14 facteurs qui donnent de la valeur à une œuvre d’art Automatique traduire

Chaque mois dans The Hammer, le vétéran de l’industrie de l’art Simon de Pury lève le rideau sur sa vie d’initié ultime du monde de l’art, partageant ses rencontres avec des célébrités et ses précieuses informations sur le fonctionnement interne du marché de l’art.

Simon de Pury est le fondateur de de PURY, ancien président et commissaire-priseur en chef de Phillips de Pury & Company, ancien président et commissaire-priseur en chef de Sotheby’s en Europe, ancien conservateur de la collection Thyssen-Bornemisza. Il est commissaire-priseur, conservateur, marchand privé, consultant en art, photographe et DJ. Ceci est une traduction d’un article de Simon de Pury publié sur Artnet.com.

— Quand j’ai commencé à travailler dans le monde de l’art, il y a une centaine d’années je crois, le marché était dominé par un petit groupe de collectionneurs passionnés. Quand j’expliquais mon métier aux banquiers, la réaction était invariablement légèrement condescendante.

Bien sûr, au fil des années, les choses ont changé et aujourd’hui, la plupart des institutions financières considèrent l’art comme une classe d’actifs alternative. La principale raison du scepticisme des conseillers financiers était que les décisions des collectionneurs étaient considérées comme hautement subjectives et purement émotionnelles. Ils avaient raison, car l’amour, la passion et l’émotion sont certainement des facteurs clés de notre fascination et de notre attirance pour l’art. C’est pourquoi j’ai choisi ce métier et c’est ce qui me motive chaque jour.

Même si vous êtes un collectionneur passionné, si vous dépensez beaucoup d’argent pour acquérir des œuvres d’art, vous n’obtiendrez aucune satisfaction si la valeur financière de vos acquisitions diminue considérablement au fil du temps. Par conséquent, avant de prendre la décision d’acheter, il est nécessaire de procéder à une vérification approfondie.

J’ai dressé une liste de 14 critères permettant de déterminer la valeur financière d’une œuvre d’art. Si le premier point est émotionnel, les autres sont tous rationnels. Un acheteur ou un vendeur soucieux d’investir pourrait donc vouloir comparer un achat potentiel à chacun de ces critères. J’évoque ces critères depuis des années lors de conférences, mais je ne les ai jamais écrits auparavant.

1. Émotions

Les œuvres d’art, comme nous, les êtres humains, dégagent leur propre énergie. Il nous arrive parfois d’être follement attirés par un tableau, une sculpture ou un objet, et nous restons perplexes jusqu’à ce que notre quête acharnée soit récompensée – à condition que l’œuvre d’art n’appartienne pas à un musée. L’attrait, bien sûr, ne dépend que de l’œil de celui qui regarde et est entièrement subjectif.

2. Qualité

Même les plus grands artistes ont des bons et des mauvais jours. Il peut donc y avoir des différences importantes de qualité et donc de valeur entre différentes œuvres d’un même artiste. Par exemple, Pierre-Auguste Renoir, en plus de ses plus belles œuvres charmantes, qui comptent parmi les chefs-d’œuvre de l’impressionnisme, a créé de nombreuses œuvres plutôt médiocres. Dans les années 1980, les prix de ses œuvres ont augmenté quelle que soit leur qualité. Cela a conduit à un réveil brutal pour certains acheteurs. Achetez donc avec vos yeux, pas avec vos oreilles!

3. Authenticité

Une œuvre qui s’avère être un faux n’a évidemment aucune valeur financière. Faites preuve de diligence! Vérifiez les conditions de vente. Lorsque vous achetez auprès des meilleures maisons de vente ou galeries, vous êtes protégé par elles, mais seulement pendant un certain temps. Même les entreprises ou les particuliers les plus réputés peuvent commettre des erreurs. Sur les centaines de milliers d’œuvres vendues par les plus grandes maisons, seule une infime partie est fausse. Regardez Make You Watch : The True Story of a Fake Art, un documentaire Netflix de 2020, pour un récit effrayant de ce qui peut arriver.

4. Rareté

Pour qu’un véritable marché puisse se former, la production d’un artiste ne doit être ni trop rare ni trop abondante. Voyez, Picasso et Warhol font partie des artistes les plus vendus sur le marché de l’art international depuis des décennies. Si vous me disiez que vous ne voulez pas acheter une œuvre de l’un de ces artistes maintenant, mais dans un an, je pourrais vous dire avec certitude que ces œuvres seront alors disponibles sur le marché libre. Bien qu’il existe de nombreuses œuvres de ces figures de proue, la diversité de leurs carrières est suffisante pour que vous puissiez les collectionner au coup par coup. Si toutes les œuvres d’un artiste tout au long de sa carrière sont pratiquement identiques, sans variété ni évolution, ce n’est pas une évolution positive.

5. Sécurité

L’art, lorsqu’il est véritablement grandiose, est intemporel. Mais même les œuvres d’art ne sont pas à l’abri du vieillissement et des changements physiques. Que nous soyons conservateurs, marchands d’art ou collectionneurs, nous avons la responsabilité de prendre soin des œuvres qui nous sont confiées afin qu’elles puissent nous survivre dans les meilleures conditions possibles.

Une œuvre d’art en parfait état a généralement plus de valeur qu’une œuvre qui s’est détériorée au fil du temps. Souvent, l’état physique réel d’une œuvre d’art ne peut pas être déterminé à l’œil nu. Par conséquent, une maison de vente aux enchères ou une galerie qui vend une œuvre d’art doit fournir un rapport d’état établi par un conservateur professionnel.

6. Taille

Le marché de l’art est l’un des rares domaines où «plus grand» ne signifie pas «meilleur». De nombreux artistes s’efforcent de créer des œuvres toujours plus grandes. À moins que vous ne possédiez un palais ou un château avec de très hauts plafonds, vous ne pourrez pas vivre avec votre achat s’il mesure plus de 3 mètres de haut. La longueur est également un problème, à moins que l’œuvre ne soit composée de plusieurs panneaux. Si vous ne pouvez pas installer votre achat chez vous, vous devrez supporter des frais de stockage et d’expédition importants.

7. Provenance (histoire confirmée)

Chaque œuvre d’art a sa propre vie et sa propre histoire. Son histoire est comme une note biographique pour nous, humains. Bien qu’elle ne change pas l’apparence d’un tableau, d’une sculpture ou d’un objet, la personnalité de ses anciens propriétaires peut avoir un impact significatif sur sa valeur financière.

Plus la valeur monétaire intrinsèque d’une œuvre d’art est faible, plus le facteur multiplicateur dû à sa provenance prestigieuse est important. Les prix astronomiques atteints par les boîtes à biscuits d’Andy Warhol ou les boutons de manchette du duc de Windsor en témoignent.

8. Goût

Les goûts artistiques évoluent constamment. Ce que nous considérons comme le plus désirable aujourd’hui n’a rien à voir avec ce que nous considérions comme le plus désirable il y a 50 ans, et ne ressemblera certainement pas à ce que nous considérerons comme le plus désirable dans 50 ans. Lorsque j’ai commencé dans ce domaine, la plupart des gens riches achetaient des meubles français du XVIIIe siècle ornés de bronze doré pour accompagner leurs œuvres impressionnistes et postimpressionnistes. Aujourd’hui, les super-riches accrochent leurs tableaux d’après-guerre au-dessus de meubles français des années 1950, conçus par des artistes comme Royer, Prouvé et Perriand. Le goût pour l’art contemporain évolue rapidement. Du point de vue de l’investissement, ignorer l’évolution du goût est risqué.

9. Agents d’influence

Les propriétaires des meilleures galeries sont sans aucun doute des connaisseurs du goût. Les créateurs de plus de la moitié de l’art contemporain vendu chez Sotheby’s, Christie’s et Phillips sont représentés par Gagosian. Cela fait de Larry Gagosian le père du goût dans le monde de l’art.

Les grands noms du goût n’ont souvent aucun lien direct avec le marché de l’art. Charles Saatchi, Pharrell Williams, Benedikt Taschen ou la star de la K-pop Choi Seung-hyun, plus connue sous le nom de TOP, sont tous des faiseurs de goût. Bernard Arnault, fondateur et PDG de LVMH, dirige une machine marketing qui surpasse tout ce que les professionnels du marché de l’art peuvent faire. Cela fait de lui un dieu du goût dans le monde entier.

10. Les dominantes marketing

Le plus gros dépensier d’un domaine devient le «faiseur de marché». Les plus grands projets culturels du XXIe siècle se déroulent au Moyen-Orient. Cheikha Al-Mayassa bint Hamad Al Thani est à la tête du mouvement phénoménal du Qatar dans ce domaine. Son influence est comparable à celle de personnages historiques comme Catherine la Grande.

Les dirigeants d’Abou Dhabi et de l’Arabie saoudite ont la vision, les moyens et la détermination nécessaires pour les égaler, voire les surpasser. La région restera donc un lieu incontournable pour les amateurs d’art pendant des centaines d’années.

11. Marché local, national, continental ou mondial

Au début, les galeries déterminent la taille et la géographie des futurs marchés pour les artistes émergents qu’elles représentent. Il peut être tentant de vendre toutes les œuvres à une clientèle locale. Cependant, il est important d’assurer dès le début des ventes stratégiques à des acheteurs de différentes parties du monde.

Prenons quelques exemples en Suisse et en Russie : les œuvres d’Alberto Giacometti sont représentées dans les plus belles collections publiques et privées du monde. Ses meilleures œuvres se vendent à plus de 100 millions de dollars pièce. La grande majorité des œuvres de Ferdinand Hodler, contemporain suisse de Gustav Klimt et d’Egon Schiele, se trouvent en Suisse. Ses meilleures œuvres se vendent autour de 10 millions de dollars. Son niveau de prix et sa renommée n’égaleront jamais ceux d’un artiste dont les œuvres sont largement diffusées dans le monde entier. Marc Chagall, originaire de Russie, est un nom connu dans le monde de l’art, tandis que le tout aussi brillant Pavel Filonov n’est connu que d’un cercle restreint de connaisseurs, puisque la plupart de ses œuvres se trouvent au Musée russe de Saint-Pétersbourg et à la Galerie Tretiakov de Moscou.

12. Législation

Certains pays, comme l’Italie, l’Espagne ou la France, ont des lois restrictives. Si une œuvre est déclarée trésor national et ne peut donc pas être exportée, elle perd instantanément un pourcentage énorme de sa valeur. On est alors très proche d’une nationalisation ou d’une confiscation de la propriété privée.

13. Publicité

Quand j’ai débuté sur le marché de l’art, je croyais naïvement qu’un grand chef-d’œuvre n’avait pas besoin de publicité et que sa qualité lui assurerait un prix record. Plus une personne ou une institution a de pouvoir d’achat, plus elle est courtisée à tout va. Seul le marketing, personnalisé ou général, peut donc garantir que le meilleur acheteur potentiel se trouve, sinon dans la salle des ventes, du moins devant son ordinateur ou à l’autre bout du fil.

14. Commissaire-priseur

Bien que cela soit impossible à prouver, je suis convaincu que si la même œuvre était vendue par trois commissaires-priseurs différents – c’est-à-dire non pas par des sociétés de vente aux enchères différentes, mais par trois personnes différentes tenant le marteau – vous obtiendriez trois prix différents. Les commissaires-priseurs, comme les artistes, ont des bons et des mauvais jours. Dans un bon jour, un bon commissaire-priseur sera capable d’obtenir au moins une enchère supplémentaire au-delà du plafond mental que chaque enchérisseur s’est fixé.