leonardo, mais les mots ne sont que des mots. Pour comprendre ce qu’est «Mona Lisa», vous devez le voir. Rien qu’en regardant dans les yeux, vous pouvez sentir tout ce que les critiques d’art, les critiques et les gens ordinaires écrivent à son sujet.

Malheureusement, les photographies et les reproductions effacent la vie du visage de la Joconde et la magie de son image disparaît sans laisser de trace. La photographie ne donne qu’une idée générale du travail, ce n’est qu’un obstacle pour ceux qui veulent profiter de la communication avec des créations vivantes. La photographie n’est qu’un médiateur, comme tout raisonnement sur un chef-d’œuvre de nombreux historiens de l’art. Aucun livre ne vous dira ce que la stationnaire Gioconda vous dira personnellement. Comme le grand créateur de l’image l’a dit lui-même: "Qui peut aller à la source, ne doit pas aller à la cruche." Aucune connaissance ne vous aidera à ressentir, en communication avec de véritables œuvres d’art vivantes, vous n’avez besoin que de votre propre sensibilité mentale. Lors d’une réunion avec "Mona Lisa", tout le monde devra rechercher un indice sur son secret. Il’s prouvé que chez différentes personnes il évoque une variété de sentiments et d’associations, quelqu’un fait revivre des souvenirs personnels, suggère quelqu’un. Certains sont sûrs que c’est triste, d’autres sont pensifs, le troisième semble rusé et même sinistre pour quelqu’un. Eh bien, quelqu’un décidera qu’elle ne sourit pas du tout, et tout son mystère mystique est une fiction.

Reflet du grand Léonard

Un fait populaire est que lorsque l’autoportrait de Leonardo est appliqué à l’image de Mona Lisa, la partie supérieure du visage coïncide presque complètement avec un point de vue scientifique. Les historiens de l’art disent que lorsque le Créateur a mis son âme dans l’homme, le peintre a mis une part de lui-même dans sa création. Sentant à quel point il est littéralement intimement lié à chacune de ses œuvres, Léonard de Vinci a répété à plusieurs reprises que «les personnages ainsi créés ressemblent très souvent à leurs maîtres. Cela se produit parce que notre jugement est ce qui nous fait avancer dans la création de toutes les contours de cette figure. ”

En regardant une œuvre d’art, l’observateur ne voit pas seulement ce qui y est représenté. La chose la plus importante qui se passe est qu’il entre en contact avec le monde intérieur du peintre et se reconnaisse. Peut-être, par conséquent, le sourire sobre et presque éphémère de Gioconda excite-t-il le cœur et l’esprit des personnes avec son incompréhensibilité depuis si longtemps? Il ressent toute la sagesse de la connaissance de la vraie nature des objets environnants, accumulée par Léonard de Vinci. Peut-être, à travers son idée bien-aimée, l’artiste lui-même nous regarde-t-il avec un léger sourire. Il semble que toute l’expérience du monde, incarnée sous la forme d’une femme, soit réunie dans ce petit portrait. Pénétrer dans le secret de la Joconde revient à comprendre le génie de son créateur.

Et à Rome et à Milan, et dans son dernier refuge, le Français Amboise, Léonard de Léonard ne s’est jamais séparé de cette toile. Et après sa mort, il légua "Mona Lisa" à son assistant et élève, qui vendit bientôt le tableau à l’admirateur ardent et dernier protecteur du maître, le roi français Francis I.

Des générations entières de monarques ont admiré le tableau de Versailles jusqu’à ce que Louis XV ordonne de le déplacer dans la chapelle du palais. Après la Révolution française, Napoléon a transféré le chef-d’œuvre dans sa chambre privée du palais des Tuileries. Plus tard, "Mona Lisa" est venue aux musées de Napoléon au Louvre. D’où elle a été enlevée le 21 août 1911. Le ravisseur était un Italien qui adorait immensément les œuvres d’un grand maître nommé Vincenzo. Il rêvait de retourner la toile dans le pays natal de l’artiste et cachait un chef-d’œuvre chez lui pendant près de trois ans. Pendant tout ce temps, jusqu’à son retour au Louvre, la Mona Lisa n’a pas quitté les couvertures de magazines et de journaux du monde entier. Ainsi, dès le début du XXe siècle, «Mona Lisa» est devenue l’œuvre la plus reconnaissable de l’histoire de l’art mondial,et les débats et les discussions à ce sujet continuent à ce jour.

Regardez-vous

Les artistes de la Renaissance avaient l’habitude de placer leur image quelque part au fond des peintures sur lesquelles ils travaillaient. Léonard n’était peut-être pas une exception et se présentait lui-même dans le rôle d’un jeune berger dans le dessin préparatoire du tableau «Adoration des mages». Entre autres choses, on pense qu’il a souvent capturé ses traits afin d’étudier les proportions du visage humain. Néanmoins, tout ceci n’est que spéculation, qui n’a aucune preuve indiscutable. Le seul portrait de l’artiste dont l’authenticité ne fait aucun doute est «Self-portrait» (Bibliothèque royale de Turin), peint vers 1515, mesurant 33 x 21 cm, qui figure désormais dans toutes les publications illustrées consacrées à la vie et à l’œuvre de Léonard de Léonard. da Vinci.

Giovannp Lomazzo, l’un des artistes du XVIe siècle, le décrit ainsi: "Sa tête était couverte de si longs cheveux, son front était si épais et sa barbe si impressionnante qu’il semblait être une véritable personnification de la plus noble bourse l’ancien Prométhée et le druide Hermès étaient. "

Le maître a créé son «autoportrait» alors qu’il avait environ soixante ans. Leonardo a passé toute sa vie à étudier le monde qui l’entoure, la nature et les hommes, et maintenant que son chemin de vie et sa créativité se terminaient, le moment est venu de se regarder. L’artiste n’a pas agi de la même manière qu’ils se regardent dans le miroir, mais s’est regardé lui-même du point de vue d’un artiste capable de pénétrer l’essence profonde des choses et avec des mouvements confiants de la main, capturez ce qu’il voit et sait sur une surface plane drap.

Cet autoportrait, mieux que toute autre chose, expose le maître non seulement aux autres, mais avant tout à lui-même. Leonardo a tracé quelques lignes avec un morceau de rouge sanguine, mais il semble qu’il ne pourrait pas être plus honnête. Seul le jeune âge est l’heure du narcissisme, la maturité n’est plus nécessaire. Devant nous apparaît un homme au regard sage, ses traits sont durs et en même temps calmes. Son image ne ressemble pas à un vieil homme fatigué, mais à un génie doté d’une force intérieure incroyable, dont l’âme est toujours pleine de passion. Leonardo est sérieux, concentré et plein de détermination. Ce rapide dessin a permis de transmettre l’image finie, à laquelle il n’ya rien de plus à ajouter. Le destin de la photo pendant longtemps n’était pas connu. Il a été découvert seulement à la fin du 19ème siècle,quand le monarque italien Karl Albert de Savoie l’a acheté à un collectionneur inconnu et l’a transféré à la Bibliothèque royale de Turin pour le stocker.

Le grand Léonard de Vinci est décédé le 2 mai 1519. Des siècles plus tard, le maître reste le symbole des aspirations illimitées de l’esprit humain, créateur, génie et voyant, doté de capacités presque surhumaines. Toutes les tentatives visant à percer les secrets que l’artiste a légués à l’homme sont apparentées au désir de comprendre l’essence même de l’art, en tant que manifestation suprême de l’homme.

Zhuravleva Tatyana