27.10.2020 9 483 introduction
Les héritiers de la grande floraison du XVIe siècle Peinture vénitienne devaient se trouver non pas à Venise même (où le talent a diminué rapidement après 1600), mais à Amsterdam, Anvers et Madrid; Rome, Paris et Londres. Les Italiens Caravaggio et Annibale Carracci; les maîtres néerlandais, Rubens, Anthony Van Dyck et Rembrandt; Poussin et Velazquez – ces génies, dont l’exemple a inspiré et dominé peinture d’art En Europe, pendant près de 250 ans, alors qu’ils présidaient encore nos musées réels et imaginaires, ils se sont largement nourris de la peinture de la Venise Renaissance, qui a ainsi quitté les frontières de l’art italien (auquel l’historien / peintre Giorgio Vasari souhaitait le consigner) au centre même. Certains de ces peintres ont visité Venise elle-même, mais d’autres non. Au cours du XVIIe siècle, les images vénitiennes se répandirent dans les villes de toute l’Europe. Lorsque le jeune Rembrandt fut invité à se rendre en Italie pour améliorer son style, il déclara que c’était inutile, car il était plus facile de voir l’italien. Art de la Renaissance à Amsterdam que de voyager de ville en ville en Italie même. Nous verrons que cette demande n’est pas totalement déraisonnable.
27.10.2020 13 564 introduction
Dans cet article, nous examinons le développement de Venetian retable d’art pendant le seizième siècle – principalement des retables, des retables et des triptyques – et montrez comment cette tradition a été modifiée par les principaux artistes de cette période. Pour un certain nombre de raisons, ce n’est pas une tâche facile. Premièrement, la période en question, qui couvre la fin de la période Début de la renaissance (1400-90), le Haute renaissance (1490-1530), Maniérisme (c.1530-99) et les débuts de la Baroque (1600-1700), a été marquée par des changements radicaux dans la théorie artistique, les principes de composition et les formes d’expression. Deuxièmement, dans l’orbite de Peinture vénitienne il existait des écoles locales avec leurs propres traditions et normes de Art biblique; et il y avait une différence de qualité particulièrement marquée entre les produits de Venise elle-même et ceux des centres provinciaux du continent. Enfin, il est souvent difficile de prendre en compte les contributions très originales et idiosyncratiques des plus grands Maîtres Anciens dans un schéma de développement rigide. Néanmoins, il est possible de discerner une sorte de modèle de Art chrétien, dont les origines remontent au dernier quart du 15ème siècle. A cette époque, une formule distinctive pour les retables vénitiens fut modifiée et améliorée au 16ème siècle. Remarque: les retables venaient généralement dans les formats de base suivants: diptyque (2 panneaux), triptyque (3 panneaux) ou polyptyque (multi-panneaux).
27.10.2020 6 521 Quelle est la signification de Trecento
Le terme " trecento " (italien pour "trois cents") est l’abréviation de " milletrecento " ("treize cents"), ce qui signifie le XIVe siècle. Une période très créative, elle a vu l’émergence de Peinture pré-Renaissance, ainsi que la sculpture et l’architecture au cours de la période 1300-1400. En fait, puisque le trecento coïncide avec le mouvement pré-Renaissance, le terme est souvent utilisé comme synonyme de Art proto-renaissance – c’est le pont entre le moyen-âge Art gothique et le Début de la renaissance. Le siècle suivant (1400-1500) est connu sous le nom de quattrocento et celle qui suit (1500-1600) est connue sous le nom de cinquecento .
27.10.2020 15 239 introduction
’Michelangelo pour la forme et Titien pour la couleur’: cette dichotomie bien usée, qui trouve son origine dans cinquecento elle-même, a récemment été bouleversée par la découverte, à la suite d’un nettoyage, de la brillance et de la subtilité des couleurs chez Michelangelo Fresques de la chapelle Sixtine; et personne qui a vu la splendeur de couleurs bigarrées du début du XVIe siècle florentine Haute renaissance Dans les expositions des Médicis de 1980, les peintures pourraient mettre en doute l’importance de la couleur, ou du moins de la couleur, pour les artistes italiens centraux. Si cette exposition était florentine plutôt que Peinture vénitienne les couleurs seraient plus vives, plus colorées et tout à fait plus éclatantes que ce que nous voyons devant nous. Pourquoi alors l’importance accordée, à partir de Vasari, à la couleur vénitienne?
27.10.2020 4 119 Une sous-variante du plus large Art Informel style – l’un des plus importants mouvements d’art moderne en Europe après la seconde guerre mondiale – le tachisme était une forme de tache peinture gestuelle, une variante européenne de " peinture d’action. "
27.10.2020 6 050 Peinture expressionniste avec symbolisme
Le terme synthétisme décrit un style de Peinture post-impressionniste qui a été développé pendant les années 1880 par Paul Gauguin (1848-1903), Emile Schuffenecker (1851-1934), Emile Bernard (1868-1941), Louis Anquetin (1861-1932) et autres. Dans le but de rompre avec l’obsession des impressionnistes d’étudier la lumière, Gauguin chercha à développer un nouveau style de peinture basé sur des zones bidimensionnelles de pure Couleur (c’est-à-dire avec peu de zones ombrées ou n’importe quel type de modélisation 3D) et quelques lignes fortes. Les techniques du synthétisme sont illustrées dans le chef-d’œuvre de Gauguin, Vision après le sermon (1888, National Gallery of Scotland), l’un des plus grandes peintures modernes, qui décrit deux niveaux de réalité différents: le monde réel et le monde des rêves. Le terme synthétisme faisait référence à la "synthèse" de (1) formes et schémas de couleurs simplifiés, avec (2) l’idée ou le sentiment principal du sujet, afin de produire une déclaration artistique plus audacieuse. Le synthétisme est fortement associé à la Colonie d’artistes de Pont-Aven en Bretagne. Autre peintres expressionnistes basé à Pont-Aven qui pratiquait le synthétisme, comprenait Jacob Meyer de Haan (1852-1895), Charles Laval (1862-1894), Paul Sérusier (1863-1927), Charles Filiger (1863-1928) et Armand Seguin (1869-1903). Dans leur propre description de ce nouveau style de Peinture française, avec ses larges zones de couleur pure et ses contours noirs, Emile Bernard et Louis Anquetin ont préféré utiliser le nom Cloisonnisme d’après la technique médiévale cloisonnée d’émaillage.
27.10.2020 10 722 Introduction: Histoire et caractéristiques
Après les phases de Peinture cubiste ancienne et Cubisme Analytique, troisième et dernier acte de la collaboration cubiste entre Georges Braque (1882-1963) et Pablo Picasso (1881-1973) se sont produits entre 1912 et 1414. Connu sous le nom de cubisme synthétique, ce style d’art symbolique est plus coloré que la forme analytique antérieure. Cubisme, incorpore une grande variété de matériaux étrangers, et est particulièrement associé à la nouvelle technique de Picasso collage et le papier colles de Braque. L’Espagnol Juan Gris (1887-1927) a largement contribué au nouveau style. Si le cubisme analytique fournissait une alternative picturale révolutionnaire au point unique perspective linéaire, Le cubisme synthétique était également novateur dans son utilisation des collages et des colles en papier, qui ont tous deux comblé le fossé entre la vie et l’art en insérant des morceaux du monde réel sur la toile. Ils ont également souligné le fait qu’un tableau est un objet plat en deux dimensions et estompe la frontière entre peinture et sculpture. Il a eu une influence notable sur les mouvements ultérieurs tels que Dada (c.1916-24) Surréalisme (À partir de 1924) et Pop Art (c.1960-75). Le cubisme synthétique de Picasso a coïncidé avec son déménagement de Monmartre de Bohême à Montparnasse et s’est achevé avec le déclenchement de la guerre à l’automne 1914, peu après quoi Braque partit se battre et Daniel-Henry Kahnweiler (le principal marchand d’art du duo) s’est enfui en Suisse. En tant que neutre espagnol, Picasso était libre de continuer sa carrière de peintre à Paris. En temps voulu, il était représenté par Paul Rosenberg (1881-1959), frère cadet du marchand cubiste Léonce Rosenberg (1879-1947).
27.10.2020 4 525 Qu’est-ce que le synchromisme?
Dans art moderne, le terme "synchromisme" désigne un style de La peinture lancé à Paris en 1913 par deux peintres américains, Morgan Russell (1886-1953) et Stanton MacDonald-Wright (1890-1973). Similaire au style français de Orphisme, Le synchromisme était une forme de art abstrait, dans lequel Couleur s’est vu attribuer le rôle principal en tant que source de forme et d’expression. Des expositions synchromistes ont eu lieu en 1913 à Paris et à Munich, ainsi qu’à New York, dans le sillage de la célèbre Exposition internationale d’art moderne (autrement connu sous le nom de Spectacle d’arsenal). Le style synchromiste de Art américain fut également adopté par le peintre du centre-ouest Thomas Hart Benton (1889-1975), avant de passer au régionalisme dans les années 1920. Initialement salué comme l’un des prochains mouvements d’art abstrait pendant la Première Guerre mondiale, il a fait long feu, bien que ses fondateurs aient conservé la réputation d’être à la pointe de la artistes modernes au début du 20ème siècle. À la fin de la guerre, un nouveau style austère et géométrique de art non objectif – illustré par le De Stijl mouvement, fondé par Theo Van Doesburg (1883-1931), et Néo-plasticisme créé par Piet Mondrian (1872-1944) – aurait préséance sur le synchromisme (et l’orphisme) en Europe, tandis que le réalisme s’imposerait en Amérique.
27.10.2020 6 631 Définition et caractéristiques
Le symbolisme, mouvement de la fin du XIXe siècle Peinture post-impressionniste, a fleuri dans toute l’Europe entre 1886 et 1900 dans presque tous les domaines des arts. Apparaissant initialement dans la littérature, y compris la poésie, la philosophie et le théâtre, il s’est ensuite étendu à la musique et aux arts visuels. L’art symboliste avait des liens étroits avec le Préraphaélites et avec le romantisme, ainsi que le mouvement de l’ esthétisme. Comme tous ces mouvements, le symbolisme a été en grande partie une réaction contre le naturalisme et le réalisme, et est devenu étroitement associé à peinture mythologique de toute sorte. Là où réalistes et naturalistes cherchaient à capturer la réalité optique dans toute sa rigueur objective et se concentraient ainsi sur l’ordinaire plutôt que sur l’idéal, les symbolistes cherchaient une réalité plus profonde dans leur imagination, leurs rêves et leur inconscient. Peintres symbolistes célèbres inclus Gustave Moreau (1826-1898), Arnold Bocklin (1827-1901), Ferdinand Hodler (1853-1918), Max Klinger (1857-1920), Paul Gauguin (1848-1903), James Ensor (1860-1949), Edvard Munch (1863-1944), Odilon Redon (1840-1916), et Puvis de Chavannes. Bien que de courte durée, le mouvement eut une forte influence sur Art allemand du 19ème siècle, et un grand impact sur les artistes européens du 20ème siècle, en particulier ceux impliqués dans Les Nabis et Art Nouveau et aussi le Expressionnisme et Surréalisme mouvements. Il a également influencé des artistes comme Whistler, Giorgio de Chirico, Joan Miro, Paul Klee, Frida Kahlo et Marc Chagall. Au cours des années 1990, un certain nombre de peintres chinois – membres du Réalisme cynique mouvement à Beijing – a utilisé des motifs symbolistes pour exprimer les incertitudes politiques et sociales suscitées par la répression sur la place Tiananmen.
27.10.2020 30 108 Qu’est-ce que le surréalisme? – Les caractéristiques
Le surréalisme était "le" mouvement artistique à la mode des années de l’entre-deux-guerres, et le dernier grand mouvement d’art associé à la Ecole de Paris, d’où il s’est répandu à travers l’Europe, devenant l’une des écoles ou styles de musique les plus influents art d’avant-garde. Son nom provient de l’expression Drame surréaliste, sous-titre d’une pièce de théâtre de 1917 de l’écrivain et critique d’art Guillaume Apollinaire (1880-1918). Le surréalisme est issu de "l’anti-art" nihiliste Dada mouvement, dont la plupart des membres sont devenus surréalistes. Cependant, tout en étant "révolutionnaire" en tant que Dada, le surréalisme était moins ouvertement politique et prônait une philosophie plus positive – résumée par André Breton comme "une pensée exprimée en l’absence de tout contrôle exercé par la raison et en dehors de toute considération morale et esthétique. "
27.10.2020 26 125 introduction
La grandeur de l’Espagne en matière de peinture se retrouve dans la sélection de quelques artistes qui s’élevent tellement au-dessus de leurs semblables qu’ils occupent le sommet de l’art européen. Elles sont El Greco (1541-1614), Diego Velazquez (1599-1660), et Francisco de Goya (1746 1828). Une certaine similitude peut être trouvée entre leur éminence et celle de Rembrandt en Hollande et de Rubens aux Pays-Bas espagnols, bien que non seulement les Pays-Bas, le nord et le sud, un plus grand nombre de Maîtres Anciens, et d’autres artistes qui ont fait preuve d’une grande originalité à un niveau distingué, mais également d’une évolution plus cohérente.
27.10.2020 10 388 L’âge d’or de la peinture espagnole – Caractéristiques
Comme aux Pays-Bas, l’ère du 17ème siècle de Art baroque était l’âge d’or de Peinture espagnole .Libéré de la plupart des éléments italiens et parrainé par une Église catholique sans compromis – fortement soutenu par les empereurs Habsbourgdévots – Artistes baroques espagnols a adopté un style sévère et noble Art de la contre-réforme catholique, qui combinent ligne et couleur ainsi que le graphique et le pictural, et impliquent un sens de l’observation si aigu qu’aucun autre âge ou style de Art chrétien a été capable de le dépasser en vérité. C’était l’école d’espagnol, de concert avec les maîtres du Baroque hollandais en Hollande, cela a efficacement guidé la peinture européenne sur la voie du réalisme naturaliste .
27.10.2020 7 035 Les caractéristiques
Le réalisme socialiste fait référence à toute peinture ou sculpture, créée dans un style réaliste, qui contient un message socialiste. Parfois appelé art communiste, ce type de politique peinture réaliste est le mieux illustré par le style de Art russe qui a été introduit à la fin des années 1920 / début des années 1930, à l’époque stalinienne, et qui est devenu obligatoire pour tous les artistes. La peinture et la sculpture socialistes réalistes ontété un élément clé de la campagne de propagande communiste en cours à destination des citoyens de l’Union soviétique (URSS). Conçu pour attirer un public de masse, il a pour but de lui inspirer de l’admiration pour les citoyens qui travaillent dur pour construire une société communiste. L’ idéalisation héroïque de l’ouvrierétait son leitmotif, mais ses images étaient caractérisées par une forme de le réalisme, peint dans des couleurs vives. Les sculptures socialistes réalistes sont généralement des pièces monumentales fortement figuratives. Cependant, les affiches étaient de loin la forme d’art réaliste socialiste la plus populaire et la plus répandue . Une grande partie de cette activité d’agitprop a été dirigée par Andrei Zhdanov (1896-1948), chef de la culture de Staline. D’autres pays totalitaires (par exemple l’Albanie, la Chine et la Corée du Nord) ont poursuivi des objectifs similaires. esthétique, tout comme l’Allemagne nazie. Art nazi par exemple, produit sous Joseph Goebbels, a promu l’idéologie nationale-socialiste, comme en témoignent les affiches antisémites dégoûtantes de Hans Schweitzer (Mjolnir) (1901-1980) et les puissants films et photos de propagande Leni Riefenstahl (1902-2003).
27.10.2020 4 665 Qu’est-ce que le réalisme social?
Dans art moderne, l’expression "réalisme social" est traditionnellement associée à l’entre-deux-guerres Art américain, qui commentait les conditions sociales, économiques et politiques qui prévalaient pendant la période de la dépression. Incarné dans le travail de Ben Shahn (1898-1969), le réalisme social américain était l’un des deux mouvements d’art moderne avec un personnage de gauche – l’autre étant le réalisme socialiste d’inspiration soviétique. Il a évolué à partir de la première Ashcan mouvement d’art urbain, dirigé par Robert Henri (1865-1929). Plus important encore, il a été renforcé par le Federal Art Project (1935-1943), programme de promotion de l’art publique, qui a promu le rôle de l’artiste au sein de la société. À son apogée, le Federal Art Project employait plus de cinq mille artistes modernes impliqué dans art de l’affiche et gravure aussi bien que artisanat et La peinture. La décoration des bâtiments publics faisait partie intégrante du programme et comprenait également un Index of American Design, un vaste document écrit de art décoratif en Amérique. Autres mouvements réalistes de l’entre-deux-guerres inclus Peinture de scène américaine et son rejeton Régionalisme.
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