malevich150 Kazimir Malevich (1879-1935)
Kazimir Malevich – malevich150
Modifier l'attribution
Télécharger le format: 451×675 px (0,0 Mb)
Peintre: Kazimir Malevich
Navigation dans l'album:
Le tableau peut être rapproché du cycle sur les paysans, qui est l’une des plus belles créations de l’artiste. Le spectateur est confronté au portrait symbolique d’un homme. Malevitch s’est efforcé de repousser les limites de l’art traditionnel dans son œuvre. Le cycle "Paysans", devait être présenté comme une représentation graphique de la vie quotidienne, de toutes les difficultés et de toutes les épreuves de la basse classe.
Meilleures Atists Contemporary ArtClub
Description du tableau La tête de Kazimir Malevitch
Le tableau peut être rapproché du cycle sur les paysans, qui est l’une des plus belles créations de l’artiste. Le spectateur est confronté au portrait symbolique d’un homme. Malevitch s’est efforcé de repousser les limites de l’art traditionnel dans son œuvre. Le cycle "Paysans", devait être présenté comme une représentation graphique de la vie quotidienne, de toutes les difficultés et de toutes les épreuves de la basse classe. Plus l’artiste reconnaissait la tradition du peuple, plus il cherchait à attirer l’attention du public sur les besoins des paysans, mais pas par la pitié, mais par leur force d’esprit.
Le portrait rassemblait les meilleures qualités de l’homme. Ce sont les couleurs qui permettent de comprendre la profondeur de l’image :
Le rouge représente à l’origine le dur labeur des gens, les luttes internes et les conflits avec les rangs supérieurs. La teinte rouge-brun montre un lien avec la terre. Il évoque immédiatement les travaux des champs et les rites de fertilité populaires.
La couleur de fond choisie est le vert, qui met l’âme humaine en harmonie avec la nature. La proximité de l’agriculteur avec elle, la beauté naturelle, tant physique que spirituelle.
Le nez géométriquement disposé avec trois couleurs, montre la nature à facettes multiples, qui est soumise comme le jaune est morbide, le bleu - pureté et inhabituel, le blanc au milieu - harmonie.
La présence d’une ombre noire, montre les doutes qui existent dans chaque personnalité. Il exprime également la brièveté de la vie et la mortalité élevée résultant de l’absence de médicaments contre les maladies. Une rencontre avec de lourds obstacles sur la voie de la réalisation et du développement de soi. Le noir et le blanc sont régulièrement espacés dans l’image, créant un symbolisme asiatique yin-yang.
Le front large et les yeux rapprochés dépeignent un homme qui n’est pas engagé dans la haute science, mais qui travaille dur pour le bien de sa famille et de la société. Le haut cou qui s’étire vers le haut montre un désir d’apprendre de nouvelles choses et une volonté de découvrir le monde.
Vous ne pouvez pas commenter Pourquoi?
Le fond est divisé en deux champs de couleur. Le haut est un vert vif, presque fluorescent, qui se fond dans larrière-plan. En contrebas, une large surface rouge sétend, occupant une partie importante de la toile et servant de base à la figure. Cette division chromatique crée un contraste saisissant et souligne la verticalité du visage.
Lœuvre suggère une recherche dabstraction poussée, une volonté de réduire la forme humaine à ses éléments les plus fondamentaux. On peut percevoir un sentiment dimpassibilité, voire dabsence, dans lexpression du visage. La simplification extrême des traits et lutilisation de couleurs vives et contrastées renvoient à une exploration des formes géométriques et de leurs relations.
Le choix des couleurs est particulièrement significatif. Le blanc du visage évoque la pureté, la neutralité, tandis que le vert du fond peut être interprété comme un symbole de nature ou de croissance. Le rouge, quant à lui, est une couleur chargée démotion, qui contraste avec la froideur du blanc et du vert. La ligne bleue, pénétrant le visage, semble introduire une force vitale, presque spirituelle.
L’absence de détails contextuels laisse place à une interprétation ouverte. On peut y voir une méditation sur la condition humaine, une exploration des limites de la représentation, ou encore une célébration de la forme et de la couleur en tant quéléments autonomes. L’œuvre invite à une introspection et à une réflexion sur la nature de l’art et de la perception.