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27.09.2020 16 224
L’époque de l’art hellénistique (323-27 av. J.-C.) a été presque aussi longue que toute la sculpture grecque qui l’a précédée réunie. Au début, les tendances classiques tardives se poursuivent et se développent, au milieu, l’école dite de Pergame fait preuve d’une originalité que l’on peut conventionnellement qualifier de baroque, et vers la fin, un mouvement de classicisation s’affirme. Mais ces différents styles ne se limitent pas chacun à une partie de la période, et il faut en intégrer bien d’autres. La confusion ne s’explique pas non plus par des traditions locales différentes : bien qu’Athènes semble avoir été encline au conservatisme et qu’Alexandrie ait utilisé le stuc, un matériau qui permet un modelage doux, les sculpteurs ont voyagé autant ou même plus qu’auparavant, et les Athéniens, par exemple, pouvaient travailler dans le style Pergamon . «Pergame» a d’ailleurs ici un sens stylistique plutôt que géographique. Les rois hellénistiques de Pergame, qui se sont emparés d’une grande partie de l’Asie Mineure occidentale, étaient des mécènes de la sculpture, collectionnant les œuvres anciennes et en commandant de nouvelles ; et le style du plus célèbre de leurs nouveaux monuments a été nommé d’après eux, bien que ce style ne soit pas propre à Pergame, ni le seul qui s’y soit développé. Caractéristiques Les sujets étaient aussi variés que les styles, et les extrêmes du Laocoon et du garçon et de l’oie assis, l’un montrant une agonie héroïque et l’autre une innocence sentimentale, ne donnent pas une idée complète de leur variété. Les figures traditionnelles de divinités et d’athlètes perdurent. Il y a des études réalistes, directes ou comiques, de la vie des classes inférieures - le vieux pêcheur, par exemple, ou la vieille femme ivre - des types ethniques, des satyres et d’autres êtres subhumains, et même des animaux. Les personnifications, telles que les Muses, deviennent plus courantes. Des figures flirteuses, ludiques et érotiques (y compris un jeune hermaphrodite) répondent à d’autres goûts. La peinture de portrait s’épanouit plus librement. Cet élargissement du répertoire et des objectifs du sculpteur est souvent considéré comme le reflet des changements spirituels qui ont suivi la conquête de l’Empire perse par Alexandre. Les grandes monarchies centralisées supplantent les cités-états indépendantes, les centres de pouvoir et de richesse se déplacent de la Grèce européenne vers les nouvelles capitales d’Asie et d’Égypte, les anciennes notions d’égalité politique cèdent la place à une stratification plus rigide des classes, et les gens ordinaires passent des intérêts civiques aux intérêts personnels. Néanmoins, il n’y a aucune raison de croire que le développement de la sculpture grecque aurait été significativement différent si l’ancien ordre avait persisté. Les souverains hellénistiques, pour des raisons politiques, cherchent à diffuser la culture grecque traditionnelle. En Grèce même, les cités-États (qui conservaient encore une grande autonomie) se tournaient consciencieusement vers le passé, et les sculpteurs disposaient d’un marché plus large pour leurs œuvres. Il ne semble pas non plus que la demande de sculptures dans les maisons privées ait influencé la création de nouveaux types et de nouvelles versions. Le garçon à l’oie peut sembler avoir été créé spécifiquement pour le plaisir domestique. Cependant, selon Gerondas, qui écrit dans la première moitié du IIIe siècle, une statue de ce type au moins était exposée dans le sanctuaire d’Asclépios. Et vers 100 ans avant J.-C., parmi les statues façonnées dans les maisons de Délos, se trouvaient des copies d’anciens maîtres réputés. Un style aussi sûr et puissant que celui de la sculpture classique a probablement eu une impulsion propre, et les styles hellénistiques peuvent être expliqués comme dérivant de la tradition classique par évolution ou réaction. En effet, les tendances au naturalisme, à l’expression des émotions et à la sentimentalité sont perceptibles dès le IVe siècle. CHRONOLOGIE Après la sculpture grecque dédalique (650-600) vient la sculpture grecque archaïque (600-480), puis la sculpture grecque classique primitive (480-450), puis la sculpture grecque classique supérieure (450-400) et enfin la sculpture grecque classique tardive (400-323). Anatomie Quoi que l’on puisse penser de la valeur esthétique de leurs œuvres, les principaux sculpteurs hellénistiques étaient plus habiles que leurs prédécesseurs classiques et ont apporté une contribution significative aux connaissances héritées. Ils ont amélioré leur compréhension de l’anatomie, à la fois la configuration détaillée de la surface du corps et sa réponse à la tension et à la relaxation, mais cette compréhension a été utilisée de manière sélective en fonction du sujet et de la nature de l’œuvre. À la fin du IVe siècle et au début du IIIe siècle, les disciples de Praxitèle parviennent à un modelage encore plus doux de la chair, qui continue à être une technique privilégiée lorsque des effets sensuels ou sentimentaux sont requis - par exemple dans les nus féminins, les hermaphrodites et les petits enfants. D’autres sculpteurs du début de l’époque hellénistique se sont concentrés sur le type de l’homme athlétique, remodelé par Lysippe ou ses contemporains, et, bien qu’ils aient conservé des formes maigres et une peau coriace, ils ont parfois agrémenté l’effet d’une dose de pathos. Le type est certainement resté utile pour les statues nues commémoratives de vainqueurs de jeux, de princes et de nobles héroïques, et même de personnes privées, bien que la concurrence soit venue plus tard de l’étendard polykléen revivifié. Une autre tendance qui se développe au début du troisième siècle est le style sec, non classique, qui met l’accent sur le dessin linéaire plutôt que sur le modelé, mais qui convient mieux aux draperies et aux têtes de portraits qu’aux corps nus. Plus ambitieuse est la tentative de réutiliser d’anciennes formes et dispositifs classiques pour créer des effets dramatiques, notamment sur la frise principale de l’autel de Zeus de Pergame, où, sur certains torses, la musculature apparaît sous la forme d’une sorte de cuirasse. Ce style pergamonien de la sculpture hellénistique remonte au IIIe siècle, mais s’est épanoui au IIe et, à en juger par «Laocoon et ses fils», était encore pratiqué au milieu du Ier siècle. Pour les statues de culte des dieux, les types classiques ont toujours eu une influence permanente, et finalement, à la fin du deuxième siècle, il y a eu une réaction, et de nombreux sculpteurs se sont tournés vers les œuvres des cinquième et quatrième siècles comme modèles de correction. (Note : sur les styles architecturaux de la Grèce antique, voir : Architecture grecque). Dans la représentation de l’anatomie, les sculpteurs hellénistiques ne s’écartent pas souvent des formules classiques, puisqu’elles sont déjà suffisamment fidèles à la nature et qu’il n’y a pas lieu de recommencer. Ils ne modifient pas non plus le système de proportions de la figure masculine, bien qu’un canon féminin alternatif soit bientôt adopté, avec des épaules plus étroites, une taille haute et des hanches larges. Des changements plus radicaux sont intervenus dans le domaine de la draperie. Dans ce domaine, les sculpteurs du Haut Classique développent un système de dispositifs qui clarifient les formes et les actions du corps, mais qui, bien qu’efficaces sur le plan optique, ne correspondent pas à la nature. Ce système est resté valable au IVe siècle, en dépit des tendances à un arrangement plus naturel des plis et à l’attribution d’une signification propre à la draperie. Ces tendances ont été poursuivies par certains des premiers sculpteurs hellénistiques, et il semble même qu’il y ait eu un abandon conscient des normes classiques, peut-être plus par souci de nouveauté que par principe artistique. Sur les sculpteurs ultérieurs et les mouvements inspirés par la sculpture hellénistique de la Grèce antique, voir : Le classicisme dans l’art (à partir de 800). Drapage Selon un schéma encore très répandu dans la sculpture hellénistique tardive, la figure féminine est vêtue d’un chiton, qui dissimule souvent les jambes, et d’un manteau fin et serré qui court en diagonale du genou à la hanche, se fronce à la hanche et s’enroule sur la taille ou la poitrine ou - plus souvent - recouvre les épaules et parfois la tête. Ce manteau est décoré de fines crêtes acérées, en partie partant de la hanche, en partie au hasard et interrompues de manière aléatoire ; et s’il y a un rouleau, il est généralement étroit et torsadé comme une corde. En revanche, les plis du chiton sont généralement serrés et verticaux et, avec une dextérité qui commence à s’émousser, ils sont allongés de manière à être visibles, un peu flous comme il se doit, à travers le manteau qui les recouvre. En même temps, une tradition largement classique a été maintenue, surtout dans les statues des dieux. Cette tradition a été utilisée de manière éclectique par les sculpteurs du style de Pergame et reprise avec plus de fidélité par les classicistes de la fin du deuxième et du premier siècle. La représentation de l’émotion Les maîtres classiques préféraient transmettre l’émotion par des gestes simples et, bien qu’au milieu du IVe siècle une certaine intensité d’aspect ait été tolérée, la représentation de visages déformés par le chagrin est restée le domaine des petits artisans qui sculptaient des reliefs sur les tombes. Les sculpteurs hellénistiques avaient des normes différentes. Dans les œuvres à caractère traditionnel, ils conservent leur impassibilité d’antan, mais lorsque le but est naturaliste ou dramatique, ils savourent leur virtuosité. La douleur, la peur, le plaisir, la gaieté, l’ivresse, la léthargie, le sommeil et la mort étaient à leur portée au deuxième siècle, de même que toutes les gradations d’âge, et lorsqu’ils le souhaitaient, ils pouvaient produire des types raciaux différenciés de manière plausible. Comme on pouvait s’y attendre, les portraits devinrent plus flamboyants, même si le client s’attendait généralement à de la dignité. (Note : biographies d’éminents sculpteurs de la Grèce antique : Phidias (488-431 av. J.-C.), Myron ,,