Art Moderne: Histoire, Caractéristiques, Mouvements Automatique traduire
Qu’est ce que l’art moderne? (Définition)
Il n’existe pas de définition précise du terme "art moderne": il reste un terme élastique, qui peut prendre en charge diverses significations. Cela n’a rien d’étonnant, car nous avançons constamment dans le temps et ce que l’on considère aujourd’hui comme la "peinture moderne" ou la "sculpture moderne" risquent de ne plus être considérés comme modernes dans cinquante ans. Même ainsi, il est de tradition de dire que "art moderne" désigne des œuvres produites au cours de la période approximative de 1870 à 1970. Cette "époque moderne" suivit une longue période de domination inspirée par la Renaissance art académique , promu par le réseau des académies européennes des beaux-arts. Et est elle-même suivie de " Art contemporain "(À partir de 1970), dont le plus avant-gardiste est aussi appelé" Art postmoderne ". Cette chronologie s’accorde avec l’opinion de nombreux critiques d’art et les institutions, mais pas tous. Ainsi, la Tate Modern de Londres et le Musée national d’art moderne du Centre Pompidou à Paris, par exemple, prennent 1900 comme point de départ de "l’Art Moderne". En outre, ni eux, ni le Museum of Modern Art de New York, ne font de distinction entre les œuvres "modernistes" et "postmodernistes": ils voient plutôt les deux comme des phases de "l’Art moderne".
Incidemment, en essayant de comprendre la histoire des arts il est important de reconnaître que l’art ne change pas du jour au lendemain, mais reflète plutôt des changements plus vastes (et plus lents) en cours dans la société. Il reflète également les perspectives de l’artiste. Ainsi, par exemple, un travail de art produite dès 1958, elle pourrait être résolument «postmoderniste» (si l’artiste est très avant-gardiste – le Nouveau Réalisme d’ Yves Klein en est un bon exemple); tandis qu’une autre œuvre, créée par un artiste conservateur en 1980, pourrait être considérée comme un retour en arrière du temps de "l’art moderne" plutôt qu’un exemple de "l’art contemporain". En fait, il est probablement vrai de dire que différents courants d’art, c’est-à-dire plusieurs ensembles de esthétique , certains hypermodernes, certains à l’ancienne – peuvent coexister à tout moment. En outre, il convient de rappeler que nombre de ces termes (comme "Art moderne") ne sont inventés qu’après l’événement, du point de vue du recul.
NOTE: Les années 1960 sont généralement perçues comme une décennie au cours de laquelle les valeurs artistiques ont progressivement évolué, passant de «moderniste» à «postmoderniste». Cela signifie que pendant une période donnée, les deux ensembles de valeurs ont coexisté.
Pour les dates importantes, voir: Chronologie de l’histoire de l’art (2, 5 millions AEC)
Quelles sont les origines de l’art moderne?
Pour comprendre comment "l’art moderne" a commencé, un peu de contexte historique est utile. Le 19ème siècle a été une période de changements importants et en augmentation rapide. À la suite de la révolution industrielle (vers 1760-1860), d’énormes changements dans la fabrication, les transports et la technologie ont commencé à affecter la façon dont les gens vivaient, travaillaient et voyageaient dans toute l’Europe et l’Amérique. Les villes et les villes ont grossi et prospéré lorsque les gens ont quitté la terre pour peupler les usines urbaines. Ces changements sociaux inspirés par l’industrie ont conduit à une plus grande prospérité mais également à des conditions de vie exiguës et surpeuplées pour la plupart des travailleurs. Cela a conduit à: une plus grande demande d’architecture urbaine; plus de demande pour art appliqué et conception – voir par exemple le École Bauhaus – et l’émergence d’une nouvelle classe de riches entrepreneurs qui sont devenus collectionneurs et mécènes. Plusieurs des meilleurs musées d’art du monde ont été fondés par ces magnats du 19ème siècle.
En outre, deux autres développements ont eu un effet direct sur les beaux-arts de cette période. Premièrement, en 1841, le peintre américain John Rand (1801-1873) a inventé le tube de peinture à l’étain pliable. Deuxièmement, des avancées majeures ont été réalisées dans la photographie , permettant aux artistes de photographier des scènes qui pourraient ensuite être peintes ultérieurement en studio. Ces deux développements bénéficieraient grandement à un nouveau style de peinture connu sous le nom "d’impressionnisme", ce qui aurait un effet radical sur la manière dont les artistes peignent le monde qui les entoure et deviendrait ainsi la première grande école d’art moderniste.
Les changements sociaux du XIXe siècle ont non seulement influencé la création artistique des artistes, mais ils ont également incité les artistes à explorer de nouveaux thèmes. Au lieu de suivre servilement le Hiérarchie des genres et se contenter de sujets académiques impliquant la religion et la mythologie grecque, entrecoupés de portraits et de paysages «significatifs» – tous des sujets conçus pour élever et instruire le spectateur – des artistes ont commencé à créer de l’art sur des personnes, des lieux ou des idées qui l’intéressaient. Les villes – avec leurs nouvelles gares et leurs nouveaux bidonvilles – étaient un choix évident et ont déclenché une nouvelle classe de peinture de genre et paysage urbain. Les autres sujets étaient les villages de banlieue et les lieux de vacances desservis par les nouveaux réseaux ferroviaires, qui inspireraient de nouvelles formes de transport. peinture de paysage par Monet, Matisse et d’autres. Le genre de la peinture d’histoire a également changé, grâce à Benjamin West (1738-1820) qui a peint La mort du général Wolfe (1770, Galerie nationale d’art, Ottowa), le premier tableau d’histoire "contemporain", et à Goya (1746-1828). dont Trois mai 1808 (1814, Prado, Madrid) a introduit un langage novateur et non héroïque.
Le 19ème siècle a également vu un certain nombre de développements philosophiques qui auraient un effet significatif sur l’art. La croissance de la pensée politique, par exemple, a conduit Courbet et d’autres pour promouvoir une forme de conscience sociale Peinture réaliste – voir également Réalisme à impressionnisme ). En outre, la publication de The Interpretation of Dreams (1899) de Sigmund Freud a popularisé la notion d "esprit subconscient", amenant les artistes à explorer le symbolisme et, plus tard, le surréalisme. La nouvelle conscience de soi promue par Freud a conduit (ou du moins a coïncidé avec) à l’émergence de Expressionnisme allemand , alors que les artistes se sont mis à exprimer leurs sentiments et leurs expériences subjectives.
Quand l’art moderne a-t-il commencé?
La date la plus communément citée comme marquant la naissance de "l’art moderne" est 1863 – l’année où Edouard Manet (1832-83) expose sa peinture choquante et irrévérencieuse Le déjeuner sur l’herbe dans le Salon des Refuses à Paris. Malgré le respect de Manet pour le Académie Française , et du fait qu’il s’inspire de Raphaël pour la Renaissance, il est considéré comme l’un des tableaux les plus scandaleux de l’époque.
Mais c’était simplement le symbole de changements plus vastes qui se produisaient dans divers pays. types d’art , en France et ailleurs en Europe. Une nouvelle génération de " Artistes modernes "en avaient marre de suivre les formes d’art académiques traditionnelles du 18ème et du début du 19ème siècle, et commençaient à créer une gamme de" peintures modernes "basées sur de nouveaux thèmes, de nouveaux matériaux et de nouvelles méthodes audacieuses. Sculpture et architecture ont également été touchés – et avec le temps, leurs changements seraient encore plus révolutionnaires – mais peinture d’art s’est avéré être le premier grand champ de bataille entre les conservateurs et les nouveaux "modernes".
Quelle est la principale caractéristique de l’art moderne?
Ce que nous appelons "l’art moderne" a duré un siècle et a impliqué des dizaines de personnes différentes. mouvements d’art , embrassant presque tout, de l’abstraction pure à l’hyperréalisme; des écoles anti-art comme Dada et Fluxus à la peinture et à la sculpture classiques; de l’ Art Nouveau au Bauhaus et au Pop Art. La diversité était si grande qu’il est difficile de penser à une caractéristique unificatrice qui définit l’époque. Mais s’il existe quelque chose qui sépare les artistes modernes des anciens traditionalistes et des postmodernes ultérieurs, c’est leur conviction que l’art a de l’ importance . Pour eux, l’art a une valeur réelle. En revanche, leurs précédents ont simplement supposé que cela avait de la valeur. Après tout, ils avaient vécu à une époque régie par des systèmes de valeurs chrétiens et avaient simplement "suivi les règles". Et ceux qui sont venus après la période moderne (à partir de 1970), les soi-disant "postmodernistes", ont largement rejeté l’idée que l’art (ou la vie) ait une valeur intrinsèque.
En quoi l’art moderne était-il différent? (Les caractéristiques)
Bien qu’il n’existe pas de caractéristique unique de «l’art moderne», on a noté un certain nombre de caractéristiques importantes, comme suit:
(1) Nouveaux types d’art
Les artistes modernes ont été les premiers à développer art de collage , formes assorties de assemblage , une variété de art cinétique (inc mobiles), plusieurs genres de photographie, animation (dessin et photographie) art terrestre ou des travaux de terrassement, et art de la performance .
(2) Utilisation de nouveaux matériaux
Les peintres modernes apposaient sur leurs toiles des objets, tels que des fragments de journaux et d’autres objets. Les sculpteurs utilisaient des "objets trouvés", comme le " readymades "de Marcel Duchamp , à partir duquel ils ont créé des œuvres d’art indésirable. Les assemblages ont été créés à partir des objets quotidiens les plus ordinaires, tels que des voitures, des horloges, des valises, des boîtes en bois et d’autres objets.
(3) Utilisation expressive de la couleur
Les mouvements de l’art moderne comme le fauvisme, l’expressionnisme et la peinture de champs de couleurs ont été les premiers à exploiter les couleurs de manière majeure.
(4) Nouvelles techniques
La chromolithographie a été inventée par l’affiche-artiste Jules Cheret, le dessin automatique a été développé par des peintres surréalistes, tout comme Frottage et Decalcomania. Les peintres gesturalistes ont inventé la peinture d’action. Les artistes pop ont introduit les "points de Benday" et la sérigraphie dans les beaux-arts. D’autres mouvements et écoles d’art moderne introduisant de nouvelles techniques de peinture comprennent: le néo-impressionnisme, le macchiaioli, le synthétisme, le cloisonnisme, le gesturalisme, le tachisme, l’art cinétique, le néo-dada et l’op-art.
Comment l’art moderne s’est-il développé entre 1870 et 1970?
1870-1900
Si à certains égards, le nouveau style de peinture impressionniste dominait le dernier tiers du XIXe siècle, il existait en réalité plusieurs pionniers de l’art moderne, chacun ayant sa propre orientation. Ils comprenaient: l’ impressionnisme (précision dans la capture des effets de la lumière du soleil); Réalisme (contenu / thème); Art académique (images vraies de style classique); Le romantisme (humeur); Symbolisme (iconographie énigmatique); affiches lithographiques (motifs et couleurs audacieux). La dernière décennie a vu un certain nombre de révoltes contre les académies et leurs salons, sous la forme du mouvement de la sécession, tandis que la fin des années 1890 a été marquée par le déclin de "l’art basé sur la nature", comme l’impressionnisme, qui allait bientôt conduire à une monter dans un art plus sérieux "basé sur le message".
1900-14
À bien des égards, c’était la période la plus excitante de l’art moderne, où tout était encore possible et où la "machine" était toujours considérée exclusivement comme un ami de l’homme. Les artistes parisiens produisent une série de nouveaux styles, dont le fauvisme, le cubisme et l’orphisme, tandis que les artistes allemands lancent leur propre école de peinture expressionniste. Tous ces mouvements progressistes ont rejeté les attitudes traditionalistes à l’égard de l’art et ont cherché à défendre leur propre agenda du modernisme. Ainsi, le cubisme voulait donner la priorité aux attributs formels de la peinture, tandis que le futurisme préférait mettre en valeur les possibilités de la machine et que l’expressionnisme prônait la perception individuelle.
1914-24
Le carnage et la destruction de la Grande Guerre ont complètement changé les choses. En 1916, le mouvement dada est lancé, empreint d’une envie nihiliste de renverser le système de valeurs qui avait provoqué Verdun et la Somme. Soudainement art figuratif semblait obscène. Aucune image ne pourrait rivaliser avec des photographies de morts de guerre. Déjà, les artistes se tournaient de plus en plus vers l’art non objectif comme moyen d’expression. Mouvements d’art abstrait de l’époque incluaient le cubisme (1908-1940), le vorticisme (1914-1915), le suprématisme (1913-1819), le constructivisme (1914-1932), De Stijl (1917-1931), le néo-plasticisme (1918-26), l’élémentarisme (1924-1931), le Bauhaus (1919-1933) et plus tard l’école St Ives. Même les quelques mouvements figuratifs étaient nettement énervés, tels que la peinture métaphysique (c.1914-20). Mais comparons le début du 20ème siècle Renaissance classique dans l’art moderne et Peintures de figures néoclassiques de Picasso (1906-30).
1924-1940
Les années de l’entre-deux-guerres ont continué à être perturbées par des troubles politiques et économiques. La peinture et la sculpture abstraites ont continué de dominer, l’art de la représentation fidèle à la vie demeurant très démodé. Même l’aile réaliste du mouvement surréaliste – le plus grand mouvement de cette période – ne pourrait gérer qu’un style de réalité fantastique. En attendant, une réalité plus sinistre se faisait jour sur le continent, sous la forme de Art nazi et agitateur soviétique. Seul Art Déco, un style plutôt épuré axé sur l’architecture et les arts appliqués, n’exprimait aucune confiance en l’avenir.
1940-60
Le monde de l’art a été transformé par la catastrophe de la seconde guerre mondiale. Pour commencer, son centre de gravité s’est déplacé de Paris à New York, où il est toujours resté. Presque tous les futurs prix mondiaux records seraient atteints dans les salles de vente de Christie’s et de Sotheby’s à New York. En attendant, le phénomène innommable d’Auschwitz avait sapé la valeur de tout art réaliste, à l’exception de Art de l’Holocauste de ceux touchés. À la suite de tout cela, le prochain grand mouvement international – l’expressionnisme abstrait – a été créé par des artistes américains du École new yorkaise . En effet, pendant les 20 prochaines années, l’abstraction dominerait, au fur et à mesure que de nouveaux mouvements sortiraient de la ligne. Ils comprenaient: Art Informel, Action-Painting, Gesturalism, Tachisme, Color Field Painting, Abstraction lyrique, Hard Edge Painting et COBRA, un groupe connu pour ses images enfantines et ses coups de pinceau expressifs. Au cours des années 1950, d’autres tendances plus avant-gardistes ont émergé, telles que l’art cinétique, le nouveau réalisme et le néo-dada, qui témoignaient toutes d’une impatience croissante vis-à-vis de l’industrie artistique au sens strict.
Années 1960
L’explosion de la musique et de la télévision populaires s’est reflétée dans le mouvement Pop-Art, dont les images de célébrités hollywoodiennes et l’iconographie de la culture populaire ont célébré le succès du consumérisme de masse en Amérique. Il dégageait également une atmosphère branchée et a contribué à dissiper une partie de la tristesse du début des années 60 associée à la crise cubaine de 1962, qui avait alimenté en Europe le succès du mouvement Fluxus dirigé par George Maciunas, Joseph Beuys, Nam June Paik et Wolf Vostell. Le Pop-art terre-à-terre était également un contrepoint bienvenu à l’expressionnisme abstrait plus érudit, qui commençait déjà à s’estomper. Mais les années 1960 ont également vu la montée d’un autre mouvement de haut niveau connu sous le nom de minimalisme, une forme de peinture et de sculpture débarrassée de toutes les références ou gestes externes – contrairement à l’idiot chargé d’émotion de l’expressionnisme abstrait.
Art photographique moderne
La photographie est l’un des nouveaux médias les plus importants et les plus influents qui a pris de l’importance au cours de «l’ère moderne». Quatre genres en particulier se sont établis. Ils incluent: Photographie de portrait , un genre qui a largement remplacé les portraits peints; Pictorialisme (fl.1885-1915) un type d’art de la caméra dans lequel le photographe manipule une photo ordinaire afin de créer une image "artistique"; Photographie de mode (1880-présent) un type de photographie consacré à la promotion de vêtements, chaussures, parfums et autres produits de marque; Photographie documentaire (1860-present), une sorte de travail de caméra à la mise au point précise qui capture un moment de réalité afin de présenter un message sur ce qui se passe dans le monde; et Photographie de rue (1900-présent), l’art de capturer les interactions fortuites de l’activité humaine dans les zones urbaines. Pratiqué par beaucoup de monde plus grands photographes , ces genres ont apporté une contribution majeure à l’art moderne du 20ème siècle.
Architecture moderne
Le modernisme en architecture est une affaire plus compliquée. Le mot "modernisme" dans la conception des bâtiments a été utilisé pour la première fois en Amérique au cours des années 1880 pour décrire les gratte-ciel conçus par École d’architecture de Chicago (1880-1910), tels que The Montauk Building (1882-83) conçu par Burnham et Root; le Home Insurance Building (1884) conçu par William Le Baron Jenney; et le Marshall Field Warehouse (1885-7) conçu par Henry Hobson Richardson. Au 20ème siècle, un nouveau type de design est apparu, connu sous le nom de Style international d’architecture moderne (c.1920-70). En Allemagne, en Hollande et en France, entre les mains de le Corbusier (1887-1965), Walter Gropius (1883-1969) et d’autres, il s’est répandu en Amérique où il est devenu l’idiome dominant des gratte-ciel commerciaux, grâce aux efforts de Mies van der Rohe (1886-1969), ancien directeur de l’école Bauhaus. Plus tard, le centre de la conception de bâtiments modernes s’installa de manière permanente aux États-Unis, principalement en raison de l’avènement de l’architecture de gratte-ciel de très grande surface, qui fut ensuite exportée dans le monde entier.
Quand l’art moderne a-t-il pris fin? Qu’est-ce qui l’a remplacé?
Le modernisme ne s’est pas arrêté, il a été progressivement dépassé par les événements de la fin des années 1960, une période qui a coïncidé avec la montée de la pop culture et des défis anti-autoritaires (dans les domaines social et politique arts) aux orthodoxies existantes. L’année 1968 a été une année charnière, marquée par l’offensive du Têt, l’assassinat de Martin Luther King et de Bobby Kennedy, ainsi que par des manifestations dans les rues des capitales européennes. Lorsque le modernisme a commencé à paraître de plus en plus à l’ancienne, il a cédé le pas à ce que l’on appelle "l’art contemporain" – ce qui signifie "l’art de l’époque actuelle". Le terme "art contemporain" est neutre quant à la progressivité de l’art en question, c’est pourquoi une autre expression – "postmodernisme" – est souvent utilisée pour désigner des œuvres récentes. art d’avant-garde . Les écoles "d’art postmoderniste" prônent un nouvel ensemble d’esthétique caractérisé par une plus grande attention portée au médium et au style. Par exemple, ils mettent l’accent sur le style plutôt que sur le fond (par exemple, pas «quoi» mais «comment»; pas «l’art pour l’art» mais «le style pour le style») et accordent une importance beaucoup plus grande à la communication de l’artiste avec le public.
Quels sont les mouvements les plus importants de l’art moderne?
Les mouvements les plus influents de "l’art moderne" sont (1) l’impressionnisme; (2) le fauvisme; (3) le cubisme; (4) le futurisme; (5) l’expressionnisme; (6) Dada; (7) le surréalisme; (8) expressionnisme abstrait; et (9) Pop Art.
(1) Impressionnisme (Années 1870, 1880)
Illustré par les peintures de paysages de Claude Monet (1840-1926), l’impressionnisme se concentre sur la tâche presque impossible de capturer des moments fugaces de lumière et de couleur. Introduit des palettes de couleurs non naturalistes et des coups de pinceau lâches – souvent très texturés. En gros plan, de nombreuses peintures impressionnistes étaient méconnaissables. Très impopulaire auprès du grand public et des autorités artistiques, bien que très apprécié des autres artistes, marchands et collectionneurs modernes. Finalement, est devenu le mouvement de peinture le plus célèbre du monde. Voir: Caractéristiques de la peinture impressionniste (1870-1910). La contribution principale de l’impressionnisme à «l’art moderne» consistait à légitimer l’utilisation de couleurs non naturalistes, ouvrant ainsi la voie à l’art abstrait totalement non-naturaliste du XXe siècle.
De courte durée, dramatique et très influent, dirigé par Henri Matisse (1869-1954), le fauvisme était «le» style à la mode au milieu des années 1900 à Paris. Le nouveau style a été lancé à la Salon d’Automne et est devenu instantanément célèbre pour ses couleurs vives, criardes et non-naturalistes qui ont fait paraître l’impressionnisme presque monochrome! Un précurseur clé de l’expressionnisme. Voir: Histoire de la peinture expressionniste (1880-1930). La principale contribution du fauvisme à "l’art moderne" était de démontrer le pouvoir indépendant de la couleur. Cette approche hautement subjective de l’art contrastait avec la vision classique des académies axée sur le contenu.
Un style de peinture austère et stimulant, le cubisme a introduit un système de composition de plans plats éclatés comme alternative à la perspective linéaire et aux volumes arrondis inspirés de la Renaissance. Développé par Pablo Picasso (1881-1973) et Georges Braque (1882-1963) en deux variantes – Cubisme Analytique et ensuite Cubisme synthétique – il a influencé l’art abstrait pendant les 50 prochaines années, bien que son attrait populaire ait été limité. La principale contribution du cubisme à "l’art moderne" a été d’offrir une toute nouvelle alternative à la perspective conventionnelle, basée sur le fait incontournable du plan d’image à plat.
Fondé par Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944), l’art futuriste a glorifié la vitesse, la technologie, l’automobile, l’avion et le succès scientifique. Bien que très influent, il s’est beaucoup inspiré du néo-impressionnisme et du divisionisme italien, ainsi que du cubisme, en particulier de ses formes fragmentées et de ses multiples points de vue. La principale contribution du futurisme à «l’art moderne» a été d’introduire le mouvement dans la toile et de lier la beauté au progrès scientifique.
(5) Expressionnisme (à partir de 1905)
Bien que prévu par des artistes comme JMW Turner (Interior at Petworth, 1837), Van Gogh (Champ de blé aux corneilles, 1890) et Paul Gauguin (Anna The Javanese, 1893), l’expressionisme fut rendu célèbre par deux groupes de l’Allemagne d’avant-guerre: Die Brucke (Dresde / Berlin) et Der Blaue Reiter (Munich), dirigés par Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938) et Wassily Kandinsky (1866-1944) respectivement. En sculpture, les formes de l’artiste né à Duisburg Wilhelm Lehmbruck (1881-1919) étaient (et sont toujours) sublimes. La principale contribution de l’expressionnisme à "l’art moderne" a été de populariser l’idée de subjectivité dans la peinture et la sculpture, et de montrer que l’art figuratif peut légitimement inclure une distorsion subjective.
Premier mouvement anti-art, Dada était une révolte contre le système qui avait permis le carnage de la Première Guerre mondiale (1914-18). Il devint rapidement une tendance anarchiste visant à subvertir l’établissement artistique. Lancés dans la Suisse neutre en 1916, ses dirigeants avaient au début de la vingtaine et la plupart d’entre eux s’étaient désistés, évitant la conscription à l’abri de villes neutres telles que New York, Zurich et Barcelone. Les fondateurs comprenaient le sculpteur Jean Arp (1887-1966) et le poète roumain et activiste démoniaque Tristan Tzara (1896-1963). La principale contribution de Dada a été de bousculer le monde des arts et d’élargir le concept "d’art moderne" en englobant des formes de créativité totalement nouvelles (arts de la scène et prêts à l’emploi) ainsi que des nouveaux matériaux et matières (art de la malbouffe). Son sens de l’humour séditieux a perduré dans le mouvement surréaliste.
(sept) Surréalisme (à partir de 1924)
Fondée à Paris par l’écrivain André Breton (1896-1966), le surréalisme était «le» mouvement artistique à la mode des années de l’entre-deux-guerres, bien que le style soit encore utilisé de nos jours. Composé d’ailes abstraites et figuratives, il est issu du mouvement nihiliste Dada, dont la plupart des membres se sont métamorphosés en surréalistes, mais contrairement à Dada, il n’était ni anti-art ni politique. Les peintres surréalistes ont eu recours à diverses méthodes – rêves, hallucinations, génération automatique ou aléatoire d’images par exemple – pour contourner les processus de pensée rationnelle dans la création d’œuvres d’art. (Pour plus d’informations, veuillez consulter L’automatisme dans l’art .) La principale contribution du surréalisme à "l’art moderne" a été de générer un nouvel ensemble d’images rafraîchissantes. Que ces images soient uniquement non rationnelles est douteux. Mais l’art surréaliste est vraiment amusant!
(8) Expressionisme abstrait (1948-1960)
Un large style de peinture abstraite, développé à New York juste après la Seconde Guerre mondiale, est aussi appelé l’école de New York. Dirigée par des artistes américains – eux-mêmes fortement influencés par les expatriés européens -, elle se composait de deux styles principaux: une forme très animée de peinture gestuelle, popularisée par Jackson Pollock (1912-1956), et un style beaucoup plus passif axé sur l’humeur connu sous le nom de peinture Colour Field, défendue par Mark Rothko (1903-1970). La principale contribution de l’expressionnisme abstrait à "l’art moderne" a été de populariser l’abstraction. Dans le cas de Pollock, en inventant un nouveau style appelé "action painting" – voir les photos par texte; dans le cas de Rothko, en démontrant l’impact émotionnel de larges zones de couleur.
(9) Pop Art (Fin des années 1950, années 1960)
Un style d’art dont les images reflètent la culture populaire et le consumérisme de masse de l’Amérique des années 1960. Apparaissant à New York et à Londres à la fin des années 1950, il est devenu le style avant-gardiste dominant jusqu’à la fin des années 1960. En utilisant des images audacieuses, faciles à reconnaître et des couleurs de bloc vives, les artistes pop aiment Andy Warhol (1928-1987) a créé une iconographie basée sur des photos de célébrités populaires telles que des stars de cinéma, des publicités, des affiches, des emballages de produits de consommation et des bandes dessinées – un matériel qui a permis de réduire l’écart entre les arts commerciaux et les beaux-arts. La principale contribution de l’expressionnisme abstrait à "l’art moderne" était de montrer que le bon art pouvait être superficiel et pouvait être composé de n’importe quoi. Voir: Le Pop Art d’Andy Warhol (c.1959-73) .
Voici une liste des mouvements et des écoles de "l’ère moderne", classés par ordre alphabétique.
Pour plus de détails, voir: Mouvements d’Art Moderne (c.1870-1970).
Qui sont les plus grands artistes modernes?
Peintres modernes
Impressionnistes (1870-1880)
L’un des mouvements les plus révolutionnaires de l’art figuratif moderne, parmi ses principaux membres: Claude Monet (1840-1926); Pierre-Auguste Renoir (1841-1919); Edgar Degas (1834-1917); Camille Pissarro (1830-1903); Alfred Sisley (1839-1899); Edouard Manet (1832-1883); Berthe Morisot (1841-1895); John Singer Sargent (1856-1925). Voir Peintres impressionnistes .
Post-impressionnistes (1880-1900)
Parmi les artistes modernes qui se sont séparés de la peinture impressionniste traditionnelle, on peut citer James Abbott McNeill Whistler (1834-1903); Georges Seurat (1859-1891); Paul Cezanne (1839-1906); Van Gogh (1853-1890); Paul Gauguin (1848-1903); Henri Matisse (1869-1954). Voir: Peintres post-impressionnistes .
Artistes-affiches
Centré autour de La Belle Époque à Paris, l’art de l’affiche est illustré par la créativité (et les inventions) de Jules Cheret (1836-1932), la merveilleuse affiche "Cabaret Du Chat Noir" conçue par Théophile Steinlen (1859-1923), les affiches théâtrales de Toulouse-Lautrec (1864-1901) et les œuvres d’art nouveau d’Alphonse Mucha (1860-1939). Après le départ de Mucha pour l’Amérique, le talentueux Leonetto Cappiello (1875-1942) est arrivé à Paris en provenance d’Italie. Leon Bakst (1866-1924), qui est venu à Paris avec le Ballets Russes dirigé par Sergei Diaghilev.
Primitifs / Artistes Fantastiques
Cette catégorie en vrac comprend le naïf Henri Rousseau (1844-1910) (Le Douanier) et les symbolistes polyvalents Paul Klee (1879-1940) et Marc Chagall (1887-1985).
Réalistes
Le réalisme moderne s’est épanoui hors de l’Europe et comprenait ces maîtres suprêmes de l’idiome: Winslow Homer (1836-1910), Thomas Eakins (1844-1916) et Ilya Repin (1844-1930). Voir également: Artistes réalistes .
Expressionnistes (fleuri de 1905 à 1933)
Influencé par le fauvisme, le mouvement expressionniste est illustré par les travaux de: Kandinsky, Munch, Modigliani (1884-1920), Egon Schiele (1890-1918), Kirchner, Max Beckmann (1884-1950), Oskar Kokoschka (1886-1980). et Otto Dix (1891-1969). Voir également Peintres expressionnistes .
Cubistes (fleuri de 1908 à 1414)
Ce mouvement révolutionnaire d’art abstrait a été co-fondé par Braque et Picasso et a reçu de précieuses contributions d’artistes modernes tels que: Juan Gris, Fernand Leger (1881-1955), Robert Delaunay (1885-1941) et Marcel Duchamp (1887-1968). Voir: Peintres cubistes .
Peintres Abstraits
Parmi les plus grands représentants de l’abstraction à l’ère moderne, on peut citer Kasimir Malevich (1878-1935); Piet Mondrian (1872-1944). Voir: Peintres Abstraits .
Art déco (années 1920 et 1930)
Autant un mouvement d’art décoratif et de design qu’un style de peinture, son représentant le plus célèbre est probablement le portraitiste glamour de la société polono-russe Tamara de Lempicka (c.1895-1980).
Surréalistes
Mouvement dominant des beaux-arts à la fin des années 1920 et dans les années 1930, ses principaux peintres sont Joan Miro (1893-1983), René Magritte (1898-1967) et Salvador Dali (1904-1989). Voir: Artistes surréalistes .
Expressionnistes abstraits
La peinture expressionniste abstraite fut le premier grand mouvement artistique américain. Également connue sous le nom d’école de New York, ses principaux membres comprennent: Rothko, Pollock, Willem De Kooning (1904-1997), Clyfford Still (1904-1980), Barnett Newman (1905-1970), Robert Motherwell (1915-1991), Franz Kline (1910-62) et autres.
Artistes Pop
Ce style populaire d’art moderne a supplanté l’expressionisme abstrait plus intellectuel et a été illustré par des peintres tels que: Andy Warhol (1928-1987) et Roy Lichtenstein (1923-1997).
Sculpteurs modernes
Parmi les principaux sculpteurs de l’ère moderne, citons: le réaliste expressif Auguste Rodin (1840-1917); les expressionnistes Ernst Barlach (1870-1938) et Wilhelm Lehmbruck (1881-1919); l’artiste d’avant-garde Constantin Brancusi (1876-1957); le futuriste Umberto Boccioni (1882-1916), les cubistes Alexander Archipenko (1887-1964), Raymond Duchamp-Villon (1876-1918), Ossip Zadkine (1890-1967), Jacques Lipchitz (1891-1973) et Naum Gabo (1890) -1977); les kinéticiens Alexander Calder (1898-1976) et Jean Tinguely (1925-91); et le sculpteur minimaliste suisse Alberto Giacometti (1901-1966). D’autres formes modernistes sont représentées par les œuvres primitives de Modigliani (1884-1920) et de Jacob Epstein (1880-1959); et les "objets trouvés" appelés "readymades" de Marcel Duchamp (1887-1968). Henry Moore (1898-1986), Barbara Hepworth (1903-75) et Ben Nicholson (1894-1982) ont incarné la sculpture britannique moderne. Les œuvres de James Earle Fraser (1876-1953), de Daniel Chester French (1850-1931), d’Anna Hyatt Huntingdon (1876-1973) et de Gutzon Borglum (1867-1941) illustrent bien la sculpture moderne en Amérique. Le modernisme du milieu du vingtième siècle est représenté par les assemblages de Louise Nevelson (1899-1988) et de César Baldaccini (1921-98); les statues héroïques d’Evgeny Vuchetich (1908-1974); et les sculptures émouvantes de Holocauste de Wiktor Tolkin (1922-2013) et de Nandor Glid (1924-97). Voir également: Sculpteurs du 20ème siècle .
Appréciation d’art
Voir: Comment apprécier la sculpture moderne (1850-présent).
Imprimeurs modernes
Les représentants modernes de la gravure – gravure, gravure, lithographie et sérigraphie – comprennent: Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901), MC Escher (1898-1972), Willem de Kooning (1904-97), Robert Rauschenberg (1925-2008) Andy Warhol (1928-1987).
Artistes de vitraux modernes
Marc Chagall (1887-1985), Joan Miro (1893-1983), Harry Clarke (1889-1931), Sarah Purser (1848-1843) et Evie Hone (1894-1955) figurent parmi les plus grands représentants du vitrail.
Photographe moderne
L’art photographique moderne (1870-1970) doit beaucoup aux efforts novateurs de Alfred Stieglitz (1864-1946) et Edward Steichen (1879-1973). Sinon, la photographie moderniste est mise en valeur par le pictorialisme de Man Ray (1890-1976); les paysages de Ansel Adams (1902-1984); les photos d’architecture d’Eugene Atget (1857-1927), ainsi que de Bernd et Hilla Becher; les photos de mode de Norman Parkinson (1913-1990), d’Irving Penn (1917-2009) et de Richard Avedon (1923-2004); le portrait de Julia Margaret Cameron (1815-1879), Dorothea Lange (1895-1965) et Walker Evans (1903-1975); et la photographie de rue de Henri Cartier-Bresson (1908-2004).
Quels sont les 25 plus grands tableaux modernes?
Voici une liste chronologique des plus beaux exemples de peinture moderne (1870-1970), sélectionnés par notre éditeur.
Impression, lever du soleil (1873) Musée Marmottan Monet, Paris.
Par Claude Monet (1840-1926)
Danse au Moulin de la Galette (1876) Musée d’Orsay, Paris
Par Renoir (1841-1919)
The Gross Clinic (1875) Université de Pennsylvanie.
Par Thomas Eakins (1844-1916)
Les filles d’Edward Darley Boit (1882) Musée des Beaux-Arts de Boston.
Par John Singer Sargent (1856-1925)
Procession religieuse à Kursk Gubernia (1883) Galerie Tretyakov.
Par Ilya Repin (1844-1930)
Un dimanche après-midi sur l’île de La Grande Jatte (1884-6) AIC.
Par Georges Seurat (1859-1891)
Terrasse de café la nuit, Arles (1888) Galerie d’art de l’université de Yale.
Par Vincent van Gogh (1853-1890)
The Scream (1893) tempera à l’huile et pastel, Galerie nationale, Oslo.
Par Edvard Munch (1863-1944)
Fille à l’éventail (1902) Musée Folkwang, Hesse.
Par Paul Gauguin (1848-1903)
Les grandes baigneuses (Les Grandes Baigneuses) (1906) National Gallery, Londres; Museum of Art, Philadelphie; Fondation Barnes, Merion, PA.
Par Paul Cezanne (1839-1906)
The Kiss (1907-8) huile et or sur toile, Osterreichischegallerie, Vienne.
Par Gustav Klimt (1862-1918)
Les Demoiselles d’Avignon (1907) Museum of Modern Art, New York.
Par Pablo Picasso (1881-1973)
La Danse (1910) Hermitage, Saint-Pétersbourg.
Par Henri Matisse (1869-1954)
Dynamisme d’un chien en laisse (1912) Galerie d’art Albright-Knox, Buffalo.
Par Giacomo Balla (1871-1958)
Nu descendant un escalier n ° 2 (1912) Philadelphia Museum of Art.
Par Marcel Duchamp (1887-1968)
Nu assis (1916), Institut Courtauld, Londres.
Par Amedeo Modigliani (1884-1920)
Le Coquelicot ( 1919) Musée Toulouse-Lautrec, Albi.
Par Kees van Dongen (1877-1968)
Fille aux gants (1929) Collection privée.
Par Tamara de Lempicka (1895-1980)
gothique americain (1930) huile sur planche de castor, Art Institute of Chicago.
Par Grant Wood (1891-1942)
Guernica (1937) huile sur toile, Musée Reina Sofia, Madrid.
Par Pablo Picasso (1881-1973)
Nighthawks (1942) Art Institute of Chicago.
Par Edward Hopper (1882-1967)
Broadway Boogie Woogie (1942-3), musée d’art moderne, New York.
Par Piet Mondrian (1872-1944)
No.1, 1950 (Lavender Mist) (1950) National Gallery, Washington DC.
Par Jackson Pollock (1912-1956)
Woman 1 (1950-2), Musée d’art moderne, New York.
Par Willem De Kooning (1904-97)
La salle d’écoute (1952) Menil Collection, Houston.
Par René Magritte (1898-1967)
Le pape hurlant (1953) Collection William Burden, New York.
Par Francis Bacon (1909-92)
Quatre Marilyns (1962) Collection privée.
Par Andy Warhol (1928-1986)
Quelles sont les 25 plus grandes sculptures modernes?
Voici une liste chronologique des meilleures œuvres de sculpture modernes (1870-1970), compilées par notre éditeur.
David (c.1872) Bronze, Musée d’Orsay, Paris.
Par Marius Jean Antonin Mercier (1845-1916)
Statue de la Liberté (1886) en cuivre, Liberty Island, port de New York.
Par Frédéric-Auguste Bartholdi (1834-1904)
Petite danseuse de quatorze ans (1879-81) en bronze, Musée d’Orsay, Paris.
Par Edgar Degas (1834-1917)
Le baiser (1888-9) en marbre, Musée Rodin, Paris.
Par Auguste Rodin (1840-1917)
Nu debout (1907) Musée National d’Art Moderne, Centre Pompidou, Paris.
Par André Derain (1880-1954)
Le baiser (1907) Stone, Hamburgerkunsthalle, Hambourg.
Par Constantin Brancusi (1876-1957)
Femme qui marche (1912) Denver Museum of Art.
Par Alexandre Archipenko (1887-1964)
Formes uniques de continuité dans l’espace (1913) Museum of Modern Art, NY.
Par Umberto Boccioni (1882-1916)
Le grand cheval (1914-18) Original au Philadelphia Museum of Art.
Par Raymond Duchamp-Villon (1876-1918)
Fin du sentier (1915) Brookgreen Gardens, Murrells Inlet, États-Unis.
Par James Earle Fraser (1876-1953)
Homme déchu (1915-1916) Nouvelle galerie nationale, Berlin.
Par Wilhelm Lehmbruck (1881-1919)
Tête construite n ° 2 (1916) Nasher Sculpture Center, Dallas.
Par Naum Gabo (1890-1977)
Statue de Lincoln (1922) Lincoln Memorial, Washington DC.
Par Daniel Chester French (1850-1931)
Femme à la guitare (1927) Collection privée.
Par Jacques Lipchitz (1891-1973)
Portraits présidentiels du mont Rushmore (1927-1941), Dakota du Sud.
Par Gutzon Borglum (1867-1941) et son fils Lincoln Borglum (1912-1986)
Adam (1938), Harewood House, Leeds, Royaume-Uni.
Par Jacob Epstein (1880-1959)
Étalons de combat (1950) Hyatt Huntingdon Sculpture Garden, S. Carolina.
Par Anna Hyatt Huntingdon (1876-1973)
La ville détruite (1953) Schiedamse Dijk, Rotterdam.
Par Ossip Zadkine (1890-1967)
Sky Cathedral (1958) Assemblage, Musée d’art moderne de New York.
Par Louise Nevelson (1899-1988)
Homme qui marche I (1960) Fondation Maeght, Saint-Paul-de-Vence.
Par Alberto Giacometti (1901-66)
Tête divisée (1963) en bronze, Fiorini, Londres.
Par Cesar Baldaccini (1921-98)
Pièce de verrouillage (1963-4) Fondation Henry Moore, Millbank, Londres.
Par Henry Moore .
Les appels de la mère patrie (1967) Mamayev Kurgan, Stalingrad (maintenant Volgagrad)
par Yevgeny Vuchetich (1908-74)
Le mémorial de Dachau (1968) Munich, Allemagne.
Par Nandor Glid (1924-97)
Le Mémorial de Majdanek (1969) à Lublin, en Pologne.
Par Wiktor Tolkin (1922-2013).
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