Une allégorie avec Vénus et Cupidon, Bronzino:
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La description

Nom: Une allégorie de Vénus et de Cupidon (1540-1550)
Artiste: Agnolo Bronzino (1503-72)
Medium: huile sur panneau de bois
Genre: Peinture mythologique
Mouvement: Maniérisme
Emplacement: National Gallery, Londres

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Contexte

Bronzino, a travaillé à la cour du duc de Florence – Cosimo de ’Medici (1519-1574), nommé plus tard grand-duc de Toscane par le pape Pie V. Contrairement aux anciens membres du Famille Médicis à Florence, comme Lorenzo le Magnifique (1449-92), Cosimo n’était pas un connaisseur du Renaissance florentine, bien qu’il ait compris la valeur de propagande de l’art pour sa famille et pour la ville. Bronzino – enseigné par Pontormo (1494-1556) et inspiré par Michelangelo (1475-1564) – fut nommé peintre de la cour des Médicis en 1540 et devint célèbre pour ses Portraits Renaissance (de Cosimo, sa famille et des membres de la cour comme Bartolomeo et Lucrezia Panciatichi), ainsi que ses peintures religieuses et retables. Son style particulier de Peinture maniériste – qui est resté cohérent à travers les genres – était délibérément cool et érudit, afin de faire appel à un public cultivé, courtois, qui adorait les énigmes visuelles. Cosimo a commandé une allégorie avec Vénus et Cupidon au roi François Ier de France – connu pour ses aventures voraces – dont la cour de Fontainebleau était un centre actif Artistes maniéristes, y compris les Italiens comme Francesco Primaticcio (1504-70) et Rosso Fiorentino (1494-1540). Pour plus, voir: Ecole d’art maniériste de Fontainebleau (c.1528-1610).

Cette peinture sur panneau, également connu sous les noms de "Vénus, Cupidon, Folie et Temps" et "Un triomphe de Vénus", a été conçu à dessein comme une allégorie complexe et érotique qui comprend une gamme de symboles iconographiques et d’emblèmes du monde de la mythologie. Dans le même temps, sa composition offre à Bronzino de nombreuses occasions de démontrer son virtuose. peinture de la figure et portrait d’art.

La photo symbolise les conséquences d’un amour non chaste. Sa figure principale – Vénus , déesse de l’amour – (identifiée par ses colombes et par la pomme d’or que Paris lui a donnée) désarme son fils Cupidon (identifié par ses ailes et son carquois) en lui enlevant sa flèche alors qu’ils s’embrassent incestueusement. Les deux sont nus.

D’autres personnages incarnent des concepts associés aux dangers de l’amour physique. L’enfant nu (" Pleasure ") avale Vénus et Cupidon avec des pétales de rose inconscients de la douleur (de l’amour) de l’épine qui lui transperce le pied droit. Derrière lui, une créature (" Tromperie ") avec une tête de fille mais un corps de bête offre à Vénus un doux nid d’abeille d’une main tout en cachant l’aiguillon de sa queue de l’autre. En attendant, derrière Cupidon (à gauche) se trouve une silhouette sombre et hurlante qui symbolise soit la " jalousie ", soit peut-être les effets de la " syphilis ", qui avait atteint des proportions épidémiques au milieu du XVIe siècle. La figure en haut à gauche de l’image représente " Oblivion " (représenté avec une tête creuse qui ne se souvient de rien) qui tente de tirer le voile sur les événements ci-dessous. Cependant, l’homme chauve (" Time ") l’empêche de le faire (en haut à droite) – une allusion peut-être aux effets néfastes à long terme de la syphilis, ou simplement à la fugacité de tout plaisir physique. Cette dernière interprétation s’inscrit dans la symbolique du sablier, mémento mori commun qui a culminé dans le monde. Vanitas peinture du 17ème siècle.

Notez également le manque d’espace maniéré et claustrophobe, avec les figures enlacées qui se pressent l’une contre l’autre ainsi que le plan de l’image. L’œuvre la plus raffinée se situe sans aucun doute dans la composition des visages, dans leur froideur de style albâtre, ainsi que dans les teintes chatoyantes. Couleur des draperies de fond.