Peinture maniériste, Italie Automatique traduire
introduction
La première réaction contre les principaux représentants de Peinture haute renaissance – Léonard, Michel-Ange, Raphaël et Andrea del Sarto – se sont déroulés à Florence entre 1515 et 1524, lorsque les peintres Rosso Fiorentino (1494-1540) et Jacopo Pontormo (1494-1556) se sont séparés du naturalisme et de l’harmonie des Haute renaissance idiome. Traités avec sympathie par des historiens de l’art du XXe siècle, dont Max Dvorak dans son livre Uber Greco und der Manierismus (1921), ces peintres non-conformistes du début du XVIe siècle ont été qualifiés de maniéristes. L’opinion scientifique récente a toutefois appliqué le terme Maniérisme décrire un style très différent de cinquecento la peinture, apparue pour la première fois à Rome vers 1520. Ce maniérisme né à Rome, qui finit par se répandre dans toute l’Europe, n’était pas un nouveau développement révolutionnaire, mais plutôt une transformation de Art de la Renaissance alliés à un changement de mentalité de l’époque. En surface, il se caractérisait par un certain artificiel, une culture du style délibérée et prononcée et un délice sophistiqué dans le bizarre. Le concile de Trente (1545-1563) lança sa campagne de Art de la contre-réforme catholique tout comme le maniérisme prenait forme en Italie. Les autorités du Vatican ont réprimé le style maniériste Art chrétien cela était incompréhensible pour la plupart des fidèles, tels que (l’un des suspects), la Madone du long cou de Parmigianino.
Origines
Le terme actuel de maniérisme est dérivé du mot italien " maniera " (qui signifie littéralement "style") et a été utilisé pour la première fois dans la critique d’art du XVIe siècle pour décrire une qualité définissable, à savoir le style . Le peintre et historien de l’art Giorgio Vasari (1511-1574) – connu pour son traité biographique Vies des artistes (1550) – identifié la source de cette coquetterie comme les œuvres de Léonard de Vinci (1452-1519), Raphaël (1483-1520) et Michelangelo Buonarroti (1475-1564). Si les tendances maniéristes des œuvres de Leonardo sont peut-être surestimées, celles de Raphaël Transfiguration (1520, Pinacothèque apostolique, Vatican, Rome) révèle sans aucun doute des signes évidents du type d’expressionnisme qui devait être associé au maniérisme. En fait, certains art Les experts pensent que la tension dramatique et les formes exagérées dans le travail laissaient présager Peinture baroque, peu importe le maniérisme. Michelangelo Fresque du Jugement dernier (1534-1541) sur le mur d’autel de la chapelle Sixtine était un autre exemple de l’art de la Haute Renaissance avec des tendances maniéristes.
Mais bien que Leonardo, Raphael et Michelangelo aient pu en être la source, ce sont leurs partisans, selon Vasari, qui – ayant eu l’occasion de digérer pleinement les découvertes de Peinture début Renaissance et haute renaissance esthétique – avait affiné les modèles créés par ces grands maîtres. Ces derniers adeptes, pensa Vasari, comprirent le secret du vrai style artistique – le maniera . En passant, on notera que le maniérisme s’est principalement manifesté dans La peinture, puisque sculpture continué à peu près sans entrave par aucune contrainte, et il n’y avait pratiquement pas de maniériste architecture.
Caractéristiques de la peinture maniériste
Pour commencer, le mot «maniérisme» n’avait rien de négatif. Il décrivait une sorte d’élégance stylistique et reflétait une fascination générale pour cette élégance, ainsi que pour le style ou le style particulier de tel ou tel artiste. En temps voulu, il désigna la «grande manière» qui devint le style à la mode à Rome vers 1520.
Bien qu’il soit presque impossible de fournir une définition concise du maniérisme – au-delà de l’appeler quelque chose comme "le triomphe de l’imagination sur les règles académiques de la peinture" – pour la comprendre, nous devons prendre en compte les éléments suivants:
❶ Bien que dans peinture figurative, Michelangelo avait fixé les normes formelles et Raphaël, celui de la beauté idéalisée, les contemporains de Vasari avaient tendance à accorder une plus grande valeur au style qu’à la matière. Pour le dire plus simplement, plutôt que de continuer à observer l’idéal harmonieux de la Haute Renaissance naturalisme, le peintre maniériste voulait plus de liberté pour créer et cherchait ainsi à créer une image artificielle de la nature afin de satisfaire son désir de plus de virtuosité. (Remarque: la question de savoir si ce prétendu désir de liberté de création découlait de la prise de conscience du fait que les normes naturalistes établies par Léonard, Raphaël et Michel-Ange ne pourraient jamais être égalées, encore moins dépassées, est une question intéressante.)
❷ Dans leur désir de liberté créatrice, Artistes maniéristes réaménagé les canons classiques de proportions de la Haute Renaissance. La hauteur idéale de la figure humaine a été modifiée de sept fois et demi la hauteur de la tête à neuf fois et demie. En plus de cet allongement stylistique du corps humain – qui était parfois appliqué à des éléments individuels, voir par exemple La Madone au long cou de Parmigianino (1534-1540, Galerie des Offices) – les peintures maniéristes présentaient également de nouvelles formes d’arrière-plan perspective, dans lequel l’espace pictural était complètement rempli de personnages au premier plan: voir, par exemple, The Deposition (1526, Santa Felicita, Florence) de Jacopo Pontormo. L’utilisation de la lumière provenant d’une source unique a parfois été abandonnée au profit d’effets contrastés de la lumière et de l’obscurité; Un éclairage tamisé a également été introduit, de même que l’utilisation de couleurs non naturelles.
❸ En plus de créer des images artificielles de la nature, certains représentants de la maniera ont eu recours à un style appelé disegno fantastico, qui consiste en fantaisies, inventions, excentricités et autres bizarreries: une catégorie artistique illustrée par les portraits à la cour de Arcimboldo composé de fruits et de légumes.
❹ À cause de tout cela, le maniérisme a été conçu pour plaire au connaisseur – à un amateur d’art averti, qui pourrait en apprécier la complexité et la virtuosité. Cependant, les fidèles catholiques de la Contre-Réforme trouvèrent le nouveau style peu satisfaisant – du moins s’il était appliqué à art religieux, comme le retable – parce que son style même avait tendance à éclipser son message biblique. Même la fresque du Jugement dernier de Michel-Ange a été vivement critiquée par certains observateurs, pour sa (principalement) nus masculins, alors qu’il était lui-même désigné comme "l’inventeur des obscénités, qui cultivait l’art aux dépens de la dévotion".
Ce sentiment général d’insatisfaction – ou du moins de scepticisme – de la part de l’Église catholique, principale protectrice de l’Europe beaux arts, le maniérisme est tombé dans le discrédit général et quand, en 1662, l’architecte français Freart de Chambray a inventé le mot ’Manieriste’ (plus tard traduit par «maniériste» par l’écrivain anglais John Evelyn), il l’a utilisé pour dénigrer Vasari et ses contemporains., les praticiens essentiels de la maniera. Voir également: Classicisme et naturalisme dans la peinture italienne du XVIIe siècle.
Note: L’un des premiers experts dans l’attribution de peintures créées à l’époque maniériste fut l’érudit de la Renaissance. Bernard Berenson (1865-1959), qui passa la plus grande partie de sa vie près de Florence et publia plusieurs livres très influents sur l’art italien de cette période.
Histoire et artistes
Jacopo Pontormo (1494-1556)
Au cours de la période c.1510-20, Andrea del Sarto (1486-1530) était le principal praticien du naturalisme de la Haute Renaissance à Florence. La tension émotionnelle présente sous l’harmonie des couleurs et des formes d’Andrea a été saisie et accentuée par l’un de ses élèves les plus précoces, Jacopo Pontormo, qui avait été loué dans sa jeunesse par Michel-Ange lui-même. Dans le célèbre retable de Visdomini de Pontormo (1518), la tension émotionnelle atteint presque le point de rupture. la composition est verticale et n’a pas de sens de l’espace, alors qu’une foule de centres d’action similaires mais discordants créent un sentiment d’agitation tangible. Pontormo a persisté dans cet expressionnisme, devenant de plus en plus influencé par les formes angulaires des estampes d’Albrecht Durer et par certains des aspects les plus torturés des figures de Michelangelo.
Rosso Fiorentino (1494-1540)
Une autre élève talentueuse d’Andrea, la sophistiquée mais imprévisible Rosso Fiorentino, a réagi dans un esprit d’expressivité similaire. Outre ses deux chérubins, sa Vierge à l’Enfant intronisée avec Quatre Saints (Jean-Baptiste, Anthony Abbot, Jerome et Stephen) (1518, Uffizi) créée pour Santa Maria Nuova, tourne complètement le dos au naturalisme de la Renaissance iconoclaste que tout de Pontormo. Trois ans plus tard, il a produit le dépôt aussi extraordinaire (1521, Pinacothèque Communale, Volterra) pour la cathédrale de Volterra. Sa composition disjointe, ses chiffres distendus et démesurés et ses couleurs anormalement froides en font un excellent exemple du maniérisme florentin primitif. En 1523, à la recherche de commandes du nouveau pape Clément VII, Rosso Fiorentino se rendit à Rome où il fut émerveillé par trois expériences: celle de Michel-Ange Fresques de la chapelle Sixtine, le style tardif ) métamorphose) de Raphaël et l’art du nouveau Girolamo Francesco Maria Mazzola, plus connu sous le nom de Parmigianino.
Parmigianino (1503-40)
Né et formé à Parme, Parmigianino apporté trois échantillons de photos avec lui à Rome, en tant que preuve de ses compétences artistiques. Son style, influencé par celui de Le corrège, avait déjà beaucoup de l’élégance atténuée pour laquelle il est devenu célèbre. Rome l’aimait et il fut salué comme le nouveau Raphaël capable de reproduire la grâce subtile de ses dernières œuvres, telles que Saint Michel (Louvre). Bien que Raphael soit décédé en 1520, ses fresques décoratives au Vatican stanze ) Chambres Raphaël) a été poursuivi par ses élèves les plus importants, Giulio Romano (1499-1546) et Perino del Vaga (1501-47). Leur style de peinture reposait sur un usage raffiné des formes antiques classiques et une exploitation complexe de différents niveaux de réalité picturale.
Le sac de Rome (1527)
La rencontre de Rosso Fiorentino avec celle de Michelangelo Fresque de la genèse et le travail de Parmigianino a conduit à un changement de style radical et plus sophistiqué. Son Christ mort avec des anges (1526, musée des beaux-arts de Boston), image qu’il aurait peut-être déjà exécutée avec une angularité de forme exceptionnelle, est plus silencieux, doté d’une émotion plus subtile et d’un sens surprenant de la beauté. Les élèves de Raphaël et les nouveaux arrivants Rosso et Parmigianino se sont sans doute influencés mutuellement au milieu des années 1520, mais hélas en 1527, Rome fut pillée par les troupes en maraude de l’empereur Charles Quint qui obligèrent le pape à abandonner le Vatican et à fuir à Orvieto. Parmigianino s’est enfui à Bologne et est retourné quatre ans plus tard dans sa ville natale, Parme, où il a continué à développer sa propre maniera ) Madonna of the Long Neck). Perino del Vaga est entré au service de la famille dirigeante à Gênes, tandis que Rosso Fiorentino a erré sans relâche entre Arezzo, Citta di Castello, San Sepolcro et Pérouse, avant d’être convoqué devant le tribunal français et chargé de la décoration intérieure. Château de Fontainebleau. [Note: pour plus de détails sur cette mini-Renaissance de l’art français, voir: Ecole de Fontainebleau (1528-1610).] C’est ici qu’il créa son chef-d’œuvre, la galerie de François Ier, avec fresques et plâtres ornementaux.
Maniéristes postérieurs: Giorgio Vasari, Francesco Salviati
Le style sophistiqué de l’art maniériste qui a évolué à Rome avant 1527 sous l’impulsion de Parmigianino et de ses collègues a été la principale influence sur les styles individuels de plusieurs artistes plus jeunes et importants. Vasari et Francesco Salviati (1510-1563), tous deux apprentis de la Florence d’Andrea del Sarto, se séparèrent en 1527 mais reprirent contact à Rome (1531), où ils tentèrent de combiner le système formel et narratif des dernières fresques de Raphaël avec style figuratif de Michelangelo. Dans le cas de Vasari, le résultat était quelque peu incohérent, mais Salviati a réussi à produire une maniera individuelle d’une énorme inventivité – voir, par exemple, son peinture murale Paix (1544-1548, Palazzo Vecchio, Florence).
Alors que la carrière de Salviati était itinérante – il peignit à Rome, à Florence, à Venise et en France – Vasari retourna à la cour florentine de Cosimo I de Medici, qui succéda à Alessandro de Medici, assassiné en 1537. Cosimo en concert avec son épouse espagnole Eleonora De Toledo s’est lancé dans une série de projets astucieux pour renforcer sa position politique, pour laquelle Vasari est devenu régisseur. Son succès artistique en tant que peintre et architecte après 1555 est remarquable, mais sa contribution la plus importante au maniérisme est sa défense des idéaux maniéristes dans sa vie des artistes (1550). Pendant ce temps, le peintre le plus talentueux de la cour de Cosimo de Medici était Agnolo Bronzino, élève et fils presque adopté de Pontormo.
Agnolo Bronzino (1503-72)
Dès le début Agnolo Bronzino avait réduit le contenu émotionnel qui constituait un élément si important du style de Pontormo et, au cours des années 1530, s’est taillé une réputation de peintre de portraits à la cour. Son mature portrait d’art Est élégant, méticuleux, formel et magnifiquement poli, reflétant l’étiquette espagnole de la cour des Médicis. En effet, Bronzino est rapidement devenu le peintre préféré d’Eleonora et a été chargée de décorer sa chapelle privée du Palazzo Vecchio. Les fresques qui en résultent, bien qu’elles ne soient pas spirituellement expressives, sont éblouissantes, avec des références à des formes classiques – une allusion à la connaissance de l’artiste et du sujet – ainsi qu’à Raphael et Michelangelo. Après l’impact de la Contre-Réforme catholique, Bronzino adopta un style narratif plus modeste, mais conserva son essence maniériste. Voir également: Une allégorie avec Vénus et Cupidon (1540-1550), chef-d’œuvre mythologique de Bronzino.
La Contre-Réforme eut un effet similaire sur plusieurs autres peintres maniéristes, bien que seuls ceux nés à Urbino Federico Barocci (1526-1612) abandonnèrent la maniera prendre la peinture religieuse pieuse. Le style fluide et délicatement coloré de Barocci, largement influencé par le corrège, peut être considéré, exceptionnellement, comme un précurseur de la peinture baroque. Barocci abandonna son style maniériste vers 1575, mais la plupart de ses contemporains à Florence et à Rome continuèrent à développer les aspects éclectiques de la maniera originale. Daniele da Volterra (1509-1566), formé à Sienne, et Pellegrino Tibaldi (1527-1596), natif de Lugano, peignent à la manière de Michel-Ange, tandis que, à la fin du siècle, Giuseppe Cesari (Cavaliere d’Arpino) (1568-1640)) et Federico Zuccaro (1540-1609) ont exploré les valeurs intellectuelles complexes du style studio de Raphaël. Zuccaro est le meilleur exemple de cette phase tardive et ses voyages (à Rome, à Venise, en Espagne, en Angleterre, en France et en Flandre) témoignent de l’internationalisme du style maniériste tardif.
Peinture maniériste à l’extérieur de Florence et de Rome
À l’extérieur de Florence et de Rome, les artistes de plusieurs villes italiennes ont été influencés par le maniérisme après 1527. Ecole siennoise de peinture, sous Domenico Beccafumi (1485-1551), développa un étrange type de maniérisme émotionnel, et il existait d’autres variantes de la maniera ailleurs. Mais ce n’est que dans la ville de Venise que le maniérisme a été maintenu comme un idiome cohérent et indépendant. Cependant, même si Titien (c.1488-1576), après 15h30, Paolo Veronese (1528-1588), Jacopo Bassano (1515-1592) et Jacopo Tintoretto (1518-1594), ayant adopté des formes et des idéaux maniéristes dans certaines de leurs peintures, l’art vénitien dans son ensemble a continué à être dominé par des pratiques non maniéristes à la fois. colorito et expression. Les commentaires désobligeants de Vasari sur le manque de bien du Tintoret disegno indique clairement que les différences entre le romano-florentin et le Peinture vénitienne resté fondamental. Voir également: Peinture de couleurs du Titien et de Venise (environ 1500 à 76).
Pour l’art de l’autel maniériste à Venise, voir: Retables vénitiens (1500-1600), pour les portraits, voir: Portrait de Venise (1400-1600 environ). Pour son impact général sur l’art européen, voir aussi: Héritage de la peinture vénitienne (après 1600).
Paolo Veronese (1528-1588)
Paolo Veronese est célèbre pour son riche colorisme et ses énormes compositions encombrées de chiffres: voir: Fête de mariage à Cana (1562-3, Gemaldegalerie, Dresden) et Fête à la maison de Levi (1573; Galerie de l’Académie de Venise). Cependant, la richesse de son pigments de couleur Le meilleur exemple est illustré par des œuvres telles que Mars et Venus United by Love (Metropolitan Museum, New York) et Marriage of St. Catherine (Gallerie dell’Accademia di Venezia).
Jacopo Tintoretto (1518-1594)
Tintoret lui-même attaché à l’utilisation par Titien d’une lumière dramatique et d’une intensité émotionnelle. En 1548, Saint-Marc libérant l’esclave (1547-158, Gallerie dell’Accademia di Venezia) l’a établi comme le peintre principal de la jeune génération à Venise. Par la suite, une grande partie de sa carrière fut consacrée à la réalisation de 66 magnifiques peintures murales et au plafond représentant des scènes de l’Ancien et du Nouveau Testament pour la décoration de la Grande école de San Rocco, Venise (1564-1588) – comme La crucifixion (1565). Son dernier exploit est The Last Supper (1591-1545), une immense toile peinte pour l’église de San Giorgio Maggiore, à Venise. Comme il sied au représentant le plus important du maniérisme vénitien, Tintoretto exploite pleinement les diagonales en recul, dramatiques raccourcir et d’autres méthodes maniéristes. Une comparaison de cette image avec celle de Leonardo Dernière Cène (1495-1888, Santa Maria delle Grazie, Milan) montre les différences entre la peinture vénitienne de la Haute Renaissance et celle de la fin du XVIe siècle, bien que cette dernière soit toujours dominée par des pratiques non maniéristes. Couleur et la composition.
Peinture maniériste hors d’Italie
Les idées du Renaissance italienne se répandre dans toute l’Europe par le bouche à oreille, ainsi que par le biais de gravures et de gravures à l’eau-forte. Au même moment, la plupart des grands peintres non italiens se rendaient à Florence, Rome ou Venise pour voir et copier le plus grandes peintures de la Renaissance pour eux-mêmes. Même dans ce cas, il serait faux d’imaginer que le style de la Renaissance italienne domine toute la peinture européenne. (En effet, italien Artistes de la première Renaissance fortement influencés par la peinture à l’huile flamande et par des œuvres spécifiques telles que Le retable de Portinari (1475) de Hugo Van Der Goes.) Certains artistes du Nord (comme Albrecht Durer, Michael Pacher et d’autres) ont adopté les techniques picturales de la Renaissance en toute confiance; d’autres les ont également utilisées, mais de manière fragmentée, sans une compréhension adéquate des méthodes de composition italiennes. Après 1520, cependant, les deux artistes de la Renaissance du Nord (p. Ex. Hans Baldung Grien) et des peintres espagnols (ex. El Greco) comprenaient et appliquaient de plus en plus les idées maniéristes dans leurs œuvres. Pour les plus grands chefs-d’œuvre maniéristes du Greco – un mélange de Tintoret, Parmigianino, Bassano et Michel-Ange dans un cadre byzantin, veuillez consulter: Déshabillage du Christ (1577); Enterrement du comte d’Orgaz (1588); Christ chassant les marchands du temple (1600); Portrait d’un cardinal (1600); Felix Hortensio Paravicino (1605); et Vue de Tolède (1600). En fait, un certain nombre d’écoles individuelles de maniérisme ont commencé à apparaître dans divers centres hors d’Italie.
On peut voir des peintures maniéristes dans la plupart des meilleurs musées d’art dans le monde entier, notamment le Palais Pitti et le Galerie des Offices à Florence.
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