L’art de la peinture, une allégorie: Jan Vermeer: ​​analyse de "l’artiste dans son atelier" Automatique traduire

L’art de peindre
(L’artiste dans son atelier)
Par Jan Vermeer.
Considéré comme l’un des
Les plus belles peintures de tous les temps.

La description

Image : L’art de peindre
Date : 1665-67
Artiste : Jan Vermeer (1632-75)
Moyen : Peinture à l’huile sur toile
Genre : Peinture de genre réaliste néerlandaise
Mouvement : Peinture hollandaise du 17ème siècle
Lieu : Kunsthistorisches Museum, Vienne.

Pour la signification des autres images, voir: Tableaux célèbres analysés .

Éducation artistique
Apprécier les peintures de
les maîtres de Delft Vermeer
et Pieter de Hooch, voir
nos essais pédagogiques:
Évaluation de l’art
et aussi:
Comment apprécier les peintures.

L’art de la peinture (en néerlandais: De Schilderkonst), également connu sous le nom de l’artiste dans son atelier et l’allégorie de la peinture, est un peinture de genre du peintre de Delft Johannes (Jan) Vermeer. Le plus grand exemple du style de Vermeer Réalisme hollandais, on pense qu’il s’agit d’une allégorie à part entière – commentant l’art de La peinture et le rôle de l’artiste dans la société – et peut-être même un autoportrait de lui-même en action: d’où les différents titres de l’œuvre. En novembre 1940, il fut acheté personnellement par le leader nazi Adolf Hitler à son propriétaire, le comte Jaromir Czernin, au prix de 1, 65 million de Reichsmarks. Après la guerre, il a été saisi par les Américains qui l’ont remis au gouvernement autrichien. Il réside maintenant dans le Kunsthistorisches Museum, Vienne. La photo aurait été la préférée de Vermeer, ce qui est plutôt surprenant. Certes, cela reste une illustration typique de son Peinture baroque hollandaise, mais il est à peine considéré comme l’un de ses chefs-d’œuvre – une thèse confortée par le fait qu’il a été pensé pendant de nombreuses années comme ayant été peinte par le Delft contemporain de Vermeer Pieter de Hooch (1629-1684).

Composition

Cette toile est l’une des deux œuvres allégorico-littéraires de l’artiste – l’autre étant Allégorie de la foi (n ° 1653, Metropolitan Museum of Art, New York) – qui nous sont parvenues, et il semblerait, étant donné le travail de Vermeer méthodes, que c’était la genre il était le moins adapté. Bien qu’elle incarne certaines des idées de Vermeer sur l’art de la peinture, cette toile ne représente guère ni l’artiste ni ses méthodes de travail. Même ainsi, il devait avoir une signification inhabituelle pour Vermeer, qui conserva le tableau jusqu’à sa mort.

Les meilleures œuvres de Vermeer sont ses intérieurs avec un seul sujet féminin. Ils incluent: La laitière (c.1658, Rijksmuseum, Amsterdam), Jeune femme avec une cruche d’eau (1862, Metropolitan Museum of Art, New York), Femme tenant une balance : alias La Goldweigher, (c.1662, Galerie nationale d’art, Washington DC), Femme avec un collier de perles (c.1662, Staatliche Museum, Berlin), Fille au chapeau rouge (1866, National Gallery of Art, Washington DC et La dentellière (c.1669, Louvre, Paris).

La photo – à environ 4 pieds sur 3, sa plus grande – est soit une allégorie, soit (peut-être plus probablement) une célébration de l’art de la peinture. Quoi qu’il en soit, la qualité «théâtrale» de la scène est délibérément mise en valeur par le rideau proéminent qui est tiré vers la gauche comme pour révéler une pièce de théâtre. Au-delà du rideau séparé, il y a un studio très éclairé dans lequel un modèle est peint par l’artiste qui s’assied, le dos tourné au spectateur. La pièce est beaucoup plus élégante qu’un atelier d’artiste classique, avec un lustre en or, des meubles raffinés, des dalles de marbre de qualité, etc.

Symbolisme et signification

Pour les contemporains de Vermeer, le modèle de l’artiste aurait été immédiatement reconnaissable à sa robe en tant que muse Clio, l’une des neuf personnifications des plus hauts standards de l’art et de la philosophie dans la mythologie grecque, qui est devenue la protectrice de l’Histoire. Elle est interprétée exactement comme décrit par Cesare Ripa dans l’un des livres les plus populaires sur les emblèmes et les personnifications de la matière artistique jamais écrite, l’ Iconologia. La traduction néerlandaise de cet important ouvrage italien de Dirck Pietersz Pers parut pour la première fois en 1644, et Vermeer, s’il n’en possédait pas un exemplaire, devait bien connaître le livre. Clio est représentée avec une couronne de laurier et un livre de Thucydides et une trompette (représentant la gloire). Le peintre lui-même porte une tenue historique évidemment démodée. Le message est que la peinture est sur un pied d’égalité avec d’autres arts comme la poésie et la philosophie et – plus important encore – que la peinture peut représenter n’importe quelle manifestation visuelle, réelle ou imaginée, dans l’histoire du monde. En particulier, l’image elle-même montre, à travers l’utilisation de perspective linéaire et clair-obscur , cette peinture peut amener l’œil à "voir" la profondeur tridimensionnelle et la solidité de la forme.

Tout ceci était la tentative de Vermeer de répondre à une question récurrente qui continuait à être débattue par les peintres, sculpteurs et écrivains – Quelle était la place du peintre dans la société? Était-il un artisan, à la hauteur des charpentiers, des maçons et des orfèvres, ou un penseur créatif au même titre que les poètes, les architectes, les ingénieurs et les philosophes? La réponse de Vermeer, comme celle des autres Artistes réalistes hollandais – notamment le brillant artiste des intérieurs Samuel van Hoogstraten (1627-78) – était-ce que la peinture était l’égale de tout autre art, puisqu’elle était capable de représenter toutes les idées visuelles possibles et de tromper l’œil d’illusions de profondeur et de couleur.

Le lustre en or est orné d’un aigle à deux têtes, symbole officiel de la dynastie des Habsbourg autrichiens, anciens dirigeants de la Hollande. Ainsi, les experts estiment que le lustre représente le catholicisme, tandis que le manque de bougies est une référence à sa suppression par la foi protestante dominante. En tout état de cause, à l’instar du chapeau porté par un juif orthodoxe pour rappeler l’existence d’une puissance supérieure, le lustre est une allusion à la présence primordiale de Dieu.

La carte qui couvre le mur arrière du studio contient une déchirure symbolisant la division entre la République néerlandaise au nord et les provinces flamandes régies par les Habsbourg au sud (remarque: comme c’était la coutume, le haut de la carte pointe vers l’ouest). Dans l’ensemble, la carte montre à quel point la renommée d’un peintre pourrait se répandre – d’Anvers à Amsterdam, en passant par toutes les écoles de peinture réaliste néerlandaise, y compris Utrecht, Haarlem, Leiden, Dordrecht et Delft. Le reste des meubles et accessoires somptueux du studio ne fait que symboliser la prospérité matérielle à la portée des peintres talentueux.

Jan Vermeer et Color

Couleur Vermeer a joué un rôle important dans toutes les peintures et il avait une faiblesse particulière pour la teinte bleue fraîche de l’outremer naturel, fabriqué à partir du minéral Lapis Lazuli. C’était (et c’est toujours) l’un des plus chers au monde pigments de couleur. Comment il a réussi à financer son utilisation généreuse de l’outremer, même après la désastreuse année de 1672, reste un mystère. Selon une réponse, il aurait été approvisionné en matériaux par un collectionneur, probablement Pieter van Ruijven, dont le gendre Jacob Dissius aurait organisé une grande vente aux enchères de 21 Vermeers à Amsterdam en 1696.