Art tribal Automatique traduire
Note: pour l’évolution de Art préhistorique y compris les dates chronologiques et les événements, s’il vous plaît voir: Chronologie de l’art préhistorique . Pour un guide sur les œuvres d’art tribal ultérieures, veuillez consulter: Chronologie de l’histoire de l’art .
Définition: Qu’est-ce que l’art tribal?
Il s’agit d’un terme vague, sans signification ni définition précise, qui est généralement utilisé pour décrire l’ art traditionnel des autochtones des sociétés tribales d’Afrique, du Pacifique Sud et d’Indonésie, d’Australie, des Amériques et de l’Inde. On l’appelle parfois Art autochtone primitif et comprend des œuvres d’art (et de l’artisanat) de tous les groupes ethniques.
L’art tribal est parfois étendu à certains arts européens préhistoriques (par exemple, l’art celtique), ainsi qu’à l’art populaire européen. Dans cet article, nous nous concentrons sur les types les plus connus d’art primitif indigène d’Afrique, d’Océanie, d’Indonésie, d’Australie, d’Amérique du Nord et d’Alaska.
Malheureusement, la grande majorité de ces artefacts tribaux ont péri ou ont été échangés contre des explorateurs européens; les exemples survivants se limitent donc principalement à des ouvrages en pierre (sculptures, temples), à des ouvrages en terre ou art rupestre .
Art Tribal Africain
L’Afrique, désormais considérée par la plupart des archéologues et anthropologues comme le lieu de naissance des Hominidae, l’espèce à laquelle appartiennent les humains modernes, est habitée depuis environ 4 millions d’années, bien que des hommes anatomiquement modernes soient apparus pour la première fois il ya environ 100 000 ans. Le continent compte environ 3 000 groupes ethniques ou tribus.
Art tribal préhistorique
En tant que berceau de civilisation , L’Afrique abrite un grand nombre de découvertes d’art préhistorique qui ont été découvertes en Afrique du Nord, en Afrique subsaharienne et dans les régions méridionales du continent. Ceux-ci inclus:
Nature et contexte de l’art tribal africain
Art africain avait une fonction très différente dans un mode de vie très différent de celui de la culture européenne ou occidentale. Pour commencer, cela faisait partie intégrante d’une religion omniprésente. Les images individuelles étaient des représentants, parfois même des incarnations (bien que pas des "idoles" à adorer, comme de nombreux Européens pensaient à tort) des forces vitales supposées exister dans toute matière vivante. Souvent, ces images parlaient pour les esprits des morts, perpétuant ainsi l’essence vitale de l’ascendance tribale et s’identifiant aux esprits ancestraux.
Bien que la plupart des formes utilisées présentent des aspects laïques et que certains objets d’art soient purement décoratifs et ornementaux, en général, des artéfacts tribaux africains ont été créés. art religieux – pour un usage rituel ou cérémonial particulier. Cela vaut non seulement pour les masques et les figurines, mais également pour les objets sculptés allant des instruments de musique aux sceptres et haches de cérémonie, en passant par les tabourets, les piliers et les portes. Bien que l’artiste ou l’artiste puisse être reconnu et considéré comme un membre de la communauté, la conception de la chose considérée comme une "œuvre d’art" en termes de musée est très rare. Cela n’est en aucun cas plus clair que celui de l’une des formes d’art les plus répandues de l’art africain – le masque .
Dans les expositions européennes, les masques africains sont généralement montrés immobiles, dans un coffret de verre hors du temps, immobiles sur le plan émotionnel et physique, mais leur véritable contexte était en mouvement, en danse . Les masques africains ont été créés sous de nombreuses formes différentes – certains ont été conçus pour être portés non pas sur la tête mais sur le bras ou la hanche; beaucoup étaient conçus comme le sommet de tout un ensemble de vêtements de cérémonie en paille, ficelle, étoffe d’écorce, fourrures, accompagné d’un agencement de coquillages ou d’objets en ivoire ou en métal. Transfiguré, presque transsubstantié dans tout cela, le natif masqué abandonna sa propre personnalité et devint le véhicule d’un pouvoir spirituel surhumain. Lorsque cet esprit a parlé à travers la danseuse masquée, il en est devenu la sonde et le porte-parole.
Le masque devait être impressionnant, à la fois pour satisfaire l’esprit en tant que moyen digne de son habitation temporaire et pour démontrer son autorité aux spectateurs. Pourtant, les formes que les masques ont revêtues à travers l’Afrique de l’Ouest et du Centre – bien qu’elles puissent être classées en différentes divisions et subdivisions stylistiques – ne sont pas du tout reliées de manière cohérente à leur signification ou à leur fonction. Des concepts spirituels très similaires pourraient trouver une expression physique très différente dans différentes cultures tribales, même si l’utilisation d’un pigment blanc sur un masque, par exemple, dénotait généralement un lien direct avec les morts. (Remarque: les couleurs autres que le noir, le blanc et la teinte du bois ne sont pas habituelles.) Un front haut semble généralement associé à la sagesse, mais des masques naturalistes, bien que simplifiés, qui suggèrent à l’œil occidental un classicisme serein, se retrouvent parmi large éventail de tribus avec des associations et des fonctions très différentes, y compris agressives. Une fois que le lien entre une sculpture et sa fonction d’origine est rompu ou perdu, il est très difficile de déterminer le but pour lequel elle a été créée. La plupart des masques africains sont anthropomorphes, bien que le portrait soit très rare. les visages des masques peuvent présenter des incisions, rappelant qu’un moyen important de l’art tribal est la peinture rituelle ou la cicatrisation du corps vivant avec des motifs traditionnels. Des masques d’animaux et d’oiseaux sont également présents (souvent des antilopes ou des vaches bush); les masques persistent dans plusieurs régions sous influence islamique, mais souvent sous des formes stylisées presque insondables.
Une bonne partie du rituel tribal est basée sur l’initiation à des groupes d’âge – dans les «sociétés» de jeunes ou de vieillards – chacune possédant ses emblèmes et ses motifs de culte distincts; de nombreuses figures sculptées, ainsi que des masques, sont associés à de telles "sociétés" et symbolisent souvent des dieux protecteurs ou des divinités telles que le dieu du tonnerre ou le dieu du feu. Les personnages sculptés sont aussi répandus et populaires que les masques et, comme ceux-ci, ont un rapport avec le rituel, bien que certaines tribus – telles que les Baoulé prospères et sédentaires établies en Côte d’Ivoire – aient fabriqué des sculptures presque comme des produits de luxe. Les membres de la tribu yoruba au Nigéria étaient d’habiles sculpteurs de figures et couronnaient souvent leurs masques généralement massifs de groupes de mannequins très animés, comme si une fête était en cours. Chez les Yoruba aussi, ainsi que dans d’autres tribus, tel était le standard et le prestige de Sculpture africaine que les sculpteurs pourraient atteindre un statut et un prestige quelque peu similaires à ceux d’un artiste à succès en Occident.
L’étude de l’art tribal africain en est encore à ses débuts et la zone géographique concernée est immense – l’ensemble de l’Afrique de l’Ouest et du Centre, avec des traditions importantes également en Afrique de l’Est. De plus, le bois, le milieu dominant, est vulnérable au climat et aux termites ou aux fourmis blanches, et la plupart des autres matériaux utilisés sont également périssables – le raphia, par exemple, ou le coton. Tant le sujet que le contexte des arts africains traditionnels ont été modifiés par l’impact d’autres cultures, non seulement récemment, mais aussi sur une longue période – l’Islam et le christianisme, par exemple, sont présents en Afrique depuis des centaines d’années. En bout de ligne: nous devons faire un effort beaucoup plus sérieux pour comprendre la richesse et la complexité des formes d’art africaines. Même certaines formes élémentaires de Body painting et peinture de visage ne sont pas encore bien compris.
Îles du Pacifique: Art tribal océanique
L’Océanie comprend quatre régions distinctes, ou groupes ethnogéographiques: la Polynésie , la Micronésie , la Mélanésie et l’ Australasie . L’art tribal d’Océanie désigne le patrimoine artistique et les traditions des indigènes indigènes de ces quatre régions. Ces indigènes sont arrivés en Océanie en provenance du continent asiatique par deux vagues: la première vague de colons est arrivée en Nouvelle-Guinée et en Australie à l’ère paléolithique de l’âge de pierre, entre 50 000 et 40 000 ans avant notre ère, devenant ainsi les ancêtres des Aborigènes australiens. La deuxième vague, appartenant à la culture Lapita (nommée d’après le site de Nouvelle-Calédonie où ses sculptures et autres œuvres d’art ont été découvertes), est arrivée beaucoup plus tard (environ 10 000 à 5 000 avant notre ère) et dès que sa construction en bateau est devenue suffisamment sophistiquée (pas avant au moins 1000 avant notre ère) a commencé à se répandre dans les îles éloignées de la région du Pacifique. C’est cette culture Lapita qui a finalement influencé la plus grande partie de la Polynésie, de la Micronésie et de la Mélanésie. Une autre influence fut la culture Dong-Son du Vietnam (environ 1600), un important commerçant de la région du Pacifique occidental, dont les travaux de bronze ont été trouvés à travers l’Océanie.
Activités artistiques communes
Bien que chaque région, en fait chaque groupe d’îles, ait ses propres traditions artistiques, qui ont influencé son art et son artisanat, une grande partie de l’art tribal océanien était liée à des cérémonies païennes impliquant le surnaturel, le culte de l’esprit, la fertilité, etc. Nous pensons que nous avons créé une gamme d’art relativement large (y compris, Body painting , tatouage , peinture , sculpture , sculpture sur bois et art textile ), bien que la plupart des matériaux utilisés par les artistes et artisans soient périssables. Ainsi, mis à part les bâtiments en pierre et la sculpture, très peu d’exemples ont survécu. Beaucoup de ceux qui l’ont fait ont ensuite été échangés avec des explorateurs européens, en échange de babioles.
Polynésie
La Polynésie comprend une série d’îlots dispersés dans le Pacifique central et oriental. Il s’agit notamment des Samoa , des Îles Cook , de la Polynésie française (Tahiti, etc.), des Tonga , d’ Hawaï , des îles Pitcairn et de Pâques . L’art tribal polynésien était pratiqué dans le cadre d’une culture de la religion et de la magie, qui croyait que tout était doté de mana ou de pouvoir surnaturel sacré – pas seulement les gens, mais aussi les bâtiments, les pierres, les canoës, presque tout. Parmi les exemples d’arts polynésiens encore célèbres, citons: les temples de pierre des îles de la Société, de l’île de Pâques et des Marquises – tous en ruines, bien que leurs proportions, l’utilisation de formes, de couleurs, de textures, etc., témoignent d’un talent impressionnant en matière d’architecture et de design; sculpture monumentale en pierre ( moai ) à Rapa Nui / île de Pâques et aux Marquises, illustrant l’utilisation de motifs incorporant des figures anthropomorphes aux yeux saillants et aux langues saillantes, communs à de nombreuses régions orientales et isolées de Polynésie; tissu d’écorce hautement décoré en Polynésie occidentale.
Mélanésie
La Mélanésie comprend des îles du sud-ouest du Pacifique, notamment la Papouasie-Nouvelle-Guinée , les îles de l’ Amirauté , l’ archipel de Bismark , les Îles Salomon , Vanuatu (anciennement Nouvelles-Hébrides), Fidji et bien d’autres. L’art tribal mélanésien est très varié, incorporant souvent des formes exagérées créées en relation avec le culte des ancêtres, la chasse et le cannibalisme. Dans les hautes terres de Nouvelle-Guinée, peinture de visage et art corporel était très important, tout comme les perruques et les coiffes. Les terres basses ont été remarquées pour les peintures et les sculptures sur bois des peuples Sepik comme les Abelam et Iatmul. En outre, l’art curviligne de la tribu Massim, illustré par ses proues et ses boucliers dansants, est également bien connu, de même que les sculptures cérémoniales de Malanggan de la Nouvelle-Irlande. Les masques, utilisés dans les cérémonies païennes élaborées et les processus de culte, constituaient un foyer d’art autochtone dans toute la région. Outre ces types traditionnels d’art et d’artisanat, de nombreuses cultures tribales (par exemple dans les îles Salomon et Admiralty) avaient pour tradition de décorer un large éventail d’articles de tous les jours.
Micronésie
Au nord de la Mélanésie se trouve la Micronésie. Cette région comprend les îles Marshall et quelque 600 îles Caroline, regroupées en quatre États appelés Yap , Chuuk , Pohnpei et Kosrae . Malheureusement, le petit art tribal micronésien a survécu. Les exemples les plus connus incluent les scènes de bas-relief peintes sur les pans de bois et les pignons des maisons des hommes à Palau. En outre, des masques en bois stylisés et des figures humaines ont été découverts dans les îles Mortlock, au sud-est de Truk. Parmi les autres artefacts tribaux micronésiens, il y a les canoës peints et les bols en bois sculptés, tandis que la peinture du corps et le tatouage étaient également largement pratiqués.
Australasie
Cela comprend le continent australien, la Nouvelle-Zélande et leurs îles dépendantes. Pour plus de détails sur l’art tribal australasien, voir ci-dessous l’art australien aborigène.
Pour plus d’informations sur le style d’art et d’artisanat des îles du Pacifique d’Océanie, voir: Art Océanique .
Art tribal indonésien
Située entre les Philippines au nord et l’Australie au sud, l’Indonésie comprend près de 14 000 îles qui s’étendent de Sumatra à l’ouest à la Nouvelle-Guinée à l’est, y compris Java , Bali , Kalimantan (centre, est et sud de Bornéo), Sulawesi , Maluku , et Irian Jaya (ouest de la Nouvelle-Guinée). Parce que le pays chevauche les principales routes commerciales entre les océans Pacifique et Indien, ses formes artistiques reflètent un mélange varié de cultures et de religions, notamment le bouddhisme , le confucianisme , l’ hindouisme et l’ islam .
L’établissement humain dans la région date de la préhistoire, mais les œuvres d’art survivantes sont rares. indonésien Art paléolithique est peut-être le mieux illustré par le peinture rupestre dans les grottes de Karawari, en Papouasie-Nouvelle-Guinée (18 000 av. J.-C.), tandis que les meilleurs exemples de Art mésolithique en Indonésie sont les peint pochoirs à main trouvé dans les grottes de Kalimantan (environ 8 000 ans av. J.-C.) dans la région de Sangkulirang et dans la grotte Gua Ham Masri II (environ 8 000 ans), à l’est de Bornéo.
L’influence de Art chinois , (de la fin Dynastie des Zhou et d’autres) a été ressentie dès le début, de même que l’impact de la civilisation des Dong-Son basée sur le bronze qui a prospéré au Vietnam, au début des siècles av. Les commerçants indiens ont été exceptionnellement actifs dans la région, mais il est impossible de préciser la date à laquelle la culture indienne a commencé à exercer une influence notable. En tout état de cause, les trois principales religions pratiquées aujourd’hui en Indonésie – le bouddhisme, l’hindouisme et l’islam – sont toutes venues de l’Ouest.
Comme en Océanie, la plupart des arts tribaux indonésiens, à l’exception des temples bouddhistes et hindous, étaient sculptés dans le bois ou en textiles et ont disparu depuis longtemps. Les exemples survivants les plus connus incluent un groupe d’anciens mégalithes et divers exemples de bronzage après le motif Dong-Son. Ce dernier comprend des champs de bataille sacrés décorés et de grands tambours-bouilloire (par exemple, la Lune de Bali ). Ces tambours ont été moulés selon une méthode sophistiquée à la cire perdue et affichent des reliefs peu profonds de têtes de personnages engagés dans des activités cérémonielles, ou parfois d’ornements purement abstraits. Certains sont liés aux cermonies pluvieuses. Voir également: art mégalithique . Un autre type important d’artisanat tribal traditionnel pratiqué dans toute l’Indonésie est le dessin textile , longtemps considéré comme l’une des formes d’expression artistique les plus variées et les plus uniques de la région. Il comprend le batik , principalement pratiqué à Java, et le tissage (notamment la technique de l’ ikat et du double-ikat ).
La célèbre architecture indonésienne, principalement de style indo-java (3ème-16ème siècle), comprend le temple de Mendut, le temple bouddhiste Sewu (9ème siècle), le magnifique temple Siva Prambanan (9ème siècle), les lieux de baignade sacrés de Jalatunda (fin du 10ème siècle) et Belahan (milieu du 11ème siècle), le temple hindou rond de Jabung (10ème siècle) et bien sûr le complexe de Borobodur (voir ci-dessous).
Types et caractéristiques
L’art tribal indonésien a été classé en deux types principaux: " monumental " et " fantaisiste ornemental ". Le premier est illustré par les mégalithes de Sumatra et de Nias (une petite île voisine), ainsi que par de nombreux objets créés dans toute l’Indonésie en association avec des rites et des sacrifices consentis aux ancêtres. Le mode fantaisie ornemental est illustré dans une certaine mesure dans les sculptures en bronze mais surtout dans la décoration des maisons de la région, dans les textiles et dans les sculptures peintes.
Une caractéristique importante commune à tous les arts tribaux indonésiens est le respect des ancêtres , qui s’exprime sous diverses formes. La tribu de Nias érigea ses mégalithes en l’honneur des chefs morts, tandis que les Toraja de Sulawesi construisaient des terrasses en falaise contenant des galeries représentant des effigies debout et en bois de défunts surplombant les rizières. À Maluku et à la pointe nord-ouest de l’Irian, il existe de nombreux personnages sculptés sur bois, debout ou accroupis, qui incarnent les esprits des ancêtres. Dans certaines parties de la région, la figure d’ancêtre en bois incorpore le crâne du défunt au lieu d’une simple tête sculptée, et le culte du crâne – pas un vestige de cannibalisme mais une extension du culte des ancêtres – est largement répandu. Les crânes sont collectés, chéris et entreposés dans de nombreux endroits: parfois (par exemple chez les Batak de Sumatra) sur les toits des maisons, parfois (par exemple chez les Dayak de Kalimantan) dans des sanctuaires de village.
Borobudur à Java
Le site de Borobodur au centre de Java est l’un des plus extraordinaires monuments de pierre jamais réalisés. C’est une vaste structure, abritant plus de 500 statues du Bouddha assis, mais ne semble pas avoir été une tombe, un palais ou même un temple orthodoxe, mais une expression profonde et complexe à travers l’ architecture et la sculpture de l’idéologie bouddhiste . Sa construction doit avoir nécessité une armée d’artisans et un concepteur de génie, mais on ne sait pas qui l’a construite ni pourquoi, bien que sa date soit généralement présumée être à la fin du VIIIe ou au début du IXe siècle de notre ère durant la dynastie javanaise Shailendra (778- 864). Une des choses les plus étonnantes à propos de Borobudur, c’est que c’est l’aboutissement d’une tradition artistique qui semble avoir été de courte durée. Les premiers commerçants indiens ont peut-être colonisé Java occidental au Ier siècle de notre ère et des monastères bouddhistes y ont certainement été établis dès le IVe siècle, mais rien ne prouve l’existence d’une entreprise significative dans le domaine de la pierre – architecture ou sculpture – depuis trois siècles. La première sculpture de pierre javanaise connue, en hindou, date du début du VIIIe siècle, cent ans à peine avant Burobudur.
Birmanie / Myanmar
La Birmanie, lien de jungle montagneuse entre les sous-continents indien et indochinois, a été établie à l’origine (environ 500 ans avant notre ère) par le peuple pyu tibétain-birman, puis – deux siècles plus tard – par une race austro-asiatique, le Mons . En règle générale, la plupart des exemples survivants de l’art tribal birman consistent en des sculptures monumentales , dont la plupart sont bouddhistes. À partir du septième siècle avant notre ère environ, le pays était effectivement divisé en deux groupes de tribus susmentionnés, le sud et le nord, les Pyu, tous deux pratiquant le bouddhisme . Après la chute de la capitale Pyu en 832, le nord fut infiltré par des Burman qui apportèrent avec eux le culte des Nats , un mélange d’esprits et d’êtres comprenant des esprits de la nature, des ancêtres et des fantômes. Ce culte ainsi que le bouddhisme de ses prédécesseurs ont dûment fusionné pour former une religion hybride qui est encore une force en Birmanie aujourd’hui.
Une tradition artistique de peinture et de sculpture a été établie à l’époque des Mon et des Pyu, et le roi Anawratha, qui, au 11ème siècle, a établi la capitale du territoire du Royaume uni de Birmanie à Pagan, employa en grand nombre des artistes de Mon. Des palais, des temples et des sanctuaires occupant plusieurs dizaines de hectares sont apparus, richement ornés de peintures et de sculptures en terre cuite peintes, qui sont toujours présents à Pagan de nos jours, car en 1286, la ville fut pillée par les Mongols et pratiquement abandonnée. Outre les ruines de Pagan et d’autres sites, le patrimoine de l’art tribal birman se compose de quelques petits bronzes médiévaux , de grande qualité, et de quantités de sculptures d’âge indéterminé: le style varie peu. Les personnages ont tendance à être simplifiés et généralisés, adoptant principalement des légendes bouddhistes dans des postures élégantes rappelant The Dance; la qualité suprême de l’art birman réside dans sa spiritualité aérienne et ses finitions décoratives inspirées.
Art tribal aborigène australasien
Les ancêtres des aborigènes et des autres peuples indigènes autochtones d’Australasie faisaient partie de la même vague de colons arrivés en Océanie en provenance du continent asiatique au cours du pléistocène du paléolithique, environ 50 000 à 40 000 ans av. Bien que les détails de leur culture soient rares, selon des recherches archéologiques récentes sur le continent australien, ils ont commencé à pratiquer les formes d’art tribal presque immédiatement.
Art aborigène d’Australie englobe un large éventail de types et de supports, y compris la peinture du corps , la peinture rupestre , la peinture sur écorce , les gravures rupestres , les pierres dressées , la sculpture et la sculpture , ainsi que des ornements décoratifs sur des outils et des armes.
Body painting
Cette forme d’art primitif est illustrée par le peuple Yolngu de la Terre d’Arnhem, qui recouvre son corps de motifs élaborés et exquis, mettant en vedette de délicates hachures croisées et des lignes pointillées, en préparation de cérémonies et de danses.
Cupules et empreintes de mains
Ces formes sont typiquement les premiers types d’art préhistorique à apparaître. Voir Art rupestre de Kimberley par exemple, où les marques de roche et les pochoirs à la main étaient parmi les premiers arts pariétaux de la région.
Peinture rupestre
L’art tribal autochtone le plus largement pratiqué était la peinture rupestre, dont on peut trouver des exemples dans toute l’Australie. Il comprend des types tels que: Les images radiologiques d’animaux et d’êtres humains (par exemple, voir Art rupestre d’Ubirr dans la Terre d’Arnhem, Territoire du Nord), dans les limites desquelles étaient marqués les squelettes du sujet; peinture par points dans laquelle des motifs complexes ont été créés à l’aide de points; et des images au pochoir, telles que celles produites par une empreinte de main ou de paume. De nombreux autres styles de peinture rupestre ont été découverts, dont le remarquable Peintures Bradshaw dans la région de Kimberley en Australie occidentale.
Peinture écorce
Dans ce type de peinture tribale, l’artiste peint ses motifs uniques sur des morceaux d’écorce d’arbre aplatie. Il est par la suite devenu une forme populaire et hautement considérée d’art autochtone contemporain.
Sculptures rupestres et gravures
L’Australie contient de nombreux exemples de pétroglyphes (un nom de fantaisie pour les gravures rupestres), tels que ceux de Terrey Hills, Nouvelle-Galles du Sud; la péninsule de Murujuba et l’archipel Dampier, en Australie occidentale, qui présentent des dessins d’animaux de l’âge de la pierre éteints, tels que le Thylacine; et les gravures Panaramitee en Australie centrale. Pour en savoir plus sur les anciens pétroglyphes en Australie, voir Art rupestre de la péninsule de Burrup (environ 30.000 ans avant notre ère).
Pierres debout
Les arrangements de pierre, une autre forme d’art tribal australasien, englobent de grands et petits cercles de pierre, similaires à Stonehenge en Angleterre, disposés en relation avec des événements cérémoniels ou rituels.
Art tribal amérindien (États-Unis)
Les ancêtres des Amérindiens ont traversé le détroit de Béring depuis l’Asie à l’époque du Pléistocène de l’âge de la pierre. Les Amériques et l’Australasie étaient en fait les deux dernières masses terrestres importantes peuplées par l’homme préhistorique. Une culture indienne définie a commencé à émerger vers 9 000 ans av. J.-C., séparée en une culture de chasse à la buffle paléo-indienne en Occident et dans les Grandes Plaines et en des tribus plus pauvres de la culture du désert de la zone du bassin ouest. Originaire de Art indien américain a été façonnée en grande partie par la nature nomade, chasseur-cueilleur du premier, et par l’environnement légèrement plus statique mais appauvri du second. La disponibilité des ressources – bois, osier, métal, os d’animaux, argile, coton, etc. – a également été déterminante dans le développement des traditions artistiques régionales.
Voir également: Art précolombien (jusqu’à 1535 CE).
Région Sud-Ouest USA
Dans la région sud-ouest – comprenant des tribus telles que les Hohokam du sud de l’Arizona, les Ansazi du nord de l’Arizona et du Nouveau-Mexique et les Mimbres du sud-ouest du Nouveau-Mexique, ainsi que chez les peuples Zuni, Navaho et Hopi – l’ architecture traditionnelle illustré par les incroyables structures à plusieurs étages de Pueblo Bonito au Nouveau-Mexique. Les tribus maîtrisaient également le tissage , la fabrication de poterie (de conception généralement linéaire ou géométrique) et la peinture à la fresque . En outre, nombre des grandes chambres religieuses souterraines traditionnelles (kivas) étaient décorées de brillantes peintures murales . Il n’y avait pas de sculpture monumentale notable, mais certaines tribus se spécialisaient dans certaines formes d’art: les tribus Hopi et Zuni produisaient des poupées en bois de coton sculptées et peintes, tandis que les Zuni et Navaho privilégiaient l’ argent bijoux incrusté de turquoise, et les Hopi ont produit des tissus de costumes complexes.
Navajo Sand Painting
Le Sandpainting (aussi appelé peinture à sec) a été développé par les Amérindiens du sud-ouest (notamment les Navajo). L "artiste", qui est essentiellement une cérémonie de guérison traditionnelle, est un homme de médecine qui "peint" en saupoudrant des sables de couleurs différentes sur une bâche en peau de daim ou en tissu. La "peinture" comprend du sable de couleur naturelle, mélangé avec du gypse blanc, de l’ocre jaune, du grès rouge, du charbon noir, du charbon mélangé avec du gypse pour produire du bleu, ainsi que d’autres matières colorantes telles que la semoule de maïs, le pollen de fleur, les racines ou l’écorce en poudre. Une fois que le guérisseur a fini de "peindre", le patient est assis sur le travail terminé, après quoi le guérisseur demande à la maladie de s’écouler dans le sable. Une fois la cérémonie terminée, le sable désormais toxique est éliminé. Pour plus, voir Art de sable .
Région du centre-ouest et des grands lacs
La culture indienne traditionnelle de cette région s’est développée strictement tribu par tribu. Elle était réputée pour son art textile riche, ainsi que pour ses célèbres terrassements , connus sous le nom de "tumulus", représentant des formes animales. L’art tribal comprenait également des pipes en pierre sculptée, des ornements polis en pierre et en cuivre , mais peu de sculpture sur bois, à l’exception des bols sculptés. La conception artistique variait d’ultra-réaliste à abstrait.
Région du sud-est
À l’époque préhistorique, la région la plus passionnante de l’art tribal amérindien était le centre-sud et le sud-est. Elle produisait des coquilles finement sculptées , des ornements de vêtements finement décorés, ainsi que des pipes à oiseaux et à animaux. Cependant, elle était surtout réputée pour ses merveilleuses céramiques , produites malgré une argile de faible qualité. Des œuvres de poterie (bouteilles d’eau, grandes jarres funéraires, bols, urnes et de nombreux autres objets) ont été créées et décorées dans un large éventail de motifs, notamment floraux et géométriques, destinés à un usage cérémonial, religieux et personnel. Un des chefs-d’œuvre les plus célèbres de la poterie d’art tribal du sud-est est le bol en pierre de diorite du Mississippien moyen en forme de canard en bois à crête.
Côte ouest
En Californie, où vivent les tribus Cherokee, Pomo, Hupa, Yurok et Karok, l’art amérindien est illustré par la vannerie . En effet, aucun autre peuple au monde n’a produit une aussi grande variété de vannerie superbe. Les tissages étaient si bien configurés qu’ils produisaient des conteneurs étanches. Les autres tribus de la région, comme les Chumash, les Koso, les Mono-Paviosto et les Washo, ne sont pas moins douées.
Nord est
Les Indiens du Nord-Est, notamment les Iroquois, étaient célèbres pour leurs masques False Face Society , leurs piquants de porc - épic , leurs perles , leurs bols en bois et leurs ceintures tissées en wampum . La poterie était également pratiquée, tout comme le tissage et la vannerie, mais aucune n’était d’une qualité particulièrement élevée.
Nord Ouest
Le grand art tribal du nord-ouest était la sculpture , en particulier la sculpture sur bois . Vivant parmi les grandes forêts de cèdre et d’épicéas américains, les sculpteurs amérindiens ont produit la plus grande gamme de boiseries de toutes les tribus indiennes. Totems, petites figurines en bois et masques, soigneusement peints et souvent incrustés de pierres et de coquillages en ormeau, faisaient partie des formes les plus courantes de sculptures sculptées à la main. Le totem en particulier est un exemple de la culture locale. Ce n’était pas un objet religieux, et n’a jamais été destiné à être vénéré. Au lieu de cela, les mâts totémiques étaient un type de "document historique", qui enregistrait la position sociale, la richesse et l’importance relative de la personne qui payait pour le pôle – généralement un chef de village ou un homme noble. Les Indiens du Nord-Ouest ont également été les premiers Amérindiens à maîtriser le travail des métaux . Le fer et le cuivre (obtenus en partie à partir de navires baleiniers) ont été transformés par des artisans en couteaux de combat, masques et outils.
Musée national des Indiens d’Amérique
Consacré à l’histoire, à la culture et aux arts des peuples autochtones de l’hémisphère occidental, le Musée national des Indiens d’Amérique du Smithsonian a ouvert ses portes au National Mall de Washington DC, en septembre 2004. Il abrite la collection du Musée de l’ancien l’American Indian, qui compte plus de 800 000 objets, ainsi que des archives photographiques de 125 000 images.
Institut des arts indiens américains
Collège et galerie consacrés à l’art tribal amérindien, l’Institut des arts indiens d’Amérique est situé à Santa Fe, au Nouveau-Mexique. Établi en 1962, il propose une gamme de cours de premier cycle en création littéraire, communications visuelles, arts plastiques et études muséales.
Alaska
L’art tribal de l’Alaska – ou art inuit - décrit une œuvre réalisée par le peuple inuit de l’Arctique, anciennement appelé Eskimos . On pourrait imaginer que la création artistique serait un luxe inutile dans un environnement aussi rude avec si peu de matières premières. Pas si. Les Inuits ont produit l’art indien le plus imaginatif et le plus exceptionnel du continent américain. Les sculpteurs inuits utilisaient de l’ivoire / des os de morse / baleine ou des bois de renne colorés au fusain pour créer des figures complexes, et du bois pour la fabrication de leurs célèbres masques , masques et amulettes , utilisés pour la danse et les cérémonies. Ces formes proviennent de la culture Dorset , qui a commencé environ 600 ans avant notre ère. Cela a été remplacé vers 1000 de notre ère par la culture Thulé, au cours de laquelle des objets tels que des marmites, des lances et des harpons décorés, ainsi que des ornements vestimentaires, des peignes, des boutons et des étuis à aiguilles sont devenus populaires. Comme Art viking , L’art esquimau reflète les besoins d’une culture nomade. Tous les arts étaient strictement portables, souvent créés à l’échelle miniature.
Influence sur les arts occidentaux
Les collectionneurs et artistes européens ont commencé à s’intéresser à ce que l’on appelait alors le primitivisme / art primitif – généralement l’art de l’Afrique noire – à partir du milieu du XIXe siècle, alors que de plus en plus d’expéditions revenaient avec des artefacts tribaux. Cet intérêt a également été attisé dès 1855 environ par la mode des Le japonisme . À la fin du siècle, les grands artistes aiment Vincent Van Gogh (1853-1890) et Henri Matisse (1869-1954) était devenu fortement influencé par l’art tribal, tandis que Paul Gauguin (1848-1903) l’avaient réellement expérimentée in situ, en Polynésie française. Ils ont été suivis au milieu des années 1900 par Pablo Picasso , dont les premiers travaux cubistes Les Demoiselles d’Avignon , peint au cours de son epoque negre , montre clairement des masques africains , ainsi que par le marchand d’art Paul Guillaume . Depuis lors, l’influence de l’art africain et océanien a imprégné toutes les formes de l’art occidental, notamment la peinture, Art plastique (comme la sculpture et la céramique) et de nombreuses disciplines artisanales.
Si vous remarquez une erreur grammaticale ou sémantique dans le texte, veuillez la spécifier dans le commentaire. Merci!
Vous ne pouvez pas commenter Pourquoi?