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Artistes de la Renaissance espagnole

27/10/2020 4 850
La Renaissance en Espagne Peinture espagnole et la sculpture au cours du 15ème et début du 16ème siècle étaient globalement moins avancés que leurs homologues Art de la Renaissance en Italie et dans le Renaissance nordique de Flandre et d’Allemagne. En effet, il est même difficile de situer le début de ce que l’on pourrait appeler à juste titre une Renaissance dans la péninsule ibérique.

Illustration: Histoire, Types, Caractéristiques

27/10/2020 31 011
Définition et caractéristiques Une illustration est une dessin, une peinture ou une œuvre d’art imprimée qui explique, clarifie, éclaire, représente visuellement ou simplement orne un texte écrit, qui peut être de nature littéraire ou commerciale. Historiquement, les illustrations de livres et les illustrations de magazines / journaux ont été les formes prédominantes de ce type d’art visuel, bien que les illustrateurs aient également utilisé leurs compétences graphiques dans les domaines suivants: art de l’affiche, publicités, bandes dessinées, art d’animation, cartes de vœux, bandes dessinées. La plupart des dessins illustratifs ont été réalisés à la plume, au fusain ou à la pointe de métal, après quoi ils ont été reproduits à l’aide de divers procédés d’impression, notamment: gravure sur bois, gravure, gravure, lithographie, photographie et gravure en demi-teinte, entre autres. Aujourd’hui, on pourrait dire qu’il existe cinq principaux types d’illustrations: "graphiques d’information" éducatifs (par exemple, manuels scientifiques); littéraire (par exemple, livres pour enfants); jeux et livres de fantaisie; médias (magazines, périodiques, journaux); et commerciaux (affiches publicitaires, points de vente, emballages de produits). Un grand nombre de ces illustrations sont conçues et créées à l’aide de logiciels graphiques tels qu’Adobe Illustrator, Photoshop et CorelDRAW, ainsi que de tablettes Wacom, bien que les méthodes traditionnelles telles que l’aquarelle, les pastels, la caséine, la tempera à l’œuf, la gravure sur bois, les coupes de linoléum, l’encre est également utilisée. Un débat est en cours sur la question de savoir si l’illustration est mieux classée en tant que beaux arts, un art appliqué – ou même un art décoratif. Cependant, si l’on examine de nombreux chefs-d’œuvre illustratifs créés au cours des siècles, il ne fait aucun doute que cette forme d’art se range aisément parmi les autres beaux-arts comme la peinture et la sculpture.

Jeunes artistes britanniques (YBA), Britart

27/10/2020 10 485
introduction À la fin des années 1980 et 90, art postmoderniste en Grande-Bretagne a été revitalisé par l’émergence d’une nouvelle génération confiante de artistes postmodernistes, plus tard surnommé Young British Artists . N’appartenant à aucun mouvement ou style d’art particulier, ils comprenaient un mélange varié de peintres, de sculpteurs, d’artistes de la vidéo / installation et les photographes, sans autre caractéristique commune que leur jeunesse, leur nationalité et leur implication dans art contemporain. Leur travail s’appelle souvent Britart . Les YBA ont été remarqués grâce à trois expositions d’art: Freeze (1988) et Modern Medicine (1990), toutes deux organisées par un étudiant en art du Goldsmiths College, un inconnu. Damien Hirst (B.1965), et Sensation (1997), tenue à la Royal Academy. Depuis 1988, le sponsor principal de YBA était le collectionneur millionnaire. Charles Saatchi, dont le patronage a contribué à faire de Londres la capitale européenne du postmodernisme. Le terme Jeunes artistes britanniques provient du titre de six expositions de ce nom organisées à la Saatchi Gallery de Londres au cours de la période 1992-1996. Faisant désormais partie des établissements artistiques britanniques, les YBA sont régulièrement primés au concours. Prix ​​Turner et ont été élus membres de la London Royal Academy. Ils ont été exposés dans beaucoup de meilleures galeries d’art contemporain en Europe. Outre Hirst, des artistes notables associés au mouvement des «jeunes artistes britanniques» incluent: Tracey Emin, Jake et Dinos Chapman, Douglas Gordon, Marcus Harvey, Gary Hume, Rachel Whiteread, Gillian Porter, Mark Wallinger, Marc Quinn, Steve McQueen, Chris Ofili, Jenny Saville et d’autres.

Vorticisme: définition, caractéristiques

27/10/2020 6 514
Définition / Caractéristiques Un mélange unique de Cubisme et Futurisme, Le vorticisme était un important britannique art d’avant-garde mouvement du début du XXe siècle, bien qu’il ait duré officiellement deux ans tout au plus. La figure centrale du mouvement était le peintre, écrivain et polémiste anglais Percy Wyndham Lewis (1882-1957), alors que le nom – faisant référence au vortex émotionnel considéré comme la source nécessaire de la création artistique – a été inventé par le poète américain Ezra Pound. Le vorticisme a été fondé en 1914 par les deux membres du Rebel Art Center. Le journal " Blast ", publié à deux reprises seulement (en 1914 et 1915), proclamait le Manifeste vorticiste et fournissait de la publicité au mouvement. Deux expositions d’art futuriste à Londres ont été des catalyseurs importants du lancement du mouvement, tandis que le déclenchement de la Première Guerre mondiale en 1914 entraîna sa disparition prématurée. En conséquence, une seule exposition vorticiste a jamais été organisée. Le mouvement s’est effectivement dissout en 1915 en raison de l’impact de la guerre et de la perte du soutien financier de son soutien, l’artiste Kate Lechmere (1887-1976). La philosophie vorticiste a été brièvement rétablie en 1920 avec la formation du groupe X par Lewis.

Sécession de Vienne: Histoire, Caractéristiques

27/10/2020 8 373
Sécession de Vienne: Histoire, Caractéristiques Dans art moderne, la phrase "Vienne Sécession" ( Wiener Sezession) fait référence aux actions des progressistes artistes modernes à Vienne, qui a rompu avec l’Académie conservatrice des arts de la ville, dont le salon annuel écoles d’art est resté attaché à un style démodé art académique. La tendance sécessionniste est apparue dans plusieurs villes d’Europe, à Munich en 1892, où la nouvelle Sécession, dirigée par Franz von Stuck, s’est rapidement éclipsée face à l’organisation artistique officielle. La Sécession de Vienne, formée en 1897 sous le Gustav Klimt (1862-1918), était le groupe d’influence le plus influent et a publié son propre périodique Ver Sacrum (Printemps sacré) afin de promouvoir ses idées. Il a également construit un nouveau bâtiment spectaculaire ( Haus der Wiener Sezession) , conçu par un architecte Joseph Maria Olbrich (1867-1908). Il n’y avait pas de caractéristiques unificatrices du sécessionniste viennois La peinture ou sculpture, ou même architecture : au contraire, ses membres étaient attachés à l’idéal de moderniser l’art autrichien en le familiarisant avec les dernières mouvements d’art moderne, y compris les dernières tendances en Post-impressionnisme et Expressionnisme, ainsi que les styles à la mode des arts décoratifs, comme Art Nouveau. Cependant, ce sont les peintures de Klimt qui ont provoqué la plus grande controverse. Ses tableaux Philosophy and Medicine (tous deux de 1900), commandés pour l’Université, étaient réputés être trop explicitement physiques, tout comme ses Beethoven Frieze (1902) et The Kiss (1907-8), dont les toiles chatoyantes tiraient un grand profit des connaissances approfondies de Klimt art appliqué.

Art victorien en Grande-Bretagne: histoire, caractéristiques

27/10/2020 19 580
Pour un guide général sur l’évolution de la peinture, de la sculpture etautres formes d’art, voir: Histoire des arts (2, 5 millions avant notre ère).

Château de Versailles: Histoire, architecture, design d’intérieur

27/10/2020 18 650
introduction Le château de Versailles (construit vers 1624-98), un magnifique exemple de français Architecture baroque, est le château royal le plus célèbre de France. La gigantesque échelle de Versailles illustre le thème architectural de la «création par division» – une série de répétitions simples rythmées par la répétition de grandes fenêtres – qui expriment les valeurs fondamentales de Art baroque et dans lequel le point central de l’intérieur, ainsi que de l’ensemble du bâtiment, est le lit du roi. Parmi ses conceptions architecturales célèbres figure la Galerie des Glaces, une des salles les plus célèbres du monde. Situé à une vingtaine de kilomètres au sud-ouest de Paris, dans un vaste parc, le palais et sa décoration ont stimulé une mini-renaissance de l’intérieur conception, aussi bien que art décoratif, aux 17ème et 18ème siècles. En effet, Art décoratif français au cours de la période 1640-1792 – notamment Meubles français – est synonyme des rois de France Louis Quatorze (XIV), Louis Quinze (XV) et Louis Seize (XVI), ainsi nommés. Les nombreux créateurs et artisans français ayant contribué à la vie de Versailles architecture, mobilier et objets d’art, y compris Louis Le Vau, Jules Hardouin Mansart, André Le Notre, Charles Le Brun, Jean Bérain l’Aîné, André-Charles Boulle, Charles Cressent, Jean-Baptiste Oudry, François Lemoyne et Juste-Aurèle Meissonnier, entre autres. De 1682 au début de la Révolution française en 1789, le château de Versailles abrita le roi et toute la cour royale française, soit environ 3 000 habitants, ce qui en faisait un symbole de l’absolutisme et de la décadence de l’ Ancien Régime, et la monarchie française en particulier. Le château royal lui-même n’est pas le seul complexe de bâtiments sur le site, qui comprend également cinq chapelles, plus le Grand Trianon (1687-1688), le Pavillon Francais (1749) et le Petit Trianon (1762-1728), ainsi que 800 hectares de jardins, aménagés dans le style classique du jardin à la française.

Portrait de Venise

27/10/2020 15 067
introduction Portrait d’art développé très tôt à Venise. Peu de temps après 1339, Paolo Veneziano a peint le portrait du défunt doge Francesco Dandolo avec son épouse encore vivante sur la tombe de Dandolo dans la Sala del Capitolo du Frari. Les personnages sont à la même échelle que leurs saints patrons (une caractéristique très inhabituelle pour la période) et les visages semblent être des portraits authentiques, même si le style suit toujours les conventions de Art byzantin.

Peinture vénitienne: histoire, caractéristiques

27/10/2020 28 456
Disegno Versus Colorito Tandis que le Renaissance à Florence épuisé par la splendeur même de sa propre réalisation, des artistes à Venise exploraient un ensemble différent de possibilités picturales. La différence entre ces deux grandes écoles du Renaissance italienne peut se résumer comme suit: à un florentin de 1480 a La peinture était composé de forme / design plus couleur; alors que pour un vénitien de 1520, il s’agissait d’une forme / d’un design fusionné avec la couleur. A Florence, couleur ( colorito ) , si harmonieux soit-il, était une qualité à ajouter au design ( disegno ). À Venise, il était indissociable du design. Pour un Florentin, c’était un attribut de l’objet auquel il appartenait: une robe rouge ou un arbre vert étaient des plaques de rouge et de vert confinées dans les limites de ces objets. Les Vénitiens pensaient quant à eux que la couleur était une qualité sans laquelle la robe ou l’arbre existait à peine. Elle imprègne tout et traverse les contours comme la lumière. L’unité structurelle de la peinture florentine a cédé la place à l’unité chromatique du vénitien. À Venise, Couleur a donné la vie à la toile et le talent d’un artiste pour mélanger et utiliser pigments de couleur était critique. L’importance que les Vénitiens accordaient à la couleur explique en partie pourquoi ils ont adopté peinture à l’huile avec plus d’enthousiasme que leurs homologues de Florence, car la peinture à l’huile donnait aux artistes plus de profondeur et de luminosité que détrempe. Pour l’impact des peintres de Venise sur l’art européen, voir: Héritage de la peinture vénitienne (après 1600).

Héritage de la peinture vénitienne

27/10/2020 9 483
introduction Les héritiers de la grande floraison du XVIe siècle Peinture vénitienne devaient se trouver non pas à Venise même (où le talent a diminué rapidement après 1600), mais à Amsterdam, Anvers et Madrid; Rome, Paris et Londres. Les Italiens Caravaggio et Annibale Carracci; les maîtres néerlandais, Rubens, Anthony Van Dyck et Rembrandt; Poussin et Velazquez – ces génies, dont l’exemple a inspiré et dominé peinture d’art En Europe, pendant près de 250 ans, alors qu’ils présidaient encore nos musées réels et imaginaires, ils se sont largement nourris de la peinture de la Venise Renaissance, qui a ainsi quitté les frontières de l’art italien (auquel l’historien / peintre Giorgio Vasari souhaitait le consigner) au centre même. Certains de ces peintres ont visité Venise elle-même, mais d’autres non. Au cours du XVIIe siècle, les images vénitiennes se répandirent dans les villes de toute l’Europe. Lorsque le jeune Rembrandt fut invité à se rendre en Italie pour améliorer son style, il déclara que c’était inutile, car il était plus facile de voir l’italien. Art de la Renaissance à Amsterdam que de voyager de ville en ville en Italie même. Nous verrons que cette demande n’est pas totalement déraisonnable.

Retables vénitiens: Renaissance, périodes de maniérisme

27/10/2020 13 565
introduction Dans cet article, nous examinons le développement de Venetian retable d’art pendant le seizième siècle – principalement des retables, des retables et des triptyques – et montrez comment cette tradition a été modifiée par les principaux artistes de cette période. Pour un certain nombre de raisons, ce n’est pas une tâche facile. Premièrement, la période en question, qui couvre la fin de la période Début de la renaissance (1400-90), le Haute renaissance (1490-1530), Maniérisme (c.1530-99) et les débuts de la Baroque (1600-1700), a été marquée par des changements radicaux dans la théorie artistique, les principes de composition et les formes d’expression. Deuxièmement, dans l’orbite de Peinture vénitienne il existait des écoles locales avec leurs propres traditions et normes de Art biblique; et il y avait une différence de qualité particulièrement marquée entre les produits de Venise elle-même et ceux des centres provinciaux du continent. Enfin, il est souvent difficile de prendre en compte les contributions très originales et idiosyncratiques des plus grands Maîtres Anciens dans un schéma de développement rigide. Néanmoins, il est possible de discerner une sorte de modèle de Art chrétien, dont les origines remontent au dernier quart du 15ème siècle. A cette époque, une formule distinctive pour les retables vénitiens fut modifiée et améliorée au 16ème siècle. Remarque: les retables venaient généralement dans les formats de base suivants: diptyque (2 panneaux), triptyque (3 panneaux) ou polyptyque (multi-panneaux).

Trecento, Art Italien du XIVème siècle

27/10/2020 6 521
Quelle est la signification de Trecento Le terme " trecento " (italien pour "trois cents") est l’abréviation de " milletrecento " ("treize cents"), ce qui signifie le XIVe siècle. Une période très créative, elle a vu l’émergence de Peinture pré-Renaissance, ainsi que la sculpture et l’architecture au cours de la période 1300-1400. En fait, puisque le trecento coïncide avec le mouvement pré-Renaissance, le terme est souvent utilisé comme synonyme de Art proto-renaissance – c’est le pont entre le moyen-âge Art gothique et le Début de la renaissance. Le siècle suivant (1400-1500) est connu sous le nom de quattrocento et celle qui suit (1500-1600) est connue sous le nom de cinquecento .

Peinture de couleurs du Titien et de Venise

27/10/2020 15 239
introduction ’Michelangelo pour la forme et Titien pour la couleur’: cette dichotomie bien usée, qui trouve son origine dans cinquecento elle-même, a récemment été bouleversée par la découverte, à la suite d’un nettoyage, de la brillance et de la subtilité des couleurs chez Michelangelo Fresques de la chapelle Sixtine; et personne qui a vu la splendeur de couleurs bigarrées du début du XVIe siècle florentine Haute renaissance Dans les expositions des Médicis de 1980, les peintures pourraient mettre en doute l’importance de la couleur, ou du moins de la couleur, pour les artistes italiens centraux. Si cette exposition était florentine plutôt que Peinture vénitienne les couleurs seraient plus vives, plus colorées et tout à fait plus éclatantes que ce que nous voyons devant nous. Pourquoi alors l’importance accordée, à partir de Vasari, à la couleur vénitienne?

Tachisme, Art Informel: Histoire, Caractéristiques

27/10/2020 4 119
Une sous-variante du plus large Art Informel style – l’un des plus importants mouvements d’art moderne en Europe après la seconde guerre mondiale – le tachisme était une forme de tache peinture gestuelle, une variante européenne de " peinture d’action. "

Synthétisme: style de peinture

27/10/2020 6 050
Peinture expressionniste avec symbolisme Le terme synthétisme décrit un style de Peinture post-impressionniste qui a été développé pendant les années 1880 par Paul Gauguin (1848-1903), Emile Schuffenecker (1851-1934), Emile Bernard (1868-1941), Louis Anquetin (1861-1932) et autres. Dans le but de rompre avec l’obsession des impressionnistes d’étudier la lumière, Gauguin chercha à développer un nouveau style de peinture basé sur des zones bidimensionnelles de pure Couleur (c’est-à-dire avec peu de zones ombrées ou n’importe quel type de modélisation 3D) et quelques lignes fortes. Les techniques du synthétisme sont illustrées dans le chef-d’œuvre de Gauguin, Vision après le sermon (1888, National Gallery of Scotland), l’un des plus grandes peintures modernes, qui décrit deux niveaux de réalité différents: le monde réel et le monde des rêves. Le terme synthétisme faisait référence à la "synthèse" de (1) formes et schémas de couleurs simplifiés, avec (2) l’idée ou le sentiment principal du sujet, afin de produire une déclaration artistique plus audacieuse. Le synthétisme est fortement associé à la Colonie d’artistes de Pont-Aven en Bretagne. Autre peintres expressionnistes basé à Pont-Aven qui pratiquait le synthétisme, comprenait Jacob Meyer de Haan (1852-1895), Charles Laval (1862-1894), Paul Sérusier (1863-1927), Charles Filiger (1863-1928) et Armand Seguin (1869-1903). Dans leur propre description de ce nouveau style de Peinture française, avec ses larges zones de couleur pure et ses contours noirs, Emile Bernard et Louis Anquetin ont préféré utiliser le nom Cloisonnisme d’après la technique médiévale cloisonnée d’émaillage.