Ellsworth Kelly: artiste abstraite américaine pionnière dans le domaine de la peinture sur les bords rigides Automatique traduire

Pour les autres modernistes, voir: Peintres du XXe siècle.

Biographie

Une figure importante dans Art américain, le peintre et sculpteur Ellsworth Kelly était un praticien important art abstrait au lendemain de la seconde guerre mondiale. Ensemble avec Kenneth Noland (b.1924) et Frank Stella (b.1936), il est considéré comme l’un des leaders de la génération des peintres américains qui a succédé à la École new yorkaise de Expressionisme abstrait, sauf que son développement diffère nettement des autres parce que, dès le début, il a rejeté l’influence de US peinture expressionniste abstraite directement à un réexamen personnel des sources européennes et surtout françaises de art postmoderniste. Il a été particulièrement inspiré par Matisse et par les sculpteurs Brancusi et Jean Arp. De retour en Amérique, son style individuel a eu un impact significatif sur le développement de l’art minimal, de la peinture systémique, de la peinture au trait dur, du genre Shaped Canvas de Frank Stella et du soi-disant mouvement de Greenberg. Abstraction post-picturale, sans qu’il devienne réellement un «membre» d’aucun de ces mouvements. Aujourd’hui, il est considéré comme l’un des plus influents artistes postmodernes des années 1960, à la fois en peinture abstraite et en sculpture.

Petite enfance et entraînement

Kelly étudie d’abord à l’Institut Pratt de Brooklyn (1941-1943), puis rejoint l’armée, au cours de laquelle il effectue une visite brève mais inspirante à Paris. Après sa démission de l’armée (1945), il étudie à l’École des beaux-arts de Boston avec Carl Zerbe de 1946 à 1948. Le génie espagnol fut l’une des premières influences sur sa peinture à cette époque. Picasso. Puis, en 1948, soutenu par une bourse d’études américaine dans le cadre du GI Bill, il rentre à Paris où il étudie à Ecole des Beaux Arts à Paris (1948-1954).

Artiste à Paris

À Paris, Kelly a continué à faire dessin de la figure de la vie, mais en même temps, il est devenu fasciné par Art byzantin et a commencé à expérimenter avec la couleur pure dans des relations spatiales abstraites complexes à travers l’utilisation de collage. Un ami de Jean Arp et son épouse Sophie Taeuber-Arp, il a été inclus dans les Salons des Réalités Nouvelles et a également été présenté à la Galerie Maeght. Son premier one-man-show a eu lieu à Paris en 1951 à la galerie Arnaud. En outre, il a rencontré les activités du Surréalisme mouvement, notamment son utilisation de automatisme dans l’art, illustré par des techniques comme le dessin automatique. Son cercle culturel comprenait également le chorégraphe Merce Cunningham (1919-2009) et le compositeur John Cage (1912-92) – qui deviendra plus tard influent dans le Néo-dada et Fluxus mouvements – ainsi que le sculpteur belge Georges Vantongerloo (1886-1965), le grand moderniste roumain Constantin Brancusi (1876-1957) (dont la simplification des formes naturelles a eu une influence durable sur Kelly), et l’inventeur américain des téléphones portables et des stabiles Alexander Calder (1898-1976). Parmi les autres artistes influents qu’il a rencontrés, citons Joan Miro (1893-1983), Francis Picabia (1900-1955) et Alberto Giacometti (1901-166).

Matisse et papier découpé

Au cours de ces années, Kelly s’intéressait également beaucoup à Matisse, et plus particulièrement aux courbes de niveau et à Couleur. À l’époque, Kelly était l’un des rares artistes américains à comprendre l’importance des découpes en papier de Matisse et à examiner la relation entre les motifs abstraits et les effets de la nature, y compris la structure des feuilles et des tiges et le changement des ombres pages d’un livre. Il était également fasciné par l’architecture parisienne et par le jeu d’ombres et de lumières sur ses surfaces de pierre, l’utilisant pour éclairer ses peintures abstraites. L’importance qu’il accorde à cet usage de la réalité observée souligne la différence entre son travail et celui d’autres artistes américains. peintres abstraits comme Josef Albers (1888-1976) et Ad Reinhardt (1913-1967).

Peinture de bord dur

De retour aux États-Unis en 1955, Kelly commence à exposer régulièrement à la Betty Parsons Gallery et à la Sidney Janis Gallery à New York. Il a été identifié comme l’un des principaux partisans de ce qu’on appelait alors peinture dure, en raison de son emphase constante sur les formes plates définies par des contours fortement dégradés. Kelly équilibra son intérêt pour les contours – ce qui se manifestait souvent dans des peintures en noir et blanc telles que Pole (1951) ou Rebound (1959) – avec des toiles monochromes mais brillamment colorées, où de légères modifications de la taille des châssis entraînaient littéralement projeter dans l’espace. Ces œuvres légèrement bombées, avec des ombres douces et subtiles, sont devenues la base de la recherche de l’artiste sur la sculpture. Dans les peintures en noir et blanc en particulier, la surface méticuleuse et immaculée de la toile a imposé une confusion totale des relations figure-fond traditionnelles. Dans d’autres œuvres colorées encore, la juxtaposition d’un panneau peint à une série de tailles similaires, mais de teintes différentes, a produit des effets inattendus de légère projection ou de récession, qui dépendent autant de l’échelle que du placement. Dans le travail de Kelly, y compris la sculpture en aluminium peint qu’il avait commencé à faire en 1959, la plus petite variation devient impressionnante et dramatique, et généralement dérangeante. Sa capacité à obtenir des effets complexes avec des moyens parentement simples fait de lui une influence principale sur la génération suivante d’artistes américains, les soi-disant «minimalistes».

Lithographie et Op Art

Inspiré par son intérêt antérieur pour le dessin des formes de plantes, déclenchées à l’époque par la abstraction biomorphique d’Arp et de Matisse, Kelly s’intéresse sérieusement à lithographie Au milieu des années 1960, il produit une suite de vingt-sept lithographies (1964-1966) avec Maeght Editeur à Paris. Il a également créé sa première série de lithographies de plantes, marquant le début d’un ensemble d’œuvres qui devrait atteindre 72 épreuves et des centaines de copies. dessins au crayon et dessins à la plume de feuillage.

À la fin des années 1950 et au début des années 1960, Kelly avait acquis une réputation internationale art non objectif. Dans sa peinture, il a produit une série de De Stijl les œuvres de type qui rappellent Theo van Doesburg (1883-1931) et Piet Mondrian (1872-1944), et pendant une courte période au milieu des années 1960, il explore les bords de Op Art dans son utilisation de dispositions géométriques et de contrastes de couleurs qui ont étudié les ambiguïtés de la perception. Que ce soit intentionnel ou non, son travail de cette période constituait un tremplin utile entre art concret des années 1940 et la Minimalisme du milieu des années 1960 et des années 1970 et, par conséquent, influencé plusieurs des meilleurs artistes contemporains.

Sculpture

En dépit d’être connu comme peintre, Kelly a travaillé chez sculpture tout au long de sa carrière. À la fin des années 50, il réalise des sculptures telles que Wave Relief I (1959, Collection privée), utilisant parfois des formes plates découpées se découpant sur les murs intérieurs. Il était également un exposant passionné de Sculpture sur bois : une de ses premières œuvres, Concorde Relief I (1958), un relief mural en orme, exploite le jeu visuel entre deux formes rectangulaires superposées.

En 1970, Kelly quitta New York pour vivre dans le nord de l’État. Au fur et à mesure que son adresse changeait, son art aussi. Dans sa peinture, il s’éloigne de la géométrie rectiligne et recommence à utiliser des courbes, peut-être par respect pour son nouvel environnement rural: voir, par exemple, Blue Curve III (1972; Los Angeles County Museum of Art). Dans sa sculpture, il commence à construire des œuvres d’extérieur à grande échelle, parfois sous la forme de totems: voir, par exemple, Curve XXIII (1981; Yale University Art Gallery). Peu intéressé par la couleur, il a préféré des matériaux pratiques, faciles à entretenir comme l’aluminium, l’acier inoxydable et plus tard le bronze.

On peut voir des peintures, des sculptures et des lithographies en couleurs d’Ellsworth Kelly dans certains des meilleurs musées d’art autour du monde.