Arts visuels: définition, histoire, classification Automatique traduire
"Arts visuels" est un terme générique moderne mais imprécis qui désigne une vaste catégorie d’art qui comprend un certain nombre de disciplines artistiques appartenant à différentes sous-catégories. Sa large portée élimine toute tentative de définition. Par conséquent, plutôt que de définir ou de composer un sens dilué pour elle, voici une liste de ses disciplines constitutives. (Voir également: Types d’art.)
Que comprend l’art visuel?
Les définitions des arts visuels englobent généralement les éléments suivants:
1. Beaux Arts
Tout beaux arts appartient à la catégorie générale des arts visuels. Celles-ci incluent des activités telles que: Dessin, La peinture, Gravure et Sculpture, ainsi que des activités associées comme Art graphique, Illumination manuscrite, Illustration de livre, Calligraphie et architecture.
2. Arts contemporains
Les arts visuels comprennent également un certain nombre de formes d’art moderne, telles que: Assemblage, Collage, Technique mixte, Art conceptuel, Installation, Événements et Art de la performance, ainsi que des disciplines cinématographiques telles que La photographie, Art vidéo et Animation, ou toute combinaison de ceux-ci. Ce groupe d’activités comprend également des disciplines de haute technologie telles que l’infographie et les impressions giclées. Un autre art visuel moderne, est le nouvel environnement ou Land art, qui inclut également des formes transitoires telles que la sculpture de glace / neige, et (vraisemblablement) art de graffiti.
3. Arts décoratifs et artisanat
En outre, la catégorie générale des arts visuels comprend un certain nombre de art décoratif disciplines et artisanat, y compris: céramique et la poterie de studio, art de la mosaïque, mobiles, tapisserie, art du verre (y compris vitrail), et d’autres.
4. Autre
Les définitions plus larges de l’art visuel incluent parfois art appliqué des domaines tels que le graphisme, le design de mode et le design d’intérieur. De plus, de nouveaux types de Art corporel peut également relever de la catégorie générale des arts visuels. Ceux-ci incluent: art de tatouage, peinture de visage, et Body painting.
Classification de l’histoire de l’art
Nouveau métier d’artiste
Bien que diverses formes d’art soient pratiquées depuis des centaines de millénaires, le rôle de "l’artiste" n’est apparu que récemment. Au cours de l’Antiquité classique et de l’époque de Byzance, art carolingien, ottonien, roman et gothique, peintres et sculpteurs ont été traités comme de simples artisans – peintres ou sculpteurs. Puis, à la Renaissance, grâce à des personnalités telles que Leonardo Da Vinci et Michelangelo, le métier d’artiste a été élevé à un niveau supérieur, reflétant l’importance nouvelle perçue de l’élément "design" – ou " disegno ". Soudain, les peintres et les sculpteurs ont acquis un nouveau statut unique, à égalité avec les architectes. Pour les artistes de talent, cette situation est restée pratiquement inchangée à ce jour, sauf qu’ils ont été rejoints par artistes visuels impliqué dans l’installation, l’art vidéo, les travaux conceptuels, l’assemblage et autres. Certains métiers sont également inclus dans la catégorie des arts visuels, bien que la plupart continuent à être financés par des organismes "métiers" (plutôt que "arts").
Art académique
Dès la Renaissance, ce nouveau statut se reflétait également dans un système éducatif fondé sur un réseau d’académies des beaux-arts, qui promulguait une forme particulière de " art académique ". Celles-ci contenaient toutes sortes de règles sur la manière dont (principalement) les peintures et les sculptures devaient être créées. Des éléments tels que le sujet, la forme, le message, la composition, la couleur étaient assez strictement réglementés. Etant donné que la participation à ces expositions d’art était souvent le seul moyen pour un artiste d’acquérir une réputation, de remporter des commandes et d’obtenir finalement l’adhésion convoitée de son académie nationale, l’exclusion signifiait la ruine financière. 20ème siècle que le pouvoir des académies commençait à faiblir de manière significative.
L’art visuel embrasse les arts et de nombreux métiers
Le 20ème siècle a également vu un changement progressif d’attitude envers la pratique de l’artisanat. En termes simples, jusqu’à environ 1900, mis à part la littérature et les «arts du spectacle», les établissements d’enseignement et de formation ne reconnaissaient que deux classes fondamentales d’activités artistiques: (2) artisanat, c’est-à-dire à but utilitaire. (Voir également Esthétique.) Les premiers – depuis la Renaissance – ont été créés par des "artistes", les derniers par une catégorie inférieure d’artisans. Cette distinction arbitraire entre les arts et l’artisanat n’était guère justifiée dans la mesure où de nombreux travaux d’artisanat étaient totalement dépourvus de but fonctionnel et nécessitaient autant de savoir-faire que les beaux-arts. En englobant plusieurs "métiers", la catégorie des arts visuels a permis de supprimer certaines des barrières entre les arts et métiers, bien que beaucoup restent.
L’art visuel étendu pour inclure les formes modernes
Une autre série de changements dans notre classification et notre appréciation de l’art ont commencé à se dérouler au cours des premières décennies du 20e siècle. Cela est dû à l’émergence de plusieurs nouvelles formes d’art, telles que: le collage (tiré du cubisme synthétique de Picasso & Braque, c.1912); assemblage et " objets trouvés " (comme le " readymades "de Marcel Duchamp, 1887-1968); art conceptuel (d’après des œuvres de Marcel Duchamp telles que Fountain, 1917, Replica, Tate Collection, Londres); Arts de la scène et Happenings (tirés des singeries dada de Tristan Tzara (1896-1963) au Cabaret Voltaire, Zurich, c.1916-20); photomontage (à partir d’œuvres de dadaïstes comme Raoul Hausmann et Kurt Schwitters, qui utilise des illustrations et des coupures de publicité, c.1918-20); photographie et art vidéo (œuvres pionnières de Man Ray (1890-1976) et autres); art de l’animation (d’après les œuvres des animateurs américains J. Stuart Blackton, Emile Cohl, Winsor McCay et Walt Disney au début du XXe siècle). De nouvelles techniques sont également apparues dans les disciplines traditionnelles des beaux-arts, telles que la peinture – avec l’invention des peintures acryliques, utilisée par David Hockney (né en 1937) – et la gravure – avec l’introduction de la sérigraphie, utilisée par Andy Warhol (1928-1987); et avec des impressions giclées.
L’industrie des arts visuels
L’augmentation de la richesse au cours de la seconde moitié du 20e siècle a entraîné d’importants investissements supplémentaires dans ce qui est devenu une industrie majeure des arts visuels. Dans de nombreux pays européens, les écoles d’art de niveau tertiaire enseignent maintenant une vaste gamme de matières à des centaines de milliers d’étudiants en art. Des ministères entiers, dotés de budgets de plusieurs millions de dollars, se consacrent maintenant à la promotion des arts visuels, tandis que même les autorités locales maintiennent des "agents des arts" à plein temps pour coordonner les activités au niveau local. Cette structure est souvent complétée par des agences gérées par l’État (par exemple, les conseils des arts), dont le rôle est de disperser le nombre croissant de subventions, bourses, résidences, allocations spéciales et autres types de soutien financier aux artistes visuels. En outre, les gouvernements deviennent d’importants mécènes en achetant d’importantes quantités de tableaux, Art plastique et d’autres œuvres, pour l’affichage public. De nouvelles méthodes de collecte de fonds pour soutenir l’art public ont été développées, telles que le programme Percent For Art en Irlande. Malgré les récentes réductions, tout cela montre l’énorme ampleur de l’industrie des arts visuels au XXIe siècle. Et même si beaucoup d’artistes à temps plein sont encore pauvres, c’est principalement parce que leur nombre a considérablement augmenté au cours des dernières décennies.
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