Déjeuner sur l’herbe, Edouard Manet:
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La description

Nom: Dejeuner sur l’herbe (1863) (Déjeuner sur l’herbe)
Artiste: Edouard Manet (1832-1883)
Moyen: Peinture à l’huile sur toile
Genre: Peinture de genre
Mouvement: Le réalisme
Emplacement: Musée d’Orsay, Paris

Pour une interprétation d’autres images des 19e et 20e siècles, voir: Analyse des peintures modernes (1800-2000).

EVALUATION DE L’ART
Pour l’analyse de peintures
par les impressionnistes
comme Manet, voir:
Comment apprécier les peintures.

Largement considéré comme l’un des pères fondateurs de l’art moderne, Manet a été associé au «nouveau style de peinture» – plus tard surnommé Impressionnisme – et a été tenu en haute estime par les peintres impressionnistes comme Berthe Morisot (1841-1895), Monet (1840-1926), Renoir (1841-1919) et Dégazer (1834-1917). Cependant, il n’a jamais exposé à aucun des Expositions impressionnistes. Bien que certaines de ses peintures – notamment sa nus féminins comme Dejeuner sur l’herbe (1863) et Olympie (1863) – provoqua un énorme scandale parmi les critiques et le public, il resta essentiellement un homme d’établissements qui cherchait avant tout la reconnaissance du Salon et de l’Académie. Elève du peintre d’histoire académique Thomas Couture (1815-1879), Manet fut fortement influencé par le Maîtres Anciens au Louvre, notamment les Vénitiens Giorgione (1477-1510) et Titien (1485-1567), portraitiste hollandaise Frans Hals (1582-1666), le classique espagnol Diego Velazquez (1599-1660) et le romantique Goya (1746-1828). Chez Manet plus grandes peintures de genre sont: Le balcon (1868); Roadmenders dans la rue de Berne (1878); et Un bar aux Folies-Bergere (1882). Pour plus d’informations sur l’artiste, voir: Manet impressionniste (1832-1883). Pour plus d’informations, veuillez également consulter: Caractéristiques de la peinture impressionniste.

L’histoire de art moderne commence dans un conflit entre le "goût officiel" de la Académie française, avec son classicisme historique ou littéraire et son souci de la consistance des surfaces, et ses artistes héroïquement indépendants qui se sont battus pour un art urbain authentiquement moderne. Et ce début a eu lieu au printemps 1863 à la Salon des Refusés, une exposition officielle commandée par l’empereur de France, Napoléon III, pour montrer les nombreuses œuvres d’art rejetées par le jury exceptionnellement dur du président Salon cette année. (Les deux tiers des œuvres soumises avaient été refusées.) L’objectif de l’Empereur n’était pas de sanctionner l’art "rejeté", mais de donner au public une chance de "juger les jurés". Il a certainement éveillé la curiosité des parisiens – le premier jour seulement, il y avait sept mille visiteurs et une œuvre d’art a littéralement volé la vedette – Le déjeuner sur l’herbe d’ Edouard Manet. C’était le premier de nombreux exemples exceptionnels de La peinture défini par le scandale et, finalement, sanctionné par l’histoire de l’art, entrant dans les plus hautes sphères du goût officiel.

Manet avait quarante ans et, bien qu’il ait attiré l’attention de parisiens sophistiqués, il n’était connu que d’un petit cercle d’amis, jusqu’à ce qu’il devienne soudainement célèbre avec Dejeuner sur l’herbe. La peinture a scandalisé Paris. Depuis le Radeau de la méduse (1819) de Théodore Gérica (1791-1824), aucune œuvre n’a résumé les tendances révolutionnaires d’une génération. Il a été critiqué pour sa brutalité, son amoralité et sa décadence.

Le critique Ernest-Alfred Chesneau (1833-1890), par exemple, écrivait à propos de la photo: "Deux barbouilleurs vêtus de velours discutent de l’esthétique avec une femme vêtue seulement de sa vertu…" "Sa couleur criarde perce les yeux comme une scie en acier; ses personnages semblent avoir été découpés avec un poinçon et avoir une dureté qui ne peut faire aucun compromis apaisant. Il a toute la désagréabilité des fruits verts qui ne mûriront jamais. "

Art d’avant-garde

En même temps, le tableau remporte l’approbation enthousiaste de jeunes artistes et deviendra un objet de culte de art d’avant-garde.

Dans la peinture, Manet représente une femme nue (par opposition à nue), dont les vêtements clairement contemporains sont arrangés avec du pain, des fruits et une grande fiole en argent, en bas à gauche. Les deux jeunes hommes, vêtus d’une tenue tout aussi contemporaine, ont été identifiés comme étudiants. Il est clair que le nu n’est pas une déesse, mais une femme moderne – peut-être même une prostituée – qui ose non seulement apparaître nue avec des hommes, mais admet effrontément le spectateur, ce qui en fait des complices de ce pique-nique amoral. Une autre jeune femme, vêtue seulement de sa chemise, se lave dans un ruisseau. Ce n’est ni Susannah ni Bathsheba au bain, et le fait que la photo s’appelait à l’origine simplement Le Bain (The Bath) montre que Manet n’a pas tenté de "revêtir" son sujet d’allégorie ou d’histoire, en choisissant de représenter ce qui aurait été En réalité, un acte privé dans le forum entièrement public d’une exposition parrainée par le gouvernement.

Cependant, le thème visuel n’aurait pas, à lui seul, assuré le succès du tableau du succès. Manet a choisi de peindre l’œuvre rapidement, souvent à l’aide de grands pinceaux décrivant sommairement (certains pensant négligemment) le cadre du paysage et rendant les personnages au premier plan et les éléments de nature morte avec de grands traits séparés qui, pour de nombreux téléspectateurs, étaient " brut "en tant que sujet représenté. Evitant l’élégant travail linéaire de JAD Ingres (1780-1867) – voir La Baigneuse Valpincon (1808) et La Grande Odalisque (1914) – Manet a préféré l’approche du toujours scandaleux Gustave Courbet (1819-1877), qui peignait des nus dans son atelier et utilisait un couteau à palette plutôt qu’un pinceau.

Manet n’était pas un rebelle complet. La peinture est pleine d’allusions à l’art "musée" de Giorgione, Raphaël et Titien et, plus proche encore, aux fêtes amorales doucement amorales d’artistes français du XVIIIe siècle comme François Boucher (1703-70) et Jean-Honoré Fragonard (1732-1806), qui peignaient tous les deux de temps en temps avec des traits de peinture également "bruts". C’est donc comme " académique "dans son pedigree esthétique choisi par lui-même comme toute oeuvre des artistes apparemment" académiques "Alexandre Cabanel (1823-1889) ou Jean-Léon Gérôme (1824-1904). Pourtant, même dans ses citations, Manet incitait le spectateur à accepter "réalité" vulgaire de son sujet en le traitant dans des termes définis par les "œuvres d’art" dans les musées. C’était à l’origine une adaptation moderne du Concert Champetre de Giorgione, mais les poses des trois figures centrales découlent en réalité de figures subsidiaires dans le gravure de Marcantonio Raimondi (1480-1534), après Le Jugement de Paris (1515-16) de Raphaël (aujourd’hui disparu).

Cependant, c’est le regard droit du modèle de Manet qui rend ce pastiche conscient de soi si convaincant. La peinture nous regarde et nous pousse vers un acte de jugement esthétique et social que nous pourrions autrement éviter. La pose alerte et non érotique du modèle et le fait que son orteil joue distraitement avec la jambe pantalon du gentilhomme gesticulant rendent difficile la prise au sérieux de cette composition ambitieuse.

Pour d’autres peintures de figures de Manet, voir: Portrait d’Emile Zola (1868) et Portrait de Berthe Morisot aux Violettes (1872).

Une expression de la vie contemporaine

Manet voulait exprimer la vie contemporaine, dans laquelle les frontières sociales, les différences de rang et les idées morales n’avaient pas été aussi contraignantes depuis un certain temps. Les prostituées, par exemple, ont commencé à jouer un rôle social non négligeable et à ne plus mener une vie clandestine; dans le théâtre de la mode masculine, les employés se distinguent difficilement des aristocrates. Soudainement, dans un travail matériel de plus en plus industrialisé, c’est non seulement les choses qui étaient devenues plus disponibles et échangeables, mais aussi l’ insigne du rang social. Manet a pris pour sujet de cette rupture des ordres sociaux traditionnels – l’expérience de l’individu déraciné dans une société en mutation rapide.

Les personnages des tableaux de Manet nous font toujours face comme si, par hasard, ils se rencontraient avec un regard fugitif, indifférent, souvent abrupt. Ce sont des parisiens ordinaires: l’homme qui regarde la photo est inspiré du frère de Manet, l’autre est le sculpteur Ferdinand Leenhoff (1841-1914). Sa soeur, la pianiste Suzanne Leenhoff (1829-1906) allait devenir la femme de Manet dans 1863); et la femme nue est la figure récurrente du modèle préféré de Manet, Victorine Meurent ("la crevette") (1844-1927). La situation de Meurent ne faisait que souligner à quel point les temps changeaient. Loin d’être une strip-teaseuse, elle était un mannequin très recherché et une artiste à part entière, qui exposait régulièrement au Salon de Paris. En 1876, par exemple, l’inclusion de ses peintures dans l’exposition-concours du salon fut approuvée, alors que celle de Manet ne l’était pas.

Explication d’autres peintures modernes du XIXe siècle

NOTE: Pour l’histoire derrière "L’impressionnisme" et les artistes qui l’ont créée, veuillez consulter notre série en 10 parties, qui commence: Impressionnisme: origines, influences .