Photographie documentaire: caractéristiques, histoire Automatique traduire
Pour en savoir plus sur les premières inventions sur lesquelles repose l’art actuel basé sur les lentilles, voir: Histoire de la photographie (1800-1900).
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Pour de brèves explications sur
appareil photo et photographique
termes, s’il vous plaît voir:
Glossaire de la photographie d’art .
ARTISTES DE CAMÉRA
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Photographes: XIXe siècle .
Définition et caractéristiques
Il n’existe pas de définition précise ni de signification du terme "photographie documentaire", car il s’agit en réalité d’un terme générique désignant une grande variété de caméras. Cependant, afin de le distinguer des autres formes de photographie d’art , on peut dire que la "photographie documentaire" est un type de photographie au foyer net qui capture un moment de réalité afin de transmettre un message significatif sur ce qui se passe dans le monde. Contrairement au photojournalisme – qui se concentre sur les événements de dernière heure – ou " Photographie de rue "- qui se concentre entièrement sur un moment intéressant de la vie quotidienne normale -" la photographie documentaire "se concentre généralement sur une question en cours (ou une histoire) qu’elle raconte à travers une série de photographies . plus grands photographes Les photos documentaires sont généralement conçues pour attirer l’attention du public sur des situations réelles qui (de l’avis du photographe) nécessitent des mesures correctives urgentes. Les thèmes typiques incluent: les conditions de travail ou de vie honteuses, discriminatoires ou préjudiciables associées à un groupe particulier d’enfants ou d’adultes; problèmes de santé ou scandales; problèmes d’environnement, violation des droits de l’homme et beaucoup d’autres problèmes. Outre la photographie documentaire sociale, il existe deux autres formes distinctes de travail documentaire: la photographie de guerre et la photographie de conservation. Le genre de la photographie de guerre – illustré par le travail photographique de Don McCullin (b.1935) – parle pour lui-même. La photographie de conservation entretemps – illustrée par Ansel Adams (1902-84) – est un type de photographie de nature documentaire qui attire l’attention sur les problèmes de la faune et de l’environnement naturel. Il convient toutefois de noter que le genre documentaire englobe bien plus que les catégories citées ci-dessus: le portrait rural de l’époque de la dépression. Walker Evans (1903-1975), et la série de photos sur l’action-painting de Jackson Pollock, de Hans Namuth (1915-90), deux cas de figure. Et comment classer l’étonnante collection de photos de l’architecture parisienne en voie de disparition réunies par Eugene Atget (1857-1927), ou les photos de la vie nocturne parisienne de Brassai (1899-1984), ou les plans de l’usine automobile de River Rouge montrant Charles Sheeler (1883-1965) ou la chronique de Roman Vishniac (1897-1990) sur la culture des juifs en Europe centrale et orientale avant l’Holocauste. NOTE: Voir aussi Art de l’Holocauste , y compris les puissantes photographies documentaires de Margaret Bourke-White, prises à Buchenwald.
En bref, la photographie documentaire est aussi large que le monde qu’elle cherche à enregistrer.
Pour un bref guide sur l’esthétique et la nature artistique de l’art à base de lentilles, veuillez consulter: Est la photographie d’art?
Histoire
Les débuts simples de la photographie documentaire se trouvent dans les travaux du photographe britannique Philip Delamotte (1821-89), qui fut l’un des premiers artistes à utiliser la photographie comme moyen d’enregistrer des événements importants – comme le démontage de Crystal Palace – à la suite l’invention de la photographie au calotype. Les photos de voyage de Francis Frith (1822-1898), ainsi que d’autres œuvres commanditées par des firmes telles que London Stereoscope et Photographic Co, marquent également un début important. Les gens étaient extrêmement intéressés par des images détaillées de lieux lointains, de personnages célèbres et d’événements importants. Les paysages et les groupes de champs de bataille photographiés par Roger Fenton (1819-1869) en Crimée étaient de véritables représentations de la guerre, bien que terne selon les normes actuelles. Parrainé par l’éditeur d’imprimés Thomas Agnew, Fenton s’y rendit avec la bénédiction du gouvernement britannique. Un grand scandale s’est produit: cinq soldats sont morts de maladie pour chaque personne tuée par les Russes. Un nouveau gouvernement devait prouver qu’il donnait maintenant aux troupes les bonnes installations. C’est l’une des raisons pour lesquelles les images 360 de Fenton montrent souvent des scènes de camp ordonnées, des fournitures, des groupes d’officiers officiels et des champs de bataille bien après l’action. Les cadavres sont rarement montrés. Les gens ont dit que la caméra ne pouvait pas mentir, bien que la réalité et la vérité aient été déformées même à cette époque, en 1855.
Mathew Brady (1822-1896)
Fenton était le premier, mais pas le photographe de guerre de documentaire le plus prolifique. La guerre de Sécession (1861-1865) a été couverte de manière beaucoup plus détaillée, à l’aide de photographies qui ne permettent pas d’éviter le carnage. L’idée de couvrir cette guerre a été imaginée – et obsédée – par un certain Mathew Brady, propriétaire bien connu de studios de portrait à la mode à New York et à Washington. Brady avait déjà publié une série de portraits d "Américains illustres" et était convaincu de l’importance historique de documenter la guerre. Il a reçu l’autorisation officielle réticente de travailler dans les zones de combat, mais sans soutien financier. Cependant, Brady a dépensé des milliers de dollars en envoyant des équipes de photographes au collodion sur le terrain pour couvrir les aspects les plus importants de la guerre. Quelque 7000 négatifs ont été pris, principalement par les employés, bien que tous soient crédités comme des «photographies Brady».
Bien sûr, d’autres photographes ont également couvert des scènes de guerre, mais aucun n’a été réalisé avec minutie et organisation. Il se considérait comme l’historien pictural de son époque et son obsession pour les photographies de guerre a contribué à sa chute financière. Après la fin de la guerre en 1865, les gens étaient trop écoeurés par le conflit pour vouloir des rappels. Au début, le gouvernement n’était pas prêt à acheter la collection et, au moment où Brady avait voté pour une somme réaliste, il était désespérément endetté. Aujourd’hui, la plupart des images de Brady se trouvent à la Bibliothèque du Congrès, à Washington.
Tim O’Sullivan (1840-1882)
Quelques années après la guerre, Tim O’Sullivan, un ancien photographe de Brady, travaillait sur un autre aspect nouveau de la photographie documentaire. À présent, les États-Unis ont envoyé des expéditions pour cartographier et découvrir des informations géologiques sur leurs territoires moins connus – le Nevada et les Rocheuses, Panama et le Nouveau-Mexique. La photographie était le moyen idéal de documenter les montagnes, les cols et d’autres merveilles pittoresques à montrer en détail aux fonctionnaires rentrés chez eux à Washington DC. Imaginez à quel point cela a dû être excitant de prendre des photos d’un canyon pratiquement inconnu. Elles auraient été l’équivalent des photographies d’enquête spatiale actuelles d’autres planètes.
William Jackson (1843-1942)
D’autres photographes ont parcouru l’ouest avec les meutes de chevaux et les expéditions sous tente de la fin des années 1860 et du début des années 1870. Le plus célèbre d’entre eux est William Jackson, un photographe professionnel qui a réalisé des vues panoramiques sur l’Union Pacific Railroad, récemment achevée, puis rejoint des études dans le Wyoming et la région de Yellowstone. Comme O’Sullivan, il avait un flair pour la composition de paysages, utilisant des caméras à vision humide et des caméras stéréo. Les photographies de Jackson sur les merveilles de Yellowstone ont été exposées dans les halls du Congrès comme preuve des découvertes de l’expédition. En adoptant le projet de loi de 1872, ils ont fortement influencé les votes, faisant de Yellowstone le premier parc national des États-Unis. Plusieurs des caractéristiques naturelles découvertes par ces levés portent les noms des membres des expéditions, y compris leurs photographes. Ainsi, Jackson Canyon, Jackson’s Lake, le mont Haynes, le mont Watkins et d’autres rappellent les pionniers du documentaire.
Photographie documentaire sociale
De même que les images de Brady ont aidé à montrer à quoi ressemblait réellement la guerre, la photographie documentaire a été progressivement utilisée pour révéler la vie des pauvres et des défavorisés. Le Dr Thomas John Barnardo, célèbre fondateur britannique de foyers pour garçons démunis, a commencé à utiliser la photographie dès 1870. Il était assez astucieux pour faire prendre des photographies professionnelles de garçons à leur arrivée et à leur départ des foyers Barnardo. Chaque photo a été montée sur une carte ressemblant à une carte de visite, avec un texte imprimé au dos expliquant le travail des maisons. Les cartes ont été vendues et collectées par lots. Ils ont créé une publicité très efficace et levé des fonds pour payer la nourriture et les vêtements.
John Thomson (1837-1921)
Quelques années plus tard, en 1877, les réformateurs sociaux John Thomson et Adolphe Smith publièrent un livre intitulé Street Life in London. Il décrivait la vie de divers spécimens des pauvres de Londres et contenait 36 photographies de Thomson (reproduites par Woodburytype). Les photographies documentaient des exemples des différents métiers de l’époque. Les images de collodion de John Thomson sont "préparées" en ce sens que la plupart de ses sujets ont été posés dans leur environnement normal, balayeur de rue ou vendeur de journaux. Il les a photographiés d’une manière non sentimentale mais plutôt détachée – comme des exemples soigneusement consignés d’une tribu ou d’une espèce inhabituelle. (Le peintre du 16ème siècle Peter Bruegel l’Ancien a enregistré les activités des paysans médiévaux de la même manière.) Néanmoins, publier des photographies de sujets aussi "inappropriés" que les pauvres et les négligés a constitué une avancée décisive: certaines personnes ont pensé qu’il s’agissait d’un mauvais usage d’un médium artistique.
Paul Martin (1864-1944)
Les nouveaux appareils photo instantanés à partir de la fin des années 1880 facilitaient la création de documents photographiques sur la vie des gens ordinaires de manière moins formelle. Beaucoup de ces images se sont perdues avec le temps, mais il reste quelques collections qui nous fournissent maintenant des informations précieuses. Il existe par exemple de nombreux travaux de Paul Martin, un graveur sur bois londonien devenu photographe. Martin a assumé ses fonctions professionnelles habituelles, mais a également pris plaisir à enregistrer des personnes et des choses vues par l’homme de la rue dans les années 1890. La plupart du temps, il a pris des photos avec une grande caméra cachée. Cela ressemblait à un colis ou à une caisse et était conçu pour être utilisé lorsqu’il était tenu sous son bras. Martin pouvait donc photographier ce qu’il regardait sans que personne ne s’en aperçoive. Aucune des photographies de Paul Martin ne plaide en faveur de réformes ni n’exprime un point de vue autre que son intérêt pour les êtres humains. Ils enregistrent simplement la scène de passage authentique et, en tant que tels, sont alors considérés comme «non artistiques». (Il est regrettable que les photographes amateurs qui sont devenus de plus en plus avancés et compétents se soient détournés de la vie contemporaine et du monde réel, laissant aux débutants le goût du hasard. De même, les professionnels ne pouvaient trouver aucun marché pour les images de scènes quotidiennes photographiées dans les parties les moins chères du marché. ville.)
Jacob Riis (1849-1914)
Les injustices imposées aux personnes défavorisées étaient bien plus graves au 19ème siècle qu’aujourd’hui. C’était une période d’auto-assistance – les pauvres étaient reconnus comme ayant échoué et présentés comme un avertissement aux autres. Le public avait un intérêt morbide et détaché. Ils sont allés à des conférences avec des titres comme The Heathen Abroad et The Unfortunate ou Improvident At Home .
Malgré cela, une photographie documentaire honnête pourrait rendre les gens plus concernés. Il pouvait montrer de manière convaincante et détaillée comment était la vie dans les bidonvilles ou travailler 10 heures par jour dans une usine de coton ou une mine de charbon à 8 ou 9 ans.
Les conditions étaient particulièrement difficiles dans certaines régions d’Amérique, un pays pressé de rattraper sa croissance industrielle après la guerre civile. Il semblait que les gens importaient moins que la réduction des coûts de production et l’augmentation des profits. Le journaliste new-yorkais appelé Jacob Riis se souciait passionnément de la situation dans sa ville, où les enfants travaillaient 30 cents par jour et où des familles entières vivaient dans des caves humides. Au cours des années 1890, il écrivit avec acharnement sur les taudis, faisant campagne pour de meilleures conditions de vie, d’apprentissage et de travail. Il a par exemple découvert qu’un tiers de million de personnes, principalement des immigrés d’Europe orientale et méridionale, étaient regroupées dans un kilomètre carré du Lower East Side.
Les gens pensaient que Riis exagère, aussi a-t-il commencé à photographier pour prouver ses reportages. Flashpowder lui a permis d’enregistrer des images de personnes démunies la nuit et dans d’autres conditions techniques difficiles. Riis n’était pas intéressé par les aspects artistiques de la photographie. Il a transformé ses preuves photographiques en diapositives de lanterne et les a utilisées pour donner des conférences publiques. Ils ont également été reproduits grossièrement à titre d’illustrations pour neuf livres, dont son titre désormais célèbre, intitulé «How The Other Half Lives».
Les photographies de Riis révèlent des faits et des situations que la plupart des citoyens imaginaient à peine. Ses efforts ont finalement abouti à de nouvelles lois sur le travail des enfants, les écoles ont été mieux équipées et certains des pires bidonvilles ont été démolis et remplacés par des zones de peuplement et des espaces ouverts. Aujourd’hui à New York, Jacob Riis Park marque le site de l’une des régions les plus dégradées – un rappel permanent de ce journaliste / photographe documentaire précoce.
Lewis Hine (1874-1940)
D’autres réformateurs ont également découvert le pouvoir de persuasion de la photographie. Lewis Hine, un ancien ouvrier qui avait travaillé à l’université et qui avait obtenu un diplôme en sociologie, était écoeuré par la façon dont le gouvernement américain plaçait le bien-être des entreprises avant le bien-être des personnes. En 1908, il abandonne son travail d’enseignant pour devenir photographe documentaire à plein temps, après avoir appris à utiliser une caméra de vision et un appareil à poudre flash.
Hine a commencé à photographier quelques-unes des dizaines de milliers de personnes qui entraient en Amérique à cette époque pour trouver la terre promise – des immigrants qui finissaient généralement par travailler dans des ateliers de sueur, vivant dans des bidonvilles. Bientôt, il fut embauché par le Comité national du travail des enfants (NCLC) et parcourut les États-Unis en tant qu’enquêteur / photographe, montrant la façon dont les industriels utilisaient les jeunes pour des travaux forcés à bon marché. Environ 1, 7 million d’enfants travaillaient alors dans l’industrie, mais la plupart des citoyens l’ont simplement acceptée – jusqu’à ce que Hine transforme les statistiques en images détaillées de personnes en chair et en os. Souvent, il infiltrait une usine avec une caméra Graflex dissimulée dans une boîte à lunch, puis interviewait et photographiait des enfants travailleurs.
Hine a découvert des situations telles que des jeunes de 6 ou 7 ans dans des filatures de coton travaillant 12 heures par jour. Il a pris des déclarations, enregistré leur hauteur (contre les boutons de son manteau) et leur état de santé général, puis les a photographiées sans vergogne dans leurs conditions de travail dangereuses et étroites. Toutes ces informations humaines ont été exposées publiquement dans des pamphlets de la NCLC qui, grâce au développement des blocs de demi-teintes, étaient désormais illustrés par des photographies.
Certaines personnes ont qualifié Hine de journaliste féroce; d’autres l’ont appelé une conscience avec une caméra. Quoi qu’il en soit, ses milliers de photographies et d’histoires de cas détaillées ont ébranlé la puissante opposition des employeurs contre les réformes. Hine poursuivit ce travail dans les années 1930 jusqu’à ce qu’une loi fédérale soit finalement adoptée contre le travail des enfants.
La Farm Security Administration
En 1929, le marché boursier de New York s’est effondré. C’était le début d’une dépression qui a duré tout au long des années 1930. Bientôt, des millions de personnes ont perdu leur travail et de nombreuses entreprises se sont arrêtées. En plus de tout cela, une sécheresse prolongée a frappé les plaines de terres agricoles d’Amérique centrale de 1932 à 1936, créant un grand bol de poussière allant du Texas aux Dakotas. La mécanisation par tracteur avait déjà contraint les petits agriculteurs à quitter la terre et réduit les emplois disponibles. Maintenant, cette combinaison de catastrophes a poussé les gens à se rendre en Californie en direction ouest. Ils comprenaient des métayers (travailleurs migrants qui suivaient normalement la récolte de pois, d’oranges, de coton, etc.) de la saison, et des agriculteurs en faillite ou dépossédés. Des familles entières ont été entassées dans des voitures en mauvais état ou ont poussé leurs affaires dans des chariots à bras. Les gens vivaient dans des tentes et des bidonvilles au bord de la route.
Le gouvernement américain a mis en place une administration de la réinstallation pour venir en aide à ces malheureux. En 1935, elle fut nommée la Farm Security Administration et un diplômé d’université, Roy Stryker (1893-1975), fut embauché pour diriger une section historique. Dans l’esprit de Hine et d’autres, il décida d’employer des photographes capables de montrer directement aux Américains ce que c’était de vivre dans les zones sinistrées. Dorothea Lange (1895-1965), Walker Evans (1903-75), Arthur Rothstein (1915-85), Ben Shahn (1898-1969) et d’autres photographes (environ 30 au total, mais pas plus de 6 à la fois) ont été invités à prendre des photos convaincantes et à faire connaissance directe avec les expériences des réfugiés.
Stryker était un brillant utilisateur de photographies – il avait un sens de la perspective historique comme Brady. Tous deux ont compris l’intérêt d’enregistrer des événements d’une grande portée sociale. Mais maintenant que ces images pourraient être transmises directement à la presse nationale, les gens de tout le pays pourraient assister au scandale de ces bidonvilles ruraux. Des membres de l’unité de la FSA ont photographié des camps de migrants, des paysages dénudés, des fermes abandonnées, des gens sur les routes, des familles sans défense, vaincues, oubliées. La plupart du temps, ils évitaient les images qui étaient simplement pittoresques, ou suffisantes ou fausses. Stryker avait même pris des photographies de riches Américains en vacances à Miami à l’époque, afin de contraster fortement les styles de vie.
Les images et légendes de la FSA ont été distribuées aux journaux et aux magazines; des expositions ont été envoyées à Washington DC, à New York et dans d’autres villes. John Steinbeck, inspiré par les images d’immigrants de Dorothea Lange, effectua des recherches et écrivit "Grapes of Wrath". Les images de Walker Evans ont été utilisées par le poète James Agee dans son livre "Maintenant, louons les hommes célèbres". Les films documentaires étaient maintenant également réalisés – ils contrastaient nettement avec l’image brillante de l’Amérique donnée par Hollywood à cette époque.
Le soutien public s’est épanoui et l’aide du gouvernement aux programmes de réinstallation a rapidement augmenté – des camps de transit ont été installés, des travaux fournis, une aide a été fournie pour permettre aux personnes de reprendre leur vie. C’était un exemple classique d’un petit groupe de photographes ayant réussi à changer une situation. L’unité de la FSA a duré de 1935 jusqu’à son intégration dans le US Office of War Information en 1941. A cette époque, le photojournalisme était bien établi en Amérique et en Europe.
Leni Riefenstahl (1902-2003)
Le cinéaste et photographe allemand Leni Riefenstahl illustre l’art sombre du film et de la photographie de propagande. Mieux connue pour ses films documentaires "Triumph of the Will" (1934) et "Olympia" (1936), qui promouvaient les valeurs de la supériorité aryenne et de l’idéologie nazie, elle a été pionnière pour de nombreuses techniques cinématographiques que nous tenons pour acquis aujourd’hui.. Dans les années 1970, elle a également produit deux livres de photographies en couleurs documentant les tribus nubiennes du Soudan. Malheureusement, ses talents ont été éclipsés par elle Art nazi et son association avec Hitler.
Photographie de journaux et photojournalisme
Les problèmes techniques de reproduction des photographies à l’encre sur la page imprimée ont été en grande partie résolus au cours des années 1880-1890. L’enseignement obligatoire pour les enfants jusqu’à 10 ans avait également commencé à peu près à cette époque. Cela signifiait qu’au tournant du siècle beaucoup plus d’adultes étaient capables de lire (mais pas très bien). Les journaux existants, avec leurs colonnes pleines de petits caractères, n’étaient pas très encourageants pour ce nouveau lectorat. Les propriétaires de journaux se sont rendus compte que les nouvelles exprimées en images, avec des légendes faciles à lire et des paragraphes courts, permettraient de saisir un vaste nouveau marché. Cela a conduit à des journaux comme le Daily Mirror , lancé en 1904 en tant que premier journal au monde exclusivement illustré de photographies. Ce fut un succès instantané.
Les journaux employaient leurs propres photographes et achetaient également des photographies d’agences de presse proposant des caméramans couvrant la plupart des événements d’actualité. Leur travail consistait essentiellement à résumer une situation ou une personne dans une image, puis à passer à l’action pour la prochaine édition. La rapidité était plus importante que la qualité technique (une des raisons pour lesquelles les plaques étaient préférées: elles pouvaient être nettoyées et agrandies lorsqu’elles étaient encore humides de traitement). La plupart des premières images d’actualité étaient des portraits, mais à mesure que les lentilles et les matériaux photographiques s’amélioraient, plus de photos d’action étaient possibles. Les ampoules électriques étaient utilisées pour les sujets soumis à des conditions d’éclairage difficiles. En 1907, les photographies pouvaient même être transmises par fil télégraphique d’un bureau de presse à un autre, pays par pays compris. Les images d’actualités «chaudes» pourraient être distribuées presque aussi vite que les mots écrits.
Les possibilités d’utiliser des photographies imprimées sont devenues encore plus grandes avec l’apparition des magazines hebdomadaires, dans les années vingt. Ici, le photographe pourrait avoir plus de marge – a permis à plusieurs pages de raconter une histoire et de développer un thème à travers une série de photos. Par exemple, au lieu de la photo de presse unique d’un gardien de but sauvant un but, le magazine pourrait couvrir de manière approfondie «Une journée dans la vie d’un gardien de but». Une fonction d’image permettait de couvrir des aspects beaucoup plus larges qu’une information survenant.
Les photographes travaillant dans des magazines d’images devaient travailler de la même manière qu’un journaliste, en visant des ensembles d’images avec une histoire intéressante, un début et une fin solides. Ce genre de travail est vite devenu connu sous le nom de photojournalisme. Cela diffère de la photographie documentaire directe en ce que les événements sont interprétés plus ouvertement par le photographe ou le magazine. Tout comme le journalisme écrit, un reportage photo peut transmettre un point de vue personnel. Cela ne se termine pas non plus avec la photographie, le choix et le recadrage des tirages, la rédaction de texte et la manière dont la séquence est présentée sur les pages du magazine peuvent renforcer ou affaiblir le récit final. L’éditeur d’art, dont le travail est de rassembler le travail du photographe de manière significative (plutôt que de simplement les regrouper sur la page), devient un membre important de l’équipe.
Les magazines photo ont vraiment commencé au milieu des années 1920 en Allemagne, à l’époque où ce pays était le centre d’impression du monde et la source des appareils photo les plus avancés au monde équipés d’objectifs à grande ouverture. Celles-ci commençaient à rendre la photographie possible sous un éclairage assez faible, sans nécessiter l’attirail flash du photographe de presse. Le premier magazine d’images fut probablement le Berliner Illustrierte Zeitung (journal illustré de Berlin) en 1928.
Au cours des années 1930, le nouveau style de rapport se répandit en Europe et en Amérique. Les éditeurs de Time Magazine ont commencé LIFE en 1936; rivaux lancés Look l’année suivante. En Grande-Bretagne, Picture Post et Illustrated sont apparus en 1938 et 1939, Paris Match en 1949. En fait, 1935-1955 était l’âge d’or des magazines d’image.
Erich Salomon (1886-1944)
Le photographe le plus talentueux travaillant pour Berliner Illustrierte Zeitung était un docteur juif discret et effacé, Erich Salomon. Au début des années 1930, l’Europe était une ruche de conférences internationales. Les politiciens se sont réunis à Berlin, Paris, Vienne et Rome, dans l’espoir d’éviter un conflit imminent, en essayant de créer une Société des Nations. Des conférences entre diplomates et hommes d’État ont eu lieu à huis clos – les seules photographies que l’on a vues étaient des groupes de bois formels posés pour la presse.
Salomon avait un minuscule appareil photo Ermanox. Se déguisant en tenue de soirée et exploitant sa capacité à parler sept langues, Salomon rata poliment de nombreuses conférences. Il passa discrètement parmi les politiciens célèbres, prenant des photos à l’aide des éclairages intérieurs disponibles, la caméra à moitié cachée sous sa veste. Ses séries de photos uniques reflétaient l’atmosphère générale et montraient la personnalité de ceux qui participaient à des moments non gardés, absorbés par des discussions après le dîner. Ils contrastaient vivement avec l’éclatement aveuglant et la fumée que tout le monde associaient aux caméramans et leur faisaient une nuisance indésirable.
Pour le lecteur de magazine, cette nouvelle forme de reportage politique donnait un réel sentiment de "présence". De quoi parlaient ces gens – qu’est-ce qu’ils complotaient? D’autres photojournalistes ont suivi l’exemple de Salomon, principalement avec des caméras plus petites telles que le Leica, qui permettaient de prendre des photos plus rapidement et donnaient une plus grande profondeur de champ. Malheureusement, Salomon devait mourir en 1944 aux mains des nazis au camp d’extermination d’Auschwitz.
Henri Cartier-Bresson (1908-2004)
Probablement le plus célèbre et original de tous les photographes de reportage «candide», Henri Cartier-Bresson visait à l’origine à devenir peintre. Il a commencé à prendre des photos au début des années 1930, lorsqu’il a acheté un Leica, qu’il a trouvé un outil formidable pour capturer ce qu’il décrit comme «le moment décisif» dans les situations de tous les jours. En d’autres termes, il a maintenu qu’il existe une fraction fugace de seconde dans laquelle la signification d’un événement peut être résumée et exprimée dans la composition visuelle la plus forte possible.
Cartier-Bresson était principalement un photographe de personnes – mais pas en tant que réformateur social ou journaliste d’événements d’actualité, mais simplement en tant qu’observateur de la scène qui passe. Ses images documentent des gens ordinaires avec chaleur et humour, n’influençant jamais ses sujets, mais les montrant à des moments d’une intensité extraordinaire. En général, il tournait le dos à un événement d’actualité – procession, célébration, etc. – pour se concentrer sur les réactions des spectateurs.
Cartier-Bresson n’a jamais utilisé d’objectif flash ni d’objectif spécial, et chaque négatif est toujours imprimé sans recadrage. Il a photographié les habitants de la plupart des pays, mais a excellé à montrer ses compatriotes européens. Ses images ont été utilisées dans tous les magazines les plus importants et de nombreux livres pendant plus de 60 ans. Ils ont également été achetés et exposés par de nombreuses galeries d’art du monde.
Après la Seconde Guerre mondiale, en 1947, Cartier-Bresson et les photographes Robert Capa et David Seymour fondèrent une agence d’image baptisée "Magnum". Exploité comme une coopérative et appartenant aux photographes eux-mêmes, Magnum compte des membres dans divers pays. Elle vend des images aux éditeurs de toutes sortes et est devenue la plus célèbre agence photojournalistique du genre au monde.
Bill Brandt (1904-1983)
L’un des photographes les plus distingués de Grande-Bretagne travaillait également comme photojournaliste à la fin des années 1930. Bill Brandt est né à Londres et en 1929, il a appris la photographie à Paris en tant qu’assistant de Man Ray (Emmanuel Radinski) (1890-1976). Le travail de reportage était le nouveau domaine le plus difficile pour les jeunes photographes et Brandt était influencé par le travail de Cartier-Bresson et d’autres. Il revint en Grande-Bretagne pendant les années de dépression, produisant des images du Nord industriel qui établissait des comparaisons précises avec d’autres couches plus riches de la société britannique. Il était également un exposant de Pictorialisme avec une série de photos mises en scène de banlieue.
Le travail de Brandt est apparu sous forme de livres d’images tels que The English at Home et A Night in London . Il a également effectué de nombreuses missions au sein de Picture Post (où ses images sont souvent publiées de manière anonyme, comme cela était courant à cette époque). Plus tard, Brandt devait se spécialiser dans les paysages et dans des livres de photographies expérimentales originales, telles que des images déformées de la forme humaine.
Pendant les années de guerre (1939-1945), la plupart des photojournalistes travaillaient pour des organisations telles que le US Information Service ou le ministère britannique de l’Information, ou étaient incorporés dans des unités photographiques de l’armée de l’air ou de l’armée. L’Unité de film et de photographie de l’armée britannique a produit plus de 137 000 images documentaires d’offensives; il existait en Allemagne une organisation équivalente appelée PBK (German Propaganda Corp).
Robert Capa (1913-1954)
Robert Capa , qui détestait la guerre et essayait de décrire sa futilité, est devenu un photographe de guerre renommé. Comme beaucoup de photographes de guerre, Capa et son compatriote fondateur de Magnum, David Seymour (1911-1956) devaient mourir au combat quelques années plus tard – Capa couvrant les conflits en Indochine et Seymour en Égypte.
Montée et chute des magazines d’image
À certains égards, les magazines d’images des années 1930 et 1940 étaient l’équivalent moderne des cartes stéréoscopiques du XIXe siècle. À leur meilleur, ils offraient à la personne ordinaire une fenêtre sur le monde – couverture de grands événements, un coup d’œil dans les coulisses, une journée racontant la vie de personnalités célèbres – plus en détail que des photographies de presse de journaux ne pourraient jamais fournir. Ils pourraient également sensibiliser davantage les lecteurs à l’écart entre ce que la vie est et pourrait être.
Bien sûr, les magazines contenaient toujours beaucoup de matériel de divertissement, comme de jolies images d’animaux, des photos de nouveaux films hollywoodiens, le dernier engouement pour la mode. Mais ils pourraient aussi être de puissants artisans de l’opinion publique sur des questions plus vitales. Contrairement aux suppléments de couleurs actuels, la plupart d’entre eux ont eu des croisades occasionnelles sur des problèmes tels que le mauvais logement, la pollution, l’aide aux défavorisés, etc. Ils ont pris parti plutôt que de rechercher une couverture neutre fade. Cela a fait un magazine vivant et beaucoup plus intéressant mais a mis la responsabilité sur les épaules des photojournalistes, des écrivains et des rédacteurs. L’équipe de production devait être bien informée et capable de présenter un argument raisonné plutôt que de la propagande. Ils utilisaient peut-être le média visuel le plus persuasif de l’époque précédant la télévision – les films d’information sur le cinéma étant généralement désinvoltes et vite oubliés.
Les magazines d’images se sont également influencés. Stefan Lorant (1901-97), juif hongrois et rédacteur en chef du rival munichois de Berliner Illustrierte, quitta l’Allemagne sous la pression nazie. Quelques années plus tard, en 1938, il devint le premier éditeur de Picture Post . Avec les photographes Kurt Hutton (né Kurt Hubschmann) (1893-1960), Felix Man (1893-1985) et d’autres réfugiés européens, il a introduit en Grande-Bretagne l’utilisation d’appareils photo 35 mm ainsi que les idées et la mise en page de magazines d’images allemands. Ils ont rempli Picture Post (et son rival Illustrated ) d’images d’action et de fonctionnalités très différentes des hebdomadaires britanniques traditionnels tels que Tatler ou Illustrated London News . En Amérique, d’autres photographes immigrés européens, tels Alfred Eisenstaedt (1898-1995) et Robert Capa, ont apporté une contribution remarquable à LIFE. En Grande-Bretagne, Larry Burrows (1926-1971) était le photojournaliste exceptionnel de LIFE.
Les magazines d’images ont prospéré pendant le conflit et l’excitation de la Seconde Guerre mondiale, malgré le manque de papier. Ils semblaient vendre tout ce qu’ils pouvaient imprimer et jouissaient d’un statut énorme. Cependant, dans les années 1950, Picture Post commençait à perdre tout son sens. Même l’utilisation novatrice de plusieurs pages de couleur régulières ne pourrait pas le raviver. Illustré fermé en 1958, Picture Post en 1957, Look en 1971. LIFE est resté dans sa forme hebdomadaire originale jusqu’en 1972.
La télévision était devenue une méthode plus rapide et plus universelle de communication visuelle des informations et des reportages; c’était aussi voler la plupart des annonceurs. Dans les années 1970, le photojournalisme avait beaucoup perdu de son influence, bien qu’il fût resté dans des magazines tels que Stern (Allemagne) et Paris Match (France), ainsi que dans un certain nombre de magazines d’entreprise destinés au secteur pétrolier, produits de manière coûteuse, etc.
Distorsion et manipulation d’images
La manière dont le monde est présenté par la photographie documentaire est souvent déformée sous une forme ou une autre – il est presque impossible d’être complètement objectif et véridique. Au fur et à mesure de l’amélioration de l’équipement et du matériel, ils ont laissé une plus grande liberté pour décider quelles photos prendre et quand. Et une fois que des photographies pouvaient apparaître dans des publications, le choix du moment du photographe était suivi de la décision sur les images à utiliser ou non, la manière dont les légendes étaient rédigées et la manière dont les images étaient reliées sur la page.
La reproduction en demi-tons a donné à la photographie documentaire un public immense et l’a rendue influente. Les gens ont vite voulu manipuler un médium aussi puissant. Les photographes ont commencé par poser leurs sujets et choisir le point de vue, l’éclairage et le moment; éditeurs par sélection et présentation de leurs résultats.
La manipulation ne doit pas toujours être mauvaise. Pour les photos avant-après du Dr Barnardo, les garçons étaient généralement vêtus de haillons pour recréer la situation «avant». L’un des photographes de la FSA a été sévèrement critiqué lorsqu’il a été découvert qu’il avait déplacé le crâne d’une vache de plusieurs pieds d’un brin d’herbe broussailleuse pour obtenir une image plus solide. Cependant, ni l’un ni l’autre n’a vraiment déformé la vérité de la situation générale qu’ils essayaient de montrer – ils l’ont simplement communiquée d’une manière plus visuelle.
En revanche, depuis les débuts des journaux photo, il était de pratique courante de classer des photographies de personnalités ayant l’air confiantes, vaincues, agressives, stupides, etc. moment, quand cette personne est favorisée ou non. Encore une fois, un éditeur peut facilement sélectionner dans la série d’images d’un photographe une image qu’il rejetterait normalement. En ajoutant un titre et une légende, il lui donne un sens fort.
Les gens ont peu à peu pris conscience de la publicité qu’ils pourraient tirer de la photographie. Une manifestation devient souvent violente lorsque des photographes professionnels ou des équipes de télévision sont présents. Dans un cas extrême, à la fin des années 1960, une exécution publique a été reportée pendant 12 heures, la lumière du soir étant trop faible pour que la presse puisse prendre des photos. Le photographe concerné doit donc se demander si quelque chose qu’il aurait documenté se serait passé de cette manière s’il n’avait pas été présent. Devrait-on utiliser un objectif grand angle, ce qui donnerait un aspect plus violent aux gros plans avec les bras écartés? Un film granuleux et une impression sombre pourraient-ils aggraver les mauvaises conditions de vie?
Comme on peut le constater, plus le photographe ou le rédacteur en chef a à cœur une situation particulière, plus il devient tentant de la présenter de manière percutante. Un enregistrement strictement objectif est presque impossible – dans tous les cas, il donne souvent des images encombrées qui confondent ce qui est montré. Mais alors, trop de souci de clarté de la présentation peut fausser les événements réels. En pratique, la photographie documentaire doit fonctionner entre ces deux extrêmes.
Photographie documentaire contemporaine
Depuis le milieu des années 60 ou à peu près, l’ère de l’ art postmoderniste a été témoin de l’élargissement de la gamme de documentaires, allant de pair avec l’avènement de la mondialisation, de l’évolution des conceptions morales et de la fragmentation croissante de la société. Célèbre artistes postmodernistes qui ont produit des photographies documentaires remarquables, comprennent: Diane Arbus (1923-1971), dont les photos en noir et blanc des freaks, des excentriques et des marginaux de New York ont été trop controversées pour de nombreux critiques d’art; Bernd et Hilla Becher , qui ont relaté les styles en voie de disparition de l’architecture industrielle; Garry Winogrand (1928-1984) et Lee Friedlander (né en 1934), qui se sont intéressés au paysage culturel américain; Robert Adams (né en 1937) – dont les photos ont paru dans l’exposition phare de 1975 intitulée "Nouvelles topographies: photographies d’un paysage modifié par l’homme" – aborde le paysage en plein air; William Eggleston (né en 1939), l’un des pionniers de la photographie documentaire en couleur; et Nan Goldin (b.1953) dont la contribution à art contemporain comprend de nombreuses séries de photos documentaires sur des groupes déviants et des questions féministes. Voir également les œuvres de Lewis Baltz, Frank Gohlke et Stephen Shore.
Photographes de documentaires célèbres
Voici une courte liste des plus grands représentants de la photographie documentaire, classés par ordre chronologique:
Roger Fenton (1819-69)
Photographe de guerre pionnier.
Mathew Brady (1822-96) a
photographié la guerre civile américaine.
John Thomson (1837-1921)
Photographe social pionnier noté pour "Street Life in London" (1877).
Tim O’Sullivan (1840-82) Photographe
pionnier en pleine nature de l’Ouest américain.
William Jackson (1843-1942)
Photographe de paysage influent, notamment du Wyoming et de la région de Yellowstone.
Jacob Riis (1849-1914)
célèbre pour ses photographies documentaires à caractère social pionnier sur les bidonvilles de New York, en particulier sa série "How The Other Half Lives" (1890).
Eugene Atget (1857-1927)
connu pour ses archives de plans filmés d’immeubles à Paris.
Lewis Hine (1874-1940)
Célèbre pour avoir exposé les conditions de travail des enfants au travail en Virginie occidentale, en Caroline du Nord, dans le New Jersey et ailleurs.
Charles Sheeler (1883-1965)
Peintre spécialiste en précision, réputé pour avoir photographié l’usine de voitures de la société Ford Motor au Michigan.
Roman Vishniac (1897-1990)
Photographe juif américain qui a répertorié la vie juive avant la Seconde Guerre mondiale.
Walker Evans (1903-1975), Dorothea Lange (1895-1965)
Tous célèbres pour leurs portraits portraits de personnes et de familles de la dépression.
Ansel Adams (1902-84)
célèbre pour ses «photographies sauvages de l’ouest américain».
Ken Domon (1909-90)
renommé pour ses photos de survivants de la bombe atomique d’Hiroshima et de la pauvreté infantile dans la mine de charbon de Chikuho, Kyushu.
Hans Namuth (1915-90)
célèbre pour ses séries photographiques sur des artistes comme Jackson Pollock, le cubiste Stuart Davis; les artistes pop Andy Warhol, George Segal et Roy Lichtenstein; le sculpteur minimaliste Richard Serra et d’autres.
Diane Arbus (1923-1971)
notoire pour ses photos de monstres.
Robert Frank (né en 1924)
renommé pour sa série intitulée "Les Américains" (1959)
Larry Burrows (1926-1971)
Photojournaliste pour le magazine LIFE, réputé pour ses essais photographiques sur la guerre du Vietnam.
Don McCullin (b.1935) Photographe
très respecté d’individus pris dans des zones de guerre.
Steve McCurry (b.1950)
Mieux connu en tant qu’artiste photo de National Geographic.
Nan Goldin (née en 1953) Une
photographe féministe s’est distinguée par son travail novateur auprès des groupes sociaux minoritaires.
Nadav Kander (b.1961)
Mieux connu pour sa série émoussée de photos de la rivière Yangste, en Chine.
Des photographies documentaires sociales sont régulièrement présentées dans certains des meilleures galeries d’art contemporain à travers l’Amérique.
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