« De l’histoire du cinéma » par Margarita Shmarina, résumé

L’ouvrage de Margarita Shmarina et Andrei Tikhomirov offre une vue d’ensemble historique et technique de la formation et du développement du cinéma en tant que forme d’art et industrie. S’appuyant sur des données encyclopédiques du milieu du XXe siècle et sur des chroniques historiques contemporaines, le texte couvre la période allant des premières expériences cinématographiques à la fin du XIXe siècle à l’apogée de l’industrie cinématographique soviétique dans les années d’avant-guerre. Les films décrits dans le livre, tels que « Le Cuirassé Potemkine » et « Chapayev », sont des chefs-d’œuvre reconnus du cinéma mondial, maintes fois salués par la critique et le public du monde entier.

Contexte technique et invention de la caméra de cinéma

Le cinéma, dont le nom dérive des mots grecs signifiant mouvement et enregistrement, n’est pas né d’une découverte unique, mais de la synthèse de plusieurs technologies. Les procédés clés qui ont rendu le cinéma possible sont la chronophotographie, qui permet l’enregistrement des phases du mouvement, la projection d’images sur une surface plane et le mécanisme de défilement intermittent de la pellicule. Dans les années 1880 et 1890, des ingénieurs de différents pays travaillaient simultanément à la création d’appareils similaires. Parmi ceux-ci, on peut citer le « canon photographique » du physiologiste français Étienne-Jules Marey, le « kinétographe » de Thomas Edison et les inventions d’inventeurs russes tels que V.A. Dubuc et I. Yanovsky.

Une étape cruciale fut la mise au point du film photosensible souple. Une version ininflammable fut proposée par le cinéaste russe IV Boldyrev, et un film celluloïd inflammable par l’Américain George Eastman. Parallèlement, les systèmes de projection étaient perfectionnés, du « tachyscope » d’Anschütz au « théâtre optique » d’Émile Reynaud. Le mécanicien russe I.A. Timchenko apporta une contribution majeure en développant le mécanisme intermittent en forme d’escargot, nécessaire au défilement intermittent des images.

Bien que le cinéma ait eu de nombreux prédécesseurs, dont le «panoptique» de Latham et la «chronophotographie» de Demeny, l’histoire attribue aux frères Lumière, en France, la création d’un appareil combinant tous les éléments nécessaires. Des dispositifs similaires apparurent presque simultanément en Allemagne (Skladanovsky), en Angleterre (Pole) et en Russie (Samarsky, Akimov).

Les premiers pas du cinéma mondial

L’histoire publique du cinéma débute avec les projections payantes. Max Skladanovsky présente son invention à Berlin en novembre 1895, mais c’est la projection des frères Lumière à Paris, le 28 décembre 1895, qui est considérée comme l’événement fondateur de cette nouvelle ère. Leurs émissaires diffusent rapidement le « cinémagraphe » à travers le monde. Le film emblématique des débuts du cinéma est « L’Arrivée d’un train en gare de La Ciotat ». D’une durée de moins d’une minute, montrant un train à l’arrêt et ses passagers, il donne naissance au « film de vagabondage », que les réalisateurs du monde entier copient dans leurs propres gares.

Cependant, techniquement parlant, le tout premier film est considéré comme étant « Scènes de Roundhay Garden » de Louis Le Prince, tourné sur pellicule papier avant le triomphe des frères Lumière. La scène dure seulement 1,66 seconde et immortalise une sortie familiale.

Les progrès technologiques n’ont jamais cessé. Dès les débuts du cinéma, on a tenté d’enregistrer du son : Edison et Dixon ont créé le kinétophonographe, et Léon Gaumont a essayé de synchroniser l’appareil des frères Lumière avec un phonographe. Longtemps, ces expériences sont restées infructueuses, faute de synchronisation et de qualité sonore satisfaisantes. Seule la concurrence de la radio a contraint l’industrie à accélérer l’adoption du son.

La recherche de la couleur se poursuivait. Les frères Lumière pratiquaient la coloration manuelle des images, mais le premier film en couleurs retrouvé dans les archives est « Le Voyage dans la Lune » (1901-1902) de Georges Méliès. Méliès utilisa trois couches de film superposées (bleu, rouge et vert). Plus tard, en 1912, Herbert Calamus fonda la société Technicolor, qui sortit son premier film en 1917 et connut le succès en 1922 avec « Victimes de la mer », utilisant une palette de quatre couleurs. La naissance officielle du cinéma en couleurs est considérée comme remontant à 1935, avec la sortie de « Becky Sharp » de Rouben Mamoulian.

Le cinéma dans la Russie prérévolutionnaire

Dans l’Empire russe, malgré la présence d’inventeurs talentueux, la production cinématographique nationale a tardé à se développer, faute de moyens techniques et économiques suffisants. Le premier tournage national eut lieu en 1896 et fut un documentaire : le photographe de Kharkiv, A.K. Fedetsky, et le Moscovite V.A. Sashin immortalisèrent des événements locaux. Un moment historique clé fut le couronnement de Nicolas II, filmé par le chef opérateur des frères Lumière, Camille Cerf (ou, selon d’autres sources, Francis Doublier). Cet événement marqua le début du genre de la « chronique tsariste ».

Le premier long métrage fut « Les Pirates des plaines » (« Stenka Razin »), produit par le studio d’Alexandre Drankov en 1908. Dans les années qui suivirent, les cinémas russes se remplirent d’adaptations de classiques et de films historiques, même si leur qualité souffrait souvent d’une production artisanale et de la dépendance aux importations. La censure limitait les sujets abordés, favorisant les mélodrames et les films d’aventure.

Néanmoins, dès les années 1910, le cinéma russe avait acquis son identité. La production cinématographique connut son apogée pendant la Première Guerre mondiale, avec 500 films en 1916. Les drames policiers, comme celui de «Sonka à la main d’or», et les tragédies psychologiques explorant les inégalités sociales étaient très populaires. Les réalisateurs les plus en vue de l’époque – Yakov Protazanov, Vladimir Gardin et Evgueni Bauer – créèrent des œuvres artistiquement importantes telles que «La Dame de pique» et «Un nid de gentilshommes», puisant dans les traditions du théâtre et de la littérature russes.

Le film de Goncharov et Khanzhonkov de 1911, «La Défense de Sébastopol», mérite une mention spéciale. Premier long métrage russe (d’une heure et quarante minutes), il s’agissait d’une reconstitution des événements de la guerre de Crimée. De véritables soldats et des vétérans participèrent au tournage, et les scènes de bataille furent filmées pour la première fois grâce à des panoramiques et des changements d’angles de caméra.

Le développement du cinéma soviétique

Après la Révolution d’Octobre, le cinéma connut des transformations radicales. En août 1919, l’industrie cinématographique fut nationalisée et placée sous la tutelle du Commissariat du peuple à l’Éducation. Vladimir Lénine affirma que le cinéma était le plus important des arts, soulignant son rôle dans l’éducation des masses. La même année, l’École nationale de cinématographie (future VGIK), fondée par Gardin et Koulechov, ouvrit ses portes à Moscou.

Durant la guerre civile, les actualités et les films de propagande – courts métrages traitant de sujets politiques d’actualité – étaient omniprésents. Des trains et des bateaux à vapeur équipés de projecteurs étaient utilisés pour diffuser les idées de la révolution. À titre d’exemple, citons le train de propagande de la région d’Orenbourg, où projections de films, rassemblements et distribution de tracts étaient organisés.

Avec le retour de la paix, le réseau cinématographique commença à se reconstruire et des studios nationaux furent créés dans les républiques (Ukraine, Géorgie et Arménie). En 1923, le film d’aventure « Les Diables rouges » sortit et connut un immense succès. Le studio expérimental de Lev Koulechov devint un véritable incubateur pour le nouveau cinéma, révélant des maîtres tels que Poudovkine et Barnet.

Le milieu des années 1920 vit l’émergence de chefs-d’œuvre de renommée mondiale. Sergueï Eisenstein, dans son film «La Grève» (1925), puis dans le légendaire «Cuirassé Potemkine», fit preuve de techniques de montage novatrices et de la mise en scène de figures emblématiques. «Le Cuirassé Potemkine», avec son pathétique révolutionnaire et sa puissance visuelle, devint une référence du cinéma politique. Parallèlement, Vsevolod Poudovkine adapta «La Mère» (1926) et «La Fin de Saint-Pétersbourg» (1927) de Gorki, reflétant les événements historiques à travers le prisme de la vie d’individus.

À la fin de la décennie, le cinéma soviétique avait connu un succès non seulement artistique, mais aussi économique : les recettes des films nationaux dépassaient celles des films étrangers et les exportations atteignaient plus de 50 pays. La palette des genres s’était élargie : des drames historiques révolutionnaires (comme « La Chute de la dynastie Romanov » d’Esfiry Shub) aux comédies nationales (comme « Don Diego et Pelageya » de Protazanov) en passant par les documentaires sur la construction d’une vie nouvelle (comme « Turksib »).

L’ère du son et le réalisme socialiste

Avec l’avènement des années 1930, le cinéma soviétique entra dans l’ère du parlant. Ceci nécessita une refonte des moyens artistiques : les mots devinrent l’outil principal pour révéler la psychologie des personnages, et la musique et le chant s’intégrèrent pleinement à la dramaturgie. Des compositeurs du calibre de Chostakovitch, Prokofiev et Dounaevski commencèrent à travailler activement pour le cinéma.

Le film «Tchapaïev» (1934) des frères Vassiliev représente l’apogée du cinéma des années 1930. Il mêle l’ampleur épique de la guerre civile à la profonde humanité de ses personnages. L’interprétation de Boris Babochkine dans le rôle de Tchapaïev devient iconique, et le film lui-même rencontre un succès national.

Le thème historico-révolutionnaire a été développé dans la trilogie Maxim des réalisateurs Kozintsev et Trauberg, ainsi que dans les films de Mikhaïl Romm sur Lénine (« Lénine en octobre », « Lénine en 1918 »). Ces œuvres ont façonné la mythologie de la révolution, créant des images à la fois monumentales et vivantes des dirigeants et des simples combattants pour le bonheur du peuple.

La comédie musicale occupait une place à part. Grigory Alexandrov, en collaboration avec le compositeur Dounaevsky et la comédienne Lioubov Orlova, créa le genre de la comédie soviétique joyeuse (Les Joyeux Compagnons, Volga-Volga et Le Chemin lumineux). Ivan Pyriev, quant à lui, s’attacha à poétiser le travail agricole collectif (Les Conducteurs de tracteurs, Le Porcher et le Berger), offrant une image idéalisée mais inspirante du village moderne.

Avant la guerre, de grands films historiques furent projetés afin de raviver le patriotisme : « Pierre le Grand » (réalisé par Petrov), « Alexandre Nevski » (réalisé par Eisenstein) et « Sovorov » (réalisé par Poudovkine). Les prestations de Nikolaï Tcherkassov, Nikolaï Simonov et Mikhaïl Jharov dans ces films devinrent des classiques du théâtre soviétique.

À la fin des années 1930, l’URSS s’enorgueillissait d’une industrie cinématographique florissante et technologiquement indépendante. Le nombre de projecteurs avait connu une croissance exponentielle, les tirages de films se chiffraient par milliers et l’audience annuelle atteignait le milliard de spectateurs. L’industrie nationale fournissait intégralement les studios en matériel et en pellicule, et les techniques de tournage en couleur étaient désormais parfaitement maîtrisées.

«Les films anciens constituent un patrimoine artistique, porteur d’une grande valeur et de l’expérience de générations. Il ne faut pas oublier que les progrès de la cinématographie n’ont été possibles qu’après les premières découvertes complexes.»