Art Hellénistique-Romain Automatique traduire
Les caractéristiques
Après l’ère de Art hellénistique proprement dite (323-27 AEC), une nouvelle phase de l’hellénisme s’ouvrit à Rome et devint bientôt le mouvement le plus vivant et le plus original de l’époque. La description ’ Art romain ’est à l’époque moderne appliqué à ce qui était en fait un amalgame de étrusque Les éléments italiques et, surtout, hellénistiques, qui ont été absorbés et retravaillés à mesure que la culture romaine les a adaptés à ses propres exigences nationales. Mais peut-être serait-il plus proche de la vérité si nous appelions le Art ancien de la période, du moins jusqu’à la fin de l’Empire, par le terme art helléno-romain.
Ara Pacis
Les caractéristiques hellénistiques sont profondément ancrées dans le monument le plus important de l’époque augustine, l’un plus que tout autre qui représentait ses idéaux: Ara Pacis (Autel de la paix augustinienne), dédié au Campus Martius le 30 janvier 9 av. La décoration figurative de l’autel a été presque entièrement perdue; il ne reste que quelques fragments de la frise qui entourait la table d’autel, représentant le sacrifice annuel du suovetaurilia. (Ceci était célébré devant l’autel et consistait en un sacrifice de purification consistant en un porc, un mouton et un taureau.) L’autel est entouré d’un écran mural contenant un riche décor. Sur les murs intérieurs se trouve une grande frise avec des guirlandes et des crânes de bœuf, faisant allusion aux sacrifices rituels. À l’extérieur, une procession solennelle est commémorée, commémorant celle qui s’est déroulée le 4 juillet 13 BCE, le jour de la consécration de l’autel.
Cet ouvrage rappelle la frise panathénaïque du Parthénon, mais ici les participants sont développés avec beaucoup plus de réalisme. L’une est une représentation typique de l’Athènes de Périclès, l’autre cherche à identifier avec précision la famille impériale et les magistrats, sénateurs et autres fonctionnaires de Rome. À la fin, cependant, les deux expriment la même foi en une humanité victorieuse et heureuse, la même illusion d’un progrès ininterrompu vers l’éternité. D’autre part, il n’y a rien de plus splendidement hellénistique que les spirales d’acanthe qui recouvrent la moitié inférieure du mur sacré et qui s’enroulent autour des quatre murs extérieurs; Il s’agissait d’un dessin de grand effet décoratif qui devait être largement imité au Moyen Âge. Et même la solennité du panneau sur lequel Aeneas sacrifie les Pénates, sur le côté droit de la façade, semble se dissoudre dans une scène plutôt bucolique, peut-être presque alexandrine. De plus, rien n’est plus alexandrien que le plus célèbre des reliefs de l’autel (le plus célèbre en raison de sa saveur académique, mais pas la plus belle) qui est placé sur le mur du fond des écrans et correspond donc au relief de Énée. Cela montre la terre pacifiée et rendue prospère et heureuse par la Pax Augusta. Les animaux, la végétation, la mer, le doux plumage du cygne, la silhouette féminine généreuse font tous partie du répertoire hellénistique, même si le doux modelage alexandrien a été interprété ici et là avec une certaine frigidité. Il y a quatre bas-reliefs sur les courts murs extérieurs est et ouest et ils sont tous symboliques – en contraste avec le reportage "historique" qui se déploie sur les murs plus longs.
Autour de l’Ara Pacis se trouvent les œuvres promues par Auguste et ses ministres, Maecenas et Agrippa, qui ont donné à Rome une nouvelle apparence monumentale. "Restituant aedium sacrarum et operum publicorum, Augustus pouvait en effet être fier d’avoir transformé la Rome de terre cuite et de briques en une Rome de marbre" (Becatti). Les principaux épisodes du programme de construction du principat ont été l’achèvement du forum de César, la construction du forum d’Auguste et la construction du Panthéon. Ce dernier a été détruit par un incendie et a ensuite été reconstruit sous Hadrian. Sous la vaste coupole de ce temple, dédiée aux sept dieux planétaires, une nouvelle notion d’unité cosmique globale apparaît: nous sommes bien loin de la "dimension humaine" de l’architecture et de la sculpture du Parthénon.. (Pour plus d’informations sur les styles et les designs architecturaux de la Grèce antique et de la Rome antique, voir: Architecture romaine.)
Sculpture Romaine Augustine
Le classicisme dominant dans Augustan officiel sculpture et aussi clairement visible dans la jeunesse idéalisée des nombreux portraits de l’empereur, a laissé sa marque sur les périodes successives. La tendance réaliste, d’abord sous Claudius, puis à l’époque de Néron, a retrouvé sa force, mais est restée confinée à une sphère moins officielle, à un art plus privé et plus populaire. Ainsi, à côté du célèbre portrait de Norbanus Sorex ou de celui du Pompéien – qui semble presque préfigurer le Fayum Mummy Portraits – doivent fonder un ensemble de sculptures "mineures" traitant d’aspects de la vie quotidienne et des occupations des marchands et des commerçants telles qu’elles sont représentées sur leurs différents signes.
Le courant réaliste a également pénétré dans l’art impérial pendant le règne des Flaviens (Vespasien, Titus et Domitien) à partir de CE 69-96. Le portraitiste prendrait maintenant son temps pour sculpter les rides du visage maigre de Vespasian ou pour voiler légèrement le visage charnu d’une matrone de noble lignée. Les représentations sur l’arc de triomphe érigées par le Sénat en l’honneur de Titus, le conquérant de la Judée (CE 70), révèlent un style chargé d’idées mouvementées et narratives, parfois dramatiques et certainement très éloignées du calme classique des reliefs d’Augustan. Maintenant que le fond neutre est éliminé, les artistes cherchent à créer une illusion d’espace libre dans laquelle leur action peut se dérouler. L’arrière-plan semblait s’ouvrir et accueillir les personnes en mouvement. L’action racontée est devenue plus vraie et plus réelle dans un cadre exploitant l’idée de profondeur.
Amphithéâtre Flavien / Colisée
Dans le domaine de l’architecture, dans la seconde moitié du premier siècle avant notre ère, deux monuments grandioses sont apparus: la grande maison dorée que Néron avait construite – probablement à l’imitation des goûts des grands princes orientaux; et l’amphithéâtre Flavian ou Colisée. L’amphithéâtre était une invention romaine obtenue en doublant les mesures du théâtre grec. Avec cet immense bâtiment, Nero a résolu le problème de la présentation de spectacles de cirque, conçus pour divertir les masses. Une grave éruption du Vésuve dans CE 79 enterré Pompéi, Herculanum et Stabiae. En plus de conserver de beaux exemples d’urbanisme et d’architecture domestique romains, l’éruption nous a également permis de suivre toute l’évolution de la peinture (même si elle était de style plus provincial que l’art qui a dû fleurir dans la capitale) premier siècle avant notre ère et le premier siècle de notre ère – jusqu’au moment où la lave du volcan met fin pour toujours à la vie des trois villes.
Peinture murale décorative
le La peinture celle ornée de maisons romaines était une peinture décorative. Elle avait la même fonction ornementale que les statues grecques tant recherchées à l’époque, qu’il s’agisse de copies ou d’originaux. Le style décoratif à Pompéi s’est développé de manière plus ou moins indépendante et il est de coutume de distinguer quatre principaux styles de peinture pompéienne. Le plus ancien, datant du deuxième siècle avant notre ère, est appelé le style de l’incrustation et se compose de peintures sur panneaux de stuc coloré ou fresque. Le deuxième style (perspective architecturale) date du début du premier siècle avant notre ère et a clairement une origine hellénistique – tout comme la majorité de la peinture romaine. L’approche de la peinture murale, avec ses imitations architecturales, est devenue plus complexe. L’intention était d’étendre de manière illusoire l’espace réel sur le mur de la même manière que le décor de théâtre. Le Troisième Style se chevauchait avec la fin de la seconde. C’était plus sobre et avait tendance à produire une décoration sans profondeur. Les peintures, presque des miniatures, se détachent sur un fond unifié de couleur sombre: «dans des tons généralement chauds comme le rouge, le jaune, le noir brillant et les doux comme le bleu-vert». Et «quelques coups de pinceau légers… de minuscules décorations linéaires ou florales délicieuses… des compositions de personnages, de paysages ou même de peintures» (Bianchi Bandinelli).
From the Second Style a développé la fantaisie exubérante et la richesse décorative du quatrième style; Ici, les motifs architectoniques présents dans le style précédent se sont accentués. La dérivation hellénistique de tous ces styles décoratifs est assez évidente, mais tous n’ont pas le même succès. «Une fois que la plus grande cohérence du troisième style est reconnue, il n’est pas surprenant que ses éléments aient dominé les formes décoratives du deuxième siècle de notre ère, après l’épuisement de la fantasmagorie des murs du quatrième style à la fin du siècle précédent. À l’époque d’Hadrien, ces formes devinrent plus sobres et linéaires et risquaient de devenir complètement figées et statiques. Puis, à l’époque Antonine, ils ont commencé à se réchauffer et il ya eu un certain renouvellement des éléments de perspective… jusqu’à l’apparition de formes architecturales élancées – desquelles, après le CE 180, toute trace d’illusionisme avait disparu et devenir complètement schématique – a donné naissance à un style linéaire en rouge et vert sur fond blanc. Dès lors, ce style, avec une uniformité remarquable, devait recouvrir les murs et les voûtes des maisons et des cubicules funéraires, y compris ceux des catacombes chrétiennes»(Bianchi Bandinelli).
Les sujets des thèmes illustrés étaient généralement tirés des mythes grecs ou de la période contemporaine; d’autres sont issus du monde religieux (comme dans le fameux cycle de la Villa des Mystères). Les peintures dans le style populaire (enseignes de magasins, images de jeux et de festivals) sont une étude en soi, mais là aussi le lien avec le monde hellénistique peut être vu dans l’utilisation d’une technique de «synthèse». Ce goût pour la peinture «sommaire» se caractérise par l’utilisation de larges taches de couleur impressionnistes; cela et l’interaction vigoureuse de la lumière et de l’ombre sont une caractéristique de nombreux natures mortes et paysages (ce dernier étant un thème de prédilection de la peinture romaine). Les paysages, imaginaires, idylliques ou réels, s’efforcent de présenter, par exemple, un jardin en décomposant l’espace clos d’une pièce et en implantant dans l’esprit de l’observateur la notion d’être en plein air.
Colonne de Trajan
L’époque de Trajan (CE 98-117) a joué un rôle très important dans le cours de l’art romain. Le nouveau forum que l’empereur a construit (conçu, semble-t-il, par Apollodore de Damas) contenait une colonne érigée pour célébrer les campagnes daces (CE 101-2 et 105-6). Il s’agit d’un type de monument nouveau et original, héritier des colonnes commémoratives érigées dans le Forum en l’honneur de personnalités importantes, ainsi que des peintures historiques et triomphales. La frise de bas-relief Colonne de Trajan se déroule comme un rouleau de parchemin en spirale autour de la tige sur environ six cent quinze pieds. L’histoire se développe continuellement, sans interruption et a un rythme rapide et convaincant. Ce n’est plus une simple chronique mais un grand poème épique et émouvant. Il n’ya pratiquement aucun relâchement de la tension dans la description des batailles, des marches épuisantes, du balisage des rivières, des attaques contre les villes, les bois, les plaines, les fortifications et les camps. Pour la première fois, un nouveau sentiment de compassion humaine apparaît pour le désespoir des vaincus, les souffrances des blessés et le drame des prisonniers. Le rythme immédiat, dramatique et implacable de ces reliefs, que Bianchi Bandinelli a justement comparé aux sculptures de Donatello à St Anthony, Padoue, introduit une nouvelle dimension dans l’art de l’époque et représente peut-être la plus noble expression de l’art romain. Peut-être subsiste-t-il encore un «écho des sculptures de Pergame ou de Rhodes», mais le traitement et le langage – énergiques et passionnés, aujourd’hui au sens humain et réel, ne sont plus héroïques ni mythologiques comme les autels de Pergame – L’hellénisme, même s’ils ne s’étaient pas encore complètement différenciés dans ce qui allait devenir le style de l’Antiquité tardive.
On peut probablement attribuer au maître inconnu de la colonne de Trajan les restes de la "Grande Frise Trajanique" qui ornait autrefois le Forum de Trajan – et commémorait également les victoires de l’Empereur sur les Daces. Cette frise a été insérée à une date ultérieure dans l’Arc de Constantin, véritable mélange de sculptures de différentes époques. La colonne de Trajan a servi de modèle à une autre colonne érigée entre CE 108-103 en commémoration des victoires de Marc Aurèle sur les Marcomans et les Sarmates. En fait, après la période hadrianique et les travaux de restauration hellénistique de cet empereur le plus graécophil, cette colonne a contribué à susciter un mouvement constant de s’éloigner des valeurs artistiques de l’hellénisme. Les deux colonnes, Marcus et Trajan, se ressemblent non seulement par leur structure générale, mais également par le répertoire iconographique et par les paramètres réalistes. Cependant, le style de la colonne Marcus est différent: les sculptures sont tourmentées et dures, riches en ombrages qui donnent aux personnages une profondeur dramatique et donnent vie à l’histoire. En bref, c’était un style "expressionniste".
Ces mêmes tendances puissantes et dramatiques, produisant des figures déformées et des visages intensément expressifs, se retrouvent dans de nombreux sarcophages de l’époque. Parmi les plus célèbres, le sarcophage de Ludovisi représente une bataille entre les Romains et les Barbares. Le mouvement est convulsif et frénétique, et les figures en relief fortement percées expriment la violence de leurs émotions à travers leurs corps ainsi que leurs expressions faciales. Une sensation remarquablement différente d’équilibre et de sérénité émane de la statue équestre de Marc Aurèle.
Le style incisif et «brisé» de la période de Commode; la coloration exubérante de l’art de Severan; la réapparition des anciens substrats locaux lors de la crise de l’Empire au troisième siècle; les restaurations hellénisantes de Gallien (CE 253-68) et, enfin, la diffusion des doctrines orientales (les cultes solaire et astral, parmi lesquels le mithraïsme) et le goût croissant pour les questions abstraites et intellectuelles – tous ces courants ont contribué à un entrelacement complexe de motifs jusqu’à l’époque du Bas Empire. Ils ont également provoqué une crise dans le grand contexte hellénistique, qui était jusque-là resté le facteur dominant de l’art romain, conservant une emprise particulière dans la peinture et art de la mosaïque. (On peut attribuer à cette tradition les mosaïques de la Piazza Armerina, en Sicile, au quatrième siècle de notre ère, ainsi que celles des thermes de Neptune à Ostie, qui datent du troisième siècle.) Le symbolisme et l’allégorie dominaient le langage de l’art à l’époque romaine. époque des tétrarques. La façon de travailler est devenue plus simple mais plus rigide. En sculpture, les traits essentiels des figures sont exécutés en relief dans des matériaux durs et précieux, notamment bronze et pierre, dont le porphyre était la pierre la plus utilisée à l’époque. La statuaire officielle subit des changements considérables: les empereurs sont élevés de manière emphatique par rapport à tous les autres mortels et sont apparemment plus attachés à leur monde abstrait qu’à leurs propres sujets. C’était le début de ces valeurs hiérarchiques qui devaient rester fondamentales dans l’art byzantin et dans les expressions figuratives de l’empire oriental.
En architecture, le style monumental et spacieux de la Late Antique a été animé et animé par des niches, des portiques et des ambulatoires créant des contrastes d’ombre et de lumière, comme dans les temples de Baalbek, les thermes de Caracalla et de Dioclétien, Théâtre de Sabratha et dans la basilique de Maxence. En Egypte, à partir du quatrième siècle de notre ère, l’impulsion dérive du nouveau christianisme civilisation Des contacts accrus avec Byzance, la Syrie et même avec la Perse ont créé un mouvement progressif mais systématique qui a fini par submerger l’empreinte hellénistique. Les œuvres d’intérêt incluent des tissus ainsi que des sculptures, la majorité de ces dernières étant en porphyre rouge; en eux, la figure humaine est représentée dans une position frontale rigide, comme le bustes de portrait des empereurs, avec leur regard hautain mais plutôt distrait qui rappelle les portraits des anciens pharaons. Enfin, il y a les compositions de groupe de Venise et du Vatican: l’une d’entre elles, l’étreinte des Tétrarques, était censée symboliser la nouvelle gloire du Concordia Augustorum.
Le mot décliner avait déjà été utilisé en référence à l’hellénisme et il l’est maintenant pour l’Antiquité tardive. Berenson a donné son volume sur l’arc de Constantine le sous-titre: Sur le déclin de la forme. Les parties de l’Arche qui datent de la période du premier empereur chrétien (il existe de nombreux reliefs d’une période antérieure) offrent, dans l’incohérence de leur style, leur modèle rigoureux et leurs distorsions expressives une nouvelle vision, une nouvelle façon de voir art. Ce n’était plus du grec et devait revêtir une importance capitale pour les développements futurs.
Suivant: 3. Art romain tardif (c.200-400 CE)
Davantage de ressources
Pour plus d’articles sur l’art visuel dans la Rome antique, voir:
Art du début de l’époque romaine (c.510 à août 27 AEC)
Art Empire Romain: Style Celtique
Art Romano-Chrétien (313 après JC)
Sculpture romaine (à partir de 55 ans)
Sculpture en relief de la Rome antique
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