Art médiéval: l’artisanat chrétien au moyen âge Automatique traduire
Pour un guide général sur l’évolution de la peinture, de la sculpture et
autres formes d’art, voir: Histoire des arts (2, 5 millions avant notre ère).
Origines et Histoire
Dans l’art visuel , le terme "époque médiévale" (également connu sous le nom de Moyen Âge) décrit la période allant de la chute de Rome (env. 450) à l’ouest à la chute de Constantinople (1453) à l’est. Cependant, les premiers siècles (450-1000) – communément appelés l’âge des ténèbres – ont été marqués par la violence et les bouleversements barbares. Au cours de cette période initiale, la seule activité culturelle importante qui ait existé se déroulait dans les monastères isolés de la jeune église chrétienne.
Première période (à partir de 450)
Un des premiers types de Art paléochrétien émerger étaient la belle manuscrits enluminés et l’ecclésiastique Ferronnerie de style celtique produites en Irlande et dans le nord de la Grande-Bretagne – voir en particulier Art Monastique Irlandais (500-1200). Bien que l’Ethiopien ait prédaté Evangiles Garima (390-660, monastère Abba Garima) et les évangiles syriens de Rabbula (c. 586, Bibliothèque Laurentienne, Florence), le Art biblique créé en Irlande à cette époque faisait partie d’une tradition monastique de artisanat qui a continué ininterrompue d’environ 500 à 1200. Elle comprenait des chefs-d’œuvre comme le Livre de Durrow (650-80), le Livre de Kells (800), le Ardagh Chalice (VIIIe / IXe siècle) et une série de peintures de style celtique Sculptures Haute Croix (750-1150).
Période carolingienne / ottonienne (750-1050)
L’artisanat médiéval n’a pas vraiment commencé sur le continent européen avant l’avènement du roi Charlemagne et de ses successeurs ottoniens. Au cours de cette période de Art carolingien (750-900) et Art ottonien (900-1050) – grâce au soutien des dirigeants laïques – Art chrétien a connu une renaissance à travers l’Europe. Arts et artisanat qui ont bénéficié de ce mécénat inclus architecture et design, orfèvrerie et argenterie, ainsi que sculpture et sculpture sur ivoire . De plus, le fabrication de manuscrits enluminés (qui elle-même impliquait l’artisanat de illustration du livre et peinture miniature , plus orfèvrerie) a été considérablement élargi pour suivre le rythme de la demande de textes bibliques. De 450 à 750, l’Eglise de Rome a maintenu en vie la pratique de art chrétien médiéval dans ses vastes monastères d’Irlande et du Moyen-Orient. Mais ce n’est que lorsque Charlemagne fut couronné empereur du Saint-Empire romain germanique en 800 et qu’il procéda à l’établissement d’un réseau de monastères et de centres d’excellence culturels, qu’un renouveau de l’artisanat se produisit sur le continent européen. Au Moyen-Orient, cependant, la culture chrétienne médiévale était beaucoup plus forte, grâce aux traditions de Art byzantin (400-1200). Art chrétien byzantin était particulièrement forte dans le travail des métaux et des bronzes, atteignant un sommet entre 800 et 1200. À Kiev (.950-1237), par exemple, les cloisonnés et les niellos ont été portés à de nouvelles hauteurs par l’or et les orfèvres orthodoxes.
Art de la cathédrale: styles roman et gothique (1000-1400)
La prochaine phase majeure des arts et de l’artisanat médiévaux a été déclenchée par le programme de construction de la cathédrale de l’Église, qui s’est déroulé au XIe siècle en France avant de s’étendre au reste de l’Europe. Son programme initial de Architecture romane (c.1000-1150) comportaient des structures telles que la grande église abbatiale de Cluny (927), la cathédrale de Durham (1093), la cathédrale de Speyer (1106) et la cathédrale St Lazare d’Autun (1146). Il a été suivi par un deuxième programme dans le nouveau style de architecture gothique (à partir de 1150 environ) qui comportait un certain nombre de superbes Cathédrales gothiques comprenant Cathédrale Notre Dame (1163-1345) et Cathédrale de chartres (1194-1250). Pour une explication, voir le Style architectural gothique (c.1120-1500).
Chaque cathédrale avait besoin de beaucoup de art du vitrail et pierre statues pour ses murs; Sculpture sur bois pour ses stalles et ses chaires; et précieux ferronnerie pour ses autels, ses reliquaires, ses vases liturgiques et ses croix de cérémonie, dont une grande partie était décorative. émaillage des techniques telles que émaillage cloisonné et émaillage champlevé . En conséquence, ce programme de construction à l’échelle européenne a créé une demande massive de artistes médiévaux artisans de tous types, en particulier pour les experts en sculpture médiévale et enluminure de manuscrit médiéval .
REMARQUE: pour plus d’informations sur les avancées en matière d’éclairage, de peintures murales et de retables peints, voir: Peinture médiévale (c.1180-1420). Pour plus de détails sur les développements de la peinture en Italie pendant le trecento (XIVe siècle), veuillez lire notre article sur Peinture pré-Renaissance (c.1300-1400) ainsi que Art Proto-Renaissance (1300-1400). Pour les noms des peintres impliqués, voir Artistes de la Renaissance .
Vers le début du quattrocento (XVe siècle), l’époque médiévale fut supplantée au sud des Alpes par les Renaissance italienne (1400-1530). Mais en Allemagne et dans les autres régions du nord, le style médiéval a perduré pendant plusieurs décennies. Voir, par exemple, la ville médiévale Sculpture gothique allemande de Tilman Riemenschneider (1460-1531) et Veit Stoss (1450-1533).
Patronage d’église des arts et métiers médiévaux
Le plus grand mécène des arts du Moyen Âge fut sans aucun doute l’Église. C’était l’âge de la foi. L’église a commandé de grandes cathédrales et monastères, des robes luxueuses, des sanctuaires et des reliquaires pour des reliques sacrées et des vases pour la messe. Aucun autre patron, pas même le roi, ne pouvait égaler ses ressources. La reconstruction d’une cathédrale rapporterait plus de dons aux fidèles qu’aucun impôt ne pourrait être levé et les évêques eux-mêmes étaient souvent immensément riches.
NOTE: La fondation de nouveaux ordres religieux au début des années 1200, tels que les Augustins, les Dominicains et les Franciscains, chacun avec son propre réseau de monastères, fournit à l’Église une infrastructure grandissante de sites et de personnel pour aider à gérer la mise en service de tous. types d’art et l’architecture.
Le grand évêque John Grandisson, élu au siège d’Exeter en 1327, a révélé ses goûts luxueux dans son testament. Il a laissé à sa cathédrale des statues de saint Pierre et saint Paul en vermeil, une croix en vermeil reposant sur quatre lions dressés sur un grand socle en émail, des livres enluminés, des vêtements brodés, des nappes d’autel et d’autres objets. Sa cape de velours pourpre – une robe de cérémonie – brodée de chiffres, était laissée au pape Urban V. Riches laïcs utilisaient aussi des artisans pour des travaux religieux – ils commandaient des chapelles russes où des messes étaient chantés pour des âmes et des sculptures pour leurs tombes.
À côté de l’église, le roi était le plus important protecteur des arts. Il avait le droit de commander à tous les artisans de venir travailler pour lui. En 1343, John de Walworth, vitrier londonien, reçoit l’ordre de vitrer les fenêtres de la chapelle du roi et de nouvelles chambres dans le palais de Westminster. L’influence du roi pourrait être très importante dans la création ou la promotion d’un nouveau métier. Pour amener le tissage de tapisseries en Bohême, Charles IV d’Allemagne introduisit une colonie de tisserands perses à Prague, tandis que le mariage d’Henri III avec Eleanor de Provence en 1236 provoqua probablement l’introduction en Angleterre du style méditerranéen. art de la mosaïque de pavage avec des carreaux incrustés.
Les nobles et, aux XIVe et XVe siècles, la classe montante de riches bourgeois, étaient également des clients. Ils ont suspendu leurs maisons avec des tapisseries, bu des tasses d’argent et se sont lavé les mains avec des plats émaillés. À partir du XIVe siècle, la demande de plaques séculaires et de bijoux art augmenta énormément et même les épouses de roturiers avaient de grandes collections. Par exemple, la dernière volonté de la belle-sœur du maître de guilde des vitriers montre qu’elle possédait une broche en or représentant les quatre pointes du compas, une paire de chapelets en ambre, une ceinture de soie ornée de roses d’argent et une coupe en argent fabriqué à Paris.
Apprentissage et Guildes
Au Moyen Âge, presque tous les artisans, des boulangers aux orfèvres, s’organisèrent peu à peu en organisations professionnelles appelées guildes ou entreprises. Au milieu du XIVe siècle, il s’agissait pour la plupart d’institutions bien établies associant des activités caritatives et sociales à leur rôle d’organes de contrôle professionnels.
Les guildes ont défini le mode de formation des artisans. La Long Masons ’Company, par exemple, déclara en 1360 qu’un apprenti devait être formé pour une période de sept ans. Outre la formation pratique, les maîtres étaient censés enseigner la lecture et l’écriture et se voyaient infliger une amende s’ils ne le faisaient pas. Sur le continent en particulier, l’apprenti devrait terminer ses études en exécutant un chef-d’œuvre. Dans la plupart des guildes d’orfèvres allemands, il était obligé de produire une coupe, un sceau et une bague. S’il réussissait ce test, il pourrait prendre la liberté de l’entreprise et devenir lui-même un maître. Vers la fin du Moyen Âge, ce système a commencé à s’effondrer et, pour limiter le nombre de maîtres, l’apprenti devait souvent payer des frais considérables avant d’être admis.
Les guildes se préoccupaient également des conditions de travail des artisans et veillaient au maintien des normes professionnelles. On lit qu’en 1374, une certaine Catherine Duchemin confectionnait un vêtement «à la manière d’Arras», mais avec du fil de lin au lieu de laine. Ainsi, le gardien de la guilde des tisserands de tapisseries demande aux autorités municipales de la cour de Londres l’autorisation de brûler l’article incriminé.
Bien que les guildes fixent le salaire que les maîtres doivent payer à leurs apprentis et à leurs compagnons, le salaire que les maîtres eux-mêmes reçoivent est généralement négocié individuellement avec l’employeur, le patron.
Le mécénat était important pour l’artisan médiéval. Contrairement à ce qui se passe aujourd’hui, le rôle de l’intermédiaire, qui disposait d’un stock d’objets à vendre au détail – tel qu’un bijoutier moderne – était très limité.
Sans intermédiaires, très peu d’œuvres d’art médiévales étaient produites en quantité, mais il y avait des exceptions notables. Un grand nombre de croix en cuivre émaillé bon marché, de reliquaires, de bassins, etc. ont été produites dans la région de Limoges en France au XIIIe siècle. Plusieurs centaines de statuettes et de retables en albâtre, parfois très grossièrement sculptés, ont été exportés de Nottingham, Lincoln et York vers d’autres régions de l’Angleterre et du continent à la fin des XIVe et XVe siècles.
L’autre grande différence entre l’artisan médiéval et l’artiste moderne est que l’artisan ne considérait pas sa propre personnalité comme une partie importante de son travail. L’artiste a à peine laissé une signature et a rarement été mentionné dans les registres de l’époque – un boulanger, après tout, ne songerait pas à signer ses pains. Cet anonymat presque total offre un aperçu isolé et tentant, par exemple lorsque Mathew Paris, lui-même peintre, s’est intéressé à la décoration de son monastère et a fourni une liste de certains des peintres impliqués. D’une manière générale, on pensait qu’il n’y avait rien de magique à être un sculpteur ou un orfèvre. Il existe de nombreux cas enregistrés, par exemple, d’autorités de l’Église ayant passé un contrat écrit pour (par exemple) un tableau peint. retable , qui spécifie: (1) la scène biblique exacte ou le thème à représenter; (2) quels saints et membres de la Sainte Famille devraient être inclus, ainsi que leurs tailles relatives; (3) le type de pigments de couleur à utiliser; etc.
Art de l’orfèvrerie
Le plus prestigieux de tous les métiers était celui de orfèvrerie et émaillage. Il était souvent un homme très riche, en mesure de faire des prêts aux rois et aux nobles, ce qui lui donnait un statut considérable. Dans une certaine mesure, il partageait également l’aura de sainteté et de prestige qui entourait les vases sacrés et les reliquaires qu’il fabriquait. Les orfèvres fabriquaient et concevaient également des pièces de monnaie, des sceaux découpés et participaient même parfois à sculpture en bronze . Orfèvres et émailleurs exceptionnels aiment Godefroid de Claire (c.1100-73) (un des créateurs du triptyque de Stavelot – un dépôt réputé pour deux fragments de la Vraie Croix appartenant au monastère de Stavelot), et Nicolas de Verdun (c.1156-1232) (créateur du sanctuaire des trois rois maintenant dans la cathédrale de Cologne) – les deux École mosan – étaient en demande partout en Europe. Leur travail, comme celui de nombreux orfèvres et orfèvres, est très sculptural et illustre le lien étroit qui existe entre leur art et le Art plastique du tailleur de pierre.
Métiers de la sculpture, de la sculpture sur bois et du vitrail
Il existe un doute quant à la répartition du travail entre les différents métiers. Clairement certains des sculpture en pierre a été fait par les maçons qui ont souvent été appelés «imagers». Que cela signifie que le même homme qui a sculpté des décorations sur des piliers tailler les statues sur la façade de la cathédrale est incertain. Les stalles semblent avoir été conçues par le maçon chargé du programme de construction, mais exécutées par des menuisiers. Certains artisans, vers la fin du Moyen Âge, semblent avoir travaillé à la fois en bois et en pierre, mais des «kervers» spécialisés ont également émergé et se sont concentrés sur la sculpture en bois.
On ne sait pas combien de charpentiers avaient des ateliers permanents et combien simplement voyageaient avec leurs outils. On en sait plus sur les vitriers. Ils avaient généralement des ateliers dans les grandes villes. Leur travail a été transporté par voie d’eau ou par voie de terre vers l’église qui l’avait commandé. En Angleterre, les grands centres de production étaient Londres, York, Norwich, Bristol et Oxford. Voir: Vitrail: matériaux, méthodes de fabrication du verre (à partir de 1100).
Le vitrail est en fait un verre coloré, maintenu ensemble par du plomb. La seule tache réellement utilisée était l’émail noir brunâtre qui était utilisé pour les détails les plus fins. Au XIVe siècle, on introduisit également la «tache d’argent» qui donna une couleur dorée. Jusqu’au XVe siècle, seul le verre ordinaire était fabriqué en Angleterre; il importait donc du verre coloré.
Les vitriers n’étaient en aucun cas supérieurs à utiliser un dessin plus d’une fois. La fenêtre Parker de York, par exemple, présente une image de Saint-Guillaume, qui est inspirée du même "dessin animé" que Saint-Nicolas dans la fenêtre de Wolveden. Cette répétition ne nuit pas aux fenêtres car leur efficacité dépend plus de la corrélation des différentes formes et couleurs que du moindre détail.
Tissage de tapisserie
Art de la tapisserie était le seul métier qui n’était pas étroitement lié à l’Église. La richesse croissante des laïcs tout au long du XIVe siècle suscita un désir de confort et ces tentures murales en laine devinrent la partie la plus importante du mobilier de la pièce. Les tapisseries étaient vendues dans ce qu’on appelait une «chambre» comprenant un auvent, une tête de lit, une couverture et six rideaux ou tapisseries murales. Le métier a été établi en Angleterre sous le règne de Henri III (1216-1272), mais la plupart des tapisseries semblent avoir été importées de Flandre. C’était un si grand centre de tissage qu’Arras, le nom de la ville principale, devint un autre mot pour tapisserie. Le duc de la région, Philippe le Hardi, possédait tellement de tentures qu’il lui a fallu faire construire un bâtiment spécial en pierre à Arras pour toutes les abriter. Voir également: Tapisserie de Bayeux (1075).
Comme les pendaisons étaient souvent destinées à des palais et à des châteaux, leur sujet n’était souvent pas religieux. Ils ont montré des épisodes des grands contes de l’époque comme le Roman de la Rose. Au XIVe siècle, il y avait de nombreux tapissiers en Angleterre, attirés de Flandre par le Statut de York – une loi destinée à stimuler le métier. En 1331, les tisserands de tapisserie de Londres ont reçu leur statut du roi, mais le métier n’a jamais vraiment pris racine en Angleterre comme en Flandre. Pour les travaux ultérieurs, voir: Tapisserie des Gobelins (1601-présent).
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