Art gothique allemand Automatique traduire

Après l’art roman, le deuxième grand style de l’art médiéval fut appelé par dérision « stile Gotico » par les Italiens, un style introduit par les Goths, barbares venus du Nord obscur, et étranger à l’équilibre et à l’harmonie des formes architecturales établies. La poussée vers le haut de ces nouvelles structures, si étrangères aux basiliques romanes, semblait non seulement contredire les idées modernes du goût, mais aussi défier l’ordre divin des choses.

L’apparition de l’art gothique, un style que l’on retrouve principalement dans l’architecture gothique, et dans les manuscrits gothiques enluminés, a marqué une rupture totale avec la tradition. Bien qu’en 1200 l’architecture romane se soit répandue dans toute l’Europe occidentale, ses caractéristiques n’ont pas été adoptées par les architectes gothiques, qui ont introduit des concepts spatiaux complètement différents. (Pour plus de détails, voir Architecture gothique anglaise vers 1180-1520)

Architecture gothique germanique

L’aspiration vers le ciel de cette nouvelle forme d’art chrétien contrastait fortement avec les motifs massifs et terreux des édifices romans. L’arc en plein cintre, expression d’un mouvement fermé et autosuffisant, est remplacé par l’arc brisé, symbole de l’aspiration vers le haut, de la recherche d’un but inatteignable.

A l’époque romane, les murs des églises constituaient un rempart fiable contre les forces du mal ; la conception gothique les a ouverts par d’immenses fenêtres - voir à ce sujet le petit guide sur L’art du vitrail et l’article sur Matériaux et méthodes du vitrail - et a diminué leur importance par un schéma complexe de fûts élancés, de minces tracés, de contreforts et d’arcs-boutants.

Le mur occidental est abandonné au profit d’une façade ornée d’une ou deux tours. Les édifices sacrés romans expriment l’égalité des pouvoirs temporel et spirituel, tandis que les églises gothiques symbolisent la nostalgie de l’avenir. La simplicité massive de l’architecture romane était la somme de ses unités ; les cathédrales gothiques s’efforçaient de concentrer l’espace, leurs masses inertes de maçonnerie étant animées par une richesse de dessins individuels, et leurs minces arcs, nervures et voûtes étant portés à des hauteurs nouvelles et impressionnantes. Les proportions entre la largeur et la hauteur des églises romanes étaient de 1 : 1,8 ou 1 : 2, et celles des cathédrales gothiques françaises de 1 : 3 ou même 1 : 3,3.

A la fin du XIIe siècle, l’architecture gothique était florissante en France, mais en Allemagne, les idées romanes étaient si profondément enracinées que la nouvelle vague montante du gothique français ne fut pas immédiatement acceptée, et les cathédrales romanes continuèrent d’être construites à l’est du Rhin. Quelques dates comparatives illustrent ce point : la première cathédrale gothique française de Saint-Denis a été achevée en 1157, l’abbaye bénédictine de Marie Laach a été consacrée en 1156, le chœur de Notre-Dame de Paris a été achevé en 1170, la cathédrale de Chartres en 1220, la cathédrale de Worms vers 1230, et la partie occidentale de Mayence en 1239. Pour en savoir plus sur l’architecture pré-gothique en Allemagne, voir L’art médiéval en Allemagne (c. 800-1250).

Bien que la perfection des modèles romans soit restée pendant un certain temps l’occupation principale en Allemagne, certains éléments gothiques ont commencé à être introduits de France : la fenêtre ronde du mur ouest de Worms a été modelée sur la rosace française, et des voûtes d’arêtes gothiques ont été utilisées à Worms et à Mayence. Ce n’est que très progressivement, avant que le style roman ne perde toute possibilité de développement, que les concepts structurels gothiques se sont imposés en Allemagne.

Pour plus de détails sur le style gothique apparu en France, voir «L’architecture gothique dans le style Rayonnan» (1200-1350) et son successeur «L’architecture gothique dans le style Flamboyant» (1375-1500).

La cathédrale de Strasbourg

La première grande cathédrale allemande de style gothique a été construite à Strasbourg dans la seconde moitié du XIIIe siècle. Bien qu’elle ait été conçue à l’origine comme une structure romane, il a été décidé, après l’achèvement du chœur, de suivre l’exemple malaisé de la France voisine et de construire la nef dans le style gothique (1250).

Les murs sont percés de grandes fenêtres gothiques, mais l’intérieur reste essentiellement roman ; les piliers sont très espacés et les proportions de la nef sont de 1 : 2,5. La conception de la façade ouest par Erwin von Steinbach (1276) combinait des éléments horizontaux et verticaux conformément aux idéaux antérieurs. Après l’achèvement des étages inférieurs, elle a été abandonnée, et la façade actuelle ainsi que la flèche nord datent du quatorzième siècle.

L’ancien soubassement lourd est complété par un troisième étage élancé avec de hautes fenêtres à lancettes, la disposition des arcs autoportants allonge l’effet des larges fenêtres du deuxième étage, et le fronton ajouré avec des pinacles au-dessus du portail principal massif accentue encore le rythme purement vertical de la façade.

Cathédrale de Cologne

La cathédrale de Cologne a été commencée en 1248 par le maître Gerhard, qui aurait pris pour modèle la cathédrale d’Amiens, mais qui a développé le concept gothique et atteint un niveau technique inégalé. Le gothique français se compose d’une arcade, d’une galerie et d’un cleros, mais à Cologne, la galerie et le cleros sont réunis dans des fenêtres gigantesques séparées par des supports élancés.

La construction de la cathédrale de Cologne s’est étendue sur plusieurs siècles. La consécration du chœur a eu lieu en 1322, et les travaux se sont poursuivis à intervalles réguliers jusqu’en 1560, date à laquelle la façade occidentale, à l’exception des flèches, a été achevée. Au XIXe siècle, le mouvement romantique a suscité un regain d’intérêt pour la culture médiévale et, après la découverte des plans originaux, les travaux ont repris et la cathédrale a été achevée en 1880.

C’est à Strasbourg et à Cologne que l’influence du gothique français est la plus forte. Plus à l’est du Rhin, la combinaison des concepts structurels gothiques avec quelques éléments romans a conduit à un certain nombre de développements nationaux qui comptent parmi les réalisations les plus intéressantes de l’architecture allemande.

La cathédrale de Fribourg

La cathédrale de Fribourg est une excellente illustration du développement spécifiquement germanique du style gothique. La construction a commencé vers 1200 avec l’érection d’un autel et d’un transept purement romans.

Au XIIIe siècle, une nef gothique est ajoutée sur le modèle de la ville voisine de Strasbourg, mais les possibilités architecturales du style gothique restent pratiquement inexploitées : la nef, bien que plus haute que le transept roman, est basse par rapport aux nefs gothiques françaises ; les fenêtres à claire-voie sont relativement petites, de sorte que le mur reste un élément structurel indépendant ; les arcs-boutants et les arcs-boutants sont d’une simplicité presque provinciale et ne dissimulent en rien la rigidité de la structure.

Vers 1350, le chœur roman est remplacé par un maître-autel avec des chapelles en forme de poutres et des voûtes réticulées. Ces trois étapes de développement - le transept roman, la nef et les bas-côtés du premier art roman et le maître-autel - sont aujourd’hui encore facilement identifiables grâce à leurs hauteurs différentes. Un autre ajout du XIVe siècle est la tour massive érigée au-dessus de l’extrémité ouest de la nef ; sa flèche octogonale pyramidale est ornée de sculptures ajourées d’une beauté exceptionnelle.

La façade à tour unique s’est rapidement répandue dans le sud de l’Allemagne. A Ulm et Landshut ainsi qu’à Freiburg, la tour qui s’élève abruptement contraste avec les éléments horizontaux de la nef et des bas-côtés. La structure ne s’étend plus organiquement vers l’est, comme dans les cathédrales gothiques françaises, mais redevient la somme de ses parties.

Les églises-halles du gothique germanique

La deuxième évolution importante du gothique germanique est l’église-halle . Son origine remonte à la France, mais elle a été complètement abandonnée à l’époque gothique. L’église-halle se distingue par la hauteur égale de la nef et des bas-côtés. Deux arcades parallèles divisent toujours l’intérieur, mais l’impression spatiale a changé radicalement : la nef est éclairée du côté des bas-côtés, et les arcades, comme des arbres massifs, s’élèvent dans un large espace qui semble moins haut, puisque les trois nefs parallèles de même hauteur sont perçues comme un tout.

Ainsi, l’idéal roman d’équilibre entre les lignes verticales et horizontales se superpose à la structure gothique. Dans ce retour à l’harmonie structurelle des éléments contrastés, la circulation régulière de la lumière joue un rôle important. Les fenêtres basses de la nef et les fenêtres hautes du chœur créent un jeu mystique de lumière et d’obscurité dans la basilique gothique, tandis que le flux de lumière continu et régulier donne à la salle de l’église un caractère ouvert, presque terrestre.

La première église-halle gothique en Allemagne, commencée en 1235, est l’église Sainte-Elisabeth de Marburg . Le caractère gothique de cette église est déjà perceptible de l’extérieur. Deux tours élancées s’élèvent sur la façade occidentale, et les murs sont entièrement occupés par des rangées de hautes fenêtres. Les contreforts massifs et les minces appuis de fenêtre créent un motif ornemental caractéristique, qui diffère toutefois sensiblement des basiliques gothiques : les contreforts ne se transforment pas en arcs-boutants, mais restent fortement et solidement attachés aux murs. Un riche système de piliers et de voûtes d’arêtes anime l’intérieur, où le pas et le regard ne sont plus dirigés sans ambiguïté vers l’autel, mais, en raison de l’espace, à la fois larges et profonds. L’autel et le transept forment un trèfle, un motif favori du premier style roman, qui rappelle l’ancien concept d’un plan centralisé.

A peu près à la même époque, le seul édifice gothique de forme ronde a été construit de l’autre côté du Rhin (vers 1240) - l’église Liebfrauenkirche à Trèves . Le plan de la base est basé sur la croix grecque ; la disposition élaborée des chapelles latérales en fait un cercle d’où l’autel fait saillie à l’est. Ce plan central, associé à des éléments caractéristiques de l’architecture gothique, s’inspire sans aucun doute de la chapelle palatine d’Aix-la-Chapelle.

Construction en briques

La contribution allemande la plus importante à l’histoire de l’art gothique en Europe, en dehors de la façade à tour unique et de la salle paroissiale, est la construction en briques. Elle trouve son origine dans le nord de l’Allemagne, où le manque de grès naturel, combiné à l’absence de moyens de transport efficaces permettant un approvisionnement régulier en pierre naturelle depuis le centre de l’Allemagne, a conduit à la nécessité de construire en brique pour répondre à la demande causée par la croissance rapide des villes hanséatiques.

Les avantages structurels de la brique ont été rapidement reconnus et, au début du XIIIe siècle, l’architecture sacrée et civile a développé la construction en brique sous une forme très originale. La simplicité des structures en brique, dictée par le matériau de construction, s’est avérée plus adaptée à la plaine de l’Allemagne du Nord que la splendeur des structures en grès.

Le principal exemple de construction en brique du XIIIe siècle en Allemagne du Nord est la Marienkirche de Lübeck . Conçue à l’origine comme une église-halle, elle a ensuite été construite comme une basilique sur le modèle des cathédrales françaises.

La nef et les deux bas-côtés se terminent en chevron et les voûtes du déambulatoire sont reliées aux voûtes des chapelles hexagonales en forme de poutres, créant ainsi un ensemble spatial unifié. Le transept proprement dit n’existe pas, mais les bas-côtés, nettement plus bas que la nef, sont prolongés d’une travée et forment une croix. La brique ne permet pas de réaliser des tracés élaborés, de la vaisselle ou des moulures, de sorte que la variété complexe de motifs délicats qui dissimule le sérieux constructif des cathédrales gothiques en grès n’existe pas dans les églises en brique. Cependant, la solidité de leur construction, la massivité de leurs formes et la clarté de leur intention générale sont des traits caractéristiques de l’architecture médiévale germanique en général.

La sculpture gothique germanique

L’influence du gothique français se fait sentir non seulement dans l’architecture germanique mais aussi dans la sculpture . Le célèbre Cavalier royal de Bamberg représente la première entorse aux idées romanes et la première approximation de l’idéal français de beauté et d’harmonie ; il ne suit pas les traditions de la sculpture romane germanique, mais présente une ressemblance stylistique indubitable avec les figures royales de la cathédrale de Reims. Cela suggère un échange artistique actif entre la France et l’Allemagne, mais il ne fait aucun doute que le «Cavalier royal» est l’œuvre d’un Allemand.

Une œuvre similaire de sculpture gothique figurative à Reims représente un monarque de longue date, familier des intrigues politiques et des jeux diplomatiques astucieux. Le cavalier royal, quant à lui, rayonne d’un idéalisme solennel associé à une fermeté et à une volonté inflexibles. On ne sait pas qui le jeune monarque était censé représenter, mais il est aujourd’hui le symbole de cette période glorieuse de l’histoire, l’âge de la chevalerie médiévale.

Avec les portraits des fondateurs de la cathédrale de Naumburg, le réalisme de la sculpture gothique germanique atteint son apogée. Ekkehart et Uta ne sont pas représentés comme des personnages idéalisés, vêtus de robes classiques intemporelles, entourés de saints et d’anges, mais comme des personnes réalistes, vêtues du costume de tous les jours de leur époque. Ils ne sont pas entourés d’une aura céleste, ils ne sont pas transformés en théologie, ce sont des hommes et des femmes qui portent sur leurs épaules le fardeau de la vie, le fardeau de leur humanité, ce sont des figures germaniques, fermes et fortes, fières et honorables.

Uta, soulevant son manteau protecteur, semble rejeter tout ce qui est superficiel, et son regard, fixé sur un avenir incertain, exprime la mélancolie du Moyen-Âge finissant. L’époque brillante de la chevalerie germanique s’éteint et de sombres nuages de conflits politiques s’élèvent à l’horizon.

Sur l’art plastique moderne, voir : Sculpture gothique anglaise .

La sculpture sur bois du gothique tardif

À la fin du quinzième siècle, alors que l’art de la Renaissance s’épanouissait en Italie, le style gothique tardif continuait à dominer en Allemagne, et un certain nombre de sculpteurs remarquables du gothique tardif ont porté la sculpture sur bois germanique à de nouveaux sommets. Tilman Riemenschneider a travaillé à Würzburg, où il a produit de nombreuses sculptures, grandes et petites, et sculpté un certain nombre de retables en bois d’une grande beauté formelle. Sa tendre représentation de la Vierge Marie pour l’autel de Kreglingen ravive le caractère transcendant des sculptures précédentes et les surpasse par une nouvelle splendeur rayonnante et une perfection inégalée.

À peu près à la même époque, un autre sculpteur sur bois germanique de renom, Veit Stoss, réalise un retable sculpté pour la Marienkirche de Cracovie . En 1496, Stoss s’installe à Nuremberg, où son génie atteint sa plus grande maturité. Sa «Vierge à l’Enfant» est étroitement liée aux belles madones du gothique français, mais dans son isolement tranquille, exprimé par la simplicité des contours et l’autosuffisance de la forme, cette sculpture surmonte l’affectation et le vide spirituel du style gothique tardif.

Les œuvres de Tilman Riemenschneider, Veit Stoss et de certains de leurs contemporains, comme l’Autrichien Michael Pacher et le Nord-Allemand Bernt Notke, résument la richesse artistique et l’expérience du Moyen Âge et constituent une conclusion digne de ce nom pour cette époque. Stoss et Riemenschneider, ainsi que d’autres sculpteurs sur bois germaniques de l’époque gothique, ont également sculpté la Pieta, comme en témoigne la Pieta de Rottgen (1300, Rhine Landesmuseum, Bonn).

La peinture gothique allemande

A la fin de la période de la peinture romane, l’articulation plus riche des surfaces murales laissait moins de place aux fresques de grande taille, et lorsque, avec l’avènement du gothique, l’espace mural fut encore réduit par les colonnes et les piliers, l’art de la peinture à fresque fut presque oublié. Mais la tendance transcendante de l’architecture gothique et l’augmentation constante de la taille et de l’importance décorative des fenêtres ont conduit à la nécessité d’utiliser des verres peints en couleur. L’art de la peinture sur verre se développa et, comme on pouvait s’y attendre, atteignit son apogée en France, où l’architecture gothique offrait les plus grandes possibilités.

En Allemagne, au XIVe siècle, une autre forme de peinture, sans rapport avec l’architecture, s’est développée : la peinture sur panneau. L’idée de base de la peinture sur panneau est née chez les artistes médiévaux de Byzance (pour plus de détails, voir : Peinture d’icônes), où l’icône occupait toujours une place traditionnelle dans l’église. Au XIIIe siècle, pour des raisons liturgiques, l’importance de la peinture sur panneau s’est accrue, surtout en Italie. (En Russie également : voir L’école de Novgorod de la peinture d’icônes)

Les réformes de l’Église ont modifié les rites de la Sainte Messe, et le prêtre, qui se tenait auparavant derrière l’autel, face à la congrégation, se tient désormais devant celui-ci, dos au peuple. Alors qu’auparavant l’autel ne pouvait être décoré que par un fronton d’autel, l’antependium, il était désormais possible d’ériger une image de maître-autel, le retablo. Il était ainsi possible de créer différents types de retables, en utilisant la détrempe sur diverses combinaisons de panneaux de bois : un retable diptyque se composait de deux panneaux ; un triptyque, de trois ; et un polyptyque, de plusieurs.

Au milieu du XIVe siècle, Prague, résidence privilégiée de l’empereur germanique Charles IV, devient le centre de la peinture germanique sur panneau . Les liens étroits de l’empereur avec la cour papale d’Avignon et les cercles humanistes d’Italie ont contribué à la diffusion rapide d’idées et de formes artistiques nouvelles. Les peintres de l’école de Bohême du XIVe siècle combinaient à l’origine le style maniériste des manuscrits enluminés français et l’art réaliste dur du peintre italien du Trecento Giotto et ont exercé une influence décisive sur les développements ultérieurs de la peinture germanique.

Vers 1350, un maître inconnu a peint un retable composé de neuf panneaux pour le monastère cistercien de Hohenfurt, dans le sud de la Bohême. Dans «La Nativité», les différents éléments stylistiques qui ont influencé l’artiste sont clairement visibles. Le fond doré est dans le style de l’art byzantin, tout comme la représentation d’une étable avec Marie couchée sur un lit, et les étranges rochers cubiques rappellent la Proto-Renaissance de Giotto . Les personnages aux longues jambes et aux yeux en amande suggèrent également une influence italienne, et les détails minutieux sont empruntés aux manuscrits bourguignons du style gothique international, qui regorgent de représentations soignées de fleurs, de plantes et d’arbres (pour plus de détails, voir : Illuminations gothiques internationales). L’attention portée à la représentation idyllique de scènes de la vie quotidienne, telles que Joseph et la nourrice préparant un bain, est un trait caractéristique de la peinture médiévale germanique de cette période.

Depuis que Giotto a introduit la troisième dimension dans les beaux-arts , les artistes européens sont préoccupés par le problème de l’espace. Dans le tableau «Résurrection» du maître de Wittingau, la disposition en diagonale du cercueil de pierre donne une profondeur supplémentaire au premier plan du tableau, que les silhouettes des montagnes à l’arrière-plan viennent logiquement compléter. La représentation vivante «de la Résurrection» montre la figure du Christ comme une apparition surnaturelle, comme s’il flottait sans gravité au-dessus du sarcophage, tandis que les sceaux intacts sur son bord témoignent du miracle accompli. Les visages des gardes à l’arrière-plan expriment l’horreur, la curiosité incompréhensible et le désintérêt total ; seul le chevalier au premier plan, à qui le geste de bénédiction était apparemment destiné, regarde avec un intérêt fasciné. Comparé à l’effet de livre «de la Nativité» de Maître Hohenfurth, l’unité et l’intensité spirituelle de ce tableau constituent une réussite remarquable.

Au tournant du siècle, le Westphalien Conrad von Soest est actif à Dortmund, où il exécute en 1422 un retable pour la Marienkirche, qui témoigne de la familiarité de l’artiste avec l’illustration française et avec la peinture de l’école de Bohême. La renommée des artistes d’Europe centrale s’étend de la Westphalie aux villes hanséatiques du nord de l’Allemagne. Hambourg et Lübeck deviennent d’importants centres artistiques, d’où la peinture germanique se répand bientôt le long des routes commerciales vers les pays scandinaves voisins et à travers la Baltique.

Depuis la fondation des villes hanséatiques, l’Allemagne du Nord est devenue le lien politique, économique et culturel entre l’Europe centrale et la Scandinavie, un rôle qu’elle a conservé jusqu’au XVIIe siècle. Au Moyen Âge, l’architecture en brique de l’Allemagne du Nord a été adoptée par les pays de la région baltique, de sorte que l’on trouve des églises gothiques en brique non seulement à Lübeck, Wismar, Stralsund et Danzig, mais aussi à Copenhague, Odense et Turku (Finlande).

Lorsque l’art de la peinture sur panneau s’est répandu en Europe, ce sont les villes côtières d’Allemagne du Nord qui sont redevenues le trait d’union entre la Scandinavie et le reste de l’Europe. Les peintures des maîtres nord-allemands ont voyagé vers le Danemark, la Suède, la Norvège, la Finlande et plus à l’est. Au début, elles étaient uniquement destinées aux comptoirs hanséatiques à l’étranger, mais lorsqu’elles ont suscité l’intérêt et l’admiration de la population locale, les marchands ont découvert que les peintures étaient une marchandise aussi lucrative que le blé et les épices, et un commerce animé de peintures s’est rapidement développé.

Deux artistes en particulier ont fait la renommée de la peinture nord-allemande : Maître Bertram et Maître Franke . Grâce à la comptabilité méthodique des greffiers de Hambourg, leurs noms figurent dans les nombreux comptes du département des finances de la ville. Maître Bertram était originaire de Westphalie et, bien que l’on ne sache rien de son évolution artistique, on pense généralement qu’il a appris son métier en Bohême.

Maître Franke est né à Hambourg. Son œuvre majeure, un retable de saint Thomas , a été commandée par une association de marchands hambourgeois «The Company of St Thomas Traders with England». L’Adoration des Mages» montre que Franke est un représentant typique du style gothique doux qui s’est développé au tournant du siècle en réponse à la monumentalité rigide des maîtres italiens et bohémiens. Les lignes douces et fluides des personnages pensifs et calmes, qui se fondent dans les riches plis de leurs robes luxueuses, créent un effet magique. Une dignité majestueuse, sans l’ombre d’un pathos, caractérise la figure de la Vierge Marie et en fait le centre spirituel, auquel les autres figures correspondent par leur pose et leur geste. Aucun mouvement ne vient troubler la tranquillité de la scène, ni les douces collines, ni le ciel étoilé à l’arrière-plan. Pourtant, le tableau n’est pas dépourvu de chaleur humaine. L’enfant Jésus tend des doigts maladroits vers le coffre ouvert, tandis que Joseph se préoccupe de porter le précieux cadeau en lieu sûr.

«Nativité» du peintre westphalien Johannes Körbeke est plus réaliste et démontre clairement l’influence de la peinture flamande sur les peintres germaniques. La profondeur spatiale du paysage riche en dégradés, la description détaillée du vieux toit usé, le petit carré d’herbe au premier plan, la technique graphique précise - tout cela est caractéristique du réalisme de Jan van Eyck et de ses disciples. Mais dans la peinture de Körbeke, ce désir de réalité reste en contradiction avec les anciennes conventions. Le paysage réaliste s’oppose au traditionnel ciel doré, et les figures de la Vierge et des anges en particulier restent isolées du monde qui les entoure. Leur existence transcendante, ainsi que les lignes décoratives des plis richement descendus de leurs robes, appartiennent à la tradition du gothique tardif.

Cette charmante fusion entre les nouvelles tendances et les notions médiévales peut être observée dans toutes les peintures germaniques du milieu du quinzième siècle. L’un de ceux qui ont le mieux réussi à combiner la tradition et le progrès est Stephan Lochner, un maître de l’école de peinture de Cologne, originaire du lac de Constance. Son tableau «La Présentation au Temple» est un magnifique ensemble de figures célestes et humaines, rapprochées par l’idéalisation des figures humaines et la représentation terrestre des figures célestes.

Les enfants aux cierges dégagent une aura plus angélique que le cercle d’anges voltigeant sur fond d’or, et la Vierge Marie ne se distingue des autres belles dames rayonnantes que par ses robes plus somptueuses et son auréole. Elle n’est plus représentée comme une messagère du ciel, mais comme l’élue du peuple. Une autre touche très humaine a été ajoutée : les rites sacrés de l’autel semblent oubliés, tout le monde regarde la foule des enfants ; non seulement les personnages à gauche et à droite de l’autel, mais aussi Marie elle-même sont distraits pour un moment. La barrière entre le ciel et la terre semble s’estomper.

La force de la peinture gothique tardive en Allemagne (qui se confondait dans une large mesure avec la Renaissance allemande) ne résidait pas dans sa monumentalité ou son intellectualisme audacieux, mais dans son imagination poétique et son attention amoureuse aux détails, grâce auxquels toutes les contradictions formelles étaient résolues. Peu importe que les figures stylisées des mariés dans un tableau d’un maître souabe inconnu, peint vers 1470, se tiennent dans une forêt représentée de manière naturaliste, où le sol est recouvert d’un riche tapis de plantes peintes avec une précision botanique : renoncules, trèfles, pissenlits, muguets, primevères, valérianes, etc. Dans cet environnement terrestre, les mouvements et les postures maniérés des mariés, qui correspondent aux idées du gothique tardif, semblent presque irréels, mais cette juxtaposition de la réalité et du transcendantalisme crée un effet magique et donne à la scène la délicieuse harmonie caractéristique de la peinture germanique de cette époque. Par exemple, l’école du Danube (1490-1530) dirigée par Albrecht Altdorfer (1480-1538). Dans d’autres pays, la peinture s’est depuis longtemps entièrement tournée vers le réalisme mondain.

L’art gothique germanique peut être admiré dans certains des meilleurs musées d’art du monde, notamment des galeries allemandes telles que Gemaldegalerie SMPK Berlin, Gemaldegalerie Alte Meister Dresde et Pinakothek Museum à Munich.

Sur la manière dont l’architecture, la sculpture et la peinture du gothique germanique s’inscrivent dans l’évolution générale de la culture européenne, voir : Chronologie de l’histoire de l’art .