Xème anniversaire du Festival international des arts "TRADITIONS ET MODERNITÉ" Automatique traduire

Le 26 mai, le Festival international des beaux-arts «Traditions et contemporanéité» du Xème anniversaire a commencé à fonctionner à Moscou. En 2016, le Manège central du hall d’exposition a présenté le travail de plus de 300 participants de plus de 40 pays. L’idée principale du festival «Traditions et contemporanéité» est de montrer toute la palette de l’art mondial dans les domaines de la peinture, du dessin, de la sculpture et des arts appliqués, de rassembler toutes les tendances et les orientations de la culture moderne dans un seul lieu d’exposition. rapprocher l’art de différents pays et peuples et présenter des œuvres originales qui reflètent les traditions nationales.

“Galerie Mikhailov. Russian Jewellery and Antiques ”présente les œuvres de bijoutiers russes contemporains et une riche collection d’antiquités. La galerie Mikhailov participe régulièrement à de nombreux projets internationaux et est également l’une des rares entreprises à représenter la Russie à des expositions internationales de bijoux et d’art, telles que BASELWORLD, Inhorgenta Munich, ART MONACO. Actuellement, la société donne la priorité au développement de l’industrie des antiquités, qui, dans un avenir très proche, promet de devenir une marque indépendante Gallery Antique.

Dans le cadre du festival «Traditions et contemporanéité», la «Galerie Mikhailov» présentera une collection de paysages impressionnistes d’artistes russes appartenant à l’ère du réalisme socialiste. La base de la collection est constituée des meilleures peintures des représentants les plus en vue de cette tendance - les paroliers paysagistes NN Galakhova, IV Suvorova, OS Gadalova, AS Efimova, SI Smirnova et AN Semenova. Les paysages qui caressent les âmes du public sont remplis de naturel. et le lyrisme des émotions, une soif de nature. En URSS, cet art était soumis à une discrimination constante. * Les artistes présentés au stand de la Galerie Mikhailov sont entrés dans l’art sur la vague du «dégel de Khrouchtchev», leur travail ne porte pas d’agression, les peintures sont ambiguës et associatives, et ce n’est pas un hasard si elles représentent toutes l’enseignement universitaire, représentants de divers syndicats d’artistes, participants répétés à de nombreuses expositions républicaines, syndicales et internationales. Les œuvres de ces peintres sont présentées dans les plus grands musées de Russie, dans des collections privées non seulement de compatriotes, mais également de collectionneurs étrangers. Il convient de noter une ligne distincte sur l’image "Mère et enfant" de 1943, réalisée par un natif d’Ukraine - Afanasyev Vasily Andreevich, un artiste soviétique et russe qui a soutenu sa thèse sur "Le partenariat des artistes de la Russie du Sud (1890-1922)"., docteur en histoire de l’art, auteur de nombreuses publications sur les artistes d’Odessa.

Le Festival international des beaux-arts X Jubilee «Traditions et contemporanéité» durera jusqu’au 31 mai 2016. Une collection de peintures des plus grands artistes russes de l’ère du réalisme socialiste est présentée au stand n ° 19 de la société Mikhailov Gallery.

* Pour le pouvoir de l’URSS dans l’art, à partir des années 1920, le critère du "thématisme" est devenu décisif. Les canons thématiques de l’art soviétique ont pour origine le plan léniniste de propagande monumentale et ont été pleinement formalisés dans la pratique des expositions thématiques. Ces sujets étaient: historico-révolutionnaire, le thème du travail avec le développement de motifs urbains et industriels qui symbolisaient la "reconstruction socialiste" de la Russie, les intrigues de la "nouvelle vie soviétique", "L’image d’une nouvelle personne", en particulier la représentation des héros de la lutte révolutionnaire "reconnue par le parti et le peuple" et la construction socialiste. La hiérarchie des genres des beaux-arts a été rétablie et les «ordres sociaux» sont devenus les principaux et officiellement encouragés. Dans une telle atmosphère publique, les genres périphériques - nature morte, paysage - semblaient suspects s’ils ne servaient pas à propager le système, tels que le «paysage industriel» d’une autre centrale hydroélectrique.

La complexité et le drame d’une telle situation socio-artistique résidaient dans le fait que la tradition de l’impressionnisme russe poussé d’en haut, malgré tout, continuait de se développer presque clandestinement dans les entrailles de la pratique créative pendant des décennies. Dès le milieu des années 1930, ces adeptes de la peinture sur chambre à lyrique ont été harcelés en tant que "marcistes", soulignant leur dépendance à l’égard de "l’étranger à la mode" Albert Marche. Cette analogie a été réalisée en liaison avec une soif de nature et ses formes visibles, une attirance pour le plein air, la couleur, la lumière, l’attention portée aux nuances de la vie privée du sujet et le désir d’une chambre d’expression lyrique. Selon une longue tradition, un artiste russe se voit davantage dans une image de la nature que dans une rhétorique publique forte.

Les artistes ont redécouvert l’impressionnisme russe entièrement derrière les murs de vernissages thématiques bruyants. Ainsi, l’un des chemins de l’impressionnisme russe dans les années 1960-1970 ne passait pas par des genres officiellement thématiques, mais par des portraits de proches, des croquis, des «nus» et des paysages. Ce sont ces genres qui sont à la pointe de la vie artistique de l’ère du dégel.