Le roi des peintres Titian Vecellio (1477-1576)

Titian Vecellio da Cadore est l’un des plus grands artistes de tous les temps, aux côtés de légendes de la Renaissance italienne comme Leonardo, Michelangelo et Raphael. Titien, un génie reconnu de son temps, s’appelait "le roi des peintres et le peintre des rois". Les découvertes de ce titan de la peinture dans le domaine des beaux-arts, d’une manière ou d’une autre, ont influencé le travail de tous les artistes suivants. Titian a joué un rôle important dans le développement du genre mythologique, du paysage et du portrait. À propos, être capturé avec le pinceau d’un maître était la plus haute récompense pour ses contemporains.

Titian - Galerie de peintures sur Gallerix.ru

L’artiste a vécu une longue vie, en conservant jusqu’au dernier jour une pensée claire, une sensibilité de perception, une acuité visuelle et une capacité de travail étonnante. Cela a permis à Titian de ne pas se laisser toucher par le pinceau jusqu’à la fin de ses jours et de laisser aux descendants un vaste héritage artistique. Dans ses créations, la fragilité et la solennité, la spiritualité et le quotidien de la réalité, la tragédie et la beauté de l’homme et du monde ont été combinées de manière étonnante. Non sans raison, les œuvres du peintre ont été copiées d’innombrables fois.

La vie et l’œuvre de l’artiste sont tombées dans la période de la plus grande prospérité de Venise, la splendeur même de sa puissance et de sa gloire, l’époque des changements globaux et des événements historiques. Selon diverses sources, Titien serait né en 1477 ou 1480. Ses parents appartenaient à une vieille famille qui vivait dans la petite ville de Pieve di Calore, située dans les Alpes. Le garçon a montré qu’il était capable de dessiner tôt et, à l’âge de dix ans, ses parents l’ont envoyé à Venise pour y étudier. Les fondements des beaux-arts du jeune Titien compris dans l’atelier de Giovanni Bellini, qui a joué un rôle important dans le destin du jeune artiste, en le présentant au peintre déjà célèbre Giorgione. Cette rencontre a joué un rôle important dans la vie de Titian. Grâce à elle, il a très tôt trouvé son propre style et a été reconnu. Et bien que deux artistes talentueux ne soient pas devenus amis - les habitudes, les personnages et les conceptions de la vie étaient trop différents - on ne peut sous-estimer le rôle joué par Giorgione dans la vie de Titian. Le respect de ce dernier à l’égard de son camarade aîné peut être jugé à l’évidence de la dureté avec laquelle Titian a enduré la mort inattendue de Giorgione (le grand artiste est décédé subitement alors qu’il n’avait que trente-cinq ans).

Un hommage particulier au talent de Giorgione et à son rôle important dans le destin de Titian a été la restauration par l’artiste de la Vénus endormie de Giorgione, qui avait brûlé dans l’incendie. Titian a complètement réécrit la toile irrémédiablement endommagée par le feu, en ne conservant que la pose de l’héroïne et son visage tendre. Le peintre modeste n’a pas commencé à signer le tableau avec son propre nom et n’a jamais mentionné la paternité presque complète du chef-d’œuvre attribué au pinceau de Giorgione. Cette œuvre a peut-être été le premier jalon dans la confusion qui a suivi, en raison de laquelle, au cours de nombreuses décennies, les peintures de Titian, caractérisées par leur rare perfection d’exécution, ont souvent été attribuées aux pinceaux de Giorgione.

Mais revenons un peu en arrière, notamment en 1508, à «l’âge d’or» de la Renaissance italienne, lorsqu’un artiste reconnu a invité le jeune Titien à l’aider à décorer le Compound allemand à Venise. Giorgione a commencé à concevoir sa partie du composé allemand beaucoup plus tôt que son jeune camarade, en choisissant pour lui-même la façade principale du bâtiment qui a l’air plus avantageux. Titian restait avec l’arrière de la cour donnant sur une rue étroite, toujours remplie de monde. Giorgione, qui était non seulement un peintre de talent, mais aussi un homme charmant, a toujours été entouré de nombreux amis qui venaient de temps en temps sur le lieu de travail pour louer l’artiste et élever son esprit créatif. Titien, distingué par son silence et son isolement, travaillait principalement dans la solitude. Sans surprise, Giorgione, un homme accompli et confiant, a terminé le travail beaucoup plus tôt que son jeune collègue.

Lorsque la restauration du complexe allemand a finalement été achevée, tout Venise a couru voir ce miracle. Le plaisir du public était illimité et, selon de nombreux témoignages, la peinture de Titian était la plus sensationnelle. Pour évaluer les peintures murales, une commission spéciale a été créée, dirigée par Bellini. Les souvenirs d’un des témoins présents ce jour-là - Dolce a survécu: «Titian a dépeint la magnifique Judith, elle est avant tout un éloge. La couleur et le design étaient si parfaits que dès qu’elle a comparu devant le public, tous les amis de Giorgione, qui ont unanimement décidé qu’il s’agissait de son travail, ont immédiatement félicité l’artiste, l’assurant qu’il s’agissait de la meilleure de toutes ses créations. ”Malheureusement, à l’heure actuelle, nous ne pouvons pas juger le travail des deux maîtres, car après seulement trente ou quarante ans, les fresques ont été presque complètement perdues à cause de la peinture très humide, saturée de sel marin, d’air vénitien et rouillée. Mais même parmi les fragments individuels qui ont survécu, il est clair que Titian a brillamment réussi ce test difficile, se déclarant comme un artiste talentueux au style profondément individuel.

Et le poids, grâce à la participation à ce projet, a commencé à parler très tôt des œuvres de Titien, car les premières œuvres du maître se distinguaient par leur rare réalisme et leur transfert soigné des détails, ce qui était rarement possible pour les jeunes peintres. La situation extrêmement favorable pour les créateurs du pays n’a pas joué un rôle mineur dans la reconnaissance précoce de l’artiste. Pendant cette période, Venise a vécu dans la paix et la prospérité grâce à une flotte puissante, au commerce développé et à une position économique forte.

Créer un style unique

À une époque où poètes, écrivains, musiciens et artistes représentaient des personnes heureuses sur fond de nature sereine, les œuvres d’art étaient principalement axées sur l’amour, la beauté et la poésie des relations. Dans un tel environnement, le chemin créatif du jeune Titien a commencé.

À l’origine, l’artiste était emporté par l’image de la nature et le moment magique avant le coucher du soleil, lorsque le ciel acquit une couleur vive et saturée, devint son heure préférée de la journée. Vous pouvez deviner que la saison préférée du Titien était l’automne, avec ses couleurs vives et multicolores. Certes, l’amour des paysages n’a pas duré longtemps, au fil du temps, le maître a commencé à privilégier un autre genre, à savoir le portrait.

Les gens ont commencé à attirer l’artiste, avec son monde intérieur riche et complexe. Parmi les premières œuvres de l’artiste, «Portrait d’un homme vêtu d’une robe à manches bleues», qui représente l’un des meilleurs amis de l’artiste, le poète Ludovico Ariosto, appuyé sur le parapet avec les initiales «TV», se distingue comme une habileté particulière.. Certes, il existe une version que Titien lui-même est représentée sur la photo, qui est maintenant stockée à la National Gallery de Londres. La question reste controversée, mais non fondamentale, car l’essentiel de cette œuvre n’est pas son objet, mais la manière d’écrire de la jeune artiste et le talent avec lequel elle a été interprétée. La couleur gracieuse du tableau, la légèreté des traits, la composition simple et harmonieuse, le tissu joliment peint des vêtements d’un homme, l’observation du spectateur un peu plus haut, tout cela caractérise le talent déjà exceptionnel de Titian.

Au fil du temps, le travail de Titian a commencé à être rempli de récits, de dynamiques, de tensions et de drames toujours plus grands. La nature sur eux n’était plus silencieuse et statique, elle était remplie de vie et les gens à son fond étaient remplis de sentiments et de mouvements. Par exemple, dans le tableau Three Ages of Men (1512, National Gallery of Scotland, Edinburgh), le temps qui passe et la brièveté de l’âge humain sont illustrés. L’intrigue de l’image, qui se déroule dans le contexte d’un paysage ensoleillé, doit être lue de droite à gauche. Deux bébés dormant dans le sommeil à l’avant-plan à droite représentent le début serein de la vie lorsqu’une personne ne sait pas encore quelles joies et quels chagrins l’attendent dans le futur. Le petit ange veille à la paix et à la sécurité des enfants, autour desquelles la jeune herbe peine à se frayer un chemin. Dans la partie gauche de la composition, au premier plan, sous une épaisse couronne d’arbre, se trouve un jeune couple amoureux. Cette partie de l’image représente le milieu de la vie quand nous sommes jeunes, pleins de force, de désirs, de santé et d’énergie. Et à l’arrière-plan se trouve un vieil homme avec deux crânes à la main. Les crânes symbolisent l’inévitabilité de la mort qui attend chaque personne à la fin de sa vie. La tête du vieil homme est abaissée à la poitrine, exprimant la tristesse et le désespoir de la vieillesse. Le sens de la photo est simple: nous sommes tous nés pour mourir plus tard. Ce sujet a enthousiasmé Titien tout au long de son travail et a été reflété dans d’autres toiles, par exemple «Allégorie du temps et de l’esprit», que nous examinerons plus tard.

Le tableau «Concert de pays» (vers 1510, au Louvre, à Paris) fait également partie de la période initiale de la créativité de l’artiste, durant laquelle Titian a réussi à transmettre une fusion étonnamment harmonieuse de l’homme à la nature lors d’une soirée belle et tranquille. Nous avons devant nous deux jeunes hommes vêtus de beaux vêtements de couleurs vert pâle et brillantes, rouge-orange. L’un d’eux est un musicien, il est sur le point de toucher les cordes de son luth, l’autre est un villageois, il est prêt à écouter attentivement. Au premier plan, une femme nue, une flûte à la main, probablement Muse. Elle se tourne vers le spectateur et regarde attentivement le musicien. Sur le côté gauche de la composition se trouve une autre vierge nue, entre ses mains, un vase rempli d’eau, symbolisant l’idée de purifier tous les êtres vivants par la communication avec l’art. La nudité des jeunes filles dans l’arrière-plan de la nature est très harmonieuse et constitue une allégorie importante de l’expression de sentiments chastes.

La composition est complétée par le fond, nous renvoyant de cette atmosphère étonnante et poétique à la prose de la vie, à laquelle il est impossible de se cacher de nulle part. Le berger, errant avec son troupeau sous les denses arbres, devint la personnification de la terre sur la photo. Au fond de l’image, vous pouvez voir les toits de simples maisons de paysans. Les gens qui y vivent ne se doutent même pas de l’existence de ce coin paradisiaque de la nature. Lorsque vous regardez la photo, vous avez l’impression que, même si le héros n’a pas eu le temps de commencer à jouer du luth, les sons envoûtants de la musique ont déjà réussi à occuper tout l’espace. Initialement, cette peinture a été attribuée au pinceau de Giorgione, car elle influence très fortement ses méthodes - l’image d’un monde idéal rempli de rêves et d’illusions, existant en dehors du temps et de l’espace réels.

Le sujet des contrastes entre le haut et le terrestre a été repris dans une autre œuvre de Titien appartenant à la même époque. Dans le tableau “Concert interrompu” (vers 1510, Palazzo Pitti, Florence), nous voyons un jeune moine jouant avec enthousiasme sur une épinette. Derrière lui se trouve un vieil homme qui tente d’arrêter le jeu du jeune homme en lui touchant l’épaule. Le moine se retire à contrecoeur de son occupation: ses doigts maigres continuent de palpiter au-dessus des touches, bien que sa tête soit déjà tournée sur le côté. Le visage du camarade principal est sévère, la raison en est le jeune homme debout à gauche, vêtu d’un patricien au regard arrogant et vide, qui a tourné devant les musiciens, avec un sourire ironique fixé sur ses lèvres.

L’idée principale de la photo est que le monde sublime de l’art, de l’harmonie, de la beauté et de l’amour peut toujours être détruit par la réalité brute qui se déroule de la manière la plus inattendue. Ainsi, sur la photo, l’indifférence du patricien, loin du monde de la musique, et en fait indifférent à celui-ci, empêche un homme avec un luth d’arrêter son camarade fasciné, afin de ne pas gaspiller force et inspiration une personne qui n’est pas capable de l’apprécier.

L’intrigue du tableau a peut-être été influencée par les travaux du philosophe Platon, alors publié à Venise, qui, dans ses "Lois", exprimait l’idée que "le plus bel art est celui qui n’est perçu que par les élus".

L’une des premières peintures bibliques de Titian est une peinture intitulée «Ne me touche pas» (vers 1512, National Gallery, London). Au cœur de la toile se trouve un épisode de l’Évangile dans lequel Jésus-Christ apparaît à Marie-Madeleine, et celle-ci, afin de s’assurer qu’il est vraiment vivant et non un rêve, s’adresse à lui. Mais Jésus couvrant timidement sa nudité avec un linceul, il dit: "Ne me touchez pas, car je ne suis pas encore monté vers mon Père." Le fond de l’intrigue est le paysage - un grand arbre représenté au centre de la toile, les maisons s’élèvent à droite sur la colline et la mer est visible au loin. Les figures de Marie et du Christ au premier plan brillent littéralement, des couleurs choisies de manière magistrale dans des tons dorés, bruns et ocres ont longtemps fait penser aux historiens de l’art que le tableau appartenait au pinceau de Giorgione.

Amour et envie des puissants

Dès son plus jeune âge, Titien, traité avec bonté par le pouvoir, s’est vu proposer à plusieurs reprises de quitter sa chère Venise et de s’installer sous l’aile de l’un ou l’autre des mécènes. Mais l’artiste était trop attaché à cette ville et espérait y construire sa vie et sa carrière. Par conséquent, après avoir obtenu une certaine reconnaissance, le peintre écrivit une lettre d’appel aux dirigeants de la ville dans laquelle il proposait d’entreprendre le travail le plus difficile qui soit, qui consistait à programmer la salle du Grand Conseil. Parallèlement à cela, il a demandé à examiner sa candidature pour le poste vacant d’intermédiaire en approvisionnement en sel à la base allemande avant cette date. À première vue, c’est étrange, mais cette position administrative à Venise était généralement occupée par des artistes. Cela était dû aux spécificités de leur travail, nécessitant une connaissance des minéraux, que ce soit du sel ou de la peinture. La position intermédiaire était une friandise pour tout artiste de cette époque. Elle a donné le droit de recevoir un salaire annuel et le titre honorifique de peintre officiel de la République de Saint-Marc. Et ceci, à son tour, fournissait à l’artiste un travail - il recevait automatiquement la plupart de l’ordre public, y compris les portraits de tous les nouveaux doges pour la salle du Grand Conseil. En outre, le trésor a payé une grande partie des dépenses de l’artiste: location d’un atelier, achat de toiles et de peintures, ainsi que de divers autres besoins.

Ainsi, en 1513, Titien fut incroyablement chanceux - le Conseil du gouvernement accepta sa proposition. L’artiste heureux a commencé à s’installer dans un nouveau lieu. Beaucoup d’étudiants sont venus dans son atelier, de jeunes artistes rêvaient de travailler avec un maître aussi reconnu et célèbre, des peintres plus matures enviaient sa position avantageuse et honorable. Mais, malheureusement, la joie de Titien n’a pas duré longtemps. Un autre artiste vénérable, Giovanni Bellini, dans l’atelier duquel travaillait le jeune Titien, a été scandalisé par cette nomination. Il s’est tourné vers son patron, l’un des influents Doges de Venise, pour lui demander de contester la décision du Conseil. En conséquence, un scandale a éclaté et la décision de nommer Titian a été rapidement annulée. Cela a également été facilité par un changement dans la composition du Grand Conseil, qui s’est produit au mauvais moment pour le jeune artiste. Titien était furieux, mais n’abandonna pas ses projets ambitieux. Le résultat de sa lutte est sa nouvelle nomination au poste d’intermédiaire du sel, qui n’a lieu que quatre ans plus tard, en 1517.

Titien a partiellement exprimé sa colère contre ceux qui détiennent le pouvoir dans son ouvrage Le dinarium de César, créé en 1516 (le tableau se trouve maintenant à la galerie d’art de Dresde). La toile est peinte avec une palette exceptionnellement riche et riche, grâce à laquelle l’image semble très en relief. La composition de l’image est simple et expressive. Deux personnages, montrés à la taille, semblent se heurter sur la toile. Il s’agit de deux opposés: des vertus dans l’image du Christ debout au centre et de la cupidité dans l’image du pharisien, comme si elles envahissaient l’image de droite. L’hypocrite étend le denier au Christ, toute son apparence est provocante et déplaisante. Le Christ, au contraire, est une incarnation de la pureté et de la sincérité, sa silhouette sur un fond sombre éclairant toute la toile. Il regarde calmement le pharisien, la confiance dans ses yeux et une question idiote: "Pourquoi me tentez-vous?" La signification de l’image est simple et compréhensible - le Seigneur connaît toutes nos pensées, car il est Celui qui voit tout et sa réponse est simple mais profonde: "Donnez à César ce qui est à César, si ce n’est Dieu le Dieu". Prenant l’intrigue biblique traditionnelle, l’artiste a reflété ses pensées les plus profondes sur le bien et le mal. La couleur générale de l’image est alarmante. Brillantes, comme remplies de lumière, les robes du Christ, associées à son visage impeccable et éclairé, contrastent vivement avec les teintes marron-dorées qui représentent le pharisien, incarnant tout le mal et l’injustice du monde. Son apparence est colorée - un nez rugueux avec une bosse, un front haut, une boucle d’oreille à l’oreille, une peau bronzée, une main nerveuse tend une pièce de monnaie. Ce n’est pas un hasard si deux personnages, l’un représentant la bonté et la noblesse, et l’autre, toute la bassesse et la méchanceté dont une personne est capable, occupent un espace aussi différent sur la toile. Ce n’est pas un hasard si Titien coupe la figure du pharisien, le presse jusqu’au bord du tableau, montrant ainsi son attitude face à la question de la lutte entre le bien et le mal, sa conviction sans fin que le principe divin stocké dans chaque personne peut vaincre tous les vices du monde.

Recherche de bonheur personnel

La vie personnelle de l’artiste n’a pas fonctionné tout de suite. Pendant longtemps, il ne put trouver sa bien-aimée à son goût. Pour la première fois, Titian a eu l’idée de se marier lorsqu’il a rencontré la fille de son ami, une très jeune fille nommée Violana. Malheureusement, rien n’indiquait que son amour était réciproque, mais à en juger par le fait que Violana se rendait souvent dans l’atelier de l’artiste et lui posait pour plusieurs œuvres, Titian ne lui était pas indifférent. Certes, malgré cela, le mariage n’a pas eu lieu. Les biographes de Titian ne peuvent que spéculer sur les raisons de ce résultat, mais il est fort probable que les parents de la fille se soient opposés à l’union.

L’artiste a immortalisé son amour et sa passion pour Violanta dans le tableau Flora, écrit vers 1515 (l’œuvre appartient maintenant à la Galerie des Offices de Florence). Ce travail est devenu un véritable chef-d’œuvre du jeune Titien. L’image est saturée de sensualité et d’admiration pour la beauté féminine. Une belle fille aux cheveux d’or tient dans sa main droite un bouquet des premières fleurs du printemps. De l’autre main, elle tient une cape qui glisse de son épaule, dévoilant presque sa poitrine. L’image de Violana est apparue plus tard dans de nombreuses œuvres du maître («Amour céleste et Amour terrestre», «Solomei», «Jeune femme au miroir», «Violana» et autres), en tant qu’incarnation de la vraie beauté et de la féminité. Mais Flora est devenu le plus célèbre d’entre eux, la toile a été copiée et copiée par d’autres artistes à plusieurs reprises.

La deuxième œuvre importante de l’artiste, écrite à la même époque, était «Amour céleste et amour terrestre» (vers 1515, Galerie Borghèse, Rome). Les "Nymphes Azolan" de Bembo et le roman "Les batailles de l’amour dans les rêves de Polyphilus", qui ont fait l’objet de discussions animées dans les salons vénitiens, sont à l’origine de cette idée. Les racines de l’un et de l’autre se trouvent dans la mythologie romaine, dans laquelle deux Vénus personnifiaient l’unité des contraires: des sentiments platoniques sublimes et des désirs et passions charnels.

La toile est peinte dans des couleurs étonnamment vives et claires qui transmettent une perception joyeuse de la vie et du monde qui l’entoure. Elle est pleine d’allégories et de symboles, comme elle a été créée à la demande d’une personne connaissant bien l’art. Au premier plan de la photo, on voit deux belles femmes assises près de la source. À gauche, la belle Violana à l’image de l’amour terrestre. Sa robe a été interceptée par une ceinture munie d’une boucle en métal, qui représente le symbole du mariage. Son emblème est une couronne de brindilles de myrte sur sa tête. L’amour céleste dans la partie droite de l’image tient solennellement une lampe allumée dans sa main levée, comme s’il bénissait l’amour terrestre pour la réciprocité. Il est difficile de ne pas remarquer que, malgré le fait que les deux femmes sur la toile sont en quelque sorte opposées - en réalité, elles sont sur le même visage. La différence ne réside que dans les tenues des héroïnes. Heavenly Love est nue, seule une pièce de tissu blanc recouvre ses hanches - c’est un symbole de sa pureté et de son innocence, sa cape rouge contraste vivement avec les couleurs modestes et sobres des vêtements de Earthly Love.

Comme dans toutes les toiles de cette époque, le fond n’a pas joué un rôle moins important dans la signification symbolique de l’image que ses personnages principaux. Un paysage à la fois sensuel et exceptionnellement dégagé est divisé en deux parties par un puissant arbre. Dans la partie "terrestre" de la photo, on voit une maison riche et un cavalier s’approchant de celle-ci, qu’une femme aimante et fidèle attend devant la porte. Les lièvres, laissés derrière la figure de l’amour terrestre signifient la fertilité. Le paysage sur le côté droit de l’image comprend un clocher d’église au milieu de chaînes de montagnes, un lac et un troupeau de moutons avec un berger les gardant. Cupidon au centre de la toile est occupé à attraper les pétales de roses tombés de l’eau.

Dans cette composition inhabituellement harmonieuse, le maître tente, de manière très élégante, de résoudre le dilemme actuel et éthique sur le rapport entre le sentiment exalté et la passion charnelle. L’œuvre lyrique regorge de nombreux détails très réalistes qui caractérisent le style de l’auteur actuel, Titian, ainsi que sa riche palette. Le client de la toile, un fonctionnaire amoureux du Grand Conseil, était très satisfait du tableau, ne se doutant même pas qu’il deviendrait un grand chef-d’œuvre de la peinture du monde.

Au même moment, le tableau «Madonna aux cerises» était peint (1515, Kunsthistorisches Museum, Vienne). La toile se distingue par la luminosité de la solution coloristique et par le détail exact de toutes les figures et de tous les objets, ce qui témoigne sans aucun doute du grand talent et du talent de son auteur.

En ce qui concerne l’histoire de l’amour insatisfait de Titian et de la jeune Violana, elle, après avoir rencontré l’opposition d’autres personnes et de membres de sa famille, n’est parvenue à rien. Le maître rentra chez lui, ne soupçonnant même pas que c’était là que le destin l’attendait. Le frère aîné de l’artiste a amené une nouvelle femme de ménage chez lui - une simple fille, Chechilia. Avec elle, la maison de l’artiste était pleine de propreté et de confort, son foyer s’animait, la cuisine était pleine d’arômes alléchants. Titien a été frappé par la simplicité, la spontanéité, la modestie et la noblesse de Tchétchilie. Mais il ne savait toujours pas que c’était elle qui deviendrait sa compagne pour la vie, une amie fidèle et sa mère de trois enfants.

Le peintre officiel de la République de Saint-Marc

En 1517, Titien, finalement approuvé comme artiste officiel de la République de Saint-Marc, travaille à la création de l’image de l’autel de l’Ascension de Marie (1516-1518, église Santa Maria Gloriosa dei Frari à Venise). Le jour de l’ouverture, l’église était encombrée d’éminents invités et de gens ordinaires. Lorsque la couverture fut retirée solennellement de l’autel, les personnes présentes furent littéralement étouffées par la lumière aveuglante qu’elle exhalait. L’intensité émotionnelle a atteint son apogée, exprimée par des cris de joie et d’indignation, un effet aussi saisissant a créé une nouvelle création de l’artiste. C’est devenu un nouveau jalon dans l’histoire de la peinture vénitienne et mondiale, dans laquelle il sera difficile de trouver une œuvre qui se distingue par le même impact émotionnel puissant. L’art des célèbres Bellini et Carpaccio, qui étaient alors célèbres, n’a jamais atteint de tels sommets, et la peinture mondiale de cette époque n’avait pas d’autre exemple d’un tableau aussi grand et monumental.

La composition de l’œuvre est divisée en trois parties. Dans la partie inférieure se trouvent les figures de trois mètres des onze apôtres qui escortent la Vierge et montent au ciel. Le maître a parfaitement transmis leurs émotions à travers des expressions tendues et agitées de leurs visages. Les apôtres sont exécutés de manière si réaliste qu’il semble au spectateur qu’il va maintenant entendre leurs gémissements et leurs exclamations désespérés. Au centre de la fresque, on voit la figure majestueuse de la Mère de Dieu, qui dit au revoir à ce monde et que des anges escortent jusqu’à Dieu. L’expression de son visage est calme, dans son regard il y a la paix et la joie tranquille de la prochaine rencontre avec notre Père céleste. Et enfin, dans la partie supérieure de la composition, le Seigneur est représenté, attendant la vierge Marie avec deux anges. Malheureusement, la photo n’a pas été préservée. Le temps l’a beaucoup influencée, les couleurs se sont estompées et ont coulé. De plus, pour de nombreuses raisons, une immense toile a été constamment transportée d’un endroit à un autre, ce qui ne pouvait que compromettre sa sécurité. Cependant, il ne fait aucun doute qu’avec ce chef-d’œuvre, Titien prouvait à ses compatriotes à quel point il recevait à juste titre sa place d’artiste en chef de la République de Saint-Marc.

Les chefs-d’œuvre de l’artiste sont nés l’un après l’autre. En 1520, le magnifique «Portrait d’un homme avec des gants» fut peint (Louvre, Paris), représentant un représentant typique de l’intelligentsia de cette époque, proche d’esprit du Titien lui-même. L’homme représenté est plongé dans ses propres pensées, il est rêveur et pensif, il a des gants dans ses mains, mais il semble les avoir oubliés. Malgré l’apparent détachement, son visage exprime clairement sa position active vis-à-vis de la vie. Il donne l’impression d’une personne qui est très autonome, qui a confiance en elle et qui connaît bien la vie. Dans cette image, Titien présentait un certain héros de son temps, celui qu’il voudrait tant rencontrer dans la société vénitienne: un homme éduqué, mince, intelligent et profond, qui conservait sa dignité et sa noblesse spirituelle malgré des mensonges règnent partout, hypocrisie et colère.

Outre les portraits et la peinture religieuse, Titien crée de 1520 à 1523 plusieurs peintures au complot mythologique. La mythologie et l’allégorie étaient le patin incontesté du maître. Cependant, après la création des peintures «Bacchus et Ariane» et «Bacchanales sur l’île d’Andros», l’artiste s’est longtemps écartée des intrigues mythologiques. Les biographes de Titian attribuent cela au fait que le peintre a activement participé à la vie de la société, dont les problèmes l’ont constamment inquiété. La joie aveugle et le plaisir débridé des héros mythologiques étaient trop éloignés de la réalité qui entoure l’artiste avec ses vices et ses problèmes.

L’intrigue du tableau «Bacchus et Ariane» (1520-1523, National Gallery, Londres) nous montre le retour victorieux de Bacchus (dans la mythologie grecque de Dionysos) d’Inde sur l’île de Naxos, où Ariane aspire seule. Le char de Bacchus, attelé par deux léopards, se tient déjà calmement sur le rivage, et le dieu lui-même saute promptement d’elle à sa chère Ariane. L’escorte Bacchus appropriée est une compagnie amusante de satyres et de bacchanales. Ils courent après le chef qui, après avoir soulevé une jambe de mollet au-dessus de sa tête, tente de se dégager de l’emprise d’un boa constrictor. En bas, un petit satyre encore enfant tire la tête d’un veau sur lequel le chien aboie. Le garçon regarde le spectateur avec un air malicieux avec un sourire sournois, comme s’il attendait une réponse du public à son entreprise.

La cape violette de Bacchus nu flotte dans le vent, toute sa silhouette est exceptionnellement dynamique, elle reflète son impatience. La figure d’Ariane, au contraire, est détournée du spectateur, comme si elle lui était fermée. Il semble que Bacchus, avec sa rapidité, lui fasse peur. Ariane, choquée par tout ce qui se passe, se cache derrière sa main, ne sachant que faire ensuite. Le décor de l’action est un paysage représentant de puissants arbres, un village lointain, des montagnes à l’horizon et la mer.

La deuxième image mythologique de cette période était «Bacchanalia sur l’île d’Andros» (1523, Musée du Prado, Madrid). La toile représente une orgie des habitants de l’île, leurs corps nombreux remplissent presque tout l’espace de la photo. Ici, les hommes et les femmes qui boivent, s’amusent et commettent des atrocités. À l’arrière-plan, à droite sur la colline, se trouvait un Selen ivre nue, sur la partie avant droite de la toile, une jeune fille nue est représentée. Elle a déjà bu du vin et s’est endormie ici, sur une couverture blanche, en oubliant apparemment sa nudité. Au centre, à côté de celui qui dort, un petit enfant se relève.

À la fin de cette année, l’artiste a appris la triste nouvelle: un peintre italien talentueux, représentant de l’école vénitienne classique Vittore Carpaccio, est décédé. C’est à lui que Titien a dédié son nouveau tableau, «La position au sépulcre» (1523, musée du Louvre, Paris).

La composition de l’image est riche, faite de tons rouge-orange et noir, transmettant le drame et l’anxiété d’une intrigue dynamique. Il n’y a presque pas de fond, il n’y a qu’un ciel gris et une forêt sombre et presque noire dans le coin droit. À gauche, les figures lugubres de la Mère de Dieu et de Marie-Madeleine la réconfortant, qui la soutient par les épaules. Tous deux regardent avec horreur les trois disciples porter le corps sans vie du Christ pour le déposer dans une tombe. Le premier plan de l’image est rempli du rayonnement émanant du corps du Christ, comme s’il brillait de l’intérieur. Il semble briller de l’intérieur, remplissant d’éclat le premier plan de la toile. La photo est construite sur une combinaison de couleurs rouge et noire, transmettant un épisode dramatique alarmant et dynamique.

Les portraits de chiens pour la salle du grand conseil occupèrent une place importante dans l’œuvre de Titian en tant qu’artiste à la cour, mais malheureusement, ils furent presque tous brûlés lors de nombreux incendies. «Portrait de Federico II Gonzaga» (vers 1525-1529, musée du Prado, Madrid) occupe une place honorable dans la galerie de portraits de cour conservés appartenant à la brosse de Titien et sur lesquels le chien est capturé avec son chien chéri. Gonzaga est représenté presque à pleine hauteur. Ses vêtements bleu foncé, ornés d’étonnants ornements, confèrent à l’image un luxe et une certaine solennité. Le visage d’un chien aux traits aristocratiques délicats et à la barbe soignée et soignée est plein d’estime de soi. Il regarde le spectateur avec un regard lointain. Les doigts gracieux et bien coiffés de Gonzag caressent le chien, qui est pressé contre le propriétaire de tout son corps.

Série de pertes

À l’apogée de sa reconnaissance publique et de sa pertinence, l’artiste subit une tragédie personnelle. Lors de la naissance de leur deuxième fils avec Titian, Cecilia a soudainement commencé à saigner abondamment. Cette nouvelle a profondément choqué le peintre et, craignant le pire, il a décidé de se marier immédiatement.Titian a invité les meilleurs médecins à Cecilia, dont elle a finalement amélioré les efforts, mais l’artiste n’a pas changé d’avis quant à son mariage. Cette nouvelle se répandit rapidement dans tout Venise, car Titian était un artiste et un personnage très célèbre. Cependant, lui et Cecilia ont arrangé une cérémonie de mariage très modeste à la maison dans le cercle des personnes les plus proches et les plus chères.

C’était en 1525, Titian est resté quelques temps avec sa famille et lorsque Cecilia est devenue assez forte, il est retourné à Venise, où il a été attendu par de nombreux ordres inachevés.

En 1530, Titien se lança dans une nouvelle toile à thème religieux, Le dîner à Emmaüs (Louvre, Paris). Le récit évangélique traditionnel représente le Christ ressuscité assis à une table recouverte d’une nappe blanche comme neige. Ses élèves, de même que le serveur et le propriétaire de l’établissement, observent ce merveilleux phénomène. Le Christ bénit les plats servis avec un geste de la main. Toute la composition est très légère, lyrique, soutenue par des couleurs vives et douces, elle est écrite avec des traits sans lumière.

Le temps passe vite, et le Titien, toujours occupé, est de nouveau informé de la grave condition de sa femme. L’artiste jette tout et se précipite à la maison. Il parvient à peine à attraper Chechilia, qui a changé de façon incomparable. Après la naissance de leur troisième enfant, une fille nommée Lavinia, la pauvre femme a de nouveau eu des saignements abondants. Malgré tous les efforts des médecins, après une nuit blanche passée au chevet de son épouse, Titian meurt le 5 août 1530.

L’artiste exceptionnellement dur a subi cette perte. Selon les descriptions de ses contemporains, il vivait comme dans un rêve, continuait à faire quelque chose, rencontrait des gens, mais comme s’il n’avait vu ni entendu personne. Toutes les pensées de Titian étaient occupées par sa bien-aimée Cecilia, qui fut pendant de nombreuses années son fidèle ami, épouse dévouée et mère aimante de leurs enfants. Ce n’est qu’après sa perte que l’artiste a réalisé à quel point cette femme si noble et si modeste apportait sa vie à la lumière. Cecilia a rempli sa maison de chaleur et de confort, elle a entouré Titian avec un soin infini, afin que rien ne l’empêche de créer ses chefs-d’œuvre. Une fois, l’artiste a erré dans sa maison, pensant à sa perte irréparable, quand il est tombé sur une toile inachevée, attendue depuis longtemps par le client.C’était la Vierge et le lapin (vers 1530, musée du Louvre, Paris). Les yeux de Titian se remplirent de larmes - Cecilia le regarda à travers l’image, incarnée par l’image d’une femme debout à la gauche de la Vierge Marie.

Le temps a passé, les enfants ont grandi. Les deux fils de Titian étaient complètement opposés l’un à l’autre: l’aîné Pomponio était égoïste et paresseux, et le plus jeune Orazio, au contraire, était calme et complaisant. La petite Lavinia ressemblait beaucoup à sa mère. Chaque jour, Titien comprenait de plus en plus clairement qu’il était plus oppressé d’être à la maison, où chaque coin lui rappelait sa femme morte. Mais l’artiste était aussi fatigué de Venise, il ne voulait pas y retourner. Le peintre a longtemps cherché une nouvelle maison dans un coin isolé et tranquille. Ainsi, le 1er septembre 1531, il réussit - il loua une maison de deux étages avec une grande terrasse et une mezzanine à la périphérie de Biri Grande.

En 1532, Titian entreprend son premier portrait en pied. C’est un “Portrait de l’empereur Charles V avec un chien” (Musée du Prado, Madrid).

Des heures de pose ont permis d’établir une relation très amicale entre l’artiste et l’empereur. L’empereur a sincèrement parlé à Titien de sa vie et de lui-même. Charles V était un homme infiniment fatigué du pouvoir, dont la vie était remplie de formalités sans âme et de formalités. C’est pourquoi le peintre a dépeint l’empereur avec des vêtements simples et non somptueux, soulignant ainsi que son héros est avant tout un homme. La seule créature fidèle de sa vie était le chien représenté à côté de lui. Selon les témoins, Charles Quint était très satisfait de la peinture et admirait le talent de l’artiste. Rempli d’émotion, l’empereur se sépara et serra étroitement le peintre. La suite de Charles V, qui assistait à tout cela, déborda par la suite de commandes de l’artiste, lui fournissant du travail pendant longtemps.

Suite à cela, Titian a dépassé une autre défaite: sa mère est décédée. Cet événement l’a plongé dans une dépression encore plus profonde. Seul le rire joyeux des enfants dans sa nouvelle maison a aidé le maître à rester et à vivre. Et pourtant, pendant plusieurs années, l’artiste a vécu comme un solitaire, sans quitter son atelier pendant plusieurs jours. Il a travaillé extrêmement dur et a consacré ses heures libres à parler avec des enfants.

Pinacles d’excellence

Après la perte de Cecilia dans la maison de Titian, sa soeur Orsa a commencé à cultiver, elle a également été engagée dans l’éducation des enfants. Le temps passa et une fois, Orsa remarqua que chaque soir une télécabine flottait dans la maison du peintre, dans laquelle une jeune femme était assise, essayant toujours de passer inaperçue. Elle monta rapidement l’escalier extérieur directement à l’atelier de l’artiste, situé au deuxième étage. Bien entendu, personne n’a eu l’idée de reprocher au peintre. Au contraire, les parents espéraient que l’apparition d’un nouvel amour égayerait d’une certaine manière la solitude de Titien et l’aiderait à retrouver la joie de vivre. Le résultat de ce passe-temps était un tel travail, représentant une belle inconnue, telle que "Portrait d’une jeune femme au chapeau avec une plume", "Fille à la cape de fourrure", ainsi que la magnifique "Vénus Urbinskaya".

«Fille au capuchon de fourrure», écrite en 1535 (Kunsthistorisches Museum, Vienne), était une œuvre commandée et constitue une allégorie du mariage. Une jeune fille est représentée sur la toile, recouvrant de manière ludique un sein avec une cape en fourrure, tandis que son second sein reste nu. Le regard timide et le rougissement délicat de la fille sur ses joues ne font que souligner le sens érotique de la photo, qui consiste en un contraste de chair féminine et de fourrure moelleuse. Une composition similaire figure dans le tableau «Portrait d’une jeune femme au chapeau avec une plume» (1536, musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg), où le modèle a également son épaule, sa poitrine et son bras droits. Sous la cape en fourrure taillée se trouve une chemise blanche translucide. Un chapeau avec des plumes décorées de pierres est sur la tête de la fille. Dans les deux tableaux, l’artiste ne cache pas son admiration, au bord de la luxure,la beauté d’un jeune corps féminin. La peau blanche comme neige de l’héroïne, écrite en traits légers et sans poids, contraste vivement avec le fond sombre et riche, grâce auquel son image semble encore plus délicate et fragile.

Et en 1538, sur l’ordre du gouverneur de Venise, Guidobaldo della Rovere, qui deviendra plus tard le client habituel de Titian, le tableau «Venus Urbinskaya» (Galerie des Offices, Florence) a été peint. Cette photo était le cadeau de mariage du duc à la future épouse. La Vénus aux cheveux d’or, allongée dans une pose gracieuse sur des draps blanc comme neige, est pleine de félicité. Dans sa main droite se trouve une branche de rose musquée. Son regard est calme et sûr, elle ne craint pas sa nudité. Un beau corps est écrit si finement et si légèrement qu’il semble qu’il en émane une lueur. Aux pieds de Vénus, au lieu des amours traditionnels, un petit chien s’assied et dort. À l’arrière-plan du tableau se trouve une pièce baignée par la lumière d’un matin ensoleillé. Sur la fenêtre de Vénus se trouve un pot de myrte, représentant le mariage et la fidélité. Deux servantes courent autour de sa poitrine,tenue de cueillette pour la toilette du matin de l’hôtesse. Curieusement, Vénus Titian n’est pas du tout une céleste, mais une très réelle femme terrestre, qui se présente devant nous avec une beauté franchement nue.

Si nous suivons la chronologie approximative, alors, parmi les œuvres que nous connaissons, il y a la toile “Couronnement avec une couronne d’épines”. Ce tableau existe en deux versions: l’une d’entre elles est conservée au Louvre (1542) et l’autre au Vieux Pinakothek de Munich (1572-1576). La composition des deux peintures est très similaire. Au centre de la toile se trouve la figure du Christ torturé, entourée de cinq bourreaux et de trois marches menant au lieu de la flagellation publique. La différence est seulement à l’arrière-plan. Au début d’un travail, une scène brutale de moquerie de Jésus se déroule au-dessus d’une arche de pierre bien éclairée surmontant un buste de l’empereur Tibère. Dans une image ultérieure, seul un lustre éclairé est visible en haut de la toile. Dans les deux cas,Le Christ endure humblement les brimades et les souffrances de gens qui l’ont violemment attaqué avec des lances. Après tout, il leur a déjà pardonné, ce qui confère à son image une véritable majesté.

En 1545, Titian crée un autre portrait exceptionnel du Doge de Venise, «Portrait du Doge Andrea Gritti» (Galerie d’art nationale, Washington). Il dépeint un dirigeant avec un regard sévère et cruel, trahissant son caractère impitoyable et oppressant. Un vêtement rouge profond souligne une fois de plus son charisme et son désir de leadership. Sur le chien il y a un manteau d’un tissu cher, comme si lumineux, de tons marron-doré et la même coiffe.

Le Titien, fermé et non communicatif, avait très peu d’amis proches. L’un d’eux était le poète et écrivain Pietro Lretino. C’étaient deux personnes très différentes: Lretino était très gai, aimant, aimant le luxe, les fêtes et les festivités, bavard et confiant, il avait d’excellentes relations. Titien aimait l’optimisme, la cordialité, le charisme et le fait que le poète était très versé dans l’art et la littérature. Titian est même devenu le parrain d’une des filles de Loretino. En 1545, il peint son portrait. Dans le tableau «Portrait de Pietro Lretino» (Palazzo Pitti, Florence), la presque totalité de la toile est occupée par la figure du poète. La toile est écrite en utilisant de nombreuses variations de couleurs rouge et or, elles le rempliront d’énergie et de puissance spirituelle, révélant ainsi le caractère du héros.Il est prouvé que Lretino était mécontent du travail. En particulier, il n’aimait pas que la chaîne en or (reçue en cadeau du roi François Ier) soit presque invisible sur sa poitrine et brillait trop faiblement. Certes, cela pourrait être une blague du poète, mal interprétée par un témoin oculaire.

La même année, en 1545, Titien écrit "Portrait d’un jeune homme" (Palazzo Pitti, Florence). Un bel homme au regard hypnotique et envoûtant aux yeux verdâtres regarde le spectateur depuis la toile. On a longtemps cru que le tableau représentait le duc anglais d’Howard; le tableau s’appelait donc "Portrait d’un jeune anglais". Mais en 1928, le critique d’art Venturi proposa sa propre version, étayée par des preuves convaincantes. Il croyait que l’homme sur la toile était Ippolito Riminaldi, un avocat, un autre ami de Titian, qu’il aimait rencontrer lors de ses voyages à Ferrara. Quant à la composition de la toile, elle est extrêmement simple: nous avons devant nous un jeune homme vêtu d’une stricte camisole noire, des manchettes en dentelle blanche jaillissant de sous son col et ses manches. Sa main gauche repose sur sa hanche et dans sa droite, il porte des gants.La couleur générale de la toile est très sobre, elle repose sur une combinaison de deux couleurs primaires: le noir et le gris. Seules les taches blanches des poignets et les gants bruns les diluent. Il est étonnant de constater avec quelle précision et subtilité son visage est écrit avec des yeux réfléchis et intelligents. Dans toute son apparence, la noblesse brille à travers.

En 1548, Titien peint un autre portrait de Charles-Quint. L’empereur confessa à l’artiste, avec lequel il se rapprochait encore plus tôt du fait qu’il était fatigué de voir le sang couler et qu’il vivait dans l’attente de la prochaine rencontre avec son épouse inoubliable.. Plein de compassion sincère, Titien exprima ses sentiments dans «Portrait de Charles Quint en fauteuil» (Old Pinakothek, Munich). Ici, l’empereur est représenté assis dans un fauteuil, en toile de fond d’un paysage désert et désert, dans lequel il souffle toujours de froid et de nostalgie. Charles V est assis dans un fauteuil vêtu de noir, comme s’il avait oublié d’enlever un gant. Le sol rouge contraste vivement avec les couleurs de ses vêtements et de son couvre-chef. L’empereur est très triste, pensif et solitaire.

Perfection de style

Les quinze dernières années de sa vie, alors qu’il avait déjà échangé la huitième douzaine, sont généralement appelées la période tardive de son travail. C’est à ce moment-là que Titien se tourne à nouveau vers son thème mythologique favori, qu’il a toujours interprété dans son esprit individuel.

La peinture «Vénus et Adonis» (Musée du Prado, Madrid) date de 1533, dont l’intrigue nous montre une scène de séparation. Vénus essaie de garder sa bien-aimée, absorbée par la soif de chasse et de ne pas écouter ses avertissements concernant un danger imminent. En essayant de garder Adonis, avec la force qui lui échappe, Vénus renverse accidentellement un vase avec son pied. À l’arrière-plan de la photo, sous l’épaisse couronne d’un arbre, Cupidon dort paisiblement, dans le but de protéger son amour. Le caractère dynamique et passionnant de la parcelle de terrain contraste fortement avec le paysage environnant, empli de calme et de pacification, rien qui ne laisse présager de problèmes. Dans cette chasse, où Adonis est mort, Titian voit une métaphore de la vie humaine: les gens sont toujours à la recherche de quelque chose, ils en veulent plus, ils sont prêts à risquer leur santé et leur vie, à contrecarrer le destin,oubliant même à propos de Dieu, qui les punira inévitablement pour cela. La photo a été un succès sans précédent avec le public. L’artiste a dû faire une vingtaine de copies de la toile avec diverses variations de placettes similaires.

Le deuxième tableau incroyablement populaire de Titien, qu’il a dû copier à maintes reprises, est Vénus avec un miroir, peint vers 1555 (National Gallery, Washington). Elle a une Vénus aux cheveux blonds couvrant ses seins avec sa main gauche, elle cache ses genoux sous sa couverture lumineuse avec sa main droite. Deux amours potelés tiennent des miroirs devant elle. Les joues de la déesse brûlent d’un rougissement charmant qui symbolise la jeunesse et la beauté épanouies. Le chef-d’œuvre était en Russie, mais en 1931, sur ordre du gouvernement de l’URSS et indépendamment de l’avis de la direction de l’Ermitage, il fut vendu à un particulier. Plus tard, la photo se trouvait à la National Gallery of Washington.

Le tableau intitulé «L’enlèvement de l’Europe» (1559-1562, musée Isabella Stewart-Gardner, Boston) est un autre chef-d’œuvre de l’œuvre de Titian. Son intrigue reproduit l’un des épisodes de la métamorphose d’Ovide. Techniquement, l’image était faite librement et avec audace, ce qui distinguait les dernières œuvres du maître, écrites en larges traits insouciants. Si vous regardez le tableau de près, il est difficile de comprendre ce qui y est peint et ce n’est qu’à distance qu’un grand chef-d’œuvre du Titien nous est révélé. En fait, ces peintures ont été les précurseurs de l’impressionnisme. Lorsque vous les regardez, il semble que l’ensemble du travail soit écrit à la fois, facilement, naturellement, à grande échelle.

Au printemps de 1559, Titian est tombé dans une position désagréable. Son plus jeune fils, Orazio, s’est rendu à Milan où il devait recevoir du trésor une très grosse somme d’argent appartenant à son père. En rentrant chez eux, ils ont attaqué le jeune homme, l’ont battu et lui ont volé. Comme il s’est avéré plus tard, le vol a été organisé par le sculpteur Leone Leoni, qui travaillait également pour la cour royale. Titian a immédiatement soupçonné Leone et a écrit une lettre à Philippe II, dont le texte nous est parvenu: «Leone, qui était au courant du versement de prestations de l’Etat et poussé par une incitation diabolique, a décidé de mettre la vie de Orazio au profit de son argent. Il a invité Orazio chez lui et lui a proposé de vivre dans sa maison. Mon fils a rejeté cette offre et ce méchant, expulsé d’Espagne pour le luthéranisme et poussé par un ennemi du Seigneur Dieu,décidé de commettre le meurtre avec l’aide de complices. Les canailles ont attaqué Orazio avec des épées et des dagues à la main, après avoir jeté un filet sur sa tête. Ne s’attendant pas à une telle trahison, mon pauvre Orazio est tombé après avoir reçu six blessures graves. Si Oratio mourait et en qui j’espérais une vieillesse imminente, je jure que je perdrais la raison sous le poids de ce chagrin. "A la fin de la lettre, il a exigé de punir Leoni avec toute la sévérité de la loi. Le sculpteur a été arrêté, mais après avoir payé l’amende, il a été libéré. À la fin de la lettre, il a demandé à punir Leoni avec Le sculpteur a été arrêté, mais après avoir payé l’amende, il a été libéré.A la fin de la lettre, il a demandé à punir Leoni avec toute la sévérité de la loi.mais après avoir payé l’amende, il a été libéré.

Avant que Titian ait récupéré de ce choc, son frère Francesco est décédé. Les biographes de l’artiste suggèrent que, pendant la même période, la fille bien-aimée de l’artiste Lavinia est décédée en couches. Une série de ces événements a frappé le maître très fort.

En 1550, à l’âge de soixante-treize ans, l’artiste commence à écrire «Self-Portrait» (musée national de l’art, Berlin), achevé à peine onze ans plus tard. Titian apparaît devant lui comme un vieil homme décrépit et faible, qui n’a qu’à attendre humblement sa mort. Au contraire, nous voyons une personne forte et confiante devant nous. Une cape en fourrure est jetée sur les larges épaules du maître, une chemise en dessous, sur laquelle une chaîne dorée est clairement visible. Les doigts de ses mains tambourinent sur la table, ce qui caractérise son caractère inquiet et sa concentration. Il semble que dans un instant, l’artiste se lèvera joyeusement et ira à grands pas pour créer son prochain chef-d’œuvre. Dans le regard rétréci de Titien, nous voyons la sagesse et un véritable intérêt pour la vie. Très probablement, cet autoportrait a été créé pour les enfants,depuis la mort du peintre était chez lui.

Vers 1565, Titien reçut une commande pour le tableau «Marie-Madeleine pénitente» (musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg). Le modèle pour la toile était une certaine Julia Festina, qui a ravi le maître avec un choc de longs cheveux dorés. Le duc de Gonzago a beaucoup aimé le tableau, il a immédiatement commandé une copie de la toile pour la donner à une certaine poétesse. Le travail a été un tel succès que Titian a décidé de faire immédiatement plusieurs copies, en ne modifiant que la position des mains de l’héroïne, l’inclinaison de sa tête et le fond du paysage environnant. Le biographe de Titian Ridolfi signale six peintures de Titian avec la pénitente Mary Magdalene. Une des options de toile survivantes est conservée à Moscou dans une collection privée. Mais, selon les experts,le meilleur d’entre eux est celui représenté au musée de l’Ermitage de Saint-Pétersbourg. Sur elle, l’image de la Marie pénitente est la plus chaste. Son beau corps est recouvert de légers vêtements translucides et d’une cape à rayures, ainsi que de cheveux qui coule sur ses épaules et sa poitrine. La Madeleine pénitente regarde le ciel avec un regard plein de remords, ses yeux sont pleins de larmes et de désespoir. Au premier plan de l’image se trouvent des symboles chrétiens - le crâne et les Écritures révélées.Au premier plan de l’image se trouvent des symboles chrétiens - le crâne et les Écritures révélées.Au premier plan de l’image se trouvent des symboles chrétiens - le crâne et les Écritures révélées.

En 1565, Titien crée un autre de ses meilleurs chefs-d’œuvre - «Portrait de l’antiquaire Jacopo Strada» (Kunsthistorisches Museum, Vienne). La peinture exprime parfaitement le personnage du collectionneur décrit dans "son élément" - autour de lui sont des livres anciens, des pièces de monnaie, sur le mur est soit une peinture, soit une partie d’un manuscrit ancien. Jacopo montre à l’interlocuteur invisible une figurine en marbre blanc. Son visage et sa pose sont remplis d’énergie, d’inspiration et même d’excitation. La toile a une couleur inhabituellement harmonieuse. Les vêtements de l’antiquaire et tout son environnement sont confectionnés dans des couleurs chaudes créant une atmosphère de solennité certaine. Cette image était un exemple frappant d’une peinture «différente» découverte par Titien lors de son déclin. Plus tard, cette direction, riche en couleurs et en nuances,et la transmission exceptionnellement habile du clair-obscur seront développés par des artistes tels que Rembrandt et Caravaggio. Mais ce sera plus de 100 ans plus tard, et maintenant, Titien, déjà à un âge très avancé, ayant subi de nombreuses épreuves et souffrances personnelles, continue de créer.

Les dernières années de la vie du maître

Ces dernières années, l’artiste a souvent écrit pour l’âme. La maison de Titien était pleine à craquer - de nombreux étudiants, artistes, collectionneurs et invités de marque venaient chez lui dans toute l’Italie et dans d’autres pays. Néanmoins, enclin à la mélancolie et à la méditation, Titien demeurait en fait seul. Il se souvenait souvent de sa jeunesse et de son cher Chechilia, se souvenant de la fragilité de son être et aspirait à tous ceux qui avaient pris son temps. Le résultat de ces tristes arguments et de cette solitude spirituelle a été le tableau «Allégorie du temps et de la raison», écrit vers 1565 (National Gallery, Londres), qui est considéré comme une sorte de testament du maître pour ses descendants. Selon la tradition, l’image doit être lue de gauche à droite, c’est-à-dire dans le sens inverse des aiguilles d’une montre et de haut en bas. Le vieux dans un bonnet rouge symbolise le passé,l’homme à la barbe noire est le présent et le jeune homme est l’avenir. Les images d’animaux au bas de l’image sont également symboliques: le loup représente les forces de l’homme qui sélectionne le passé, le lion représente le présent et le chien réveille l’avenir avec son aboiement.

En 1570, Titien crée le tableau «Le berger et la nymphe» (Kunsthistorisches Museum, Vienne). Cette toile légère et librement écrite n’était l’ordre de personne; l’artiste l’a créé pour lui-même. La nymphe nue est allongée sur la peau d’un animal mort, faisant face au dos et tournant légèrement la tête. La jeune vierge n’est pas du tout gênée par sa nudité. À côté d’elle se trouve un berger qui est sur le point de commencer à jouer d’un instrument de musique, même s’il vient peut-être de rompre avec la beauté ou les mots de l’héroïne. La couleur générale de la photo est volontairement épaissie par l’auteur, ce qui crée un certain secret et un euphémisme dans les relations des personnages principaux, renforcée par l’inclusion de tons sombres bruns et cendrés. Le paysage de fond est flou, on ne voit qu’un morceau d’un arbre cassé,comme s’il restait après une tempête. Il n’affecte pas les amoureux, il vit dans son propre monde de beauté et de bonheur et ne remarque rien. Malgré la composition romantique de l’image, le chaos qui règne dans le paysage entourant les personnages et le choix des couleurs nous indiquent néanmoins que l’âme de l’artiste n’avait pas de joie d’harmonie. C’est comme si sa propre question était visible dans le regard égaré de la nymphe: que va-t-il leur arriver ensuite, comment retrouver de la joie dans l’univers détruit.C’est comme si sa propre question était visible dans le regard égaré de la nymphe: que va-t-il leur arriver ensuite, comment retrouver de la joie dans l’univers détruit.C’est comme si sa propre question était visible dans le regard égaré de la nymphe: que va-t-il leur arriver ensuite, comment retrouver de la joie dans l’univers détruit.

Bientôt un autre malheur est arrivé, le père de Titian est mort. Mais l’artiste ne pouvait pas abandonner, il a continué à créer. Grâce à son client habituel, Philippe II, Titian a toujours eu du travail. Ainsi, vers 1570, le maître commence à créer l’œuvre «Porter la croix» (musée du Prado, Madrid), qui prend cinq ans. Au cœur de l’image se trouve une histoire évangélique classique. Selon les Écritures, Simon la Cyrène a été envoyé à Christ pour l’aider à porter la lourde croix au Calvaire. Le visage de Jésus est rempli de tourments et de douleurs, son épaule droite semble presque transparente. L’image de Simon, comme opposée à l’image du Christ. À son doigt, une bague chère souligne son origine difficile. Le visage épuré de Simon, à la barbe soignée et soignée, contraste vivement avec le visage de Jésus recouvert de gouttes de sang.Le tableau complet est divisé en diagonale par le bas de la croix, ce qui accentue encore la dissonance.

Les thèmes religieux couvrent tout le travail de Titien, mais en fonction des parcelles des peintures elles-mêmes et de la manière dont elles sont exécutées, on peut retracer l’évolution de la vision du monde de l’artiste, son attitude envers la vertu, les vices et le thème du martyre. Cela se reflète parfaitement dans les toiles dédiées au grand martyr Sebastian.

Dans les premières œuvres, Saint-Sébastien se présente devant nous humble et humble, mais dans la dernière œuvre de l’artiste, il est déterminé et prêt à se battre jusqu’au bout. Ce tableau intitulé «Saint Sebastian ”(Musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg), a été peint vers 1570. Le fond du tableau est flou, il est impossible de distinguer quoi que ce soit dessus. Seule la figure du héros lui-même, clouée à un arbre, pour sa pureté. Son corps est perforé de flèches, mais son visage n’est pas déformé par la douleur. La fierté et le calme étaient dans ses yeux, son visage était légèrement relevé et ses sourcils froncés. On pense que Titien s’est représenté ici, non pas au sens littéral du terme, mais de façon allégorique. Ainsi, il exprima son attitude envers son propre destin, toutes les trahisons et les pertes qu’il avait, à la fin de sa vie,avait appris à endurer fermement et avec dignité.Dans cet ouvrage, la foi de l’artiste est convaincue qu’un héros individuel est capable de supporter tous les coups du destin, il survivra, même si le monde entier autour de lui était chamboulé, il capable de résister et de ne pas casser. La couleur de l’image semble floue et monochrome, mais des centaines de couleurs et de nuances brûlent dans chaque centimètre. Le destin de la photo est tel qu’en 1853, par décret de l’empereur Nicolas Ier, elle est placée dans les réserves de l’Ermitage, où elle repose jusqu’en 1892. C’est seulement après de nombreuses années que cette œuvre a pris la place qui lui revient dans la salle du musée. qu’en 1853, par décret de l’empereur Nicolas Ier, elle fut placée dans les réserves de l’Ermitage, où elle resta jusqu’en 1892. Ce n’est que plusieurs années plus tard que cette œuvre prit la place qui lui revenait dans la salle du musée.Par décret de l’empereur Nicolas Ier, elle est placée dans les réserves de l’Ermitage, où elle repose jusqu’en 1892. Ce n’est que plusieurs années plus tard que cette œuvre prend sa place légitime dans la salle du musée.

La même année, Titian écrit un autre travail, avec une idée similaire. Au cœur du tableau “Le Châtiment de Marcia” (Galerie de photos, Kromeriz). repose le mythe de la satire de Marcia, qui a osé défier Apollo à un concours musical. Marsyas a joué de la double flûte et Apollo a joué de la lyre. Lorsque les muses n’ont pas pu choisir de vainqueur, Apollo a proposé de participer à des concours vocaux. Ici, Martius a perdu. En punition de la défaite, Apollo décide de se déshabiller, ce moment est représenté sur la photo.

Au centre de la toile se trouve la figure de Marcia, suspendue à un arbre par ses jambes. Autour de lui sont des héros qui sont emportés