La liberté guidant le peuple, Delacroix:
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La description

Nom: Liberté guidant le peuple (1830)
Artiste: Eugene Delacroix (1798-1863)
Moyen: Peinture à l’huile sur toile
Genre: Peinture d’histoire
Mouvement: le romantisme
Emplacement: Musée du Louvre, Paris

Pour une interprétation d’autres images des 19e et 20e siècles, voir: Analyse des peintures modernes (1800-2000).

Contexte

Une influence majeure sur le 19ème siècle Peinture française, Delacroix est devenu l’un des plus grands artistes romantiques, avec des œuvres comme La mort de Sardanapalus (1827) et la liberté guidant le peuple (1830). Cependant, il a également été grandement influencé par les maîtres anciens comme Paolo Veronese (1528-1588) et Rubens (1577-1640), ainsi que des peintres plus récents tels que Goya (1746-1828). En réalité, son expressivité romantique consistait en une combinaison de modèles classiques peinture de la figure, Couleur baroque et granuleuse le réalisme. Voyageur régulier, il a assimilé les couleurs et les motifs d’Afrique du Nord et d’Espagne. En outre, ses rencontres avec les maîtres anglais John Constable (1776-1837) et Tourneur (1775-1851) l’a aidé à s’éloigner de la réalité dessin qui sous-tendait art académique et adoptez un pinceau plus souple et plus coloré. Liberté dirigeant le peuple est à la fois un travail politique et allégorique. Déviation importante du néo-classicisme de l’époque, elle est un exemple du romantisme français – elle-même un tremplin vers la peinture réaliste de Gustave Courbet (1819-1877) ainsi que le symbolisme de Gustave Moreau (1826-1898).

Peint entre octobre et décembre 1830, cet ouvrage commémore la révolution de juillet 1830, qui renversa le roi Charles X de France et porta au pouvoir son cousin Louis-Philippe Ier. D’abord exposé au Salon de Paris de 1831, la composition montre la figure allégorique de la Liberté (Marianne, symbole national de la République française) conduisant le peuple à la victoire sur le corps de ses camarades tombés au combat. Dans une main, elle tient le Tricolor en l’air; dans l’autre, elle saisit un mousquet à baïonnette fixe. D’abord et avant tout une œuvre politique, elle a provoqué une commotion au Salon et, bien que rapidement achetée par Louis-Philippe pour marquer son accession, elle a été dissimulée au public en raison de son caractère incendiaire et séditieux.

Cet instantané emblématique de la révolution populiste doit son succès à une combinaison d’éléments, en particulier, la juxtaposition astucieuse de l’allégorie avec des détails précis. (Remarque: pour une représentation totalement fausse d’un événement politique, voir Mort de Marat par David.) La silhouette de la cathédrale Notre-Dame est visible à l’arrière-plan, tandis que les rebelles appartiennent à un mélange de classes sociales et sont en grande partie identifiables à leurs vêtements et à leurs armes. Par exemple, l’homme brandissant un sabre est un ouvrier d’usine; le personnage coiffé d’une arme à feu est un bourgeois (un étudiant, peut-être, ou un artisan ou un contremaître), et l’homme à genoux – qui arbore les trois couleurs – est un ouvrier de la campagne, probablement un constructeur. À l’arrière-plan, un polytechnicien, dont l’école s’est distinguée lors de la rébellion, porte son typique bicorne. Et les deux soldats morts au premier plan portent les uniformes des régiments des troupes royales combattant l’insurrection, un garde suisse et un cavalier. Quant au petit garçon, il est fréquemment associé à "Gavroche" de Victor Hugo dans "Les Misérables", bien que le livre ait été publié plus de vingt ans après la production du tableau.

La silhouette démesurée de Liberty domine la scène, mais Delacroix a provoqué un scandale en la décrivant non pas comme une femme belle et idéalisée – une Jeanne d’Arc moderne peut-être – mais comme une activiste maussade, à moitié nue et musclée marchant sur des cadavres. deuxième regard. (Les visiteurs du salon la décrivaient comme une pêcheuse ou même comme une prostituée.) En réalité, sa posture naturaliste était la manière dont Delacroix injectait un motif intemporel et allégorique (le nu féminin) dans la composition (en plus d’évoquer les sans-culottes de la Révolution française), donnant ainsi à son héroïne une double signification. Elle est à la fois histoire et allégorie: jeune révolutionnaire et symbole de la liberté. Après tout, la véritable allégorie a la qualité d’être à la fois un type vivant et un symbole.

Certains critiques d’art ont affirmé que Delacroix s’inspirait de la statue du roi pour son Liberty Vénus de Milo , qui n’avait été découverte que récemment et était alors exposée au Louvre. Cela soulignerait davantage la Classicisme du personnage principal de la composition, qui est déjà suggéré par plusieurs choses, notamment: la robe jaune de Liberty rappelant le drapé classique; le bonnet phrygien rouge sur la tête et le cadavre aux bras tendus (au premier plan à gauche) qui dérive d’un classique nu masculin modèle connu sous le nom d’Hector. (Remarque: l’analyse scientifique montre que le bonnet de Liberty était à l’origine d’un rouge plus vif, mais qu’il a été atténué par Delacroix, probablement pour des raisons politiques.)

Le drapeau tricolore de Liberty était particulièrement populiste – en effet, la nouvelle monarchie de juillet prenait pour emblème le drapeau tricolore révolutionnaire et républicain au lieu du drapeau blanc des Bourbons, indiquant ainsi clairement que le nouveau régime accepterait les changements apportés par la Révolution, plutôt que de rechercher un retour à la France antérieure à 1789 (ce qui avait été l’intention de Charles X).

La composition se caractérise également par l’habile utilisation par Delacroix de Couleur ; le blanc des larges bretelles sur les épaules des rebelles (extrême gauche et droite) rappelle celui des guêtres, la chemise sur le corps (devant gauche) et le revers de l’uniforme (coin avant droit), tandis que la tonalité générale grise de la La toile accentue le rouge du drapeau.

Sur ordre de Louis-Philippe, Liberty Leading the People a été achetée par le ministère de l’Intérieur français (pour 3 000 francs) comme un avantage pour la gauche libérale. L’idée initiale était de l’afficher dans la salle du trône du Palais du Luxembourg, mais au lieu de cela, il a été conservé dans la galerie du musée du palais. À la suite de la rébellion de juin 1832, il est rendu à l’artiste. À sa mort en 1863, il fut racheté par le Musée du Luxembourg qui, en 1874, le passa au Louvre. La photo aurait inspiré Bartholdi Statue de la Liberté (1870-86) – une représentation de Libertas, la déesse romaine de la liberté – qui fut offerte aux États-Unis comme un cadeau du peuple français. Aujourd’hui, il est considéré comme une œuvre universelle symbolisant le triomphe de la «volonté populaire» et un précurseur important d’œuvres du XXe siècle comme celle de Picasso. Guernica (1937, Musée d’art Reina Sofia, Madrid).